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Primer noticiero mostrado en el teatro - Historia

Primer noticiero mostrado en el teatro - Historia

Charles Pathe proyectó el primer noticiero en un teatro de París. Al año siguiente, los noticiarios se introdujeron en los cines de EE. UU., Donde se hicieron muy populares.

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La historia de las drag queens es una evolución de una práctica teatral común a una forma de entretenimiento galardonada que ha ganado legitimidad tanto en el escenario nacional como internacional.

El drag como forma de arte se ha disparado en gran parte gracias a la vida y carrera de RuPaul Andre Charles, posiblemente la drag queen más famosa del mundo en la actualidad. El reclamo actual de RuPaul a la fama es su mandato como presentador y rostro del reality show de televisión. Carrera de arrastre de RuPaul que ha cambiado la historia del arrastre.

El reality show de competencia para drag queens se emitió por primera vez en la red Logo TV en 2009. Ahora, casi 10 años después, el programa tiene una audiencia masiva que se extiende más allá de la comunidad LGBTQ + y sus aliados, una serie de spin-offs que incluyen RuPaul's Drag Race Tailandia y RuPaul's Drag Race Reino Unido, así como un premio Emmy 2018 al programa de competencia de realidad excepcional. RuPaul incluso ganó el Emmy al mejor anfitrión en 2018.

Con su éxito generalizado, algunos se sorprenderán al saber que la historia del drag como una forma de entretenimiento se remonta a la época de Shakespeare y con fines más utilitarios. De hecho, la historia del drag parece estar indisolublemente ligada al teatro, y antes del teatro de la época de Shakespeare, el escenario se utilizaba con fines religiosos.

Drag, entonces, tiene un poco de historia en el mundo religioso.

Pero en el siglo XVII, cuando las obras de Shakespeare se representaron por primera vez en el Globe Theatre de Londres, solo los hombres podían participar en las producciones, ya que en los ritos religiosos. Entonces, cuando las obras incluían papeles femeninos, los actores masculinos se vestían como mujeres para llenar el vacío.

Wikimedia Commons Una representación de una escena del Rey Lear, con artistas vestidos de drag.

Es en el teatro donde se cree que se originó el término "drag". Cuando los hombres interpretaban papeles femeninos, supuestamente discutían cómo sus vestidos se "arrastraban" por el suelo.

Drag comenzó a adoptar una forma más individual de entretenimiento (en lugar de ser utilizado como parte de una actuación de conjunto) cuando la personificación femenina se introdujo en la cultura estadounidense a través del género conocido como "vodevil".

La actuación de vodevil ganó fuerza a principios del siglo XX en los Estados Unidos y combina comedia, música, danza y burlesque para crear un tipo de entretenimiento en vivo poco convencional.

La suplantación de identidad femenina se convirtió rápidamente en una faceta de la experiencia de entretenimiento del vodevil. Fue a través del vodevil que llegó a existir la primera drag queen oficial conocida, llamada Julian Eltinge. Su popularidad fue más allá del vodevil y su éxito le valió el título de ser el actor mejor pagado del mundo, superando incluso a Charlie Chaplain en ese momento.

Se dice que la suplantación de identidad femenina y la historia del drag se entrelazaron con la cultura gay alrededor de la década de 1930. Cuando Estados Unidos entró en la era de la Prohibición, que abolió la producción y el consumo de alcohol desde 1920 hasta 1933, los hombres homosexuales utilizaron los clubes clandestinos y los bares clandestinos como una oportunidad para expresarse y divertirse.

Public Romain Review Rae Bourbon, un popular intérprete de drag de la era "Pansy Craze".

Fuera de la vista de la ley, los hombres homosexuales se sentían libres de ser ellos mismos en la escena clandestina de la Prohibición y también se sentían libres de vestirse como drag queens.

La creciente popularidad de los bares clandestinos donde el arrastre era bienvenido durante la Prohibición se conoció como "la locura del pensamiento". Pero incluso mucho después de que terminara la Prohibición, los bares gay que presentaban drag durante este tiempo continuaron funcionando hasta bien entrada la década de 1950 y 1960.

Mientras tanto, una cultura más amplia continuó criminalizando la cultura gay y la policía tomó medidas enérgicas contra esos bares gay. En respuesta, la escena drag se movió en cierto sentido bajo tierra. La comunidad gay continuó floreciendo a pesar de que era ilegal que se les sirviera alcohol en los bares o incluso que bailaran juntos. La Autoridad de Bebidas Alcohólicas del Estado y el Departamento de Policía de Nueva York allanaron regularmente los bares que atendían a los clientes homosexuales.

Curiosamente, sería la mafia de Nueva York, y la familia Genovese en particular, quienes secretamente darían una salida a las drag queens y a la comunidad gay. En 1966, un miembro de la familia del crimen Genovese compró Stonewall en Greenwich Village de Manhattan, que luego se convertiría en un centro de cultura gay y el epicentro de una serie de disturbios en 1969 que resultaron en galvanizar a la comunidad gay contra sus opresores.

A la vanguardia de este movimiento, la drag queen Flawless Sabrina organizó múltiples concursos en los Estados Unidos que exhibieron drag queens como un concurso de belleza tradicional.

Grove Press / Photofest Drag queen Crystal Labeija compitiendo en un concurso de belleza drag a finales de la década de 1960.

Fue arrestada muchas veces y apareció en público como drag, incluso cuando era invitada en programas de entrevistas, algo inaudito en ese momento.

Los miembros LGBTQ de color fomentaron simultáneamente sus propios paraísos en la zona alta de Manhattan, en vecindarios como Harlem y Washington Heights. Fue aquí donde se cree que se originó la cultura drag "ball" a principios de la década de 1970.

Fue entonces cuando la cultura drag pareció incorporarse lentamente a la sociedad con las actuaciones del actor Tim Curry en Rocky Horror Picture Show de 1975. y los estilos estéticos del músico David Bowie.

Francois LE DIASCORN / Gamma-Rapho a través de Getty Images Drag queen Divine actuando en Nueva York en la década de 1970.

La década de 1980 vio una experimentación aún mayor con el arrastre y la flexión de género en la música y el cine a través de artistas como Boy George y Pete Burns.

En la década de 1990, el mundo estaba listo para hacer que la drag queen fuera más popular que nunca. De hecho, la drag queen al mando de esta aceptación no era otra que RuPaul Charles, quien cambiaría la historia del drag en la era moderna.

RuPaul se hizo un nombre a finales de los 80 y principios de los 90 en la escena de clubes de la ciudad de Nueva York. Se convirtió en una celebridad local que sentó las bases para que él lograra el éxito a nivel nacional.

Ese éxito llegó en forma de su sencillo de 1993 "Supermodel (You Better Work)". La canción catapultó a RuPaul, quien poco después se convirtió en la primera drag queen en convertirse en portavoz de una importante compañía de cosméticos con MAC Cosmetics, consiguió su propio programa de entrevistas en VH1y un programa de radio matutino en WKTU.

Catherine McGann / Getty Images RuPaul Charles posa para un retrato de grupo en noviembre de 1992 en Times Square, Nueva York.

En 2009, RuPaul estrenó su serie de competencia de telerrealidad. Carrera de arrastre de RuPaul. Desde entonces, el programa se ha convertido en un fenómeno popular.

En la era moderna, donde Internet puede traer a las comunidades marginadas al centro de atención, drag ha encontrado una base de fans que se ha vuelto más grande que la vida. La drag queen ha entrado en la corriente principal una vez más, y esta vez, parece que llegó para quedarse.

Después de este vistazo a la historia de las drag queens, eche un vistazo a las drag queens más famosas del siglo XX. Luego, aprenda más sobre los disturbios de Stonewall y cómo los eventos afectaron el panorama de los derechos de los homosexuales en Estados Unidos.


Los hermanos Lumière, pioneros del cine

Después de que su padre, Antoine, un conocido retratista convertido en fotógrafo, abriera un pequeño negocio de planchas fotográficas con sede en Lyon, Louis Lumi & # xE8re comenzó a experimentar con el equipo que su padre estaba fabricando. En 1881, Louis, de 17 años, inventó un nuevo proceso de revelado de película de & # x201Cdry plate & # x201D, que impulsó el negocio de su padre lo suficiente como para impulsar la apertura de una nueva fábrica en los suburbios de Lyons. En 1894, los Lumi & # xE8res producían unos 15 millones de planchas al año.

Ese año, Antoine Lumi & # xE8re asistió a una exposición del kinetoscopio Edison & # x2019s en París. A su regreso a Lyons, les mostró a sus hijos un largometraje que había recibido de uno de los concesionarios de Edison & # x2019s. También les dijo que deberían tratar de desarrollar una alternativa más barata al dispositivo de visualización de películas con mirilla y su cámara voluminosa, la cámara. Cinetógrafo. Si bien el kinetoscopio solo podía mostrar una película a un espectador individual, Antoine instó a Auguste y Louis a trabajar en una forma de proyectar la película en una pantalla, donde muchas personas pudieran verla al mismo tiempo.

Lumi & # xE8re Cinematographe, 1895 (Crédito: SSPL / Getty Images)

Auguste comenzó los primeros experimentos en el invierno de 1894 y, a principios del año siguiente, los hermanos habían creado su propio dispositivo, al que llamaron Cin & # xE9matographe. Mucho más pequeño y liviano que el Kinetograph, pesaba alrededor de cinco kilogramos (11 libras) y funcionaba con el uso de una manivela manual. El Cin & # xE9matographe fotografió y proyectó película a una velocidad de 16 fotogramas por segundo, mucho más lento que el dispositivo Edison & # x2019s (48 fotogramas por segundo), lo que significaba que era menos ruidoso de operar y usaba menos película.

La innovación clave en el corazón del Cin & # xE9matographe fue el mecanismo a través del cual se transportaba la película a través de la cámara. Se insertaron dos clavijas o garras en los orificios de la rueda dentada perforados en la tira de película de celuloide; las clavijas movieron la película a lo largo y luego se retrajeron, dejando la película estacionaria durante la exposición. Louis Lumi & # xE8re diseñó este proceso de movimiento intermitente basado en la forma en que funcionaba una máquina de coser, una táctica que Edison había considerado pero rechazada a favor del movimiento continuo.

Un dispositivo tres en uno que podía grabar, revelar y proyectar películas cinematográficas, la Cin & # xE9matographe pasaría a la historia como la primera cámara de película viable. Utilizándolo, los hermanos Lumi & # xE8re filmaron imágenes de trabajadores en su fábrica que se iban al final del día. Mostraron la película resultante, & # x201CLa Sortie des ouvriers de l & # x2019usine Lumi & # xE8re & # x201D (& # x201CWorkers dejando la fábrica Lumi & # xE8re & # x201D) en una reunión industrial en París en marzo de 1895 primera película.

Póster de la primera película proyectada por los hermanos Lumi & # xE8re (Crédito: Universal History Archives / Getty Images)

Después de varias otras proyecciones privadas, los hermanos Lumi & # xE8re dieron a conocer el Cin & # xE9matographe en su primera proyección pública el 28 de diciembre de 1895, en el Grand Café de Paris & # x2019 Boulevard de Capuchines. A principios de 1896, abrirían los cines Cin & # xE9matographe en Londres, Bruselas, Bélgica y Nueva York. Después de hacer más de 40 películas ese año, en su mayoría escenas de la vida cotidiana francesa, pero también el primer noticiero (imágenes de la conferencia de la Sociedad Fotográfica Francesa) y los primeros documentales (sobre el Departamento de Bomberos de Lyon), comenzaron a enviar a otros camarógrafos-proyeccionistas en el mundo para grabar escenas de la vida y mostrar su invención.


CRONOGRAMA DEL TEATRO

Filtrar la línea de tiempo para mostrar:

El cierre anticipado de una obra desastrosa del dictador italiano, Benito Mussolini, dejó el New Theatre, ahora el Noel Coward, con una desesperada necesidad de una producción. Robert Atkins y Sydney Carroll presentar una producción "en blanco y negro" de Duodécima noche, que posteriormente trasladan a un teatro improvisado en Regent's Park.

La primera temporada completa incluye un renacimiento de la del año anterior. Duodécima noche y la primera de casi cincuenta producciones diferentes de Sueño de una noche de verano tocar en el teatro durante los próximos ochenta años.

GRAMOJorge Bernard Shaw escribe Los seis de Calais para el teatro

Jack Hawkins y Anna Neagle estrella como Orsino y Olivia en Duodécima noche. Robert Helpmann baila en un ballet "al aire libre".

VIvien Leigh obras de teatro Ana Bolena en Enrique VIII.

El país está en guerra y el teatro produce temporadas solo para matinés debido a los apagones. Teatro al aire libre de Regent's Park y el Teatro del molino de viento son los únicos dos teatros de Londres que permanecen abiertos durante la guerra.

Dulcie gris y Michael Bentine unirse a la empresa para Sueño de una noche de verano, Duodécima noche y La fierecilla domada.

Las comedias de posguerra dominan el programa, pero se equilibran con Rey juan (1948), Fausto (1949), El cuento de invierno (1950) y Cymbeline (1952).

Los camerinos de ladrillo se construyen detrás del escenario, reemplazando las carpas que se habían utilizado anteriormente.

miileen Atkins aparece como asistente en De perdida de trabajo de amor.

La empresa está invitada a realizar Duodécima noche y Aldea en el Festival de Baalbek en Líbano. Este es el primero de muchos compromisos de Open Air Theatre en el extranjero durante los años siguientes, junto con el British Council, la compañía actuaría en más de veinte países diferentes, incluidos Dubai, Rusia, Israel y Egipto.

Dávido Conville y David William establecer La nueva compañía de Shakespeare como una empresa de caridad distribuidora sin fines de lucro. Laurence Olivier es uno de los inversores clave.

La producción del teatro de Duodécima noche toca en Middle Temple Hall como parte del Festival de la Ciudad de Londres en presencia de SM la Reina Madre.

BErnard Bresslaw obras de teatro Lanzar en Los dos caballeros de Verona. Bresslaw's larga asociación con el teatro lo ve tocar Fondo muchas veces y Dogberry dos veces, así como Malvolio, Petkoff y Ferrovius, hasta su prematura muerte en 1993, justo antes de subir al escenario para tocar Grumio.

Felicidad Kendal obras de teatro Héroe en Mucho ruido y pocas nueces.

En una producción de Sueño de una noche de verano Anthony Andrews obras de teatro Semilla de mostaza.

El auditorio actual, de estilo anfiteatro fijo, se construye a un costo de £ 150,000 seguido de un taller, una nueva taquilla, cocina y césped para picnic. Los retrasos en el proyecto de construcción provocan la siguiente temporada, que incluye La fierecilla domada con Jeremy Irons y Zoë Wannamaker, que se representará en el Roundhouse.

Robert Stephens, que había aparecido el año anterior en una producción de La historia del zoológico con Michael Gambon, estrellas al lado Edward Fox en OTELO.

Judi Dench aparece junto a Penélope Keith y Dame Flora Robson en Dulce señor shakespeare. Dench's Su larga asociación con el teatro la ve actuar y dirigir en muchas ocasiones. Se une al Patronato en 1993 y permanece en el directorio en la actualidad.

A Esquema de talleres escolares se lanza y se convierte en una característica permanente del lugar.

Kcomió O'Mara aparece en Mucho ruido y pocas nueces. O’Mara volvería a aparecer en Las alegres esposas de Windsor, tres años despues.

Para celebrar el Jubileo de Oro del teatro se presenta una velada especial con SM la Reina y Su Alteza Real el Duque de Edimburgo en asistencia.

LEsley Garrett aparece en un proyecto doble de óperas inglesas del siglo XVIII Thomas y amperio Sally y Rosina.

Regent's Park Open Air Theatre produce su primer musical, Bashville escrito por el entonces Director Artístico David William.

Richard E. Grant aparece en Sueño de una noche de verano con Natasha Richardson.

Ralph Fiennes hace su debut profesional como Curiosidad en Duodécima noche. Un año después volvería a jugar Romeo para Sarah Woodward Julieta en una producción dirigida por Declan Donellan.

Iun Talbot, debuta como Director Artístico con una producción de Feria de Bartolomé, que utiliza jabalíes tomados del zoológico de Londres.

Cde aroline Smith nueva producción de Sueño de una noche de verano le otorga al teatro su primera nominación al Premio Laurence Olivier a la Mejor Comedia del Año.

La temporada musical ve Roy Hudd y Anthony O'Donnell estrella en Los Fantasticks.

Judi Dench dirige Los chicos de Siracusa, que está nominada a cuatro premios Laurence Oliver, ganando Mejor Revival Musical y Mejor Actriz de Reparto por Jenny Galloway.

Empresario de teatro Cameron Mackintosh finanzas La tarjeta que está nominado a dos premios Laurence Olivier.

Tsoy Piggott-Smith dirige Damian Lewis en Aldea.

Toyah Wilcox obras de teatro Disco en Sueño de una noche de verano, dirigido por John Doyle.

KiSoy yo Kate está nominado a tres premios Laurence Olivier, incluido Mejor Renacimiento.

ABueno, eso termina bien hace su primera aparición en el teatro con Cepillo Nigel como Parolles.

La última temporada del siglo ve Rachel Kavanaugh directo Las alegres esposas de Windsor y Alan Strachan directo Duodécima noche. Para cerrar la temporada Algo gracioso sucedió camino al foro marca la primera aparición de un musical de Sondheim en el teatro.

Con un costo de dos millones de libras esterlinas, se inician importantes obras de construcción para renovar el auditorio y las áreas públicas del teatro y para construir el Estudio Robert Atkins.

Gilbert y Sullivan Los piratas de Penzance toca durante dos temporadas antes de ir de gira por el Reino Unido con Gary Wilmot y Su Pollard.

Un concierto del 70 aniversario repleto de estrellas es presentado por Judi Dench y Ian Talbot.

Halta sociedad está nominada en los premios Laurence Olivier a la mejor reactivación de un musical y a la mejor actriz de reparto por Tracie Bennett. Después de una gira por el Reino Unido, la producción se traslada al Shaftsbury Theatre del West End a finales de 2005.

Russ Abbott obras de teatro Fondo en una nueva producción de Sueño de una noche de verano.

Timothy Sheader hace su debut en Regent's Park Open Air Theatre dirigiendo Duodécima noche.

Iun Talbot revive su producción de 2003 de Sueño de una noche de verano que incluye Sheridan Smith entre el elenco.

Timothy Sheader es nombrado Director Artístico, incorporándose William Village, quien había sido nombrado director ejecutivo y codirector ejecutivo el año anterior. Sheader's primera temporada, en 2008, lo ve directo Romeo y Julieta y de Lerner y Loewe Gigi cuales estrellas Topol.

A El sueño de una noche de verano reinventado para todos los mayores de seis años es la primera de muchas obras exitosas de Shakespeare especialmente adaptadas para el público más joven.

TLa importancia de ser serio se presenta como la primera obra que no es de Shakespeare que se produce en el teatro durante varios años y se reproduce al 96,5% de su capacidad. ¡Hola muñequita! gana el premio Evening Standard al Mejor Musical y está nominado a cuatro premios Laurence Olivier, ganando Mejor Revival Musical, Mejor Coreografía Teatral por Stephen Meary Mejor Actriz en Musical por Samantha Spiro.

Comienza la recaudación de fondos para un proyecto de construcción que verá una nueva taquilla, un vestuario y una suite de oficinas que se construirán en el lugar, a tiempo para la temporada 2012.

Stephen Sondheim visita el teatro dos veces para ver En el bosque. Oliver Ford Davies obras de teatro Danforth en El crisol, dirigido por Timothy Sheader.

Timothy Sheader dirige Sondheim's En el bosque que se convierte en la producción más taquillera en la historia del teatro y gana dos nominaciones al Premio Olivier, ganando Mejor Revival Musical.

Jen Bausor diseña un escenario épico para señor de las moscas dirigido por Timothy Sheader y Liam acero. Lucy Bailey hace su debut como directora en el Park con una producción hogarthiana de La ópera del mendigo. Ganar dos premios Olivier (Mejor Renacimiento Musical y Mejor Diseño de Vestuario) Loco por ti se convierte en la producción de mayor recaudación en el teatro y se transfiere directamente al West End durante 6 meses.

El 80 aniversario del teatro y el año de los Juegos Olímpicos de Londres. Con un coste de 3,3 millones de libras esterlinas, se completa el proyecto de remodelación del teatro.

TImothy Sheader y Liam acero redirigir su producción de 2010 de En el bosque en Central Park, Nueva York.

Haciendo su primera aparición en Londres en 22 años, Robert Sean Leonard recibe elogios de la crítica como Atticus Finch en Matar a un ruiseñor. Jane Asher aparece como Lady Catherine de Bourgh en Orgullo y prejuicio, que celebra su 200 aniversario.

Rachel Kavanaugh regresa para dirigir una serie completa y agotada de El sonido de la musica protagonizando Charlotte Wakefield como Maria. Con más de 188.000 visitantes, la temporada rompe todos los récords.

Se instalan nuevos asientos en el auditorio por primera vez desde 1974. Los Gershwins ' Porgy and Bess fue nominado tanto para un premio Olivier como para un premio WhatsOnStage a la mejor reactivación musical.

To Mata a un ruiseñor Completó una gira de 25 semanas por el Reino Unido, que concluyó con una residencia de un mes en el Barbican. Una nueva adaptación de Chéjov. La gaviota fue el encargado de que el Parque celebrara su 120 aniversario. señor de las moscas Regresó al parque para 14 presentaciones antes de embarcarse en una gira de 6 meses por el Reino Unido.

Se lanzó un nuevo archivo digital con el objetivo de preservar y compartir la rica historia del teatro.

Running salvaje trae nuevos escritos al escenario del Open Air Theatre y un conjunto de jóvenes extraído de la comunidad local. Jesucristo superestrella gana el premio Evening Standard Theatre al mejor musical, junto con el Judas original, Tyrone Huntley, que gana Emerging Talent.

Con motivo del 400 aniversario de la muerte de Shakespeare, Michelle Terry asume el papel principal en Enrique V. Matthew Kelly y Felicity Montagu aparecen como el Sr. y la Sra. Bennet en una nueva producción de Orgullo y prejuicio, que luego se embarcó en una gira por el Reino Unido.

JJesucristo superestrella gana un premio Olivier a la mejor reactivación musical y está nominado para otros cinco premios Olivier.

Miriam-Teak Lee gana el premio a la mejor actriz en un musical en los premios The Stage Debut por En la ciudad. Oliver Twist creado para todos los mayores de seis años se convierte en la producción más vendida para el público familiar.

A un costo de £ 2,8 millones, se abren nuevas cocinas y los estudios de ensayo de The Regent's Park.

JJesucristo superestrella juega un compromiso limitado en la Lyric Opera of Chicago.

Tel giro del tornillo es nuestra primera coproducción con English National Opera.

Lpequeña tienda de los horrores gana tres premios WhatsOnStage, incluido el de Mejor Revival Musical.

El artista Lee Simmons tiene el encargo de diseñar una escultura que celebre la vida de David Conville OBE, quien falleció en noviembre de 2018. Como fundador de la empresa, director artístico y gerente, presidente y presidente honorario, David se retiró en 2012 después de una asociación de 50 años. con el teatro.

mivitae se convierte en nuestra producción más vendida y más taquillera hasta la fecha, y gana el premio Evening Standard Theatre al mejor musical.


La historia de los autocines (y dónde están ahora)

Muchas personas escuchan historias de sus abuelos yendo al autocine para un lugar de reunión el viernes por la noche, pero ¿conoces la historia de la experiencia del cine clásico?

Aunque había autocines ya en la década de 1910, el primer autocine patentado fue inaugurado el 6 de junio de 1933 por Richard Hollingshead en Nueva Jersey. Lo creó como una solución para personas que no podían caber cómodamente en asientos de cine más pequeños después de crear un mini drive-in para su madre. Apelando a las familias, Hollingshead anunció su autocine como un lugar donde & # 8220 toda la familia es bienvenida, independientemente de lo ruidosos que sean los niños & # 8221.

El éxito del autocine de Hollingshead provocó que aparecieran más y más autocine en todos los estados del país y que también se difundieran internacionalmente. Los autocines ganaron una inmensa popularidad 20 años después, durante las décadas de 1950 y 1960, con la generación Baby Boomer. Hubo más de 4,000 autocines en todo Estados Unidos y la mayoría en áreas rurales. Mantuvieron su popularidad como un espacio para que las familias pasaran tiempo juntos y como una opción asequible para una cita nocturna.

Los autocines solo podían mostrar películas durante ciertas épocas del año y dependían de tener un clima decente. Durante la crisis del petróleo de los años 70, la gente redujo el tamaño de sus automóviles para ahorrar dinero en el costo inflado de la gasolina, lo que hizo que fuera incómodo ver películas en el autocine. Para compensar la pérdida de ingresos, los autocines comenzaron a perder su atmósfera familiar al mostrar películas de explotación como horrores slasher, así como contenido para adultos. El desarrollo de la videograbadora hizo que fuera más atractivo quedarse en casa y ver películas sin pagar una película en el autocine.

Poco a poco, los autocines comenzaron a perder su atractivo. Para tener un autocine efectivo, tenía que ser en al menos 15 acres de tierra. Desde el punto de vista económico, se volvió más práctico para los propietarios cerrar sus autocines para vender sus terrenos a los desarrolladores para construir centros comerciales o complejos de edificios múltiples.

Aunque los autocines no son tan populares como solían ser (algunos argumentan que serán obsoletos en la próxima década), todavía hay autocine en todo el país. Los autocines modernos varían, pero muchos muestran películas actuales y antiguas. Muchos de ellos también planean noches de funciones dobles. Al igual que un autocine clásico y un teatro normal, venden refrescos como palomitas de maíz, dulces y refrescos. Algunos incluso tienen áreas de juegos para que las familias entretengan a sus hijos.


El primer autocine de Phoenix

Todos los autocines en Phoenix han cerrado, dejando al cine Glendale 9 Drive-In en Glendale, como el único recordatorio de este tipo de entretenimiento de antaño. (Foto: Foto de archivo de Republic)

Aunque había casi una docena de autocines en Phoenix, el Phoenix Drive-in Theatre en 36th Street y Van Buren fue el primero.

Harry Nace, quien también construyó el Orpheum Theatre, abrió el cine en 1940. Los clientes podían ver películas durante todo el año "bajo las estrellas".

El teatro tenía la imagen de una mujer encantadora en la parte posterior de la pantalla que invitaba a los espectadores a ver el último espectáculo.

El Phoenix Drive-in Theatre es un ejemplo de cómo evolucionaron los autocines. Los altavoces se ubicaron primero en el suelo y luego se trasladaron a los postes.

Se agregó un puesto de concesión. El tamaño de la pantalla creció y el número de espacios de estacionamiento se duplicó con el tiempo hasta aproximadamente 800.

Los autocines ganaron la mayor popularidad en la década de 1950. En Phoenix, se abrieron varios autocines y varios de sus nombres cambiaron con el tiempo. Incluyen:

- The Indian Drive-in Theatre en 27th Avenue y Indian School Road

- The Cinema Park (suroeste) Drive-in Theatre en Seventh Street y Missouri

- El Rodeo Drive-in Theatre cerca de 12th Street y Buckeye Road

- The Vale (Big Sky) Drive-in Theatre cerca de 39th Avenue y Indian School Road

- The Silver Dollar Drive-in Theatre al este de South Central Avenue y al norte de Baseline Road junto al Western Canal

- The Acres of Fun Drive-in Theatre en 37th Avenue y Van Buren.

Compartiendo el mismo sitio con Acres of Fun Drive-in estaba el Teatro Peso Drive-in en la parte norte de la propiedad.

Los autocines seguían siendo populares en la década de 1960, y el Northern Drive-in Theatre en la Interestatal 17 y Northern y el Nu-View Drive-in Theatre cerca de 31st Avenue y Buckeye Road abrieron en la década de 1960.

El último autocine que abrió en Phoenix fue el Valley Drive-in Theatre en la esquina suroeste de Cave Creek Road y Sweetwater Avenue, pero en ese momento la popularidad de los autocines había comenzado a desvanecerse.

El auge de la construcción de bienes raíces de la década de 1980 realmente aplastó cualquier esperanza restante de que estos teatros florecieran. La tierra era demasiado valiosa para la reurbanización.

Poco a poco, estos teatros fueron reemplazados por nuevos usos como centros comerciales y complejos de apartamentos. También se volvió difícil competir con las salas de cine en interiores y los sistemas de entretenimiento en el hogar.

Todavía hay muchos fenicios que guardan buenos recuerdos de estos antiguos lugares de entretenimiento. Desafortunadamente, aquellos que no han tenido el placer tienen que aventurarse fuera de la ciudad para vivir esa experiencia.


Musicales en pantalla

Para aquellos momentos en los que no puede asistir al teatro en vivo, David Armstrong comparte algunas de sus versiones cinematográficas favoritas de musicales. “Además de estar entre las mejores adaptaciones cinematográficas de los musicales de Broadway”, dice, “estas películas en particular se centran en algunos de los personajes principales más memorables, fascinantes y dimensionales de la historia de Broadway, e incluyen algunas de las mejores canciones jamás escritas. para el escenario ".

El hombre de la música (1962)

Una de las adaptaciones cinematográficas más fieles de uno de los mayores musicales de Broadway, con Robert Preston recreando su dinámica actuación ganadora del premio Tony. Dirigida por Morton DeCosta y coreografiada por Onna White, ambos protagonizaron la producción original de Broadway.

Gitana (1962)

Rosalind Russell aborda uno de los papeles más desafiantes en la historia del teatro, "Mama Rose", un personaje fascinante y complejo que el público adora y que horroriza en igual medida. GYPSY es considerado por muchos como el pináculo de la “obra musical” al estilo de la Edad de Oro de Broadway.

El violinista en el tejado (1971)

Esta adaptación incorpora casi todo el libro original y la partitura del original de Broadway y recrea la emocionante coreografía original de Jerome Robbins. Cuenta con una brillante actuación principal del actor israelí Topol, quien interpretó el papel de Tevye en la producción original de Londres.

Sweeney Todd, El barbero demoníaco de Fleet Street (1982)

Filmada durante la gira nacional del programa, la película presenta a gran parte del elenco original de Broadway, incluida Angela Lansbury. Lo más significativo es que replica la dirección y puesta en escena brillantes y sensacionales de Harold Prince. Esto es lo más parecido a ver la producción original que se puede conseguir, y es mucho más preferible que la versión cinematográfica de Johnny Depp.

Laca para el cabello (2007)

Esta adaptación cinematográfica de gran éxito es en muchos sentidos maravillosamente fiel al libro y la partitura original de Broadway, y demuestra cómo incluso una comedia musical deliciosa y tremendamente entretenida puede abordar grandes temas y temas importantes y serios.


EL FANTASMA DE LA ÓPERA SE CONVIERTE EN EL PRIMER ESPECTÁCULO DE LA HISTORIA DE BROADWAY EN CELEBRAR 20 AÑOS

El musical teatral más exitoso de todos los tiempos, la producción de Cameron Mackintosh / Really Useful Group, Inc. de THE PHANTOM OF THE OPERA de Andrew Lloyd Webber, dirigida por Harold Prince, alcanzará un hito sin precedentes cuando celebre su vigésimo aniversario en Broadway el sábado. , 26 de enero. En esa fecha, con sus presentaciones 8,318th y 8,319th en The Majestic Theatre (247 West 44th Street), se convertirá en la primera producción de Broadway en ejecutar 20 años.

El espectáculo de mayor duración en la historia de Broadway (una hazaña que logró en enero de 2006 cuando superó el récord de Cats en ese momento), el musical es el ganador de 7 premios Tony en 1988, incluido el de Mejor Musical. Desde su debut en Broadway el 26 de enero de 1988, EL FANTASMA DE LA ÓPERA ha recaudado más de 675 millones de dólares, lo que lo convierte en el espectáculo de mayor recaudación en la historia de Broadway. La asistencia total de Nueva York es de 12,5 millones. Desde entonces, ha presentado más de 8.000 funciones, el único espectáculo en la historia de Broadway que lo ha hecho, y todo sin un final a la vista.

Su éxito internacional, igualmente asombroso, está representado por ingresos brutos totales en todo el mundo estimados en más de $ 5 mil millones. Esta colosal cifra convierte a PHANTOM en la empresa de entretenimiento más exitosa de todos los tiempos, superando no solo a cualquier otra producción teatral, sino también a la película más taquillera del mundo Titanic (con $ 1.2 mil millones) y otros éxitos de taquilla como El señor de los anillos, Jurassic Park y Star Wars. La asistencia mundial es de más de 80 millones de personas.

EL FANTASMA DE LA ÓPERA siempre ha batido récords, con la producción de Nueva York estableciendo puntos de referencia que han dominado la industria: por capitalización ($ 8 millones entonces espectaculares), avance total (entonces enormes $ 18 millones), total bruto y asistencia ($ 675 millones y 12,5 millones y contando), actuaciones totales (convirtiéndose en el primer y único espectáculo en llegar a 8.000), e incluso la cantidad de años antes de que se vendiera un solo boleto en la taquilla de TKTS en Times Square ( más de 14 años, que sigue siendo el récord, por mucho). Y desde que se convirtió en el espectáculo de mayor duración en la historia de Broadway en 2006, cada actuación ha establecido un nuevo récord de longevidad.

El musical también ha batido todos los récords de giras. It continues to be the longest continuously-touring show in U.S. history, with the first of its three National Tours having gone out over 19 years ago in May 1989. The current tour is the longest-running touring production in U.S. history, having recently celebrated its 15th Anniversary on December 13, 2007, and having played over 6,000 performances.

In addition to PHANTOM’s amazing longevity and continued box office success, the Broadway production consistently earns rave reviews from returning critics:

In The New York Times, Jason Zinoman proclaimed, “PHANTOM still delivers the goods! Judging by sheer invention, emotional punch and onstage talent, the venerable blockbuster still beats out almost all of the whippersnappers currently on Broadway. Maria Björnson’s flamboyant gothic design and Harold Prince’s fantastical staging still have the gleam of finely polished professionalism. The solid cast retains the freshness of opening night.”

Clive Barnes of The New York Post gave it “FOUR STARS! A marvelous musical! PHANTOM has stayed in terrific shape and right now it is still as taut and sharp as on that first night in 1988. Harold Prince’s crisp staging remains as shipshape as ever. Maria Björnson’s opulent production perfectly captures the spirit and style of the Paris Opera and Andrew Lloyd Webber’s sweepingly romantic score is one of the finest scores Broadway has ever heard. Don’t miss it!”

Roma Torre of NY-1 News proclaimed, “PHANTOM rules! It remains as fresh and spectacular as ever. Andrew Lloyd Webber’s score has a visceral tug more than almost any score written in the past 20 years. Beautiful and romantic, I have to tip my hat: THE PHANTOM OF THE OPERA has aged divinely.”

Time Out’s David Cote exclaimed, “They’re doing something right! A beautifully produced show, PHANTOM is lavish and played well enough to get standing ovations nearly two decades into its run!”

And David Richardson on WOR Radio raved, “PHANTOM is still wonderful and isn’t showing its age one bit! The chandelier still falls on cue and the show still rises to the top of all the musicals ever to appear on Broadway. I hope I listen to the music of the night forever!”

THE PHANTOM OF THE OPERA had its world premiere on October 9, 1986 at Her Majesty’s Theatre in London, winning every major British theatre award including the Olivier and Evening Standard Awards. The New York production opened on January 26, 1988 with a then record advance of $18 million. The musical went on to sweep the 1988 Tony Awards, winning seven, including Best Musical. THE PHANTOM OF THE OPERA also won seven Drama Desk Awards and three Outer Critics Circle Awards. The original London cast recording was the first in British musical history to enter the charts at number one. It has since gone both gold and platinum in Britain and the U.S. selling over 40 million copies worldwide.

Base on the classic novel Le Fantôme de L’Opéra by Gaston Leroux, THE PHANTOM OF THE OPERA tells the story of a masked figure who lurks beneath the catacombs of the Paris Opera House, exercising a reign of terror over all who inhabit it. He falls madly in love with an innocent young soprano, Christine, and devotes himself to creating a new star by nurturing her extraordinary talents and by employing all of the devious methods at his command.

THE PHANTOM OF THE OPERA stars Howard McGillin in the tile role with Jennifer Hope Wills as Christine and Tim Martin Gleason as Raoul. Having donned the mask in over 2,000 times, Mr. McGillin has performed the title role more than any other actor in the Broadway production.

The musical also co-stars George Lee Andrews (Monsieur André Mr. Andrews is the only cast member to have been with the Broadway production for the entire run), David Cryer (Monsieur Firmin), Patricia Phillips (Carlotta), Marilyn Caskey (Madame Giry), Wayne Hobbs (Piangi) and Heather McFadden (Meg Giry). At certain performances, Elizabeth Loyacano plays Christine.

THE PHANTOM OF THE OPERA has music by Andrew Lloyd Webber and is directed by Harold Prince. Lyrics are by Charles Hart (with additional lyrics by Richard Stilgoe) and the book is by Richard Stilgoe and Andrew Lloyd Webber. THE PHANTOM OF THE OPERA has production design by the late Maria Björnson, lighting by Andrew Bridge and sound by Martin Levan. Musical staging and choreography is by Gillian Lynne. Orchestrations are by David Cullen and Andrew Lloyd Webber.


The 1737 Licensing Act had a huge, and some would say devastating, impact on the development of British drama. It granted the Lord Chamberlain the authority to censor new British plays, removing anything that he considered to be inappropriate. Theatre owners could be heavily prosecuted if they staged a play that hadn't received official approval.


Mousetrap in Shanghai

The Mousetrap played to packed houses for two weeks in the Lyceum Theatre in Shanghai. Subtitles in Chinese ran on either side of the stage throughout the performance. Agatha Christie is ‘bigger than Shakespeare’ in China, and her plays are performed regularly in Chinese, but this was the first time a British Company had been invited

The Mousetrap tours Australia for 8 months playing to 150,000 theatre goers.

The Mousetrap goes on its first ever tour of the UK playing in over 120 venues across the UK.

The Diamond Anniversary Gala Performance with a star-studded cast DIRECTED BY PHYLLIDA LLOYD.

TAMSIN GREIG appears as Mollie Ralston

HUGH BONNEVILLE appears as Giles Ralston

HARRY LLOYD appears as Christopher Wren

JULIE WALTERS appears as Mrs. Boyle

NICHOLAS FARRELL appears as Major Metcalf

MIRANDA HART appears as Miss Casewell

PATRICK STEWART appears as Mr. Paravicini

IAIN GLEN appears as Detective Sergeant Trotter

The Mousetrap performs at the famous Raffles Hotel in Singapore.

The Mousetrap Company wins the first ever West End Bake Off raising £4000 for the Charity Acting for Others.

Janet Hudson-Holt became the Be Inspired champion at the Olivier Awards for her work as the Costume Supervisor for The Mousetrap. For 15 years she has been an integral part of the show, making the wheel of The Mousetrap turn. Her impact on the show is clearly visible, after Janet painstakingly recreated the costumes from the original incarnation of the show.

The Mousetrap has its third Producer as Adam Spiegel becomes the custodian of the longest running show in the world.

On the 18th of September 2018 the cast celebrate The Mousetrap passing yet another incredible milestone. 27,500 performances down.


Ver el vídeo: Homenaje a Román José Chalbaud Quintero, Icono Del Séptimo Arte. Cine Venezolano (Octubre 2021).