Podcasts de historia

Techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel

Techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel

En 1508 EC, el Papa encargó al célebre escultor y pintor florentino Miguel Ángel (1475-1564 EC) que pintara escenas en el techo de la Capilla Sixtina del Vaticano. Las paredes de la capilla ya habían recibido decoración de algunos de los más grandes artistas del Renacimiento, pero en cuatro años de trabajo, Miguel Ángel los eclipsaría a todos con su ambición y habilidad técnica, produciendo una de las obras definitorias del arte occidental de cualquier siglo. El techo de paneles múltiples muestra la historia del Génesis desde la Creación hasta Noé y el Gran Diluvio. Esencialmente, las escenas muestran la creación de la humanidad, su caída de la gracia y la redención final.

La Comisión

La Capilla Sixtina en el complejo del Palacio del Vaticano en Roma fue encargada por el Papa Sixto IV (r. 1474-1481 CE). El edificio solo se completó c. 1481 EC, pero el desarrollo de una grieta masiva en el techo en 1504 EC requirió un trabajo de reparación que también ofreció la oportunidad de agregar aún más obras de arte a un interior ya impresionante lleno de arte. Lo que se requería era un trabajo que coincidiera con la excelencia de los frescos de las paredes que muestran escenas de la vida de Jesucristo y Moisés, que habían sido creados por maestros como Sandro Botticelli (1445-1510 EC) y Pietro Perugino (c. 1450-1523). CE). Entonces, un hombre se destacó por encima de todos los demás en el mundo del arte, un artista ya célebre por sus pinturas y esculturas, especialmente por su enorme estatua de David de 1504 d.C., que ahora se encontraba al aire libre en su ciudad natal, Florencia. Este hombre era Michelangelo di Lodovico Buonarroti, y el Papa Julio II (r. 1503-1513 EC) estaba decidido a contratarlo para el trabajo.

Mientras el trabajo estaba en curso, Miguel Ángel no dejó que nadie viera su progreso, ni siquiera el Papa que estaba impaciente por ver el trabajo terminado.

Diseño y técnica

Julio II y Miguel Ángel ya habían unido fuerzas cuando el artista recibió el encargo de realizar la tumba del Papa. Este proyecto, iniciado en marzo de 1505 d.C., no había tenido un buen funcionamiento. Mecenas y artista se habían peleado por el grandioso diseño que una vez incluyó 40 estatuas de mármol. Los contratos se reescribieron varias veces, el diseño se hizo cada vez menos ambicioso y el trabajo se prolongó mucho más allá de la escala de tiempo originalmente prevista. En un momento, Miguel Ángel describió el proyecto como "la tragedia de la tumba" y finalmente abandonó Roma; sus alumnos terminarían más tarde el trabajo.

En este contexto, es fácil ver por qué Miguel Ángel estaba lejos de estar interesado en otro proyecto con el Papa, pero finalmente aceptó el encargo más desafiante de su ilustre carrera. El contrato se firmó en mayo de 1508 EC con el encargo de reemplazar el techo actual de la Capilla Sixtina, que tenía un cielo azul pintado y estrellas. En cambio, el proyecto ahora consistía en pintar figuras de los 12 apóstoles a los lados del techo y rellenar el interior con motivos arquitectónicos. Miguel Ángel, sin embargo, pronto desechó estos planes y optó por algo mucho más ambicioso, cubriendo por completo un techo que mide 39 x 13,7 metros (128 x 45 pies) y ofrece un área de casi 800 metros cuadrados.

Durante los siguientes cuatro años, el maestro trabajaba en gran parte solo y muy a menudo en una posición incómoda en la parte superior de un andamio similar a un puente que él mismo había diseñado para realizar su visión en la pintura. A medida que el artista progresaba, se movía a lo largo del andamio desde la entrada hasta su destino final, la pared del altar. Mientras el trabajo estaba en curso, el artista no dejaba que nadie viera su progreso, ni siquiera el Papa que estaba impaciente por ver terminado el trabajo.

En comparación con otras obras similares de la época, el techo se completó con notable rapidez. Los frescos están pintados con colores muy vivos, a veces en parches bastante grandes. Además, para ayudar al espectador que debe pararse varios metros más abajo, Miguel Ángel utilizó la técnica de contrastar colores uno al lado del otro. Esto hace que algunos colores parezcan aún más brillantes de lo que son y crea un efecto de sombra, reduciendo la necesidad de tonos más oscuros y claros del mismo color, una técnica que no se apreciaría cuando se mira desde el piso de la capilla. El artista también utiliza técnicas de escorzo y perspectiva, plenamente consciente de que el público al que se dirige su obra estaría mirando las escenas desde muy abajo.

¿Historia de amor?

Regístrese para recibir nuestro boletín semanal gratuito por correo electrónico.

La historia del Génesis

El techo es un conjunto casi abrumador de imágenes cristianas. A los lados del techo hay siete profetas y cinco sibilas, que se alternan. Según la tradición cristiana, ambos grupos predijeron la venida de Jesucristo. Las cinco sibilas son representaciones de las de Delfos, Cumas, Libia, Persia y Erythrae. Los siete profetas son Jonás, Daniel, Isaías, Zacarías, Joel, Jeremías y Ezequiel. Jonás merece una mención especial, ya que, apareciendo sobre el altar y visto con el gran pez que se lo tragó, Miguel Ángel ha mostrado la figura aparentemente cayendo hacia atrás, efecto solo acentuado por el hecho de que esta particular área del techo se abomba hacia adelante. Estos trucos de perspectiva se pueden ver en múltiples figuras en el techo.

También alrededor de los bordes, sobre las ventanas en las lunetas semicirculares, hay representaciones de los ancestros tradicionales de Cristo. Los cuatro paneles de las esquinas más grandes contienen escenas que muestran a David y Goliat, y Judith y Holofernes al final de la entrada, con la muerte de Amán y Moisés y la serpiente de bronce al final del altar. Los bordes exteriores del techo tienen secciones delgadas de cielo pintado para crear la ilusión de que el techo contiene aberturas al exterior.

Hay nueve paneles centrales principales que se extienden a lo largo del techo. Los paneles en sí son creados por un marco arquitectónico y se alternan en dos tamaños. Estos paneles muestran un ciclo de episodios del libro de Génesis de la Biblia, que narran la Creación hasta la época de Noé. Curiosamente, la creación de Eva es el panel central, no la creación de Adán, aunque esto puede deberse simplemente a que las escenas son cronológicas, comenzando desde la pared del altar. Sin embargo, un argumento más convincente para la presencia de Eva en el centro de una obra tan obviamente bien pensada por el creador es que Eva se presenta como el equivalente o arquetipo de la Virgen María, a quien está dedicada la Capilla Sixtina.

Aunque la cronología de la historia bíblica comienza en la pared del altar, para ver las escenas en la forma correcta, uno debe mirar hacia el altar. En consecuencia, cuando uno entra en la habitación y camina hacia el altar, en realidad está viendo que la historia sucede al revés, un efecto de retroceso intencional que devuelve al espectador al punto de la Creación. En las esquinas de cada uno de los paneles principales hay cuatro Ignudi figuras, desnudos que nada tienen que ver con la narrativa religiosa, pero que muestran el amor de Miguel Ángel por figuras representadas audazmente en poses dramáticas. En orden, como se ve primero desde la entrada de la capilla, los paneles son:

  • La embriaguez de Noé
  • El gran diluvio
  • El sacrificio de Noé
  • La tentación y la expulsión del paraíso de Adán y Eva
  • La creación de Eva
  • La creación de Adán
  • La separación de la tierra del agua por parte de Dios
  • La creación del sol, la luna y los planetas
  • Dios separa la luz de la oscuridad

Aún existe cierta discusión entre los expertos sobre la identificación precisa de algunas figuras. Por ejemplo, el sacrificio de Noé puede ser de hecho el sacrificio de Abel. La última interpretación encajaría mejor con la cronología del techo en su conjunto y coincidiría con los comentarios de los primeros biógrafos de Miguel Ángel. Al mismo tiempo, la relación entre Noah y Adam es reconocida y reforzada por el artista. Los dos hombres tienen historias paralelas como progenitores de la humanidad y como caídos en desgracia. Esta duplicación de eventos se refleja en la elección de Miguel Ángel de representar a Adán y Noé con poses reclinadas sorprendentemente similares en los paneles de la Creación de Adán y la Embriaguez de Noé.

La pura energía de los paneles Creation es impresionante. El rostro decidido de Dios, sus rodillas dobladas y su túnica arremolinada dan una amplia señal de la fuerza necesaria para crear el Sol y los planetas, que parece lanzar a sus órbitas con los brazos extendidos. El sol es un detalle interesante cuando se ve de cerca y encajaría fácilmente en cualquier pintura impresionista. El panel de la Creación de Adán vuelve a tener a Dios como una figura poderosa y vibrante a gusto en su elemento, mientras que Adán, en contraste, se muestra en una pose lánguida esperando una energía vivificante de su creador. El momento crucial en el que se tocan los dos dedos, a punto de suceder a continuación en la escena, recibe aún más fuerza por la ausencia total de rasgos de fondo, un verdadero abismo entre dos mundos.

La escala se hace más grande y las figuras tienen más espacio dentro del panel a medida que uno se mueve de Noé a esos paneles solo con Dios, dando otra sensación de crecimiento y energía a la experiencia del espectador. Para cuando llegamos al panel final, que es, por supuesto, el primero, Dios ha sido representado con mucha menos precisión y, casi sin rasgos, se ha convertido en una figura retorcida de pura energía.

Recepción

El trabajo fue un éxito inmediato con casi todos los que lo vieron, pero hubo algunos rumores de descontento. La principal objeción fue la cantidad de desnudez y, en particular, la representación de los genitales en un puñado de figuras. Esto no impidió que Miguel Ángel recibiera el encargo de pintar la totalidad de una pared de la capilla con su versión del Juicio Final. Trabajado desde 1536 hasta 1541 d.C., este fresco fue aún más controvertido que el techo. El hecho de que Jesús no tuviera su barba convencional y se viera un poco más joven de lo habitual, así como la aparición de más desnudos, enfureció particularmente a algunos miembros del clero.

En términos de técnica artística, el trabajo de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina fue un importante paso adelante en el desarrollo del arte occidental y fue estudiado por artistas a lo largo del siglo XVI d.C. A lo largo de los siglos posteriores, la obra de Miguel Ángel ha sido apreciada por lo que es, la obra maestra de un gran artista en la cima de sus poderes. La visión central de Dios del techo entre las nubes que se extienden para tocar el dedo de Adán se ha convertido en una de las imágenes más reproducidas de todos los tiempos, y la capilla sigue siendo una de las atracciones más visitadas de Italia.

A finales del siglo XX d.C., el techo se limpió a fondo para eliminar siglos de residuos de humo y polvo, que habían oscurecido el fresco detrás de una espesa niebla negra. Se aplicó una solución delicadamente con hisopos de algodón y, poco a poco, el color que alguna vez fue vibrante de Miguel Ángel volvió a su antigua gloria brillante.


Visitando la Capilla

Figura 2. El interior de la Capilla Sixtina mostrando el techo en relación con los otros frescos.

Para cualquier visitante de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel, dos características se hacen evidentes de manera inmediata e innegable: 1) el techo es muy alto y 2) hay muchas pinturas allí arriba.

Debido a esto, los siglos nos han transmitido una imagen de Miguel Ángel acostado de espaldas, secándose el sudor y el yeso de los ojos mientras se afanaba año tras año, suspendido a cientos de pies en el aire, completando a regañadientes un encargo que nunca quería aceptar en primer lugar.

Afortunadamente para Miguel Ángel, esto probablemente no sea cierto. Pero eso no disminuye el hecho de que los frescos, que ocupan la totalidad de la bóveda, se encuentran entre las pinturas más importantes del mundo.


Miguel Ángel Juicio final, Capilla Sixtina

Eso es todo. El momento que todos los cristianos esperan con esperanza y pavor. Este es el fin del tiempo, el comienzo de la eternidad cuando el mortal se vuelve inmortal, cuando los elegidos se unen a Cristo en su reino celestial y los condenados son arrojados a los tormentos interminables del infierno. Qué tarea desalentadora: visualizar el final de la existencia terrenal y, además, hacerlo en la Capilla Sixtina, la capilla privada de la corte papal, donde los líderes de la Iglesia se reunían para celebrar las liturgias del día de fiesta, donde estaba el cuerpo del Papa. establecido antes de su funeral, y donde, hasta el día de hoy, el Colegio Cardenalicio se reúne para elegir al próximo Papa.

Contextos históricos y pictóricos

Tiziano, Retrato del Papa Pablo III, C. 1543, óleo sobre lienzo, 113,3 x 88,8 cm (Museo di Capodimonte, Nápoles)

La composición

Miguel Angel Juicio final, Capilla Sixtina, pared del altar, fresco, 1534-1541 (Ciudad del Vaticano, Roma)

Cristo, María y los santos (detalle), Miguel Ángel, Juicio final, Capilla Sixtina, pared del altar, fresco, 1534-1541 (Ciudad del Vaticano, Roma)

Ángeles (detalle), Miguel Ángel, Juicio final, Capilla Sixtina, pared del altar, fresco, 1534-1541 (Ciudad del Vaticano, Roma)

Los elegidos (los que van al cielo)

Los muertos se levantan de sus tumbas y flotan hacia el cielo, algunos asistidos por ángeles. En la parte superior derecha, una pareja es llevada al cielo en un rosario, y justo debajo un cuerpo resucitado está atrapado en un violento tira y afloja (detalle), Miguel Ángel, Juicio final, Capilla Sixtina, pared del altar, fresco, 1534-1541 (Ciudad del Vaticano, Roma) fresco, 1534-1541 (Ciudad del Vaticano, Roma)

Los condenados (los que van al infierno)

Los demonios arrastran a los condenados al infierno, mientras los ángeles golpean a los que luchan por escapar de su destino (detalle), Miguel Ángel, Juicio final, Capilla Sixtina, pared del altar, fresco, 1534-1541 (Ciudad del Vaticano, Roma)

Caronte conduce a los condenados a las costas del infierno y en la esquina inferior derecha se encuentra el Minos con orejas de culo (detalle), Miguel Ángel, Juicio final, Capilla Sixtina, pared del altar, fresco, 1534-1541 (Ciudad del Vaticano, Roma)

En compañía de cristo

Izquierda: San Juan Bautista derecha: San Pedro (detalle), Miguel Ángel, Juicio final, pared del altar, Capilla Sixtina, fresco, 1534-1541 (Ciudad del Vaticano, Roma)

Si bien tales detalles estaban destinados a provocar terror en el espectador, la pintura de Miguel Ángel trata principalmente del triunfo de Cristo. Domina el reino del cielo. Los elegidos rodean a Cristo, se destacan en el primer plano y se extienden hasta la profundidad de la pintura, disolviendo el límite del plano del cuadro. Algunos sostienen los instrumentos de su martirio: Andrés la cruz en forma de X, Lawrence la parrilla, San Sebastián un haz de flechas, por nombrar solo algunos.

Especialmente prominentes son San Juan Bautista y San Pedro que flanquean a Cristo de izquierda a derecha y comparten sus enormes proporciones (arriba). Juan, el último profeta, es identificable por la piel de camello que cubre su ingle y cuelga detrás de sus piernas y, Pedro, el primer papa, es identificado por las llaves que regresa a Cristo. Su papel como guardián de las llaves del reino de los cielos ha terminado. Este gesto fue un vívido recordatorio para el Papa de que su reinado como vicario de Cristo fue temporal; al final, él también estará dispuesto a responder a Cristo.

En las lunetas (espacios semicirculares) en la parte superior derecha e izquierda, los ángeles muestran los instrumentos de la Pasión de Cristo, conectando así este momento triunfal con la muerte sacrificial de Cristo. Esta porción de la pared se proyecta un pie hacia adelante, haciéndolo visible para el sacerdote en el altar de abajo mientras conmemora el sacrificio de Cristo en la liturgia de la Eucaristía.

Luneta con ángeles portando los instrumentos de la Pasión de Cristo, (detalle), Miguel Ángel, Juicio Final, Capilla Sixtina, fresco, 1534-1541 (Ciudad del Vaticano, Roma)

Respuesta crítica: ¿obra maestra o escándalo?

Poco después de su inauguración en 1541, el agente romano del cardenal Gonzaga de Mantua informó: “La obra es de tal belleza que su excelencia puede imaginar que no faltan quienes la condenan. . . . [En mi opinión, es una obra diferente a cualquier otra que se pueda ver en cualquier parte ”. Muchos elogiaron el trabajo como una obra maestra. Vieron el estilo figurativo distintivo de Miguel Ángel, con sus poses complejas, escorzo extremo y musculatura poderosa (algunos podrían decir excesiva), como dignos tanto del tema como del lugar. La pura fisicalidad de estos desnudos musculosos afirmó la doctrina católica de la resurrección corporal (que en el día del juicio, los muertos resucitarían en sus cuerpos, no como almas incorpóreas).

Izquierda: Apolo Belvedere, Derecha: Cristo (detalle), Miguel Ángel, Juicio final, Capilla Sixtina, fresco, 1534-1541 (Ciudad del Vaticano, Roma)

Un autorretrato

San Bartolomé (detalle), Miguel Ángel, Juicio final, Capilla Sixtina, fresco, 1534-1541 (Ciudad del Vaticano, Roma)

Una pintura épica

Como Dante en su gran poema épico, La Divina Comedia , Miguel Ángel buscó crear una pintura épica, digna de la grandeza del momento. Usó metáforas y alusiones para adornar su tema. Su audiencia educada se deleitaría con sus referencias visuales y literarias.

En el sentido de las agujas del reloj: San Blas, Santa Catalina y San Sebastián (detalle), Miguel Ángel, Juicio final, Capilla Sixtina, fresco, 1534-1541 (Ciudad del Vaticano, Roma)


Miguel Angel

Era Papa Julio II que eligió a Miguel Ángel Buonarroti para decorar el Techo de la Capilla Sixtina. Miguel Ángel completó la decoración de los techos en solo 4 años.

Inicialmente solo debería haber realizado las figuras de los 12 Apóstoles, pero al final de la obra hubo más de 300 figuras pintadas por el artista.

LAS OBRAS DE LA CAPILLA Sixtina
El comienzo de las obras fue muy lento porque Miguel Ángel nunca había pintado frescos antes de la Capilla Sixtina. Las dificultades eran aún mayores porque la superficie era curva y tenía que aprender los "secretos" de la perspectiva.

Algunos creen que Miguel Ángel pintó de espaldas pero no es cierto porque había ideado un sistema de andamios para facilitar el trabajo.

Además de los frescos del techo, la obra de la Capilla Sixtina más famosa y apreciada de Miguel Ángel es la Juicio final, pintado entre 1535 y 1541.

DESPUÉS DE LA MUERTE DE MICHELANGELO
En los últimos años de la vida de Miguel Ángel el escándalo estalló en el Vaticano por su cuadros de hombres y mujeres completamente desnudos.
En 1564, año en el que murió, se aprobó la ley de censura para sus frescos.

El artista Daniele da Volterra se le encargó cubrir la desnudez con algo de ropa. Hoy es posible admirar el fresco original porque después de algunas restauraciones se quitaron las censuras.


Capilla Sixtina

Nuestros editores revisarán lo que ha enviado y determinarán si deben revisar el artículo.

Capilla Sixtina, capilla papal en el Palacio del Vaticano que fue erigida en 1473–81 por el arquitecto Giovanni dei Dolci para el Papa Sixto IV (de ahí su nombre). Es famoso por sus frescos renacentistas de Miguel Ángel.

La Capilla Sixtina es un edificio rectangular de ladrillo con seis ventanas arqueadas en cada una de las dos paredes principales (o laterales) y un techo abovedado. El exterior de la capilla es monótono y sin adornos, pero las paredes interiores y el techo están decorados con frescos de muchos maestros del Renacimiento florentino. Los frescos de las paredes laterales de la capilla se pintaron entre 1481 y 1483. En la pared norte hay seis frescos que representan eventos de la vida de Cristo pintados por Perugino, Pinturicchio, Sandro Botticelli, Domenico Ghirlandaio y Cosimo Rosselli. En la pared sur hay otros seis frescos que representan eventos de la vida de Moisés por Perugino, Pinturicchio, Botticelli, Domenico y Benedetto Ghirlandaio, Rosselli, Luca Signorelli y Bartolomeo della Gatta. Sobre estas obras, frescos más pequeños entre las ventanas representan a varios papas. Para las grandes ocasiones ceremoniales, las partes más bajas de las paredes laterales estaban cubiertas con una serie de tapices que representaban eventos de los Evangelios y los Hechos de los Apóstoles. Estos fueron diseñados por Rafael y tejidos en 1515-19 en Bruselas.

Las obras de arte más importantes de la capilla son los frescos de Miguel Ángel en el techo y en la pared oeste detrás del altar. Los frescos del techo, conocidos colectivamente como el Techo Sixtina, fueron encargados por el Papa Julio II en 1508 y fueron pintados por Miguel Ángel entre los años 1508 y 1512. Representan incidentes y personajes del Antiguo Testamento. los Juicio final El fresco en la pared oeste fue pintado por Miguel Ángel para el Papa Pablo III en el período de 1534 a 1541. Estos dos frescos gigantes se encuentran entre los mayores logros de la pintura occidental. Una limpieza y restauración del techo Sixtina que duró 10 años y que se completó en 1989 eliminó la acumulación de suciedad, humo y barniz de varios siglos. Limpieza y restauración de la Juicio final se completó en 1994.

Como la propia capilla del Papa, la Capilla Sixtina es el sitio de las principales ceremonias papales y es utilizada por el Sagrado Colegio de Cardenales para la elección de un nuevo Papa cuando hay una vacante.


Capilla Sixtina

La Capilla Sixtina es una de las iglesias más famosas y ornamentadas de toda Europa. La obra maestra del arte renacentista, conocida como Cappella Sistina en italiano, es parte del Palacio Apostólico, la residencia oficial del Papa en la Ciudad del Vaticano. A lo largo de los años, el espacio expansivo ha sido el sitio de cónclaves papales, misas y giras.

Esta capilla resplandeciente en el Vaticano, que forma parte de los Museos Vaticanos, está abierta para visitar la mayoría de los días, siempre que no sea un día festivo. Un boleto permite el acceso durante cinco días a la Capilla Sixtina, así como al Museo Histórico y los Apartamentos Pontificios. Hay tarifas especiales disponibles para niños y estudiantes.

Junto con los recorridos autodirigidos, puede reservar visitas guiadas que combinan una visita a la capilla junto con la Galería del Tapiz, el Museo Pio Clementino, la Galería de los Candelabros, la Galería de los Mapas Geográficos y las Salas de Rafael. Se ofrecen recorridos separados por el jardín y el arte junto con los que detallan la historia de la Capilla Sixtina.

Mapa de Roma

Está perfectamente bien conseguir entradas una vez que hayas llegado a la Capilla Sixtina en Roma, porque hay muchas disponibles. Ya sea que planee explorar por su cuenta o con un guía, tendrá la oportunidad de ver uno de los tesoros del mundo. La historia de la Capilla Sixtina se remonta al siglo XV, cuando el Papa Sixto IV supervisó a un equipo de pintores que restauró una sala medieval llamada Cappella Magna. Botticelli, Domenico Ghirlandaio y Pietro Perugino crearon frescos que representan las vidas de Moisés y Cristo.

El capítulo más famoso de la historia de la Capilla Sixtina comenzó unas décadas más tarde cuando el Papa Julio II le encargó a Miguel Ángel que repintara la bóveda. Originalmente pintado como estrellas en un cielo azul, el techo de la Capilla Sixtina se transformó en una obra de arte a través de la visión y el arduo trabajo del maestro.

La Capilla Sixtina en Roma, gracias a Miguel Ángel, es uno de los mejores y más grandiosos ejemplos del arte renacentista, junto con los retratos de Rafael y la Mona Lisa. La enigmática obra maestra de Leonardo da Vinci es ahora el Museo del Louvre en Francia. Varias de las escenas de Miguel Ángel se inspiraron en el libro del Génesis, incluida la icónica "Creación de Adán", en la que el hombre busca la mano de Dios. Otras pinturas representan a los profetas de la Biblia y Roma, la genealogía de Jesús y muchos otros pequeños detalles que merecen su atención.

El "Juicio Final", otra obra de arte emblemática de la Capilla Sixtina en Roma, fue pintado en la pared del altar. El enorme fresco de Miguel Ángel se completó en 1541, casi 30 años después del techo.

Un capítulo vital en la historia de la Capilla Sixtina es mucho más reciente. La restauración de la Capilla Sixtina, completada casi 500 años después de que Miguel Ángel transformó el espacio, ha restaurado las pinturas a su esplendor original. Siglos de aburrimiento fueron cuidadosamente eliminados, revelando los colores brillantes que el pintor conocía bien. Los techos y los frescos, incluido "El Juicio Final", se volvieron aún más brillantes.

Además de la Capilla Sixtina, hay mucho para que los fieles, aficionados a la historia y amantes del arte experimenten en el Vaticano y los alrededores de Roma. La Plaza de San Pedro, la Basílica de San Pedro y los eventos litúrgicos atraen a muchos al enclave soberano. La lista de atracciones culturales de Roma incluye sitios que han sido importantes durante milenios. El Coliseo, la Fontana de Trevi, las calzadas romanas e innumerables museos son solo algunos lugares para comenzar.


Convocatoria del Papa

En 1503 se nombró un nuevo Papa: el muy mundano Papa Julio II, un amante autoproclamado del poder, la guerra y el arte. Bajo su gobierno, Roma llegó a parecerse a un magnífico salón con una gran cantidad de artistas y arquitectos trabajando en diferentes proyectos. La precocidad del joven Miguel Ángel, que en el momento de la adhesión de Julio estaba esculpiendo el asombroso "David" de cinco metros de altura en Florencia, llegó a oídos del pontífice. En 1505, Julio lo convocó a Roma para trabajar en su futura tumba, un encargo que pronto se extendió a una remodelación de la propia Basílica de San Pedro.

Teoría de la conspiración

Miguel Ángel escribió: "Todas las discordias que surgieron entre el Papa Julio y yo se debieron a la envidia de Bramante [el arquitecto principal del Papa Julio] y de [el pintor] Rafael". Ascanio Condivi, el primer biógrafo de Miguel Ángel, tenía una teoría diferente: Bramante propuso el nombre de Miguel Ángel para pintar el techo Sixtina, pero lo hizo por despecho, calculando que cuando Miguel Ángel comenzara a pintar, su falta de experiencia quedaría expuesta y su carrera terminaría. Giorgio Vasari, en su Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos, también sigue este argumento. Miguel Ángel dudaba de sus habilidades como pintor, por lo que la teoría puede no ser descabellada. La historia ha demostrado, sin embargo, que la táctica de Bramante fracasó espectacularmente.

La tumba papal, que el biógrafo de Miguel Ángel Andrew Graham-Dixon ha llamado "una fantasía megalómana, un monumento obsceno al ego, el orgullo y el poder", fue, sin embargo, un encargo increíble. Sin embargo, después de un enfrentamiento con el Papa por la falta de pago de los materiales, Miguel Ángel dejó Roma disgustado. Julius, al darse cuenta de su error, insistió en que el artista siguiera trabajando para él y le ordenó que volviera a trabajar en un nuevo y atractivo proyecto: los frescos del techo de la Capilla Sixtina.

Cuando Miguel Ángel regresó a Roma en 1508, Donato Bramante, el arquitecto principal del Papa y enemigo jurado de Miguel Ángel, estaba ocupado trabajando en la nueva Basílica de San Pedro. En 1546, cuando ya era un anciano, Miguel Ángel sería nombrado arquitecto en jefe del nuevo San Pedro, que finalmente se completó en 1615, pero esto estaba muy lejos en el futuro. Rafael, otro rival, estaba empezando a trabajar en los frescos en las cámaras privadas del Papa, y junto a proyectos tan grandiosos, la Capilla Sixtina, con su exterior sencillo, podría haber parecido un proyecto menor.

Su apariencia exterior era engañosa, ya que era un edificio especial por dentro: restaurado unas décadas antes por el Papa Sixto IV (de quien lleva el nombre) fue el lugar de culto de la Capilla Papal, la parte del Vaticano dedicada a ayudar a la Pontífice en sus funciones espirituales. Hoy es el escenario del cónclave, donde los cardenales eligen un nuevo Papa. El Papa Julio insistió en que solo quería un artista para completar su decoración y, a pesar de su altercado anterior, le dio el trabajo a Miguel Ángel.


Cualquiera que haya tenido la oportunidad de ver de cerca el techo de la capilla debe haber notado dos cosas. Uno, ese techo es alto y ciertamente está lleno de muchas pinturas. Es difícil imaginar que un artista fuera capaz de hacer todo eso en menos de cinco años y, en cierto modo, este conocimiento trae a la mente la imagen de Miguel Ángel mientras yacía de espaldas y trabajaba duro de un año para otro. No hay duda de que sabía que su techo se convertiría en uno de los más importantes de la historia, pero, de nuevo, Miguel Ángel era un artista extremadamente talentoso.

Al principio, el pintor recibió instrucciones de pintar una especie de símbolo geométrico para reemplazar el techo de la capilla entonces azul que estaba salpicado de estrellas. Esto fue en 1508 cuando Miguel Ángel estaba bajo la comisión del Papa Julio II. En cambio, el artista eligió decorar el techo con las escenas del Antiguo Testamento que el mundo conoce y aprecia hoy.

Descripción de los Frescos

Los frescos son más que simples decoraciones destinadas a impresionar la vista. Estas escenas cuentan una historia: la historia de la humanidad desde el principio. Cuentan la historia que existía antes de que aparecieran todas las demás: la historia de la creación. Dividida en tres secciones, las escenas están ordenadas cronológicamente con la primera parte de la narración pintada sobre el altar. Aquí, uno encontrará tres pinturas: La creación de los cielos y la tierra, La creación de Adán y Eva y, por último, La expulsión del jardín del Edén. Miguel Ángel luego sigue sin esfuerzo con una pintura de Noé y el Gran Diluvio.

Cuenta la misma vieja historia al mundo, pero el pintor captura más en sus frescos de lo que cualquiera podría imaginar. Al usar ignudi (juventud desnuda) para representar su mensaje, Miguel Ángel predica el mensaje del nacimiento de Cristo y encuentra una manera de relacionarlo con la creación del hombre.

Las técnicas utilizadas

La mayoría de sus pinturas tienen detalles narrativos, ya que muestran múltiples figuras, todas pintadas en tamaños pequeños. Esto hace que un fresco en particular se destaque del resto: La creación de Adán. En este fresco, las figuras son monumentales mientras se extienden para encontrarse a través de un vacío. El hecho de que se diferencie del resto podría ser lo que distinga al cuadro del resto, pero a pesar de que carece de narrativa, el detalle en este cuadro sigue siendo sobresaliente. La pintura de Miguel Ángel de El diluvio incluye muchos más detalles. Aquí, pinta el cielo y las aguas y utiliza el espacio que tiene a su disposición para retratar cuatro narrativas.

La pintura muestra a un grupo de personas que intentan evitar la lluvia refugiándose debajo de un objeto improvisado. En el lado izquierdo hay más personas que están subiendo una montaña para tratar de escapar de las crecientes aguas. En el centro de la imagen hay un barco que parece ser superado por el poder combinado de la lluvia y el mar embravecido. Sin embargo, en el fondo de esta imagen está la salvación mientras un pequeño equipo trabaja para completar la construcción del Arca. Esta imagen muestra la tragedia, pero hay un solo rayo de esperanza para el futuro del hombre. Los que están a punto de morir están desesperados y piden la simpatía de un observador.

La imagen hace que uno reconsidere la justicia de Dios cuando recurrió a borrar el mundo entero para que pudiera comenzar de nuevo. Pero al salvar a Noé y su familia, Miguel Ángel pinta la salvación de Dios en su verdadera forma. Hay otro detalle que queda claro cuando se observa de cerca el techo de la Capilla Sixtina. Es como si hubiera dos secciones diferentes que fueron pintadas por dos artistas diferentes. Probablemente esto se deba a que, durante su trabajo, Miguel Ángel tomó un descanso de un año en 1510. En imágenes como El diluvio, podemos ver que la gente está muriendo en una inundación, pero es difícil para uno distinguir su estado emocional. Al pintar un grupo de personas en un espacio reducido, Miguel Ángel sacrificó cualquier conexión que pudiera haberse forjado entre un observador y esos personajes en su pintura.

Su trabajo posterior utiliza figuras más monumentales que tienen rostros claros y rasgos claros, lo que facilita que las personas se conecten con las pinturas. Tomando la Creación de Adán, por ejemplo, encontramos que podemos distinguir el rostro de Adán como perezoso y relajado con una leve sensación de anhelo. We can also make out the face of God to be serious as if he is hard at work in making his creation. One can perceive this even from the floor of the chapel. There is a little detail, but really, the superiority of Michelangelo's work after he took his break lies in the simplicity that he came to employ.

Nine Scenes from the Book of Genesis
Twelve Prophets and Sibyls
Ancestors of Christ
Pendentives
Spandrels
Ignudi
Medallones

The Connection Observable in His Paintings

The paintings focus on the story that has been told in the book of Genesis, but there are forms that have been interpreted to portray the image of the Christ child. In the Creation of Adam, this child figure has been included to mean that even if man is created in the image and likeness of God, there is still room for sin and that God foresaw this sin. The frescos connect the Old Testament to the New Testament in a way that had never been done before. Michelangelo found a way to put this connection into art. He found a whole new way of presenting the scenes from the Bible, including the idea that Adam was brought to life through the simple touch of God's finger.

In an attentive order, the painter silently narrates the tale of Adam from the perfection that he was during creation to the sinner that his children became after the fall of mankind. There are nine narrative paintings on this ceiling, but the perspective used on the subjects is on a point that if one looks closely enough, they can almost see the figure rearing out of the ceiling wall. The characters used are ancient, yes, but after viewing these images, observers go out into the real world with vivid imaginations of what was and what is.

Michelangelo breached the gap between the past innocence, the present sinfulness, and the future redemption of mankind, making it all seem like one continuous story when it was in fact realised in centuries. It is possible that the painter's mind did not quite extrapolate this far when he was toiling away at the ceiling, but the idea just seems to fit so much that one cannot help but imagine what Michelangelo was thinking – imagine how the world would interpret his final masterpiece.

What was Michelangelo's Motivation?

It is not clear what inspired him to paint the ceiling, in fact, one might say that Michelangelo was anything but inspired when he started decorating the Sistine Chapel. Pope Julius II practically forced him to do it, so in a way, the Pope was his inspiration. The country during that time had been broken by war, and in an attempt to unite the people once again, the Pope saw it fit to have the chapel ceiling and walls repainted. The ceiling was meant to inspire divine servitude, so by using the power granted to the church, the Pope commissioned Michelangelo to paint 12 frescos that showed images of the 12 apostles of Christ.

These apostles were supposed to be painted in a geometric fashion. The painter was not inspired by this original commission, so he proposed that the scenes from the Old Testament story of creation be painted instead. He knew that the apostles of Christ had led poor lives and, therefore, hesitated to paint them in the glories of the world. This painter liked a challenge, and to him, painting 12 figures over such a big space didn't present much of a challenge. He instead opted to paint the 300 or so complex figures that now dominate the chapel ceiling.

It is said that a number of people, including the Pope's cousin Marco Vigerio Della Rovere inspired the design of the Sistine Chapel ceiling, but this is just a theory. As one enters the chapel, the images of the rise of mankind are painted in reverse. This has been interpreted to mean that as one moves closer to the altar, they are moving closer to the glory of God – moving closer to his salvation.

At the entrance, one can see Noah in his drunkenness, and at the altar, one can see God as he separates the light from the dark. As an observer walks down to the altar, the story tells itself in reverse, and the very centre of the ceiling one can see God as he gives life to the first man, Adam. Painting these frescoes permanently damaged Michelangelo's spine, and while it might have been easy for him to paint the figures, it must have been difficult for him to give these figures the voice that they still pose even to this day.

The reversed order in which the frescoes are painted is, in a way, symbolic. Going towards the altar is going towards God and the rise of mankind, but going away from the altar and back into the outside world represents a walk that leads to the sinfulness and eventual fall of mankind.

The Style Used

The high-key colours used by the painter are extremely helpful to anyone who hopes to decipher the contents of the Sistine Chapel from 60 feet below. The colours are now brash and bright as compared to how they were before the ceiling was restored. There is a general white backdrop that brings out the yellows, the pinks, and the greens that the painter used to paint his characters to life. The use of old prophets and ancient sibyls has been interpreted in different ways over the years.

Sibyls foretold the birth of a saviour in the ancient times, but for the modern Christian, the birth of Christ was foretold by ancient prophets in the Old Testament. Michelangelo used sibyls and prophets to point to the same salvation that would be afforded to the entire human race. He paints one particular Sibyl in an interesting fashion, Libyan Sibyl. She is made to appear in the form of sculpture, much like all the characters that this artist portrayed. This sibyl's body is somewhat twisted as she sits on a garment looking over her shoulder towards the direction of the altar. Her image seems to fit perfectly in the environment that it has been placed.

There are triangular panels that are placed to the side of the central chapel panels. Within these triangular panels are figures that represent the ancestors of Christ. Separating these panels are representations of five sibyls and the seven prophets. The four corners of the chapel show four scenes inspired by the Old Testament. After he had finished painting Noah's drunkenness, Michelangelo looked at the images again, and after realising that they were not as imposing as he had intended, he opted to make them grander. So, as one walks towards the altar, the images become larger and larger. His work is religious in all fronts. The paintings, especially the deep sense of emotion evident in some of the character's faces, are a proof of Michelangelo's piety.

Finally came the Last Judgement that Michelangelo created 20 years after he had finished all the other paintings on the ceiling. This last image is located on the altar wall of the Sistine Chapel, and comparing how it was made versus how all the other images were made to appear, one can begin to understand why not much thought is given to it by observers. The talent employed in this picture is just as outstanding, but the Last Judgement carries around a concept of bleakness. This painting shows the second coming of Christ, and although the inspiration comes from the Bible, the artist used his vivid imagination to create the radiant picture filled with saints and angels. This painting shows the ultimate end of the human race after centuries of sin and disobedience.

The reason that most observers have deemed it to be a show of hopelessness is that Christ is seen to be plunging a majority of people into the damned fires of hell, it is only a few that are rising into heaven. Some figures are cowering before the son of God as he passes his final judgement. The images are somewhat disturbing and very realistic as the Saint Bartholomew holds out his skin and the Saint Andrew holding the cross that he was crucified on.

Michelangelo was to art what Shakespeare was to literature. These two characters in history represented new ideas. The painter tried to push forth a new idea of what was meant to be. Through these images, the religious world view he had becomes clear to the world. Michelangelo painted not to blind us to his perspective, but to give us a glimpse into his mind – into the world that he imagined. He painted and left his work free of interpretation, giving any observer the chance to drink in this marvellous creation and make their conclusions.

Right from the entrance of the chapel, the painter shows us a vision of what it was like for a man to meet the touch of God during creation. He shows us this in a bold and energetic way, using images of ancient prophets and seers to include the concept of the future. Looking at the Sistine Chapel ceiling is looking directly at the divine not through the eyes of Michelangelo, but through those of every human being ever created. These paintings are not limited by what has been preached, and they go beyond the rules that have been set about religion and fully express an idea of God that most people could not dare imagine.

More than 500 years down the line and the modern world is still in awe each time we look at Michelangelo's creation. After the chapel was cleaned, the real complexity of the artist's palette was exposed, and since then, the Sistine Chapel has become some school and inspiration for everyone around the world. At 33, this artist unwillingly started out on this commission to paint the pope's private chapel only for it to become the best thing he ever created. For a sculptor who insisted that he was not a painter, the work he did on the Sistine Chapel ceiling comes awfully close to perfect.

The period of 1508-1512 represented a key time in the career of Michelangelo as he set about constructing an array of frescos across the ceiling of the Sistine Chapel.

This monumental task was to be completed with such immense creativity and technique that the artist himself was to become a household name from then on.

Certain specific elements of the overall piece are considered masterpieces in their own right, and to see them all together is truly extraordinary.

The popularity of Michelangelo's work is also shown in the fact that he was invited back some years later to complete The Last Judgement painting which sat on the altar wall, close to his previous work.

Michelangelo was an artist with huge confidence as well as technical ability which was necessary in order to take on such a challenging request, which had come from Pope Julius II.

The complex combinations of figures across the ceiling has helped many budding artists to understand the true skills of the artist in capturing the human body in a manner of different ways. His understanding of anatomy was impressive and necessary to produce such lifelike and believable portraits.

All of Michelangelo's work on the ceiling is now over 500 years old and so it has been very necessary to continuously protect the frescos and plaster work from all natural elements as well as enthuastic tourists who have been flocking to the Chapel for centuries.

There have also been restorative work in recent generations to remove darkening effects from natural elements that can never be entirely guarded against. The nature of this large artwork also means that it is harder to look after than a normal sized standard painting or sculpture.

The art within the Sistine Chapel, which also includes work by many other notable Italian artists, underlines the wealth and status of the Pope and Christianity itself at that time. Quite simply, it could attract and afford commissions with the finest artists of that time and Michelangelo was clearly around the top of that list.


Exhibit Featuring Michelangelo’s Sistine Chapel Ceiling Coming to the Albany Capital Center

A display from the 'Michelangelo - A Different View' exhibit, which will be coming to the Albany Capital Center at the end of July.

No need to spend $1,700 on airfare and travel 13 hours by plane to visit the Sistine Chapel at the Vatican. The Albany Capital Center (ACC) will have the world-famous fresco on display at the ACC this summer from July 29–August 23—or rather, a licensed version of it—when they host the exhibit, Michelangelo – A Different View.

Michelangelo spent four years on scaffolding under the 70-foot-high vaulted ceiling of the chapel painting his interpretation of the history of creation. Basically, what a ticket-holder is seeing is a high-resolution image of the fresco, licensed from the Vatican, that has been transferred to fabric webs. In other words, audiences can see the intricacies they might miss looking at the work in an art history book or even at the chapel itself, which one is usually ushered into for only a set amount of time. One also has to crane his or her neck upward in order to see it in the chapel itself. For the exhibit, the artwork is positioned on walls and flooring, so that it’s much more easily viewed.

“The format of this event is ideal for our facility given our expansive space,” says Doug McClaine, general manager of the ACC. “We can accommodate large numbers comfortably and safely so guests can enjoy the artwork while maintaining social distance. The pieces that will be on display are incredible and will be a must-see for all art lovers.”

Following the restoration of the chapel between 1982-1994, a Japanese team of photographers received permission to film the newly resplendent ceiling. Photo slides were made of the frescoes in a 200x250mm format, which since have been guarded by the Vatican Museums under lock and key.

Tickets to Michelangelo – A Different View will be available for purchase on June 1 at 10am and are priced from $8-$17, with group discounts and family packs available. Tickets will be sold in sessions to allow for staggered entrance and to maintain social distance. For more information on ticket prices and session times, click here.


Ver el vídeo: Descubriendo el Vaticano- Capilla sixtina (Octubre 2021).