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¿Cuál es la descripción más antigua de una grúa?

¿Cuál es la descripción más antigua de una grúa?

Varias fuentes en Internet, como Crane (máquina), A History Of The Crane y The sky is the limit: grúas y dispositivos de elevación accionados por humanos, afirman que los antiguos griegos fueron los inventores de la grúa en algún momento durante el siglo VI a. C.

Las grullas fueron adoptadas y mejoradas por los romanos; la imagen de abajo es la representación más antigua de una grúa que he podido encontrar.

"... parte de la rica decoración de la tumba de los Haterii, una familia de constructores que construyeron su propia tumba a lo largo de la antigua vía Labicana en el primeros años del siglo II d.C."(lo más destacado) Fuente: museivaticani

Esto parece ser una grúa de rueda dentada y es la única representación de una grúa de la antigüedad que he encontrado, más de 600 años después de que se inventó la grúa.

¿Hay representaciones anteriores, por ejemplo, en relieves, jarrones o murales? Si no es así, ¿existen otras representaciones de grullas premedievales?


El constructor romano Lucceius Peculiaris sería otro ejemplo pre-medieval.

Lucceius; Peculiaris; Ex Biso; Redentor; Fecit; Prosceni.

Desafortunadamente, aparentemente es incluso un poco más joven que el ejemplo de la pregunta, siglo III:

Información del objeto: general
Ubicación actual: Capua, Italien, IT, Museo Provinciale Campano - La información del lugar es Aufbewahrungsort - Ort im Gazetteer Procedencia: Italien, Capua / Santa Maria Capua Vetere, in den Ruinen des Theatres Categoría / Área cultural / Función: Inschrift; Alivio; Weihung Pertenece al monumento: nein Iniciado / Encargado por: Lucceius Peculiaris redemptor prosceni esfera cultural: römisch Datación: spätrepublikanisch. - después de: W. Fuchs - Ende / spätes 3. Cent. norte. Chr. - Argumento: Vergleich u. una. mit Köpfen vom Galeriusbogen sowie Gewändern auf dem Galerius- und Konstantinsbogen / después de: G. Zimmer -

3631: Votivrelief des Lucceius Peculiaris Capua, Museo Provinciale Campano (versión más grande)

El manuscrito ilustrado Manuscrito - Vat.lat.3225 también llamado Vergilius Vaticanus del siglo IV contiene escenas de "construir una ciudad"

La escena descrita con más detalle puede significar:

Eneas y Achats ven Cartago en construcción (f.13r); Eneas frente a Didon (f.16r); Venus envía a Dido el Amor en forma de Ascanio (f.17r). // {{Información | Descripción = {{en | 1 = Folio 13r del Vaticano Virgilio (Vaticano, Biblioteca Apostolica, Cod. Vat. Lat. 3225). Eneas encuentra Cartago. Ilustración del texto de la Ilíada.}} | Fuente = Vaticano Virgilio (Vaticano, Biblioteca Apostolica, Cod. Vat. Lat. 3 Src: French WP y WikiMedia Commons

¿Los romanos son grandes, los griegos son aún más grandes? Pero son jóvenes. Como se trata del más antiguo de estos dispositivos, normalmente tenemos que buscar en Mesopotamia o Egipto.

Allí encontramos

Este relieve de Nínive muestra a un hombre con un shaduf (un balde sujeto a una viga larga, pesado en un extremo y equilibrado para que el balde se eleve fácilmente). Está cambiando el curso de un arroyo para ayudar a los trabajadores de Sennacherib a mover una escultura gigante.
Alivio del panel de pared de alabastro en dos partes: mostrando un toro alado para el palacio de Senaquerib saliendo de la cantera. El toro, toscamente terminado, ha sido colocado en un trineo que avanza sobre rodillos, arrastrado por prisioneros de guerra. Cuatro capataces, dos con trompetas, dirigen la operación desde lo alto del coloso. A la izquierda, el rey está de pie en un carro tirado a mano. Algunos hombres quitan las rocas de la pista; otros tiran de una palanca larga, encajada en su lugar para mover la carga cuando se atasca. Abajo, los hombres usan baldes, unidos a brazos contrapesados ​​para levantar agua y desviar un arroyo. De panel de yeso relieve en dos partes: mostrando un toro alado para el palacio de Senaquerib saliendo de la cantera.

Gobernante: Senaquerib, Neo-Asirio, Fecha 700BC-692BC

Algunos creen que este tipo se utilizó en la construcción de pirámides nubias.

En todo caso:

Una de las primeras versiones de la grúa que se desarrolló fue el shaduf, que se utilizó por primera vez para mover agua en Egipto hace unos cuatro mil años. El shaduf consiste en una viga pivotante larga balanceada sobre un soporte vertical. Se adjunta un peso pesado a un extremo de la viga y un cubo al otro. El usuario tira del balde hacia el suministro de agua, lo llena y luego permite que el peso tire del balde hacia arriba. A continuación, se gira la viga a la posición deseada y se vacía el balde. El shaduf todavía se usa en áreas rurales de Egipto e India.

Y de los tiempos de Augusto

El trabajo de construcción fue exigente. El uso expandido de grandes piezas de mármol y otras piedras pesadas como el granito requirió aparatos de elevación cada vez más grandes. Realizados en madera, hay escasos vestigios materiales de estos aparatos, pero aparecen en el arte y la literatura. Una placa de terracota de Via Cassia muestra a un general con armadura de pie en medio de representaciones de un trofeo militar, una victoria voladora y una representación arrodillada identificada como Roma. A ambos lados hay figuras más pequeñas que operan grúas con llave para levantar piedras cuadradas para paredes masivas (Schäfer 435-436; Figura 6). Aunque las interpretaciones de esta escena varían, obviamente, la inclusión de un acto de construcción asume familiaridad y un significado potente para la construcción. De manera similar, una talla de Capua que conmemora una visión de Lucceius Peculiaris, posiblemente un contratista para la reconstrucción augusta del anfiteatro, muestra un polipasto y una grúa de rueda que levanta una columna monolítica (Sear 7). Vitruvio dedicó todo un capítulo a las máquinas elevadoras que asocia con cierta magnificencia (10.1.2).

Diane Favro: "Lectura de la Roma augusta: la materialidad como retórica in situ", Avances en la historia de la retórica, 20: 2, 180-195, DOI: 10.1080 / 15362426.2017.1326325


¿Cuál es la descripción más antigua de una grúa? - Historia

Los artistas a lo largo de la historia se han inspirado en las aves. Las formas en parte de pájaro y en parte humano se han utilizado con frecuencia para representar fenómenos sobrenaturales o habilidades humanas mejoradas, especialmente las de visión (cabezas de pájaro) y velocidad (alas de pájaro). Quizás la representación artística más antigua de aves o partes de aves es un hombre prehistórico con cabeza de pájaro que data del 15.000 al 10.000 a. C. Está pintado en una de las paredes de la cueva de Lascaux en Francia, el tesoro del arte de la Edad de Piedra que se describe a menudo.

Los antiguos egipcios consideraban a las aves como "almas aladas" y ocasionalmente las usaban para simbolizar dioses particulares. El símbolo de Horus, el dios del sol (y el dios local del Alto Nilo), era la cabeza o el cuerpo de un halcón. En una estatua del rey Chefren de Giza en su trono (c. 2500 a. C.), el rey no está sentado solo: el halcón de Horus está posado detrás de su cabeza y sus alas envuelven los hombros del rey. El pájaro parece estar vigilando al rey y su reino. Posteriormente, las aves rapaces se han utilizado a menudo para representar el poder nacional, hasta el símbolo nacional de los Estados Unidos. (Los padres fundadores, nos gustaría pensar, no reconocieron el hábito del águila calva de recolectar peces muertos y alimentarse en los vertederos). Mientras que las aves depredadoras se usan a menudo en el arte para simbolizar el poder, las palomas (presas frecuentes de las aves rapaces) a menudo representan la paz. .

Quimeras aladas simbólicas como Pegaso, el caballo volador, son recurrentes. El poder de la esfinge, indicado por la fusión de una cabeza humana con el cuerpo de un león, a veces se ve aumentado por las alas de un pájaro. Si la Gran Esfinge tenía alas, hace tiempo que desaparecieron, pero las de la Esfinge alada de Naxos (500 a. C.) siguen siendo resplandecientes. Tanto la victoria como la libertad siguen estando asociadas con las alas de los pájaros. Son, por ejemplo, la característica sobresaliente de la famosa escultura de mármol helenística de la "Victoria alada" de Samotracia (200 a. C.). Esa diosa en parte aerotransportada, a su vez, se convirtió en el prototipo de innumerables pinturas y caricaturas políticas modernas.

Los jilgueros, que aparecen comúnmente en manuscritos iluminados en la Edad Media, estaban asociados con el niño Jesús. En el sur de Italia y Sicilia, los jilgueros solían soltarse en el momento en que una figura que representaba a Cristo resucitado aparecía en las celebraciones de Pascua. ¿Podría la predilección de los jilgueros por los cardos espinosos recordar la corona de espinas y así llevarlos a asociarse con Cristo? Durante el Renacimiento, la mayoría de las pinturas eran religiosas y los ángeles con alas de pájaro eran comunes. Parecería que las innumerables representaciones de la Anunciación difieren más en el uso de alas de diferentes especies de aves.

Los nativos americanos que vivían en la costa noroeste de nuestro continente fueron consumados artistas de las aves. Utilizaron representaciones estilizadas de cuervos (que eran considerados dioses y desempeñaban un papel central en su religión), águilas y ostreros, etc., en máscaras y cascabeles tallados, así como en pantallas, tambores y cajas pintadas. Si bien el uso simbólico de las aves (y partes de su anatomía) es antiguo, las representaciones de la biología de las aves no son de ninguna manera una invención moderna. Por ejemplo, un pájaro garrapata estilizado que recoge parásitos del lomo de un toro está pintado en una pieza de cerámica que data del micénico tardío, más de mil años antes de Cristo, y un libro inglés antiguo contiene una imagen de un búho acosado.

La representación realista de aves en la naturaleza se hace cada vez más evidente en las pinturas occidentales y orientales del siglo XVIII, pero ilustrar la biología de las aves no se elevó a su posición actual como forma de arte hasta la obra de John James Audubon a principios del siglo XIX. Audubon fue uno de los primeros artistas en retratar con precisión la biología de las aves y, sin duda, el primero en pintar de manera consistente sus sujetos con tal dramatismo que se estableció a sí mismo como una figura significativa en la historia del arte. Se imprimieron reproducciones de sus acuarelas de tamaño natural en el famoso "Folio de elefante doble" de Birds of America. Los contornos se imprimieron a partir de enormes planchas de cobre grabadas y la coloración se realizó con maestría a mano. Las imágenes a menudo ilustran aspectos de la biología de las aves: plumaje variable, anidación, alimentación, defensa contra depredadores, exhibición, etc. Menos de 130 de los 200 juegos originales de 435 platos coloreados a mano han sobrevivido intactos. El valor que se les da como obras de arte se puede juzgar a partir de los precios exigidos por los platos individuales de los juegos que se han dividido. En una subasta a fines de 1985, muchos platos, incluidos el Flamingo, el Trumpeter Swan, los Gyrfalcons y los Snowy Owls, se vendieron por más de $ 25,000 cada uno. Se pagó el dólar más alto, $ 35,200, por un ejemplo de la representación de Audubon de un grupo de siete periquitos de Carolina desaparecidos hace mucho tiempo.

Las vocalizaciones de los pájaros, por supuesto, a menudo figuran en las obras literarias, especialmente en la poesía, como nos recuerdan las palabras de Milton, Keats, Shelley y otros sobre las canciones de los ruiseñores. La llamada del cuco europeo ha aparecido en el coro de al menos una canción de cuna. Quizás la transferencia más extendida de temas del mundo aviar al mundo del arte humano se haya producido en la danza. Los pueblos de la costa noroeste tienen bailes excepcionales de cuervos y ostreros. Los rituales de cortejo de las grullas se imitan en las danzas de las tribus africanas, los ainu de Japón, los aborígenes australianos y los nativos americanos. Uno podría incluso imaginar que las grullas han influido, directa o indirectamente, en el ballet de la misma manera que Peter Tchaikovsky fue influenciado por los cisnes hace más de un siglo cuando compuso El lago de los cisnes.

El uso simbólico de aves continúa hoy sin cesar. Por ejemplo, muchos anuncios de televisión muestran al águila calva o una variedad de halcones para sugerir patriotismo, confiabilidad, velocidad o machismo. El pavo real "orgulloso" es el símbolo de una red importante. Los clips de películas de aves volando, alimentándose, cantando y cortejando también se utilizan con frecuencia en programas de naturaleza y asuntos públicos para indicar las condiciones pacíficas y primitivas que están desapareciendo rápidamente de nuestro planeta. El arte de las aves parece volverse más popular a medida que las aves comienzan a desaparecer. Las pinturas, grabados y esculturas de aves modernas tienen una gran demanda, especialmente porque las obras de Audubon y otros "viejos maestros" aviares no están disponibles para la mayoría. Los niños criados con la imagen de un "gran pájaro" que todo lo sabe bien pueden ver las aves de manera diferente a sus padres, criados con Woody Woodpecker y Daffy Duck, pero parece seguro que las aves y su biología, de una forma u otra, permanecer incrustado en las artes y en la psique humana durante mucho tiempo.

Copyright & reg 1988 por Paul R. Ehrlich, David S. Dobkin y Darryl Wheye.


Historia de las grúas en el arte chino

Desde la antigüedad, los chinos han sido excepcionalmente creativos al utilizar varios objetos vivos, no vivos e imaginarios para representar ideas abstractas. Tienen un símbolo para todo, incluida la vida, la muerte y la longevidad. Una mirada al arte y las alfombras chinas puede enseñarle sobre la miríada de símbolos chinos. Entre los símbolos más populares y ampliamente utilizados se encuentran los de longevidad. Incluyen bambú, cigarra, melocotón, calabaza, pino, ciervo y grulla.

Las grullas, o garzas, como también se las conoce, juegan un papel importante en la mitología china. En la cultura china, la grulla es venerada como el príncipe de todas las criaturas emplumadas y, por lo tanto, tiene un estatus legendario. Encarnando la longevidad y la paz, es el segundo símbolo de ave más favorecido después del fénix. A lo largo de la época imperial, se utilizaron motivos de grúas en las túnicas de los funcionarios civiles para representar sus filas. Debido a su capacidad para volar alto y a largas distancias, sus alas se utilizaron como amuleto para protegerse del agotamiento.

Hay cuatro tipos de grullas en la mitología china: blancas, negras, azules y amarillas. Pero más que el color, el entorno y las posturas del cisne son más importantes. Una grúa que se muestra con sus alas extendidas y una pierna levantada representa longevidad. Cuando se muestra debajo de un pino cerca de un ciervo manchado, simboliza una vida prolongada. Uno que se muestra entre flores de peonía representa prosperidad y longevidad, mientras que uno que se muestra con flores de loto simboliza pureza y longevidad.

Si se muestra una grulla china volando hacia el sol, significa un deseo de avance social. Una grúa que se muestra posada en una roca y mirando al sol representa una autoridad importante que puede verlo todo. Dos grullas caminando o volando juntas es el último símbolo de longevidad.

Dado que las grullas vuelan en el cielo azul claro sobre la tierra polvorienta, también se consideran símbolos de limpieza y pureza. Cuando un sacerdote taoísta está en su lecho de muerte, la gente dice que se está convirtiendo en una grulla emplumada. Muchos chinos todavía creen que las grullas llevan su espíritu al cielo después de morir. Con un estatus tan venerado y legendario, no es de extrañar que las grullas aparezcan constantemente en el arte y las alfombras chinas.

La representación de las grullas en el arte chino y las alfombras antiguas se basan casi en su totalidad en su significado mitológico y simbolismo. Pero hay una ligera diferencia entre la forma en que se representan en el arte y la alfombra. Mientras que en el arte suelen mostrarse solos, en pareja o en grupo en un bello entorno natural, como un lago o una cascada, en las alfombras pueden mostrarse con otros símbolos como un león.

Una de las representaciones más populares de las grullas en las alfombras chinas es la de una grulla de cresta roja volando entre las nubes y las rosas, que simboliza la longevidad, la sabiduría y la nobleza. Otra representación popular es una grúa que se cierne sobre un ciervo que pasta bajo un pino. También son muy habituales dos grullas bailando en el suelo o volando juntas. Cualquiera que sea la escena en la que se representen las grullas, su simbolismo en el arte y las alfombras chinas siempre es importante.

Este blog de arte sobre el significado y el simbolismo de las grúas en el arte chino fue publicado por Nazmiyal Antique Rugs


Mascotas Antiguas

Los arqueólogos saben desde hace mucho tiempo que los perros fueron domesticados durante el período neolítico. Cerca de asentamientos humanos se han encontrado huesos de perro que datan de aproximadamente diez mil años, dijo Zeder. La evidencia de que los perros ayudaron en las misiones de caza ha sido menos obvia de inmediato.

Robert Losey, profesor de la Universidad de Alberta, es un experto en relaciones antiguas entre humanos y animales, particularmente con perros. Encontró evidencia de restos de perros de 10,000 años en Siberia, pero no está seguro del papel exacto que desempeñaron estos perros. Los restos, dijo, fueron enterrados deliberadamente, con los esqueletos completamente intactos, lo que significa que probablemente no habrían sido una fuente de alimento.

"Ha habido un trabajo etnográfico que muestra que la ayuda de los perros mejoró enormemente la productividad de la caza", dijo. Su corazonada es que la domesticación del perro coincidió con, o fue ayudada por, humanos que se beneficiaron de la caza con los amables caninos. Él cree que es plausible que el arte muestre a los perros guiados con correas.

"Los lazos emocionales que la gente tiene con los perros son muy, muy antiguos", dijo. (Obtenga más información sobre cómo los perros pueden habernos domesticado).

Guagnin señaló en su estudio que el nivel de detalle utilizado para representar a los perros indica que el artista o los artistas pueden haber tenido un vínculo estrecho con los animales.

Si bien Zeder se muestra escéptico ante las afirmaciones de Guagnin sobre la antigüedad de las tallas, está de acuerdo en que el arte muestra esos fuertes lazos.

"Lo que me sorprende del arte rupestre es el grado de detalle. Las diferentes marcas de los perros, la franja común del hombro, las manchas blancas. El nivel de realidad artística y el detalle es realmente notable", dijo Zeder.

Guagnin y su equipo planean regresar a Jubbah, donde creen que hay más sitios neolíticos que esperan ser explorados, que datan del año 10.000 a. C. Buscarán evidencia física de que los perros estaban presentes en la región en ese entonces.


La representación más antigua de la 'serpiente ardiente' encontrada en la pintura medieval

Los investigadores italianos que examinaron una pintura medieval pudieron haber encontrado la primera representación visual de la dracunculosis, una horrible infección parasitaria en la que un gusano de hasta un metro de largo sale de la piel.

Actualmente endémica en áreas de Chad, Etiopía, Malí y Sudán del Sur, la enfermedad se transmite a personas que beben agua infestada de pulgas de agua que se encuentran en el Cíclope género, y que contienen larvas del gusano de Guinea (Dracunculus medinensis). Un año después de que la persona ingiera el agua contaminada, un gusano parecido a un espagueti de 2 a 3 pies (0,6 a 1 metro) de largo brota de un área con ampollas de la piel de la persona y generalmente en la parte inferior de la pierna, según el World Health. Organización.

Para aliviar el dolor y la sensación de ardor que causa la lombriz cuando estalla, las víctimas buscan agua, lo que hace que la lombriz descargue sus larvas, lo que vuelve a iniciar todo el ciclo. [Los 10 parásitos más diabólicos y repugnantes]

Según un estudio que se publicará en un próximo número del Journal of Infection, la dracunculosis aparece claramente por primera vez en un retablo del siglo XV que se exhibe en la Pinacoteca di Brera (Galería de Pintura), ubicada en la región de Puglia, en el sur de Italia.

La obra de arte se considera un raro ejemplo de pintura del gótico tardío en Apulia y representa a San Roque, un peregrino francés del siglo XIV que se dice que curó a las víctimas de la plaga y que se enfermó él mismo.

"De hecho, St. Roch se representa típicamente con un bubón en la parte superior del muslo", dijo a WordsSideKick.com el paleopatólogo Raffaele Gaeta, de la Universidad de Pisa, Italia.

La pintura de Bari, que muestra al santo como un hombre barbudo con cabello rubio largo y rizado, no es una excepción. El pintor anónimo retrató a San Roque con una hinchazón en el muslo izquierdo, visible por un calcetín enrollado.

"Sin embargo, el retablo agrega un detalle nuevo y realista: de la lesión sale un filamento fino y blanco que casi llega a la rodilla", dijo Gaeta.

Señaló que los historiadores del arte identificaron erróneamente este elemento como una larga gota de pus que emerge de la herida infectada. [25 descubrimientos arqueológicos horripilantes]

"Creemos en cambio que el pintor retrató un caso antiguo de dracunculosis, una enfermedad infecciosa causada por un gusano nematodo, el Dracunculus medinensis, muy conocido en la antigüedad ", escribieron Gaeta y sus colegas Fabrizio Bruschi y Valentina Giuffra en su estudio.

La dracunculosis ha afectado a la humanidad durante miles de años. El Antiguo Testamento de la Biblia, que data de 1450 a.C., se refiere al gusano, según el Centro Carter. Se menciona en el Papiro médico egipcio de Ebers, que data de 1550 a.C., que sugería extraer el gusano del cuerpo enrollando un palo y mdash, un método que todavía se usa en la actualidad.

En la década de 1970 se proporcionó más evidencia de la existencia del gusano en el antiguo Egipto: se encontró un gusano de Guinea calcificado en la cavidad abdominal de una momia de 3.000 años.

Los parasitólogos creen que las "serpientes ardientes" bíblicas que atacaron a los israelitas que habían escapado de Egipto podrían haber sido gusanos de Guinea. La infección habría estado muy extendida en el Medio Oriente en el momento del éxodo, como lo estaba hasta hace poco.

"El gusano no mata, pero deja a la víctima en una miseria incapacitante", dijo Gaeta.

"El parásito podría haberse ganado su apodo de 'serpiente ardiente' porque causa un dolor insoportable y ardiente al atravesar la piel", agregó.

Aunque la enfermedad no está documentada en Italia, es posible que el pintor anónimo advirtiera el parásito en la herida de algún viajero que llegó a Bari, que era un puerto importante para las personas que viajaban hacia el Este, particularmente Siria y Palestina.

"Luego agregó el filamento blanco largo y delgado que sale de la pierna como una nota de realismo extremo", dijo Gaeta.

Según Francesco Galassi, paleopatólogo del Instituto de Medicina Evolutiva de la Universidad de Zurich, la investigación "ofrece espacio para una reflexión más general sobre la importancia de la prevención de enfermedades infecciosas para los viajeros internacionales en el mundo moderno".

"Me parece bastante cautivador que los autores planteen la hipótesis de que esta enfermedad podría haber sido retratada en un individuo que llega a Bari desde regiones donde, a diferencia de la península italiana, la condición era endémica", dijo Galassi a WordsSideKick.com.

Como resultado de una campaña de 30 años dirigida por el Centro Carter, una organización benéfica creada por el ex presidente Jimmy Carter, la dracunculosis probablemente será la segunda enfermedad humana en la historia después de la viruela en ser erradicada. Será la primera enfermedad parasitaria que se erradicará y la primera enfermedad que se erradicará sin el uso de un medicamento o vacuna.

En 2016, solo se informaron 25 casos de la enfermedad del gusano de Guinea en todo el mundo, frente a los 3,5 millones de casos estimados en 1986, según el Observatorio de Salud Global de la OMS.


Es posible que se haya descubierto una representación de Jesús primitivo en una estructura del Antiguo Egipto

Un equipo de arqueólogos catalanes ha descubierto lo que creen que podría ser una de las representaciones más antiguas de Jesús realizadas por los primeros cristianos coptos en Egipto.

Los investigadores descubrieron una estructura subterránea en una serie de tumbas enterradas que datan de los siglos VI y VII. Entre las imágenes coptas, o paleocristianas, pintadas en las paredes de la estructura se encontraba lo que el investigador principal, Josep Padró, describió como "la figura de un joven, de pelo rizado, vestido con una túnica corta y con la mano levantada como para bendecir". "


Foto cedida por la Universidad de Barcelona.

"Podríamos estar ante una imagen muy temprana de Jesucristo", dijo Padró a La Vanguardia.

Los investigadores retiraron 45 toneladas de roca para acceder a las paredes donde se encontró la pintura, que se encuentran entre varios sitios que Padró ha estado excavando durante los últimos 20 años.

El dibujo está bloqueado mientras los investigadores comienzan a traducir las inscripciones que lo rodean.

En 2011, los arqueólogos que trabajaban cerca del Mar de Galilea descubrieron un folleto de 2.000 años de antigüedad con lo que se pensaba que era una de las primeras representaciones de Jesús. Según los informes, el folleto llevaba la inscripción "Salvador de Israel", pero más tarde se cuestionó su autenticidad.

CORRECCIÓN: Un titular anterior de este artículo sugirió incorrectamente que la representación encontrada en Egipto era la más antigua conocida y se encuentra entre las más antiguas, pero otras imágenes que se cree que son de Jesús son anteriores a ella. El artículo también se ha actualizado para reflejar las dudas sobre la autenticidad del folleto 'Salvador de Galilea', y se ha eliminado una referencia a la tumba de un escriba para aclarar que la imagen fue descubierta en una estructura no identificada.


Señora america, la nueva miniserie de FX del creador Dahvi Waller, cuenta la historia del movimiento de liberación de la mujer a través de las mujeres convincentes y contenciosas que le dieron forma. El drama histórico de nueve episodios, cuyos primeros tres episodios ahora se transmiten en Hulu, se centra principalmente en la lucha política en torno a la ratificación de la Enmienda de Igualdad de Derechos y la reacción inesperada liderada por Phyllis Schlafly, la conservadora "novia de la mayoría silenciosa".

La miniserie sigue a líderes de ambos lados del debate, con Schlafly luchando contra la enmienda y las cofundadoras del Comité Político Nacional de Mujeres Gloria Steinem, Betty Friedan, Shirley Chisholm, Bella Abzug y Jill Ruckelshaus luchando por ella. Tejiendo múltiples historias, tanto personales como políticas, el programa ofrece un retrato matizado de las batallas sobre el movimiento por los derechos de las mujeres a principios de la década de 1970. Sin embargo, como nota de exención de responsabilidad que presenta cada episodio: "Algunos personajes del programa son ficticios y algunas escenas y diálogos se inventan con fines creativos y de la historia". Entonces, ¿qué es real y qué se inventa? Consultamos los libros de historia para desglosar los primeros tres episodios de la serie.

Al igual que en la vida real, Phyllis Schlafly, la antihéroe rubia y remilgada del programa, construyó su carrera abogando por los roles tradicionales de la mujer y movilizando la oposición conservadora al movimiento de liberación de la mujer. Como lo retrata Cate Blanchett, quien también es productora ejecutiva del programa, Schlafly demuestra ser un personaje constantemente subestimado y terriblemente inteligente que está lleno de contradicciones.

Cuando se abre el programa, la madre de seis hijos de Illinois se está preparando para ir a un programa de entrevistas para discutir un libro que ha escrito sobre defensa nacional. Aunque no es muy conocida, la verdadera Schlafly, que murió en 2016 a la edad de 92 años, de hecho pasó gran parte de su carrera temprana estudiando y escribiendo sobre temas relacionados con la seguridad nacional. En su libro de 1965 Golpe desde el espacio, coescrito con el Contralmirante Chester Ward, Schlafly señala que durante la Segunda Guerra Mundial trabajó como "artillero y técnico de balística en la planta de municiones más grande del mundo". Ella siguió siendo una voz política activa en la Guerra Fría y la defensa nacional a lo largo de su vida, aunque esa parte de su carrera fue eclipsada en gran medida por su papel en frenar el movimiento de liberación de la mujer.

A lo largo de su carrera, Schlafly tuvo ambiciones políticas, a las que el programa hace referencia en las conversaciones de Schlafly con su esposo. Se postuló para la Cámara de Representantes de los Estados Unidos en 1952 y nuevamente en 1970, aunque perdió ambas elecciones en su distrito sólidamente demócrata de Illinois. Aunque se postulaba sobre temas conservadores, era incondicionalmente anticomunista y pensaba que incluso Richard Nixon era demasiado moderado en los derechos civiles, Schlafly, al parecer, no se interesó seriamente en los problemas de las mujeres hasta la década de 1970. Durante la mayor parte del primer episodio, Schlafly parece tener poco interés en la ERA o la liberación de la mujer, y dice que "hay muchas cosas más importantes ... como la seguridad nacional". Esta parece ser una descripción precisa de las opiniones reales de Schlafly hasta 1970. Según su obituario en el New York Times, “Mrs. Schlafly apenas notó la Enmienda de Igualdad de Derechos cuando se debatió por primera vez en el Congreso ". No fue hasta 1971, cuando la enmienda ya había sido aprobada por la Cámara, que tomó las armas en su contra, fundó STOP ERA (como en el programa, STOP era un acrónimo de Stop Taking Our Privileges) y se nombró presidenta.

La descripción del programa del ascenso de Schlafly al poder político también es bastante fiel a los registros históricos de la época. Con la publicación de su conservador boletín Phyllis Schlafly Report, comienza una campaña de base para oponerse a la ratificación de la ERA. Ella argumentó que la enmienda habría perjudicado a las mujeres en lugar de ayudarlas, al eliminar protecciones como el derecho a la pensión alimenticia y la exención del reclutamiento. El programa finalmente reconoce que gran parte de esta retórica era exagerada para provocar miedo, pero a veces parece suavizar algunos de sus bordes más ásperos para hacerla más comprensiva con los espectadores modernos, como cuando muestra su incomodidad con algunos de los más de STOP ERA. miembros abiertamente racistas. En la vida real, Schlafly fue uno de los "conservadores morales" que, en la Convención Nacional Republicana de 1960, se opusieron al plan del partido de "acción agresiva" contra la segregación.

En el programa, Fred Schlafly (John Slattery) es retratado como el tipo de figura masculina benignamente condescendiente que se ha vuelto familiar a partir de dramas de época como Hombres Locos, en la que también actuó Slattery. Es guapo, exitoso, encantador, egoísta y condescendiente. Aunque Fred afirma apoyar las ambiciones políticas de su esposa, en privado expresa reservas porque teme que su trabajo interfiera con sus responsabilidades principales como esposa y madre. En el episodio 1, él casi le pide que no vuelva a postularse para el Congreso, alegando que eso "rompería la familia", y ella accede. No está claro si esta fue realmente la dinámica privada en el matrimonio de los Schlafly, pero, cualquiera que sea la razón, es cierto que ella no volvió a postularse para el cargo.

En una entrevista con Vanity Fair, la hija de Schlafly, Anne Schlafly Cori, afirmó que la descripción del programa de la tensión marital de sus padres es completamente ficticia: "Mi padre y mi madre tuvieron una relación realmente maravillosa", dijo Cori a Vanity Fair. “Creo que la alegría que tenían en el matrimonio formó gran parte de su punto de vista sobre los roles de hombres y mujeres juntos. Su matrimonio fue feliz porque fue un encuentro de mentes. Intelectual, emocional y espiritualmente, estaban en la misma página y se complementaban ".

Los primeros episodios muestran a Schlafly siendo repetidamente menospreciada, ignorada y acosada en sus tratos políticos por hombres menos calificados y conocedores que ella. En un momento, se le pide que tome notas en una reunión como si fuera una secretaria. Si bien no está claro si los detalles específicos de estas interacciones se basan de hecho, el tratamiento sigue lo que sabemos de la cultura en torno a las mujeres en el lugar de trabajo en ese momento.

A pesar de acceder a los deseos de su esposo, Schlafly establece un poder político significativo a través de sus campañas de base y sigue siendo una especie de contradicción. Ciertamente, los detractores de Schlafly (incluidos, como se muestra en Señora americaEl cuarto episodio, Gloria Steinem) la acusó de hipocresía, y señaló que mientras ella argumentaba que el lugar de una mujer estaba en la casa, ella estaba saliendo a la calle como oradora, editora de boletines y activista.

In the show, Schlafly becomes politically interested in the ERA after her friend Alice (Sarah Paulson), a housewife and homemaker, expresses fears that the amendment would eliminate benefits like alimony and Social Security and result in women being drafted into the military. Alice later becomes an animated supporter of Schlafly’s conservative campaign. While Alice does not appear to be based on any single historical figure, she can be seen as an amalgamation created to represent the fears and beliefs of many conservative women at the time.

Like her or not, Schlafly was an effective political organizer. Her grassroots campaign, composed largely of conservative women and homemakers, was unexpectedly successful in halting the ratification of the ERA. The show accurately depicts Schlafly’s campaign tactics, which relied heavily on letter writing and employed traditional symbols of the American housewife to inspire political support.


Ancient paintings

Another painting found some years ago at Shivta, in the southernmost of its three ruined churches, shows Christ at his transfiguration — another key event described in the Christian gospels, which are thought to have been written in the first century after his death.

That painting, too, is heavily eroded it shows only an outline of the figure of Christ and a single eyebrow.

But the painting on the ceiling of the northern baptistery — a building used for baptisms and containing the baptismal font — shows most of the face of Christ, as a young man with short, curly hair. [See Images of Jesus' House and Nazareth Artifacts]

The iconography of Christ with short hair was common throughout the east of the Byzantine Empire, Maayan-Fanar explained, especially in Egypt and the Syria-Palestine region. But it was eventually displaced by Byzantine images of Christ with long hair, which remains a common portrayal today.

Christ was also shown as a very young man, she said, because his baptism in the Jordan symbolized a "new birth." For the same reason, the painting shows a larger figure of John the Baptist, who is said to have presided at Christ's baptism, according to the Christian Gospels.

In their study of the baptistery painting, Maayan-Fanar and her colleagues describe the portrait of Christ as that of a youth with "short curly hair, a prolonged face, large eyes and an elongated nose." It represents a sixth-century convention of Christ's appearance, rather than his actual appearance, which is not described in the Gospels: "It would be wonderful, but how would we know?" ella dijo.


Depictions of the Lower Class

Victorian portrayals of lower- and working-class children in both urban and rural contexts were somewhat different. The lower-class female might be incredibly rosy-cheeked, tidy, and sweet, whether as a farm lass, peasant, or street vendor. All such girls were perceived essentially as objects of pity or amusement, with little sense of the sordid and oppressive social conditions that impoverished children endured. Boy urchins, whether in the pages of Punch magazine or in Royal Academy paintings, were sanitized into healthy, scruffy, and unthreatening children.

The dead or dying child appeared frequently in Victorian era paintings as well, reflecting the high mortality rates (compared with modern statistics) among all classes. Many scenarios𠄻y George Hicks, Thomas Faed, and Thomas Brooks�ture parental bedside vigils in which the need for Christian faith and fortitude are endorsed. As in the literary realm, the picturesque appeal of the helpless orphan, especially vulnerable female ones𠄺s in the paintings of Emily Mary Osborn, George Storey, and Philip Calderon𠄺lso was favored by Victorian audiences.

Modern audiences have been inculcated with Victorian notions of childhood by a variety of sources, from an endless proliferation of Kate Greenaway-decorated items to contemporary magazines that combine nostalgia for the past with gauzy finery and images of female decorativeness, passivity, leisure, and conspicuous consumerism. The Victorian literary characters Alice, of Alice's Adventures in Wonderland, and PETER PAGAN, of James Barrie's 1904 novel Peter Pan, or The Boy Who Would Not Grow Up, have earned permanent places in the public imagination, due to DISNEY films and to the enduring appeal of the girl seeking authority over her fantasies and the boy escaping the responsibilities of adulthood by refusing to grow up.


What is the earliest depiction of a crane? - Historia

First Robots - in Literature

The Steam Man, Hadaly, and Tik-Tok

  1. Edward S. Ellis' The Steam Man of the Prairies (1868)
    A science-fictional dime-novel, first published in Irwin's American Novels # 45 in 1868.
    If the novel's title character can be considered a 'robot', then this short novel was the first portrayal in literature of a 'robot' or nonsentient automaton - called the Steam Man. The 'mechanical' metal man, a steam-boiler used for locomotion to pull a carriage, was made of iron and was approximately 10 feet tall. It was constructed by teenaged Johnny Brainerd, the inventor in the novel.
  2. Auguste de Villiers de l'lsle Adam's L'Eve Futur (1886, Fr.) (aka The Future Eve, or The Eve of the Future)
    A published book - a classic science-fiction tale that popularized the term "android." Allegedly, the French novelist was inspired to write his book after viewing Edison's display of inventions at the International Electrical Exhibition in Paris in 1881. The story was serialized in 1884 and published as a book in 1886.
    It told about a brilliant British alchemist (modeled after Thomas Edison) who offered to create a mechanical, robotic facsimile of his friend Lord Ewald's beloved fiancee - a stage performer and singer named Alicia Clary. The misogynistic alchemist's goal was to create a perfect and natural, electrical, and mechanical variation of Alicia, who would bring Ewald true happiness - without female personality problems or other physical human imperfections that were causing Ewald to contemplate suicide. The android (andreide), Hadaly, was indistinguishable from Alicia. It had a phonographic apparatus to realistically reproduce Alicia's voice, and was supernaturally endowed with the spirit of Sowana, Edison's mystical assistant. The 'robot' or creation was not a real female "but an angel, not a mistress but a lover, more than reality, an ideal."
  3. L. Frank Baum's Ozma of Oz (1907)
    The third book of Baum's Oz serie. It featured the round-bodied Tik-Tok, made of burnished copper and with jointed arms and legs (with polished caps on them), and requiring its inner springs to be wound in order to function. The card on his back read:

The Mechanical Statue and the Ingenious Servant (1907)

Mechanical Men

(Survival status unknown, although a Vitagraph paper print extract or fragment is reported to exist)

This very early, Vitagraph one-reel (or half-reel) film from director J. Stuart Blackton, was the first American film with 'robot' predecessors - called mechanical men (also known as automatons).

In the slapstick comedic story, a sculptor had hand-built a "mechanical statue" which danced when wound up. It was bought by a customer who took it home. There, a house-servant started it up, but the statue ran away. The "ingenious" servant was able to deceive the master of the house, pretending to be the 'mechanical' robot.

The Fairylogue and Radio-Plays (1908)

Tik-Tok (The Machine Man)

Tik-Tok first appeared in film in The Fairylogue and Radio-Plays (1908), presented in Baum's live travelogue stage presentation (with Tik-Tok - The Machine Man, portrayed by Wallace Illington). The multi-media presentation was a mix of live-action, hand-tinted 'magic lantern' slides, film, and Baum's own narration.


The cast of The Fairylogue and Radio-Plays (1908)
Is Tik-Tok on Baum's left?

[Note: Tik-Tok reappeared much later as the mustached Tik-Tok in Disney's film Return to Oz (1985). See later entry.]

Early 'Robot' Films in the Silent Era

In many cases in these early 'robot' films, the automatons (or automated thinking machines, often functioning as robots or servants) could prove to be dangerous or deadly after running amok, as in Frankenstein (1931).

Early depictions of "mechanical men" included these short films (often comedies and usually one-reel) - sometimes reflecting the encroachment of machinery and the increasing fear of industrialization:

  • An Animated Doll (1908), from Essanay
  • An Extraordinary Duel (1909, Fr.), , from Pathé Frères, about two dueling men (one black, one white) who kept destroying each other, but then were reanimated and rebuilt to continue fighting
  • The Rubber Man (1909), from the Lubin Company, about a mechanical creation that ran amok through a town and village before being short-circuited by being doused in a water trough
  • Dr. Smith's Automaton (1910, Fr.), from Pathé Frères
  • A Mechanical Husband (1910, UK), about a girl who objected to her father's choice of a man and fell in love with an automaton
  • The Automatic Motorist (1911, UK), a comedic fantasy take-off of Georges Melies' A Trip to the Moon (1902), and a mix of live-action and stop-motion animation, in which a mechanical chauffeur drove a newly-wed couple on a honeymoon trip to Saturn
  • The Inventor's Secret (1911), from Biograph (and writer/director Mack Sennett), about a cop (Dan, portrayed by Sennett) who set out to retrieve a missing girl and collect a $500 reward, but mistook an automatic doll for the child
  • The Electric Leg (1912, UK), about the invention of a primitive prosthetic or electric leg for disabled individuals by Professor Bound, but for one amputee, the artificial leg had a mind of its own he lost control of it and it took a man into a girls' dormitory
  • The House of Mystery (1912, Fr.), from Pathé Frères, with a mechanical policeman
  • Sammy's Automaton (1914, Fr.), about Sammy thoughtlessly turning a lifeless mannequin-dummy into an uncontrollable, lascivious automaton
  • The Automatic House (1915), from Empress, about an automatic maid in a "automatic house"
  • The Mechanical Man (1915), from Universal, about a "mechanical man" (Walter Frederick Trevallion, as Phroso)
  • Hoffmanns Erzählungen (aka Tales of Hoffman) (1916, Ger.), was told in three stories/parts about the hero's past loves in the first, the hero young Hoffmann (Kurt Wolowsky) fell in love with a life-sized automaton, a living marionette named Olympia (Alice Scheel-Hechy) he had been duped by Coppelius (Friedrich Kühne) into wearing a pair of magic eyeglasses that made inanimate objects come to life when the deception was revealed, the automaton was torn to pieces
  • Homunculus (1916, Ger.), an expressionistic, six-part serial about diabolical, mad scientist Dr. Hansen's (Adolf Paul) (and his assistant Edgar Rodin's (Friedrich Kühne)) creation of a bitter, soulless, artificial man, the Homunculus (Olaf Fønss), that became tyrannical
  • A Clever Dummy (1917) , from Mack Sennett and Triangle/Keystone, about an inventor named Samuel Tinker (James Donnelly) who created a remote-controlled mechanical robot dummy modeled after the building's janitor (silent film comedian Ben Turpin known for his crossed-eyes) then to further romance, the janitor traded places with the dummy during a vaudeville stage performance to get closer to a woman in the show with whom he was smitten.

The Golem (1920, Ger.) (aka Der Golem)

Golem

Paul Wegener directed three influential adaptations of the Golem legend by Gustav Meyrinck:

  • Der Golem (1914, Ger.) (aka The Monster of Fate)
  • Der Golem Und Die Tanzerin (1917, Ger.) (aka The Golem and the Dancer) - notably the first horror film sequel
  • Der Golem (1920, Ger.) (aka The Golem: or How He Came Into the World), with Karl Freund as cinematographer

The first expressionistic film was based upon Central European myths and influenced later 'Frankenstein' monster films in the early 1930s with themes of a creator losing control of his creation. The Golem, played by Wegener himself, was an ancient clay figure from Hebrew mythology that was brought to life by Rabbi Loew's magic amulet to defend and save the Jews in 16th century Prague from a pogrom threatened by Rudolf II of Habsburg.

The giant man-made, clay creature roamed and lumbered through the Jewish ghetto of medieval Prague to protect it from persecution.

The Master Mystery (1919 or 1920) (aka The Houdini Serial, and Le Maitre du Mystere)

Q, or The Automaton

Director Burton King's and Harry Grossman's independently-produced serial (with 15 episodes, some of which are lost) was made by Studio Pathe in France.

It starred magician and trick escapist artist Harry Houdini as heroic Justice Department/secret service agent Quentin Locke who battled a threatening and criminal international cartel/corporation (the Patent Company).

The serial featured a huge, mechanical, evil robot named Q or The Automaton (Floyd Buckley), the cartel's protective robot-servant. The criminal mastermind had a goofy-looking face and a barrel-shaped pelvis. Houdini exposed the robot as a human in disguise.

This film had one of the earliest (if not the first) on-screen theatrical representation of a traditional robot.

The Mechanical Man (1921, It.) (aka L&rsquoUomo Meccanico)

Mechanical Man

Writer/director Andre Deed's short silent film (only parts of which survive, in a fragmented form - in total, about a third of the original 80 minutes in length) featured a giant, super-powered, 9-10 foot-tall, colossal evil "mechanical" robot, designed to commit robberies and create mayhem.

It was programmed and remotely-controlled by evil villainess adventuress Mado (Valentina Frascaroli) to cause severe damage with its fiery, acetylene blow-torch hands and its massive bulk.

The lumbering robot had headlights for eyes, and had the capability of running at high speed.

The film's finale featured a climactic battle at a masked ball in the Opera House between the first monstrous robot and a second mechanical robot, specifically created (with similar specifications) to destroy the first one.

"Fake" Maria

This future dystopic silent film from director Fritz Lang featured one of the earliest robots (and also female!), a great iconic image. At the time, most robots were either asexual or male. The story was set in the year 2026 in the city of Metropolis.

The luxurious, futuristic, Art Deco city - an industrial world with skyscrapers and bridges, was divided or stratified into an upper, elite, privileged class of powerful industrialists and a subterranean, nameless, oppressed and exploited, ant-like worker/slave class. An elite, privileged ruling technocracy, led by Joh Fredersen (Alfred Abel), was run on the back-breaking labor of underground masses of toiling workers who ran the machines.

The children were cared for by the beautiful heroine Maria (Brigitte Helm), who brought them to a forbidden artificial grotto of the ruling class. There, her beauty overwhelmed Freder (Gustav Frohlich), the son of the ruler of Metropolis, and he fell in love with her. When he went searching for her, he became appalled by the horrors of the working world and the waste of life. After discovering the workers' clandestine meeting led by Maria, Freder's controlling, glacial father conspired with archetypal mad scientist Rotwang (Rudolf Klein-Rogge) to create an evil, robotic Maria look-alike duplicate (explicitly created to replace a specific human), in order to manipulate his workers and preach riot and rebellion.

The Art Deco-styled female robot (also Brigitte Helm) was constructed and brought to life by Rotwang as a metal android (later inspiring Star Wars' C-3PO). It was supposed to resemble the dead wife of the city&rsquos ruler. Rotwang had kidnapped the virtuous and compassionate union leader heroine Maria, and created an evil doppelganger of her in his laboratory - in a stunning transformation scene in which he copied Maria's face and body onto the metal surface of the robot.

She was to deceptively become an evil, seductive and sadistic version of Maria. The robot had a fully-armored head, with slits for eyes and mouth, sculpted shoulders, as well as a mechanically-jointed body with armor-like coverings on the legs and feet.

The android was created in order to discredit the real Maria by - among other things, performing lascivious, erotic dances to a frenzied male audience to incite them to riot (as part of the aristocracy's plan to brutally subdue them).

Der Herr Der Welt (1934, Germ.) (aka Master of the World)

Giant Industrial Robot, and Army of Killer Robots

Prolific director Harry Piel's fourth science-fiction film (of a quartet of science fiction films) was a tale about robots created to take the place of human labor, but also posing a potential threat of taking over the world.

Robot inventor, machine manufacturer and scientist Dr. Erich Heller (Walter Janssen) and handsome mining engineer Werner Baumann (Siegfried Schürenberg) discussed a futuristic world where robotic machines would liberate mankind from hard labor or dangerous occupations (such as mining). In his work, Heller was assisted by Professor Wolf (Walter Franck), a demented and crazed colleague who had completed work on a giant robot (equipped with death rays) in Heller's long absence. While confronting Wolf with overstepping his authority, Heller ordered the entire project to be dismantled, and was 'accidentally' killed by the robot under Wolf's control.

Soon after, Wolf's evil plan was to displace mine workers with a vast army of killer robots, thus leaving the laborers unemployed. In fact, the robots were attacking the mine workers who tried to get their jobs back. Baumann had warned Wolf that the workers would revolt if they lost their jobs, although Wolf's evil plan was to crush any revolts with his 'war machines' and achieve world domination ("master of the world").

In a climactic scene in the laboratory, there was a stand-off between Baumann, now in love with Vilma (Sybille Schmitz) - the widow of Dr. Heller and rightful owner of her dead husband's company, and Wolf, who ordered his giant robot to attack Baumann. Wolf was assaulted and killed by his own machine when he was caught in the cross-fire of death rays (looking like static electricity bolts). The lab and the robot were destroyed in an explosion.

Flash Gordon (1936) (aka Space Soldiers)

Ming's Army/Guards (possibly non-robotic!)

In this popular 13-part serial, blonde polo player Flash Gordon (Larry 'Buster' Crabbe) and Dale Arden (Jean Rogers) joined up with Dr. Zarkov (Frank Shannon) on his home-made rocketship and went to the planet Mongo. There, they confronted the evil ruling emperor, Ming the Merciless (Charles Middleton), with pretty daughter Princess Aura (Priscilla Lawson).

At the time, the planet Mongo was on a collision course with Earth. Zarkov was able to persuade Ming to stop Mongo's destructive path, although the tyrannical Ming then decided to take over Earth himself - and abduct Dale for himself.

In the first chapter, Flash, Dale, and Zarkov were taken prisoner by Officer Torch and two helmeted, mechanized robotic guards, known as "Annihilants". Ming's deadly army was composed of these mechanical robotic soldiers with scientifically-advanced rifles. When they went outside, the guards appeared to be wearing some kind of undergarment under their armored suits.

[Note: Some regarded the army's soldiers as non-robotic, as per the comic strip which portrayed the guards as human when they took off their helmets.]

Undersea Kingdom (1936)

Volkites

This early action-packed Republic Pictures serial (with twelve episodes or chapters) was produced in haste to compete with Universal's Flash Gordon (1936) serials. It starred naval action hero Lt. Ray "Crash" Corrigan (Ray Corrigan) and featured the lost city of Atlantis at the bottom of the sea.

Trash can-like robot soldiers with zap rays guns (Atomguns) called Volkites were commanded by warlord Unga Khan (Monte Blue), the evil tyrannical ruler of the Black Robes and remote-controlled by his equally-evil henchman Captain Hakur (Lon Chaney, Jr.). The Volkites were used to attack the sacred city of Atlantis.

The Phantom Creeps (1939)

"Iron Man"

Universal's 12-part serial titled The Phantom Creeps, was advertised as having: 12 Spine-Shivering Action Chapters. This was the last serial for Bela Lugosi who starred as mad scientist Dr. Alex Zorka intent on taking over the world.

He invented a fearsome, slow-moving 8-foot golem-like iron monster or robot that he referred to as "his iron man" (played by 7'4" tall stuntman Ed Wolff), featuring a sculpted round human-like head.

The super-strong robot was remote-controlled, designed to "crush all opposition and make me the most powerful man in the world" - according to Dr. Zorka.

The Tin Man (aka The Tin Woodman)

In this beloved musical fantasy film, the Tin Man (Jack Haley) (aka The Tin Woodman in L. Frank Baum's original book) was one of the fanciful characters in the Wonderful Land of Oz. In fact in the novel, however, the Tin Woodman was originally born human as Nick Chopper, but because of many accidents with his own axe, he was forced to replace all of his body parts and limbs with tin - becoming a cyborg!

He was a silver-faced, funnel-capped robot who joined Dorothy (Judy Garland) on her journey to Oz' Wizard in the Emerald City to request a heart to fill his hollow chest ("The tinsmith forgot to give me a heart" and "If I only had a heart. "). He was first found rusted immobile from moisture and needed to be oiled to begin moving again.


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