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Estela funeraria que muestra una escena de banquete de Tasos

Estela funeraria que muestra una escena de banquete de Tasos


Naiskos en la arquitectura funeraria de los antiguos griegos

Un tipo de lápida en la antigua Grecia, principalmente en los siglos IV y V antes de Cristo. Imitó la forma de templum en antisItes decir, parecía un pequeño templo de orden clásico con antas, columnas o pilares y un frontón decorativo, también decorado con figuras en la fachada. El frontón (frontispicio) solía estar lleno de escenas familiares en alto relieve, donde los muertos aparecían dentro de la casa junto a los vivos. También & # 8220 [algunas] de las inscripciones helenísticas encontradas en la Bahía de Grama, [en el Mar Jónico de Albania], están colocadas dentro de un naiskos, y en este caso el contexto religioso es una invocación de Castor y Pollux, [la ] Dioskouroi [en la mitología griega y romana], para un paso seguro a través del Adriático, en lugar de funerario & # 8221 (& # 8220Naiskos & # 8221 2020).

La forma naiskos se desarrolló a partir de una estela ática de lápidas en la segunda mitad del siglo IV a. C. inicialmente de forma simple, con el tiempo habían ido adquiriendo una forma más complicada que se refería a la fachada de un templo griego con frontón sostenido por columnas.

La fachada de Naiksos también aparece como motivo decorativo en la cerámica funeraria & # 8220 de figuras negras y rojas de la antigua Grecia en los Loutrophoros y los Lekythos y las mercancías de figuras rojas de Apulia en el sur de Italia, [el siglo IV a. C. ] & # 8221 (& # 8220Naiskos & # 8221 2020).

Un estilo similar de lápidas funerarias también se puede observar en la llamada edícula, típica del arte romano.

Foto principal: Estela funeraria de estilo Naiskos de Cyzicus (una antigua ciudad de Misia en Anatolia, en la actual provincia de Balıkesir de Turquía), con un epitafio de decoración en alto relieve inscrito en el plint: "Attalos, hijo de Asklepiodoros, ¡saludos!" Realizado en mármol, del segundo cuarto del siglo II a.C. La estela del banquete funerario representa, de izquierda a derecha, un sirviente que sostiene un objeto redondo, tal vez un modelo del Arsinoeion en Samotracia, una mujer sentada, un hombre medio reclinado que sostiene un phiale en el que bebe una serpiente, un niño copero. Departamento de Antigüedades Griegas, Etruscas y Romanas, Denon, planta baja, sala 11 (Musée du Louvre, París, Francia). Foto de Jastrow (2008). Crédito otorgado por W. H. Waddington, (1854). CC BY 3.0. Imagen recortada. Fuente de foto y pie de foto: Wikimedia Commons (2021).

& # 8220Naiskos & # 8221 (2020). En: Wikipedia. La enciclopedia libre. Disponible en & lthttps: //bit.ly/3bQQvhL>. [Consultado el 28 de febrero de 2021].

& # 8220Naiskos & # 8221 (2020). En: Wikipedia. Enciclopedia de Wolna. Disponible en & lthttps: //bit.ly/2PkkoiN>. [Consultado el 28 de febrero de 2021].

& # 8220Naiskos estela de Cyzicus & # 8221 (2021). En: Wikimedia Commons. Disponible en & lthttps: //bit.ly/3bHRUaa>. [Consultado el 28 de febrero de 2021].

PWN (2007). Słownik terminologiczny sztuk pięknych, pág. 274. Kubalska-Sulkiewicz K., Bielska-Łach M., Manteuffel-Szarota A. eds. Wydanie piąte. Warszawa: Wydawnictwo Naukowe PWN.

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Susa, piezas de museo

Susa (elamítica, babilónico: Šušim griego τὰ Σοῦσα): capital de Elam, residencia favorita del rey persa Darío I el Grande.

Objetos de museo de Susa

Muchos objetos de Susa han llegado a museos en Irán y Europa. El sitio en sí tiene un pequeño museo agradable, muchos otros objetos se pueden encontrar en el Louvre en París, porque las primeras excavadoras fueron de Francia. No sorprende encontrar otros objetos en el Museo Nacional de Teherán. El Museo Británico de Londres debe una parte de su colección a la explotación británica de los campos petrolíferos de Juzestán.

La primera foto muestra una tablilla de arcilla bellamente escrita con el texto de Darío I el Grande que se conoce como DSe: una lista de satrapías del Imperio aqueménida. El texto completo y la traducción de este documento se pueden encontrar aquí.

A continuación se muestran algunos otros objetos de los museos ya mencionados, ordenados más o menos cronológicamente con los objetos más antiguos primero.

Tercer milenio a. C.

Susa, relieve en piedra con escena de banquete

Segundo milenio a. C.

Susa, modelo elamita medio de un ritual solar

Susa, bajorrelieve de los dioses guerreros de Elamita Media

Susa, dedicación a Inšušinak

Susa, estatua de la reina Napirasu, esposa de Untaš-Napiriša

El hallazgo arqueológico más conocido de Susa es sin duda alguna la estela de diorita con las Leyes del rey babilónico Hammurabi (r. 1792-1750), que fue llevada cuando los elamitas saquearon Babilonia. El capitel de la estela muestra cómo Hammurabi reza a Šamaš, el dios del sol. Las leyes están escritas debajo de esta imagen.

La importancia de las regulaciones aún no está clara. En una sociedad que era abrumadoramente analfabeta, la gente nunca conocería sus derechos si dependiera de un texto escrito, y es posible que la estela, de hecho, solo tenía la intención de mostrar a los dioses eternos que el rey era un hombre justo, o que lo intentó. ser.


2 Duelo formal

El período de duelo formal comenzó así durante la prótesis. En general, había una distinción entre la forma en que los hombres y las mujeres lloraban. Por lo general, los hombres no mostraban emociones y se comportaban de manera formal y distante. En las representaciones artísticas de la prótesis, el cabeza de familia masculino a menudo esperaba para recibir a los invitados a cierta distancia del cuerpo.

Las parientes femeninas, en cambio, se pararon cerca del cuerpo, gimiendo y gesticulando salvajemente, incluso tirando de sus cabellos. El principal doliente era la madre o la esposa del difunto. Se paró cerca de la cabeza y, a menudo, la sostuvo en sus manos con dolor.


Estela funeraria que muestra una escena de banquete de Tasos - Historia

Nombre de mots: 1708 mots
Publi en ligne le 2019-10-31
Cita: Histara les comptes rendus (ISSN 2100-0700).
Gravamen: http://histara.sorbonne.fr/cr.php?cr=3652
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El presente volumen constituye una continuación del primer volumen del mismo autor sobre los monumentos en relieve de Tasos (B. Holtzmann, Corpus des Reliefs I. Reliefs & agrave theme divin. & Eacutetudes Thasiennes XV (Ath & egravenes-Paris 1994), donde estudió la votiva y relieves arquitectónicos encontrados en la isla de Tasos. El nuevo volumen examina los relieves votivos y graves con contenido heroico de Tasos. Estos están representados en dos esquemas compositivos básicos: el del jinete a caballo y la escena del banquete con un héroe reclinado. Por tanto, el estudio se articula en dos apartados, respectivamente.

La introducción aclara la noción de héroe y heroización en la cultura griega antigua de acuerdo con la tesis actual de la investigación arqueológica reciente e investiga los orígenes de las dos tradiciones iconográficas, la del jinete y la escena del banquete, emergiendo por primera vez en el griego geométrico y arcaico. Arte basado en los hábitos aristocráticos de la sociedad griega primitiva. Los relieves votivos dedicados a un héroe aparecen primero y son sustituidos más tarde, principalmente desde el período helenístico tardío hasta la antigüedad tardía, por las estelas funerarias erigidas para los muertos heroizados. Estas dos categorías pueden coexistir a veces en un monumento o la función de un monumento individual puede ser difícil de detectar en algunos casos, debido a la falta de una inscripción adjunta. Además, esta transición está marcada por la menor calidad artística de estos artefactos, especialmente durante el período imperial romano. Finalmente, el autor presenta brevemente los amplios testimonios de la existencia de cultos heroicos en Tasos.

Las dos secciones principales del libro están organizadas de manera similar. Las extensas entradas del catálogo van seguidas en cada caso de un comentario iconográfico. La numeración es continua desde el corpus anterior de los relieves votivos de Tasia (I, 1993) hasta las dos secciones de la presente publicación. Los relieves discutidos en el volumen actual datan del período Clásico temprano hasta el siglo III d.C.

Sección I.El tema del jinete

Los 52 relieves del jinete se dividen en cuatro grupos según su iconografía, a) la majestuosa epifanía del héroe de pie junto a su caballo inmóvil, b) el jinete cabalgando lentamente, c) el jinete al galope representado como un guerrero, d) el jinete mostrado como un cazador de jabalíes. Cada grupo se investiga a fondo y su desarrollo cronológico se sigue en el corpus de los relieves de Tasia. Sin embargo, el autor también busca las raíces de esta tradición en otras regiones griegas, a saber, en el Ática, el norte de Grecia, las islas del Egeo y la región del Póntico, así como en Asia Menor, subrayando, cuando existe, la contribución local a la formación de un cierto tipo iconográfico. El tipo representado con más frecuencia es el del jinete al galope retratado como cazador, que aparece en 39 monumentos en relieve. El elemento significativo aquí es la caza del jabalí, abreviado mostrando únicamente la cabeza del animal, hacia el que se dirige el jinete cazador. Sin embargo, este grupo comprende algunos relieves que representan al héroe galopante solo, sin el jabalí, mientras que otros son muy fragmentarios y, por lo tanto, falta la presa. El autor postula que todos ellos representan al héroe cazador de jabalíes, representado en su versión completa, con la lanza en la mano derecha levantada y galopando velozmente hacia el árbol entrelazado por la serpiente y precedido por un altar, aunque en algunos casos el tema principal puede ser simplificado. Sin embargo, el caso más extraño de este grupo de monumentos es el no. 133, que representa a un jinete con una lanza en la mano levantada cabalgando lentamente hacia una mujer sentada que blande una rama de árbol contra él.

Claramente, la serie de Thasian con el jinete de caza es parte de la gran tradición iconográfica que se originó en la península balcánica a partir del período imperial temprano en adelante, completando la imagen del & lsquoThrasian jinete & rdquo, como se le conoce en el interior de la península balcánica y la Tracia del Egeo. .

La certificación epigráfica de los relieves con el cazador de jabalíes a la carga en Tasos son dedicatorias al héroe / dios tracio Garza, un cazador de jabalíes por excelencia, adoptando un tipo iconográfico juvenil, sin barba. El siguiente análisis del autor sugiere que durante el siglo I a.C.en el entorno artístico multicultural de Salónica o de otra ciudad griega en el golfo póntico y el Egeo septentrional con una prolífica tradición escultórica, como Tasos, los adoradores tracios del dios, posiblemente liberati, encargó a un artista griego una representación de Heron en su principal aventura mítica, la caza del jabalí. Este nuevo tipo iconográfico se expandió posteriormente a Macedonia, Ponto, el Egeo septentrional y, desde mediados del siglo I d.C. en adelante, al interior de los Balcanes y Tracia, formando una tradición iconográfica que duró hasta mediados del siglo III d.C. Además, el héroe tracio Heron proporciona el prototipo para la representación del difunto heroizado, especialmente el joven con la apariencia del jinete en su relieve de la tumba. Por supuesto, hay excepciones a esta regla genérica, ya que en los relieves graves núms. 132-133 el difunto es el menos asimilado al dios Garza, siendo representado con barba. Además, en mi opinión, sigue siendo una cuestión abierta si en otras regiones, especialmente en el norte de Grecia, donde no hay testimonio del culto de la garza, la representación de un jinete joven en una escena de caza sin el jabalí en los relieves de las tumbas realmente muestra cualquier relación con esta figura heroica arquetípica.

Sección II. El tema del banquete

El esquema iconográfico del héroe del banquete sobre un relieve votivo es la creación más original del taller pariano-tasiano, desarrollado por primera vez en la segunda mitad del siglo VI a.C. en el repertorio escultórico tanto de la metrópoli como de la colonia, bajo los hábitos sociales. del mundo aristocrático oriental, y luego exportado a Ática. La evidencia la proporcionan los monumentales relieves arcaicos tardíos de los museos de Paros y Estambul. En Tasos, el tema se amplía desde mediados del siglo IV en adelante. Algunos ejemplos de este grupo, que comprende 175 relieves, muestran una clara influencia ática, mientras que otros son de concepto local (tasio). El autor estudia minuciosamente el desarrollo iconográfico de las composiciones de estos relieves de Tasia. Analiza el número de personas retratadas, tanto las principales como las secundarias, así como su iconografía. La figura principal es el héroe reclinado que va acompañado de una figura femenina sentada, siempre representada con velo. Esta es su compañera, es decir, su consorte, pero su papel es ambivalente y contradictorio con el banquete griego, donde las esposas de los participantes masculinos estaban ausentes, dando así a estas representaciones la impresión de un pseudobanquete. El criado sirviente de vino es otra persona complementaria en estas escenas de banquete y aparece en diferentes posiciones, junto al cráter o dinosaurios que contienen el vino o arreglando las frutas en la mesa puesta frente al sofá del banquete y rsquos. A veces se representan dos sirvientes, dispuestos simétricamente en los bordes de la representación. En el siglo IV aC la escena puede enriquecerse con adoradores del mismo tamaño que las figuras principales o en miniatura y en líneas superpuestas, como ocurre con los relieves votivos áticos. También se investiga la tipología de los sofás y las mesas, así como la de los jarrones utilizados en la escena del banquete.

Aunque el esquema horizontal de la composición contradice la tipología funeraria de la forma de estela, el paso de los relieves del banquete votivo a los relieves sepulcrales del mismo tipo iconográfico se ve facilitado en los siglos II y I a.C.por la adición de un pedestal alto debajo del Panel en relieve, con la inscripción funeraria que hace referencia al muerto heroizado. Además, y al contrario de lo que ocurre en escenas de relieve similares en Samos y Asia Menor durante el período helenístico, la composición de los relieves del banquete de Tasia se limita a sus elementos básicos, facilitando así el cambio del carácter votivo al funerario de estos monumentos.

En el siglo III d.C., estos relieves de banquete se utilizan generalmente para la representación de la pareja o la familia del difunto. Además, es esta composición de connotaciones heroicas la que sobrevive en comparación con los relieves del jinete de la segunda mitad del siglo. De esa forma, es evidente que el ideal masculino aristocrático se desvanece detrás de los valores emergentes de la fe conyugal y la vida familiar, acentuándose el papel de la mujer. Estas representaciones en relieve se caracterizan por una falta de calidad artística, pero por otro lado, encarnan ideales sociales. Sin embargo, esta es una práctica general para monumentos similares que ocurre en otras partes del mundo griego en la antigüedad tardía. Finalmente, el autor detecta la existencia de un último resplandor de la tradición escultórica local de Tasia en dos talleres, ambos situados en el lado SO de la isla, que produjeron relieves de banquete de similar calidad mediocre durante la primera mitad del siglo III.

El Apéndice I presenta un relieve del período imperial temprano que representa una escena de coronación de una figura intelectual heroizada que es coronada por una personificación femenina frente a un altar, seguida de dos adoradores. En el Apéndice II, el autor analiza un relieve posiblemente conmemorativo del siglo IV con un joven desnudo que porta una clámide, que puede haber representado a una persona heroizada extraordinaria de la tradición histórico-mítica de Tasia, como la ciudad y el fundador de rsquos Theagenes, cuyo lugar de culto, desde el un entorno cuyo relieve fragmentario salió a la luz, estaba situado en el Ágora.

Con todo, este libro de B. Holtzmann está familiarizado con los tratados bibliográficos más recientes sobre los temas aquí presentados. Además, el volumen está acompañado de imágenes de alta calidad para cada monumento discutido. El autor presenta una discusión muy interesante, que proporciona soluciones a problemas relevantes sobre el tema de los relieves heroicos del mundo griego debatidos en la investigación moderna, y completa nuestra comprensión de la producción de esculturas en relieve de Thasos desde el período Arcaico tardío hasta la Antigüedad tardía. Sin duda, será indispensable para todo erudito que estudie los heroicos relieves de otras regiones griegas que aún no se han publicado o están en proceso de investigación.

Editores: Lorenz E. Baumer, Universit de Gen ve Jan Blanc, Universit de Gen ve Christian Diablos, Universidad de Lille III Fran ois Queyrel, cole pratique des Hautes tudes, París
Sitio con u par Lorenz Baumer et Fran ois Queyrel et r alis par Lorenz Baumer, 2006/7


Muros de la acrópolis

Comenzamos a ascender por la cresta de la colina que conduce a la acrópolis, y en poco tiempo nos encontramos con un fragmento considerable de la antigua muralla, que seguía esta dirección. Como toda la mampostería de Tasos, estaba compuesta de mármol blanco, cuya veta era visible dondequiera que se fracturara la piedra y los bloques solían colocarse en hileras horizontales, aunque en algunos lugares eran polígonos perfectamente encajados. Tozer
Muros de fuerte construcción del período prerromano protegieron la acrópolis de largos tramos que han resistido los estragos del tiempo, incluidos algunos terremotos muy fuertes, su técnica de construcción recuerda la empleada para la acrópolis de Nissiros.


La estela de Metternich

. Príncipe Klemens von Metternich fue el primer ministro del Imperio Austriaco y el principal estadista conservador en la política europea de 1815 a 1848. Fue el principal arquitecto del & quotConcert of Europe & quot, la alianza de grandes potencias que buscaba mantener los pilares del antiguo régimen- -monarquía, aristocracia, iglesia y privilegio- contra las fuerzas del liberalismo y el nacionalismo. Como ministro de un imperio multinacional dirigido por Alemania, Metternich tenía motivos para temer tanto al nacionalismo como al liberalismo (que en cualquier caso tendía a ir de la mano en la primera mitad del siglo XIX). Los nacionalistas dentro del Imperio austríaco amenazaron con establecer pequeños estados-nación autónomos, destrozando así el imperio, mientras que los nacionalistas alemanes buscaban unir los estados alemanes descentralizados, poniendo así en peligro el estatus de Austria como la principal potencia (junto con Prusia) en los asuntos alemanes. Preguntas 1. ¿Cuáles eran los & quot; sistemas falsos & quot; los & quoterrors & quot y los & quot; quotevils & quot a los que Metternich se refiere en los párrafos 4 y 5? 2. ¿Cuáles fueron las principales causas del colapso de lo legítimo frente a la revolución? 3. ¿Qué tipo de gobierno tiene en mente cuando se refiere a los gobiernos que todavía son "libres" en el párrafo 10? 4. ¿Qué papel debe desempeñar un monarca en el gobierno? 5.¿Qué acción se debe tomar para evitar que la "semilla revolucionaria" vuelva a estallar? La fuente del mal [1] La naturaleza del hombre es inmutable. El primero.

Estela del ensayo Mentuwoser

. Un análisis de Estela de Mentuwoser El Estela de Mentuwoser es una obra de arte funerario del período del Reino Medio que el rey Senwosret le regaló a Mentuwoser por sus leales servicios. Mentuwoser tuvo muchos logros y se pensaba que era un hombre del pueblo. los Estela de Mentuwoser muestra el respeto que la gente le tenía y lo que había hecho por la gente de su nación. También nos da una mirada a algunas de las tradiciones de su tiempo. los Estela expresa claramente la cantidad de logros que Mentuwoser había logrado. La mayoría de Estela de Mentuwoser está retomada por jeroglíficos. Se ha interpretado que estos jeroglíficos se refieren a todos los hechos que hizo por el pueblo de Egipto. Algunos de los logros incluidos incluyen ser mayordomo, funcionario de granero y supervisor de cualquier cosa relacionada con los animales domésticos. Las inscripciones describen a Mentuwoser como un hombre desinteresado que se ocupaba de personas menos afortunadas que él. los Estela es claramente un tributo escrito y visual a un hombre que hizo muchas cosas con abnegación. La forma en que la imagen se muestra en la parte inferior del Estela expresa claramente a Mentuwoser como el foco principal de esta pieza. Mentuwoser está sentado en su banquete fúnebre, mientras su padre, su hijo y su hija le ofrecen comida y bebida. Quizás la característica más obvia de la talla es la escala de las figuras. Mentuwoser es mucho más grande que.

Ensayo de Metternich y Castlereagh

. de la guerra fueron Metternich de Austria y Castlereagh de Gran Bretaña. Para iniciar la paz en toda Europa, Metternich y Castlereagh, así como Charles Talleyrand de Francia, optaron por utilizar el equilibrio de poder para gobernar Europa. El equilibrio de poder significaba que ningún estado en Europa tenía más poder que el otro, todos eran iguales. Todos los estados tenían fuerzas políticas y militares iguales que evitarían la guerra entre cualquier estado y aún más evitarían que un estado dominara Europa. El equilibrio de poder era la base o fundamento de Metternich y las acciones de Castlereagh. Pero para mantener la paz, no puede haber solo una base, también se necesitan otros niveles que cubran otros problemas que surgen entre los estados. Por ejemplo, cuando España y las Dos Sicilias de Italia se vieron obligadas a otorgar constituciones liberales en contra de su voluntad, era necesario hacer algo. Entonces Metternich y Castlereagh tuvo una reunión en Troppau, Austria debido al temor de que la revolución volviera a surgir. En esta reunión, Metternich y Alejandro I instaló el principio de intervención activa para mantener todos los regímenes autocráticos siempre que fueran amenazados. Este principio apagó rápidamente la revolución en España y las Dos Sicilias. Los principios se crearon sobre la base del equilibrio de poder para mantener la paz en toda Europa después de 1815. Pero, ¿qué podría suscitar la posibilidad de una guerra? ¿Qué podría causar el equilibrio?

Ensayo de Metternich el líder

. Príncipe Klemens von Metternich: Su ideología, su papel en la historia y las historias que contamos. Metternich Fue un hombre extremadamente inteligente que convirtió sus creencias conservadoras en política internacional. Metternich Era un líder confiado que tenía poca fe en la opinión o el sentimiento popular porque creía que el hombre común era demasiado inconstante en sus lealtades y demasiado inepto para comprender la magnitud de la política exterior. Era un `` sirviente '' leal al emperador de Austria, aunque Metternich era el verdadero jefe del gobierno del Imperio. Príncipe Klemens von Metternich fue un individuo complejo que encarnó los principios del conservadurismo del siglo XIX y, a través de su Congreso de Viena, llevó a las principales potencias europeas a un período de paz duradera y un fuerte equilibrio de poder. Metternich es bien conocido por el Metternich System, que se puso en práctica durante su éxito más notable, el Congreso de Viena de 1815. Metternich, además, fue el espíritu rector de los congresos internacionales, Aquisgrán, Carlsbad, Troppau, Laibach y Verona y fue el estadista principal de la Santa Alianza. Sin embargo, el Congreso de Viena y los acuerdos que siguieron fueron la base de `` ninguna guerra que involucrara a varias potencias hasta los conflictos de Crimea de la década de 1850 y ninguna guerra importante que envolviera toda Europa hasta 1914 ''. Sin embargo, el objetivo de Metternich no era un .

Ensayo de Bismarck y Metternich

. Comparar y contrastar los objetivos y logros de política exterior de Metternich (1815-1848) y Bismarck (1862-1890) Metternich y Bismarck tenía muchos objetivos extranjeros en mente. Muchos de los cuales llevaron a sus grandes logros. Metternich Fue un constructor principal del Congreso de Viena opuesto a las ideas de liberales y reformistas que querían devolver el poder a las familias gobernantes depuestos por las revoluciones anteriores. Bismarck trató de unir a Alemania participando en guerras como la Guerra Danesa, la Guerra Austro-Prusiana y, finalmente, la Guerra Franco-Prusiana. Muchos de los objetivos de Metternich y Bismarck dieron como resultado sus logros. Su legado más importante es la unificación de Alemania. Ambos, Metternich y Bismarck buscó traer unidad y estabilidad a sus naciones, pero de diferentes maneras. Tiempo Metternich Durante la primera mitad del siglo XIX, Bismarck trabajó arduamente utilizando sus habilidades diplomáticas para tratar de evitar la unificación alemana; por otro lado, Bismarck fue conocido como el Canciller de Hierro, y a finales del siglo XIX se propuso unir a Alemania a través de sus muchas guerras. I. Objetivos de política exterior y logros de Metternich A. Congreso de Viena 1. Metternich fue uno de los principales líderes en el establecimiento del Congreso de Viena. 2. El Congreso creó la Confederación Alemana, reemplazando al disuelto Sacro Imperio Romano Germánico. También estaba compuesto por treinta y nueve.

Ensayo sobre análisis de estelas funerarias

. El funerario Estela fue creado en la dinastía XX, alrededor de 1190 a 1075 a. C. en Aniba, Nubia, Egipto. La pieza fue construida con piedra arenisca pintada para la tumba de Mery, un hombre que supervisaba el tesoro del rey. En el relieve se representa una historia egipcia sobre el dios sol Ra, así como los jeroglíficos de un himno a Ra. La obra de arte, el Funerario Estela, representa la fascinación de los egipcios por sus muchos dioses y el más allá. Los egipcios eran politeístas y adoraban a muchos dioses como Ra, Anubis, Osiris, Isis y muchos otros. Para los egipcios, Ra era el dios del sol y el creador de todo. Los egipcios deseaban mucho vivir en la otra vida después de su muerte, por lo que participaron en muchas tradiciones y rituales para establecer su destino en piedra. Creían que el sol estaba ubicado en el más allá, por lo que intentaron crear caminos, por ejemplo, las grandes pirámides se construyeron como "peldaños" hacia el más allá. Mantendrían piezas de arte en su tumba para aumentar sus posibilidades. El relieve probablemente se usó como una ofrenda o petición [para vivir en la otra vida] para el dios sol. En el funerario estelaMery se visualiza con los dioses Ro-Haacht, Maat, Osiris, Isis y la familia terrestre y los sirvientes de Mery. La escena quizás muestra la conexión entre los seres humanos y los dioses durante la muerte. Mery se para específicamente frente a Osiris, el dios más conectado con la conmemoración de los muertos y la regeneración que era.

Ensayo sobre el príncipe Metternich

. 2 Príncipe Metternich Príncipe Metternich nació en Coblenza el 15 de mayo de 1773. Debió la mayor parte de su educación inicial a su madre porque su padre no mostró interés en su educación. En 1788, Metternich matriculado en la Universidad de Estrasburgo. Se desempeñó como ministro de Relaciones Exteriores del Imperio Austriaco de 1809 a 1848 y restauró Austria a su antiguo poder después de las devastadoras guerras napoleónicas. Ocupó un cargo continuo en asuntos europeos durante casi 40 años. Una de sus primeras tareas fue establecer una distensión con Francia que incluyó el matrimonio de Napoleón con la archiduquesa austriaca María Luisa. Poco después de que diseñó la entrada de Austria en la Guerra de la Sexta Coalición en el lado aliado, firmó el Tratado de Fontainebleau que envió a Napoleón al exilio. En reconocimiento a su servicio al Imperio Austriaco, fue elevado al título de Príncipe en octubre de 1813. Príncipe Metternich liderar el Congreso de Viena. Ayudó a restablecer el equilibrio de poder en toda Europa y propuso una organización de mantenimiento de la paz llamada Concierto de Europa. Intentó restaurar a los monarcas hereditarios que perdieron el poder pero solo terminó haciendo que la gente favoreciera el nacionalismo. Bajo su dirección, el & quotMetternich El sistema & quot de congresos internacionales continuó durante otra década mientras Austria se alineaba con Rusia y Prusia. Esto marcó el punto culminante de la importancia diplomática de Austria, pero pronto Metternich despacio.

Ensayo del sistema Metternich

. subió al poder por sus victorias y cayó por sus derrotas ". La influencia de Metternich se produjo antes del fin del régimen de Napoleón. "Metternich Fue nombrado por primera vez ministro de Relaciones Exteriores en 1809. El Imperio de los Habsburgo se encontraba en su punto más bajo en su lucha contra Napoleón. El líder francés había expulsado al Imperio de sus territorios del norte de Italia, se había apoderado de los Países Bajos austríacos y había subsumido las partes de los Habsburgo de Polonia en el Ducado de Varsovia. El dominio de los Habsburgo en Alemania también se había roto como resultado de la disolución del Sacro Imperio Romano Germánico. Este fue un golpe psicológico particularmente poderoso para el sentido de autoestima de la dinastía: los Habsburgo habían sido emperadores del Sacro Imperio Romano Germánico durante casi todos los 400 años anteriores y, de repente, ya no existía. Para colmo de males, este acto particular de modernización napoleónica cambió el título de Emperador de los Habsburgo de Francisco II, Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, a Francisco I, Emperador de los restantes dominios de los Habsburgo. Una de las pocas veces en la historia que se ha devaluado a un monarca ". Napoleón fue derrotado en 1815, después de lo cual se tomó la iniciativa mediante el empleo del Congreso de Viena de 1814-1815, para restaurar la estabilidad política al frágil europeo que Napoleón había comprometido. El Congreso de Viena estuvo presidido por Klemens Wenzel von Metternich, su objetivo era abordar cuestiones que surgieron a raíz de la Revolución Francesa y las Guerras Napoleónicas. Este asentamiento.


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Contenido

Lascaux, Toros y caballos

Bisonte, en el gran salón de policromes, Cueva de Altamira, España

Pictogramas de la Gran Galería, Parque Nacional Canyonlands, Horseshoe Canyon, Utah, c. 1500 a. C.

Cueva de las Manos (español para Cueva de las Manos) en la provincia de Santa Cruz en Argentina, c. 550 aC [ cita necesaria ]

La historia de la pintura se remonta a los artefactos de artistas prehistóricos y abarca todas las culturas. Las pinturas más antiguas conocidas se encuentran en Grotte Chauvet en Francia, según algunos historiadores, tienen unos 32.000 años. Están grabados y pintados con ocre rojo y pigmento negro y muestran caballos, rinocerontes, leones, búfalos, mamuts o humanos que a menudo cazan. Hay ejemplos de pinturas rupestres en todo el mundo: en Francia, India, España, Portugal, China, Australia, etc. Hay muchos temas comunes en los diferentes lugares donde se han encontrado las pinturas, lo que implica la universalidad del propósito y la similitud de los impulsos. que podría haber inspirado a los artistas a crear las imágenes. Se han hecho varias conjeturas sobre el significado que estas pinturas tenían para los artistas que las realizaron. Los hombres prehistóricos pueden haber pintado animales para "atrapar" su alma o espíritu con el fin de cazarlos más fácilmente, o las pinturas pueden representar una visión animista y un homenaje a la naturaleza circundante, o pueden ser el resultado de una necesidad básica de expresión que es innatos a los seres humanos, o pueden ser grabaciones de las experiencias de vida de los artistas e historias relacionadas de los miembros de su círculo.

Egipto, Grecia y Roma Editar

Estela pintada mostrando la princesa Nefertiabet (hija de Khufu), IV dinastía, Reino Antiguo, siglo 26 A.C.

Sennedjem ara sus campos con un par de bueyes, C. 1200 aC

Antiguo Egipto,La diosa isis, pintura mural, c. 1360 a. C.

Paneles de Pitsa, una de las pocas pinturas de panel que se conservan de la Grecia arcaica, c. 540-530 a. C.

Fresco de banquete detalle de la tumba de Agios Athanasios, Tesalónica, Grecia, siglo IV A.C.

Fresco de un antiguo soldado macedonio (thorakitai) vistiendo una armadura de cota de malla y llevando un thureos escudo, siglo III a.C.

Arte romano, frescos de Villa Boscoreale, c. 40 a. C.

Escena de banquete, fresco, Herculano, Italia, c. 50 a. C.

Arte romano de la Casa de los Vettii, Pompeya, siglo I d.C.

Cupidos jugando con una lira, fresco romano de Herculano

Fresco romano con una Venus sentada, la llamada "Dea Barberini", siglo IV d.C.

Vidrio romano con una figura pintada de un gladiador, encontrado en Begram, Afganistán (una vez parte del Reino Greco-Bactriano, luego bajo el Imperio Kushan), 52-125 dC [12]

Sinagoga Dura Europos, Siria romana, fresco que muestra a David ungido por Samuel, siglo III d.C.

El antiguo Egipto, una civilización con fuertes tradiciones de arquitectura y escultura (ambas originalmente pintadas en colores brillantes), tenía muchas pinturas murales en templos y edificios, y pintaba ilustraciones en manuscritos de papiro. La pintura mural y la pintura decorativa egipcia suelen ser gráficas, a veces más simbólicas que realistas. La pintura egipcia muestra figuras de contorno audaz y silueta plana, en las que la simetría es una característica constante. La pintura egipcia tiene una estrecha conexión con su lenguaje escrito, llamado jeroglíficos egipcios. Los símbolos pintados se encuentran entre las primeras formas de lenguaje escrito. Los egipcios también pintaron sobre lino, cuyos restos sobreviven en la actualidad. Las pinturas del antiguo Egipto sobrevivieron debido al clima extremadamente seco. Los antiguos egipcios crearon pinturas para hacer de la vida futura de los difuntos un lugar agradable. Los temas incluían el viaje a través del más allá o sus deidades protectoras presentando a los muertos a los dioses del inframundo. Algunos ejemplos de tales pinturas son pinturas de los dioses y diosas Ra, Horus, Anubis, Nut, Osiris e Isis. Algunas pinturas de las tumbas muestran actividades en las que participaron los difuntos cuando estaban vivos y deseaban seguir haciendo por la eternidad. En el Reino Nuevo y más tarde, el Libro de los Muertos fue enterrado con la persona sepultada. Se consideró importante para una introducción al más allá.

Al norte de Egipto estaba la civilización minoica en la isla de Creta. Las pinturas murales que se encuentran en el palacio de Knossos son similares a las de los egipcios pero mucho más libres en estilo.

Alrededor del 1100 a. C., tribus del norte de Grecia conquistaron Grecia y su arte tomó una nueva dirección. La cultura de la antigua Grecia es digna de mención por sus destacadas contribuciones a las artes visuales. La pintura sobre cerámica de la antigua Grecia y la cerámica ofrece una visión particularmente informativa de la forma en que funcionaba la sociedad en la antigua Grecia. Todavía existen muchos buenos ejemplos de pintura de jarrones de figuras negras y jarrones de figuras rojas. Algunos pintores griegos famosos que trabajaron en paneles de madera y se mencionan en los textos son Apeles, Zeuxis y Parrhasius; sin embargo, con la única excepción de los paneles de Pitsa, no sobreviven ejemplos de pintura de paneles griegos antiguos, solo descripciones escritas por sus contemporáneos o romanos posteriores. Zeuxis vivió en el siglo V a. C. y se dice que fue el primero en usar sfumato. Según Plinio el Viejo, el realismo de sus cuadros era tal que los pájaros intentaban comerse las uvas pintadas. Apelles se describe como el pintor más grande de la antigüedad, y se destaca por su técnica perfecta en el dibujo, el color brillante y el modelado.

El arte romano fue influenciado por Grecia y, en parte, puede tomarse como un descendiente de la pintura griega antigua. Sin embargo, la pintura romana tiene importantes características únicas. Las pinturas romanas sobrevivientes incluyen pinturas murales y frescos, muchos de villas en Campania, en el sur de Italia en sitios como Pompeya y Herculano. Dicha pintura se puede agrupar en 4 "estilos" o períodos principales [13] y puede contener los primeros ejemplos de trampantojo, pseudo-perspectiva y paisaje puro. [14] Casi los únicos retratos pintados que sobreviven del mundo antiguo son un gran número de retratos de ataúdes en forma de busto encontrados en el cementerio de la antigüedad tardía de Al-Fayum. Aunque estos no fueron de la mejor época ni de la más alta calidad, son impresionantes en sí mismos y dan una idea de la calidad que debe haber tenido la mejor obra antigua. También sobrevive un número muy pequeño de miniaturas de libros ilustrados de la Antigüedad tardía, y un número bastante mayor de copias de ellos del período medieval temprano.

Edad Media Editar

La hoja de Morgan, de la Biblia de Winchester 1160–75, Escenas de la vida de David

Buenaventura Berlinghieri, San Francisco de Asís, 1235

El surgimiento del cristianismo impartió un espíritu y un objetivo diferentes a los estilos de pintura. El arte bizantino, una vez que su estilo fue establecido en el siglo VI, puso gran énfasis en retener la iconografía y el estilo tradicionales, y evolucionó gradualmente durante los mil años del Imperio Bizantino y las tradiciones vivas de la pintura de iconos ortodoxa griega y rusa. La pintura bizantina tiene un sentimiento hierático y los iconos fueron y siguen siendo vistos como una representación de la revelación divina. Había muchos frescos, pero han sobrevivido menos que los mosaicos. El arte bizantino se ha comparado con la abstracción contemporánea, en su planitud y representaciones altamente estilizadas de figuras y paisajes. Algunos períodos del arte bizantino, especialmente el llamado arte macedonio de alrededor del siglo X, tienen un enfoque más flexible. Frescos del Renacimiento paleólogo de principios del siglo XIV sobreviven en la Iglesia de Chora en Estambul.

En la Europa católica posterior a la Antigüedad, el primer estilo artístico distintivo que surgió que incluyó la pintura fue el arte insular de las Islas Británicas, donde los únicos ejemplos que sobreviven son miniaturas en manuscritos iluminados como el Libro de Kells. [15] Estos son más famosos por su decoración abstracta, aunque también se representaron figuras y, a veces, escenas, especialmente en los retratos de evangelistas. El arte carolingio y ottoniano también sobrevive principalmente en manuscritos, aunque quedan algunas pinturas murales y más están documentadas. El arte de este período combina influencias insulares y "bárbaras" con una fuerte influencia bizantina y una aspiración a recuperar la monumentalidad y el aplomo clásico.

Las paredes de las iglesias románicas y góticas fueron decoradas con frescos y esculturas y muchos de los pocos murales que quedan tienen una gran intensidad, y combinan la energía decorativa del arte insular con una nueva monumentalidad en el tratamiento de las figuras. Muchas más miniaturas en manuscritos iluminados sobreviven del período, mostrando las mismas características, que continúan en el período gótico.

La pintura sobre tabla se vuelve más común durante el período románico, bajo la fuerte influencia de los iconos bizantinos. Hacia mediados del siglo XIII, el arte medieval y la pintura gótica se vuelven más realistas, con los inicios del interés por la representación del volumen y la perspectiva en Italia con Cimabue y luego con su alumno Giotto. A partir de Giotto, el tratamiento de la composición por parte de los mejores pintores también se volvió mucho más libre e innovador. Se les considera los dos grandes maestros medievales de la pintura en la cultura occidental. Cimabue, dentro de la tradición bizantina, utilizó un enfoque más realista y dramático de su arte. Su alumno, Giotto, llevó estas innovaciones a un nivel superior que a su vez sentó las bases de la tradición de la pintura occidental. Ambos artistas fueron pioneros en el avance hacia el naturalismo.

Las iglesias se construyeron con más y más ventanas y el uso de vidrieras de colores se convirtió en un elemento básico en la decoración. Uno de los ejemplos más famosos de esto se encuentra en la catedral de Notre Dame de París. En el siglo XIV, las sociedades occidentales eran más ricas y más cultivadas y los pintores encontraron nuevos mecenas en la nobleza e incluso en la burguesía. Los manuscritos iluminados adquirieron un nuevo carácter y en sus paisajes se mostraron mujeres de la corte delgadas y vestidas a la moda. Este estilo pronto se conoció como estilo gótico internacional y fue dominante desde 1375 hasta 1425 con pinturas y retablos de témpera ganando importancia.

Renacimiento y manierismo editar

El Renacimiento (francés para 'renacimiento'), un movimiento cultural que se extendió aproximadamente desde el siglo XIV hasta mediados del siglo XVII, fue impulsado por el humanismo renacentista y el estudio de las fuentes clásicas. En pintura, en las décadas de 1420 y 1430, los principales pintores de Italia y los Países Bajos desarrollaron por separado nuevas formas de pintar que permitieron que las pinturas parecieran más realistas que en las obras de pintores establecidos, cuyo estilo se conoce como gótico internacional, o en algunos casos como Proto-Renacimiento (principalmente en Italia). Este período, que duró hasta aproximadamente 1495, se conoció como el Renacimiento temprano.

En el área de Flandes de los Países Bajos, siguiendo los avances realizados en la iluminación de manuscritos, especialmente por los hermanos Limbourg, que murieron en 1416, los artistas quedaron fascinados por lo tangible en el mundo visible y comenzaron a representar objetos de una manera extremadamente naturalista. [16] La adopción de la pintura al óleo, cuyo primer uso en pinturas sobre tabla se atribuyó tradicionalmente, pero erróneamente, a Jan van Eyck, hizo posible una nueva verosimilitud en la representación de este naturalismo. El medio de la pintura al óleo ya estaba presente en la obra de Melchior Broederlam (que murió en 1409), pero Robert Campin (anteriormente conocido como el Maestro de Flémalle) y van Eyck llevaron su uso a nuevas alturas y lo emplearon para representar el naturalismo de que estaban apuntando. Con este nuevo medio, los pintores de este período fueron capaces de crear colores más ricos con una tonalidad intensa y profunda. La ilusión de luz brillante con un acabado similar a la porcelana caracterizó la pintura de los primeros Países Bajos y fue una gran diferencia con respecto a la superficie mate de la pintura al temple utilizada en Italia. [dieciséis]

A diferencia de los italianos, cuyo trabajo se basó en gran medida en el arte de la antigua Roma, los norteños conservaron un residuo estilístico de la escultura y los manuscritos iluminados de la Edad Media (especialmente su naturalismo). Otro pintor holandés importante de este período fue Rogier van der Weyden, alumno de Campin, cuyas composiciones enfatizaron la emoción y el drama humanos, como lo demostró, por ejemplo, en su Descenso de la Cruz, que figura entre las obras más famosas del siglo XV y fue el pintura holandesa más influyente de la crucifixión de Cristo. Otros artistas importantes fueron Hugo van der Goes (cuyo trabajo fue muy influyente en Italia), Dieric Bouts (que fue uno de los primeros pintores del norte en demostrar el uso de un solo punto de fuga), [16] Petrus Christus, Hans Memling y Gerard David . En conjunto, los avances en la pintura en Europa al norte de los Alpes se conocen como el Renacimiento del Norte.

En la pintura del Renacimiento italiano, el arte de la antigüedad clásica inspiró un estilo de pintura que enfatizó el ideal. A Masaccio se le atribuye haber realizado avances en la perspectiva lineal, la representación del volumen en sus figuras y retratar emociones en los rostros de sus figuras en la década de 1420. Luego, artistas como Paolo Uccello, Fra Angelico, Piero della Francesca, Andrea Mantegna, Filippo Lippi y Sandro Botticelli, en el período del Renacimiento temprano que dura aproximadamente hasta 1495, y luego Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti y Rafael durante el Alto Renacimiento. desde aproximadamente 1495 hasta 1520, llevó la pintura a un nivel superior mediante el uso de la perspectiva, el estudio de la anatomía humana y la proporción, y mediante el desarrollo de un refinamiento sin precedentes en las técnicas de dibujo y pintura. En Venecia surgió un estilo renacentista algo más naturalista. Los pintores de la escuela veneciana, como Giovanni Bellini, Giorgione, Tiziano y Veronés, estaban menos preocupados por la precisión en su dibujo que por la riqueza del color y la unidad de efecto que podría lograrse con un enfoque más espontáneo de la pintura.

Los pintores flamencos, holandeses y alemanes del Alto Renacimiento del Norte como Alberto Durero, Lucas Cranach, Matthias Grünewald y Hans Holbein el Joven tenían un enfoque diferente al de sus homólogos italianos, uno que es más realista y menos idealizado. Algunos pintores del norte, comenzando con Durero en la década de 1490, viajaron a Italia para ver obras del Alto Renacimiento italiano e incorporaron las características del arte italiano en los suyos en diversos grados. Una generación más tarde, el inicio de la pintura de género como tema para grandes obras comenzó con Peter Aertsen y Pieter Bruegel. Una generación posterior de pintores del Renacimiento del Norte que viajaron a Roma y adoptaron gran parte del enfoque idealizado del Renacimiento italiano se conocieron como romanistas.

La pintura renacentista refleja la revolución de las ideas y la ciencia (astronomía, geografía) que se produjo en este período, la Reforma y la invención de la imprenta. El grabado se volvió cada vez más importante y practicado por muchos pintores. Durero, considerado uno de los más grandes grabadores, afirma que los pintores no son meros artesanos, sino también pensadores. Con el desarrollo de la pintura de caballete en el Renacimiento, la pintura se independizó de la arquitectura. Los cuadros de caballete (cuadros móviles que se podían colgar fácilmente en las paredes) se convirtieron en una alternativa popular a los cuadros fijados a muebles, paredes u otras estructuras. Después de siglos dominados por la imaginería religiosa, los temas seculares regresaron lentamente a la pintura occidental. Los artistas incluyeron visiones del mundo que los rodeaba o los productos de su propia imaginación en sus pinturas. Aquellos que pudieran pagar el gasto podrían convertirse en patrocinadores y encargar retratos de ellos mismos o de su familia.

El Alto Renacimiento en Italia dio lugar a un arte estilizado conocido como manierismo después de 1520, aunque algunos pintores, como Tiziano y Paolo Veronese, continuaron pintando en un estilo del Alto Renacimiento a finales de siglo. En lugar de las composiciones equilibradas y el enfoque racional de la perspectiva que caracterizaron al arte en los albores del siglo XVI, los manieristas buscaron la inestabilidad, el artificio y la duda. Las tranquilas Vírgenes de Rafael y las serenas expresiones de los sujetos de Leonardo son reemplazadas por las turbulentas expresiones de Pontormo y la intensidad emocional de El Greco. Composiciones inquietas e inestables, a menudo efectos extremos o disyuntivos de perspectiva, y poses estilizadas son características de manieristas italianos como Tintoretto, Pontormo y Bronzino, y aparecieron más tarde en la obra de manieristas del norte como Hendrick Goltzius, Bartholomeus Spranger y Joachim Wtewael. .

Barroco y rococó editar

La pintura barroca se asocia con el movimiento cultural barroco, un movimiento a menudo identificado con el absolutismo y la contrarreforma o renacimiento católico [17] [18] la existencia de pintura barroca importante en estados no absolutistas y protestantes también, sin embargo, subraya su popularidad. a medida que el estilo se extendió por Europa Occidental. [19]

La pintura barroca se caracteriza por un gran drama, colores ricos y profundos y sombras intensas de luz y oscuridad con el propósito de que el arte evoque emoción y pasión en lugar de la racionalidad tranquila que se había apreciado durante el Renacimiento. Los primeros pintores barrocos incluyeron a los hermanos Caracci, Annibale y Agostino, en la última partitura del siglo XVI, y Caravaggio en la última década del siglo. Caravaggio es reconocido como uno de los más grandes pintores barrocos y heredero de la pintura humanista del Alto Renacimiento. Su enfoque realista de la figura humana, pintado directamente de la vida y dramáticamente iluminado sobre un fondo oscuro, sorprendió a sus contemporáneos y abrió un nuevo capítulo en la historia de la pintura. El barroco fue el estilo de pintura dominante que comenzó alrededor de 1600 y continuó a lo largo del siglo XVII. Entre los grandes pintores del barroco se encuentran Rubens, Velázquez, Rembrandt, Frans Hals, Johannes Vermeer, Le Nain, Jusepe de Ribera, Poussin, Tour y Claude Lorraine, que se centró en la pintura de paisajes. Poussin, Claude y La Tour, todos franceses, adoptaron un estilo barroco "clásico" con menos atención a la emoción y mayor atención al contorno de las figuras en la pintura que al color. La mayoría de estos pintores viajaron a Italia como parte de su formación y luego llevarían el estilo barroco a sus países de origen, aunque en algunos casos permanecieron en Italia durante gran parte de su carrera (Claude y Poussin). En Italia, el estilo barroco está personificado por pinturas religiosas y mitológicas a la Gran Manera de artistas como Carracci, Guido Reni y Luca Giordano. Los frescos ilusionistas del techo de la iglesia de Pietro da Cortona parecían abrirse al cielo.

Un tipo de barroco mucho más tranquilo surgió en la República Holandesa, donde las pinturas de caballete de temas cotidianos eran populares entre los coleccionistas de clase media, y muchos pintores se volvieron especialistas en géneros, otros en paisajes, paisajes marinos o naturaleza muerta. Vermeer, Gerard ter Borch y Pieter de Hooch aportaron un gran refinamiento técnico a la pintura de escenas domésticas, al igual que Willem Claesz. Heda a la naturaleza muerta. Por el contrario, Rembrandt se destacó en la pintura de todo tipo de temas y desarrolló un estilo pictórico individual en el que el claroscuro y los fondos oscuros derivados de Caravaggio y los caravaggistas de Utrecht pierden su calidad teatral. La pintura barroca holandesa a menudo se conoce como pintura holandesa del Siglo de Oro.

Durante el siglo XVIII, la pintura rococó siguió como una extensión más ligera del barroco, a menudo frívola y erótica y utilizando colores pastel claros. El rococó se desarrolló primero en las artes decorativas y el diseño de interiores en Francia. La sucesión de Luis XV supuso un cambio en los artistas de la corte y en la moda artística en general. La década de 1730 representó el apogeo del desarrollo rococó en Francia ejemplificado por las obras de Antoine Watteau y François Boucher. El rococó aún mantenía el gusto barroco por las formas complejas y los patrones intrincados, pero en este punto, había comenzado a integrar una variedad de características diversas, incluido el gusto por los diseños orientales y las composiciones asimétricas.

El estilo rococó se difundió con artistas franceses y publicaciones grabadas. Fue recibido fácilmente en las partes católicas de Alemania, Bohemia y Austria, donde se fusionó con las vivaces tradiciones barrocas alemanas. El rococó alemán se aplicó con entusiasmo a iglesias y palacios, particularmente en el sur, mientras que el rococó Frederician se desarrolló en el Reino de Prusia.

Los maestros franceses Watteau, Boucher y Fragonard representan el estilo, al igual que Giovanni Battista Tiepolo y Jean-Baptiste-Siméon Chardin, considerado por algunos como el mejor pintor francés del siglo XVIII: el Anti-rococó. El retrato fue un componente importante de la pintura en todos los países, pero especialmente en Inglaterra, donde los líderes fueron William Hogarth, en un estilo realista y contundente, y Francis Hayman, Angelica Kauffman (que era suiza), Thomas Gainsborough y Joshua Reynolds en estilos más favorecedores. influenciado por Anthony van Dyck. En Francia, durante la época rococó, Jean-Baptiste Greuze (el pintor favorito de Denis Diderot), [20] se destacó en retratos y pinturas históricas, y Maurice Quentin de La Tour y Élisabeth Vigée-Lebrun fueron retratistas muy consumados. La Tour se especializó en pintura al pastel, que se convirtió en un medio popular durante este período.

William Hogarth ayudó a desarrollar una base teórica para la belleza rococó. Aunque no hace referencia intencional al movimiento, argumentó en su Análisis de belleza (1753) que las líneas onduladas y las curvas en S prominentes en el rococó eran la base de la gracia y la belleza en el arte o la naturaleza (a diferencia de la línea recta o el círculo en el clasicismo). El principio del fin del rococó se produjo a principios de la década de 1760 cuando figuras como Voltaire y Jacques-François Blondel comenzaron a expresar sus críticas sobre la superficialidad y degeneración del arte. Blondel condenó el "ridículo revoltijo de conchas, dragones, juncos, palmeras y plantas" en los interiores contemporáneos. [21]

En 1785, el rococó había pasado de moda en Francia, reemplazado por el orden y la seriedad de artistas neoclásicos como Jacques-Louis David, cuyas imponentes pinturas históricas que representan eventos históricos y contemporáneos encarnaban los ideales de la Revolución Francesa.

Siglo XIX: Neoclasicismo, Pintura de historia, Romanticismo, Impresionismo, Posimpresionismo, Simbolismo Editar

Después del rococó surgió a finales del siglo XVIII, en la arquitectura y luego en la pintura, el neoclasicismo severo, mejor representado por artistas como David y su heredero Ingres. La obra de Ingres ya contiene gran parte de la sensualidad, pero nada de la espontaneidad, que caracterizaría al romanticismo.

A mediados del siglo XIX, los pintores se liberaron de las exigencias de su mecenazgo y solo representaban escenas de religión, mitología, retratos o historia. El arte se convirtió más puramente en un medio de expresión personal en la obra de pintores como Francisco de Goya, John Constable y J. M. W. Turner. Los pintores románticos convirtieron la pintura de paisaje en un género mayoritario, considerado hasta entonces como género menor o como fondo decorativo para composiciones de figuras. Algunos de los principales pintores de este período son Eugène Delacroix, Théodore Géricault, J. M. W. Turner, Caspar David Friedrich y John Constable. La obra tardía de Francisco Goya demuestra el interés romántico por lo irracional, la obra de Arnold Böcklin evoca el misterio, la obra de la Hermandad Prerrafaelita en Inglaterra combina la devoción asidua a la naturaleza con la nostalgia por la cultura medieval, y las pinturas del artista del movimiento estético James Abbott McNeill Whistler evoca la sofisticación, la decadencia y la filosofía del "arte por el arte". En los Estados Unidos, la tradición romántica de la pintura de paisajes se conocía como la escuela del río Hudson: [22] exponentes incluyen a Thomas Cole, Frederic Edwin Church, Albert Bierstadt, Thomas Moran y John Frederick Kensett. El luminismo fue un movimiento en la pintura de paisajes estadounidense relacionado con la escuela del río Hudson.

Una fuerza importante en el giro hacia el realismo a mediados de siglo fue Gustave Courbet, cuyas pinturas no idealizadas de gente común ofendieron a los espectadores acostumbrados al tema convencional y al acabado lamido del arte académico, pero inspiraron a muchos artistas más jóvenes. El destacado pintor de la Escuela de Barbizon, Jean-François Millet, también pintó paisajes y escenas de la vida campesina. Vagamente asociada con la Escuela de Barbizon estaba Camille Corot, quien pintó tanto en una vena romántica como realista, su obra prefigura el impresionismo, al igual que las pinturas de Johan Jongkind y Eugène Boudin (quien fue uno de los primeros paisajistas franceses en pintar al aire libre). Boudin fue una influencia importante en el joven Claude Monet, a quien en 1857 introdujo en la pintura al aire libre.

En el último tercio del siglo, impresionistas como Édouard Manet, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, Mary Cassatt y Edgar Degas trabajaron con un enfoque más directo de lo que anteriormente se había exhibido públicamente. Evitaron la alegoría y la narrativa en favor de respuestas individualizadas al mundo moderno, a veces pintadas con poco o ningún estudio preparatorio, confiando en la destreza del dibujo y una paleta altamente cromática. Monet, Pissarro y Sisley utilizaron el paisaje como motivo principal, y la fugacidad de la luz y el clima jugaron un papel importante en su trabajo. Siguiendo una práctica que se había vuelto cada vez más popular a mediados de siglo, a menudo se aventuraban juntos al campo para pintar al aire libre, pero no con el propósito tradicional de hacer bocetos para convertirlos en obras cuidadosamente terminadas en el estudio. [23] Al pintar a la luz del sol directamente de la naturaleza y hacer un uso audaz de los vívidos pigmentos sintéticos que estaban disponibles desde principios de siglo, desarrollaron una forma de pintar más ligera y brillante.

Manet, Degas, Renoir, Morisot y Cassatt se concentraron principalmente en el sujeto humano. Tanto Manet como Degas reinterpretaron los cánones figurativos clásicos dentro de situaciones contemporáneas; en el caso de Manet, las re-imaginaciones se encontraron con una recepción pública hostil. Renoir, Morisot y Cassatt recurrieron a la vida doméstica en busca de inspiración, y Renoir se centró en el desnudo femenino. Si bien Sisley se adhirió más de cerca a los principios originales de la percepción impresionista del paisaje, Monet buscó desafíos en condiciones cada vez más cromáticas y cambiantes, culminando con su serie de obras monumentales de Nenúfares pintados en Giverny.

Postimpresionistas como Paul Cézanne y Vincent van Gogh, Paul Gauguin y Georges-Pierre Seurat, un poco más jóvenes, llevaron el arte al borde del modernismo. Para Gauguin, el impresionismo dio paso a un simbolismo personal. Seurat transformó el color roto del impresionismo en un estudio óptico científico, estructurado en composiciones parecidas a frisos. La técnica de pintura que desarrolló, denominada divisionismo, atrajo a muchos seguidores como Paul Signac, y durante algunos años, a finales de la década de 1880, Pissarro adoptó algunos de sus métodos.El turbulento método de aplicación de pintura de Van Gogh, junto con un uso sonoro del color, el expresionismo y el fauvismo predichos, y Cézanne, que desea unir la composición clásica con una abstracción revolucionaria de las formas naturales, llegaría a ser visto como un precursor del arte del siglo XX. .

El hechizo del impresionismo se sintió en todo el mundo, incluso en los Estados Unidos, donde se convirtió en parte integral de la pintura de impresionistas estadounidenses como Childe Hassam, John Henry Twachtman y Theodore Robinson. También ejerció influencia sobre pintores que no eran principalmente impresionistas en teoría, como el retratista y paisajista John Singer Sargent. Al mismo tiempo, en América, a principios del siglo XX, existía un realismo nativo y casi insular, tan ricamente plasmado en la obra figurativa de Thomas Eakins, la Escuela Ashcan y los paisajes terrestres y marinos de Winslow Homer, todas cuyas pinturas estaban profundamente comprometidos con la solidez de las formas naturales. El paisaje visionario, un motivo que depende en gran medida de la ambigüedad del nocturno, encontró sus defensores en Albert Pinkham Ryder y Ralph Albert Blakelock.

A finales del siglo XIX también hubo varios grupos de pintores simbolistas, bastante diferentes, cuyas obras resonaron entre los artistas más jóvenes del siglo XX, especialmente entre los fauvistas y los surrealistas. Entre ellos se encontraban Gustave Moreau, Odilon Redon, Pierre Puvis de Chavannes, Henri Fantin-Latour, Arnold Böcklin, Ferdinand Hodler, Edvard Munch, Félicien Rops, Jan Toorop y Gustav Klimt, y los simbolistas rusos como Mikhail Vrubel.

Los pintores simbolistas extrajeron la mitología y las imágenes de los sueños para encontrar un lenguaje visual del alma, buscando pinturas evocadoras que recordaran un mundo estático de silencio. Los símbolos utilizados en Simbolismo no son los emblemas familiares de la iconografía convencional, sino referencias intensamente personales, privadas, oscuras y ambiguas. Más una filosofía que un estilo de arte actual, los pintores simbolistas influyeron en el movimiento Art Nouveau contemporáneo y en Les Nabis. En su exploración de temas oníricos, los pintores simbolistas se encuentran a lo largo de siglos y culturas, como lo son todavía hoy. Bernard Delvaille ha descrito el surrealismo de René Magritte como "Simbolismo más Freud". [24]

Siglo XX Editar

Henri Rousseau, 1905, la razón del término fauvismo] y la "Bestia salvaje" original

La herencia de pintores como Van Gogh, Cézanne, Gauguin y Seurat fue esencial para el desarrollo del arte moderno. A principios del siglo XX, Henri Matisse y varios otros artistas jóvenes, incluidos los precubistas Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy y Maurice de Vlaminck, revolucionaron el mundo del arte parisino con paisajes y pinturas de figuras "salvajes", multicolores y expresivos. que los críticos llamaron fauvismo. La segunda versión de Henri Matisse de El baile significa un punto clave en su carrera y en el desarrollo de la pintura moderna. [25] Refleja la incipiente fascinación de Matisse por el arte primitivo: los intensos colores cálidos contra el frío fondo azul verdoso y la rítmica sucesión de desnudos bailables transmiten sentimientos de liberación emocional y hedonismo. Pablo Picasso realizó sus primeros cuadros cubistas basándose en la idea de Cézanne de que toda representación de la naturaleza se puede reducir a tres sólidos: cubo, esfera y cono. Con la pintura Les Demoiselles d'Avignon (1907), Picasso creó una imagen nueva y radical que representa una escena de burdel con cinco prostitutas, mujeres pintadas violentamente, que recuerda a las máscaras tribales africanas y sus propias invenciones cubistas. El cubismo fue desarrollado conjuntamente desde aproximadamente 1908 hasta 1912 por Pablo Picasso y Georges Braque, cuyo Violín y candelero, París (1910) se muestra aquí. La primera manifestación clara del cubismo la practicaron Braque, Picasso, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Fernand Léger, Henri Le Fauconnier y Robert Delaunay. Pronto se unieron Juan Gris, Marcel Duchamp, Alexander Archipenko, Joseph Csaky y otros. [26] El cubismo sintético, practicado por Braque y Picasso, se caracteriza por la introducción de diferentes texturas, superficies, elementos de collage, papier collé y una gran variedad de temáticas fusionadas. [26]

El Salón de Otoño de 1905 trajo notoriedad y atención a las obras de Henri Matisse y el fauvismo. El grupo ganó su nombre después de que el crítico Louis Vauxcelles describiera su trabajo con la frase "Donatello chez les fauves" ("Donatello entre las bestias salvajes"), [27] contrastando las pinturas con una escultura de tipo renacentista que compartía la habitación con ellos. [28] La escena de la jungla El león hambriento se lanza sobre el antílope de Henri Rousseau (que no era un fauve) colgado cerca de las obras de Matisse y puede haber inspirado el término sarcástico utilizado en la prensa. [29] El comentario de Vauxcelles se publicó el 17 de octubre de 1905 en el diario. Gil Blasy pasó a ser de uso popular. [28] [30]

En las dos primeras décadas del siglo XX y después del cubismo, surgieron varios otros movimientos importantes Futurismo (Balla), Arte abstracto (Kandinsky) Der Blaue Reiter (Kandinsky y Franz Marc), Bauhaus (Kandinsky y Klee), Orfismo, (Delaunay y Kupka), Sincromismo (Russell), De Stijl (van Doesburg y Mondrian), Suprematismo (Malevich), Constructivismo (Tatlin), Dadaísmo (Duchamp, Picabia y Arp) y Surrealismo (de Chirico, André Breton, Miró, Magritte, Dalí y Ernst). La pintura moderna influyó en todas las artes visuales, desde la arquitectura y el diseño modernistas, hasta el cine de vanguardia, el teatro y la danza moderna y se convirtió en un laboratorio experimental para la expresión de la experiencia visual, desde la fotografía y la poesía concreta hasta el arte publicitario y la moda.

Fauvismo, Der Blaue Reiter, Die Brücke Editar

El fauvismo era una agrupación flexible de artistas de principios del siglo XX cuyas obras enfatizaban las cualidades pictóricas y el uso imaginativo del color profundo sobre los valores representativos. Los líderes del movimiento eran Henri Matisse y André Derain, rivales amistosos de algún tipo, cada uno con sus propios seguidores. Al final, Matisse se convirtió en el yang a la de Picasso yin en el siglo 20. Los pintores fauvistas incluyeron a Albert Marquet, Charles Camoin, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Othon Friesz, el pintor holandés Kees van Dongen y el socio de Picasso en el cubismo, Georges Braque, entre otros. [31]

El fauvismo no tenía teorías concretas y duró poco, comenzando en 1905 y terminando en 1907. Tuvieron solo tres exposiciones. Matisse fue visto como el líder del movimiento, debido a su antigüedad y autoestablecimiento previo en el mundo del arte académico. Su retrato de 1905 de Mme. Matisse, La raya verde, causó sensación en París cuando se exhibió por primera vez. Dijo que quería crear arte para deleitar, y se puede decir que su uso de colores brillantes intenta mantener la serenidad de la composición. En 1906, por sugerencia de su marchante Ambroise Vollard, André Derain fue a Londres y produjo una serie de pinturas que incluían Puente de Charing Cross, Londres en estilo fauvista, parafraseando la famosa serie del pintor impresionista Claude Monet.

En 1907, el fauvismo ya no era un nuevo movimiento impactante, y Appolinaire dijo de Matisse en un artículo publicado en La Falange, "No estamos aquí en presencia de una empresa extravagante o extremista: el arte de Matisse es eminentemente razonable". [32]

Die Brücke fue un grupo de artistas expresionistas alemanes formado en Dresde en 1905. Los miembros fundadores fueron Fritz Bleyl, Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner y Karl Schmidt-Rottluff. Los miembros posteriores incluyeron a Max Pechstein y Otto Mueller. Este grupo fundamental tuvo un gran impacto en la evolución del arte moderno en el siglo XX y creó el estilo del expresionismo. [33]

Der Blaue Reiter fue un movimiento alemán que duró desde 1911 hasta 1914, fundamental para el expresionismo. Wassily Kandinsky, Franz Marc, August Macke, Alexej von Jawlensky, cuya pintura psíquicamente expresiva del bailarín ruso Retrato de Alexander Sakharoff (1909) se ve aquí, Marianne von Werefkin, Lyonel Feininger y otros fundaron el grupo Der Blaue Reiter en respuesta al rechazo de la pintura de Kandinsky Juicio final de una exposición. Der Blaue Reiter carecía de un manifiesto artístico central, pero se centraba en Kandinsky y Marc. También participaron los artistas Gabriele Münter y Paul Klee. El nombre del movimiento proviene de una pintura de 1903 de Kandinsky. Para Kandinsky, azul es el color de la espiritualidad: cuanto más oscuro es el azul, más despierta el deseo humano por lo eterno. [34]

Expresionismo, Simbolismo, Modernismo estadounidense, Bauhaus Editar

El expresionismo y el simbolismo son rubros amplios que involucran varios movimientos relacionados en la pintura del siglo XX que dominaron gran parte del arte de vanguardia que se hacía en Europa occidental, oriental y septentrional. Las obras expresionistas se pintaron en gran parte entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial, principalmente en Francia, Alemania, Noruega, Rusia, Bélgica y Austria. El fauvismo, Die Brücke y Der Blaue Reiter son tres de los grupos más conocidos de pintores expresionistas y simbolistas. La pintura de Marc Chagall Yo y el pueblo narra una historia autobiográfica que examina la relación entre el artista y sus orígenes, con un léxico del simbolismo artístico. Gustav Klimt, Egon Schiele, Edvard Munch, Emil Nolde, Chaim Soutine, James Ensor, Oskar Kokoschka, Ernst Ludwig Kirchner, Max Beckmann, Franz Marc, Georges Rouault, Amedeo Modigliani, y algunos estadounidenses en el extranjero como Marsden Hartley y Stuart Davis, fueron considerados pintores expresionistas influyentes. Aunque se piensa principalmente en Alberto Giacometti como un escultor surrealista, también realizó pinturas expresionistas intensas.

Los pintores estadounidenses durante el período comprendido entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial tendían a ir a Europa en busca de reconocimiento. Artistas modernistas como Marsden Hartley, Patrick Henry Bruce, Gerald Murphy y Stuart Davis crearon reputación en el extranjero. Mientras Patrick Henry Bruce [35] creó pinturas cubistas relacionadas en Europa, tanto Stuart Davis como Gerald Murphy hicieron pinturas que fueron inspiraciones tempranas para el arte pop estadounidense [36] [37] [38] y Marsden Hartley experimentó con el expresionismo. Durante la década de 1920, el fotógrafo Alfred Stieglitz expuso a Georgia O'Keeffe, Arthur Dove, Alfred Henry Maurer, Charles Demuth, John Marin y otros artistas como los maestros europeos Henri Matisse, Auguste Rodin, Henri Rousseau, Paul Cézanne y Picasso, en su ciudad de Nueva York. galería el 291. [39] En Europa maestros como Henri Matisse y Pierre Bonnard continuaron desarrollando sus estilos narrativos independientemente de cualquier movimiento.

Pioneros de la abstracción Editar

Robert Delaunay, 1912, Ventanas simultáneas en la ciudad, Kunsthalle Hamburg, Orfismo y Dada

Wassily Kandinsky es generalmente considerado uno de los primeros pintores importantes del arte abstracto moderno. Como modernista temprano, teorizó, al igual que los ocultistas y teósofos contemporáneos, que la abstracción visual pura tenía como corolario vibraciones con el sonido y la música. Postularon que la abstracción pura podía expresar la espiritualidad pura. Sus primeras abstracciones fueron generalmente tituladas como el ejemplo en el Composición VII, haciendo conexión con el trabajo de los compositores de música. Kandinsky incluyó muchas de sus teorías sobre el arte abstracto en su libro Sobre lo espiritual en el arte. Otros pioneros importantes de la abstracción temprana incluyen a la pintora sueca Hilma af Klint, el pintor ruso Kazimir Malevich y el pintor suizo Paul Klee. Robert Delaunay fue un artista francés asociado con el orfismo (que recuerda un vínculo entre la abstracción pura y el cubismo). Sus contribuciones clave a la pintura abstracta se refieren a su audaz uso del color y su experimentación tanto de la profundidad como del tono.

El dadaísmo y el surrealismo editar

Joan Miró, Caballo, pipa y flor roja, 1920, Surrealismo temprano

Marcel Duchamp saltó a la fama internacional a raíz del Salón de la Armería de la ciudad de Nueva York en 1913, donde su Desnudo descendiendo una escalera, n. ° 2 se convirtió en una causa célebre. Posteriormente creó La novia desnuda por sus solteros, incluso, vaso grande. los Vaso grande llevó el arte de la pintura a nuevos límites radicales siendo parte pintura, parte collage, parte construcción. Duchamp (que pronto renunciaría a la creación de arte por el ajedrez) se asoció estrechamente con el movimiento dadaísta que comenzó en la neutral Zürich, Suiza, durante la Primera Guerra Mundial y alcanzó su punto máximo entre 1916 y 1920. El movimiento involucró principalmente artes visuales, literatura (poesía, manifiestos de arte , teoría del arte), teatro y diseño gráfico para promover su política antibélica y el rechazo de los estándares imperantes en el arte a través de obras culturales antiarte. Otros artistas asociados con el movimiento Dada incluyen a Francis Picabia, Man Ray, Kurt Schwitters, Hannah Höch, Tristan Tzara, Hans Richter, Jean Arp y Sophie Taeuber-Arp. Duchamp y varios dadaístas también están asociados con el surrealismo, el movimiento que dominó la pintura europea en las décadas de 1920 y 1930.

En 1924 André Breton publicó el Manifiesto surrealista. El movimiento surrealista en pintura se convirtió en sinónimo de vanguardia y contó con artistas cuyas obras variaban desde lo abstracto hasta lo superrealista. Con obras en papel como La máquina gira rápidamente, Francis Picabia continuó su participación en el movimiento dadaísta hasta 1919 en Zúrich y París, antes de separarse de él después de desarrollar un interés en el arte surrealista. Yves Tanguy, René Magritte y Salvador Dalí son particularmente conocidos por sus representaciones realistas de imágenes oníricas y manifestaciones fantásticas de la imaginación. Durante la década de 1920, la obra de André Masson fue decisiva para ayudar al joven artista Joan Miró a encontrar sus raíces en la pintura surrealista. De Miró El campo labrado (1923-1924) raya en la abstracción al tiempo que sugiere un complejo de objetos y figuras y arreglos de personajes sexualmente activos. Fue la primera obra maestra surrealista de Miró. [40] Joan Miró, Jean Arp, André Masson y Max Ernst fueron muy influyentes, especialmente en los Estados Unidos durante la década de 1940.

Max Ernst, cuya pintura de 1920 Avión asesino Se ve aquí, estudió filosofía y psicología en Bonn y estaba interesado en las realidades alternativas que experimentan los locos. Es posible que sus pinturas se hayan inspirado en el estudio del psicoanalista Sigmund Freud sobre los delirios de un paranoico, Daniel Paul Schreber. Freud identificó la fantasía de Schreber de convertirse en mujer como una complejo de castración. La imagen central de dos pares de piernas se refiere a los deseos hermafroditas de Schreber. La inscripción de Ernst en la parte posterior de la pintura dice: La imagen es curiosa por su simetría. Los dos sexos se equilibran. [41]

A lo largo de la década de 1930, el surrealismo continuó haciéndose más visible para el público en general. Un grupo surrealista se desarrolló en Gran Bretaña y, según Breton, su Exposición Surrealista Internacional de Londres de 1936 fue un hito del período y se convirtió en el modelo para las exposiciones internacionales. Grupos surrealistas en Japón, y especialmente en América Latina, el Caribe y en México produjeron obras innovadoras y originales. Otros artistas surrealistas destacados incluyen a Giorgio de Chirico, Méret Oppenheim, Toyen, Grégoire Michonze, Roberto Matta, Kay Sage, Leonora Carrington, Dorothea Tanning y Leonor Fini.

Neue Sachlichkeit, Realismo social, regionalismo, Pintura de escena americana, Simbolismo Editar

Diego Rivera, Recreación de Hombre en la encrucijada (renombrado Hombre, controlador del universo), creado originalmente en 1934

Durante las décadas de 1920 y 1930 y la Gran Depresión, la escena artística europea se caracterizó por el surrealismo, el cubismo tardío, la Bauhaus, De Stijl, Dada, Neue Sachlichkeit y el expresionismo y estuvo ocupada por maestros pintores del color modernistas como Henri Matisse y Pierre Bonnard. .

En Alemania, Neue Sachlichkeit ("Nueva objetividad") surgió cuando Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz y otros politizaron sus pinturas. El trabajo de estos artistas surgió del expresionismo y fue una respuesta a las tensiones políticas de la República de Weimar, y a menudo fue agudamente satírico.

Durante la década de 1930, la política radical de izquierda caracterizó a muchos de los artistas relacionados con el surrealismo, incluido Pablo Picasso. [42] El 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil española, la ciudad vasca de Gernika fue escenario del "Bombardeo de Gernika" por parte de la Legión Cóndor de la Luftwaffe de la Alemania nazi. Los alemanes atacaban para apoyar los esfuerzos de Francisco Franco por derrocar al Gobierno Vasco y al Gobierno republicano español. Pablo Picasso pintó su mural de tamaño Guernica para conmemorar los horrores del bombardeo.

Guernica es un inmenso mural en blanco y negro, de 3,5 metros (11 pies) de alto y 7,8 metros (23 pies) de ancho pintado al óleo. El mural presenta una escena de muerte, violencia, brutalidad, sufrimiento e impotencia sin retratar sus causas inmediatas. La elección de pintar en blanco y negro invoca la inmediatez de una fotografía de periódico. [43] La pintura se exhibió por primera vez en París en 1937, luego en Escandinavia y Londres, y en 1939, a pedido de Picasso, la pintura fue enviada a los Estados Unidos en un préstamo extendido (para su custodia) en el MoMA. Finalmente, de acuerdo con el deseo de Picasso de regalar el cuadro a los españoles, fue enviado a España en 1981.

Desde la Gran Depresión de la década de 1930 hasta los años de la Segunda Guerra Mundial, el arte estadounidense se caracterizó por el realismo social y la pintura escénica estadounidense. Los movimientos de regionalismo que contenían comentarios tanto políticos como sociales dominaron el mundo del arte en los EE. UU. Artistas como Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry, Reginald Marsh y otros se hicieron prominentes.

gótico americano es una pintura de Grant Wood de 1930. Representa a un granjero con una horquilla y una mujer más joven frente a una casa de estilo Carpenter Gothic. Es una de las imágenes más familiares del arte estadounidense del siglo XX. Los críticos de arte asumieron que tenía una intención satírica, se pensaba que era parte de la tendencia hacia representaciones cada vez más críticas de la América rural ejemplificada por Sherwood Anderson. 1919 Winesburg, Ohio, 1920 de Sinclair Lewis Calle principaly de Carl Van Vechten La condesa tatuada En literatura. [44] Sin embargo, con el inicio de la Gran Depresión, la pintura pasó a ser vista como una representación del firme espíritu pionero estadounidense.

Un renacimiento de las artes en América Latina incluyó al pintor uruguayo Joaquín Torres García, el pintor mexicano Rufino Tamayo, artistas del movimiento muralista mexicano como Diego Rivera, David Siqueiros, José Orozco, Pedro Nel Gómez y Santiago Martínez Delgado, y el Simbolista pintora Frida Kahlo. Los muralistas transmitieron mensajes históricos y políticos. Diego Rivera es quizás más conocido por el mundo público por su mural de 1933, Hombre en la encrucijada, en el vestíbulo del edificio RCA en el Rockefeller Center.Cuando su mecenas Nelson Rockefeller descubrió que el mural incluía un retrato de Lenin y otras imágenes comunistas, despidió a Rivera, y el personal de Rockefeller finalmente destruyó la obra inacabada.

Las obras de Frida Kahlo se relacionan con el surrealismo y el movimiento del Realismo Mágico en la literatura. Sus obras se caracterizan a menudo por sus duras representaciones del dolor. De sus 143 pinturas, 55 son autorretratos, que frecuentemente incorporan representaciones simbólicas de sus heridas físicas y psicológicas. [45]

Expresionismo abstracto Editar

La década de 1940 en la ciudad de Nueva York presagió el triunfo del expresionismo abstracto estadounidense, un movimiento que combinó las lecciones aprendidas de los modernistas europeos a través de grandes maestros en Estados Unidos como Hans Hofmann y John D. Graham. Los artistas estadounidenses se beneficiaron de la presencia de Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst y el grupo André Breton, la galería de Pierre Matisse y la galería de Peggy Guggenheim El arte de este siglo, así como otros factores.

Técnicamente, el surrealismo fue un precursor importante del expresionismo abstracto con su énfasis en la creación espontánea, automática o subconsciente. El goteo de pintura de Jackson Pollock sobre un lienzo colocado en el suelo es una técnica que tiene sus raíces en el trabajo de André Masson. Otra importante manifestación temprana de lo que llegó a ser expresionismo abstracto es el trabajo del artista del noroeste estadounidense Mark Tobey, especialmente sus lienzos de "escritura blanca", que, aunque generalmente no son de gran escala, anticipan el aspecto "completo" de las pinturas de goteo de Pollock.

Además, el expresionismo abstracto tiene una imagen de rebelde, anárquico, muy idiosincrásico y, algunos se sienten, bastante nihilista. En la práctica, el término se aplica a cualquier número de artistas que trabajan (en su mayoría) en Nueva York y que tenían estilos bastante diferentes, e incluso se aplica a trabajos que no son especialmente abstractos ni expresionistas. Las enérgicas "pinturas de acción" de Pollock, con su sensación de "ajetreo", son diferentes tanto técnica como estéticamente, a las violentas y grotescas. Mujeres serie de Willem de Kooning. Woman V es una de una serie de seis pinturas realizadas por De Kooning entre 1950 y 1953 que representan una figura femenina de tres cuartos de longitud. Comenzó la primera de estas pinturas, Mujer I, en junio de 1950, cambiando y pintando repetidamente la imagen hasta enero o febrero de 1952, cuando la pintura fue abandonada sin terminar. El historiador de arte Meyer Schapiro vio la pintura en el estudio de De Kooning y animó al artista a persistir. La respuesta de De Kooning fue comenzar otras tres pinturas sobre el mismo tema Mujer II, Mujer III y Mujer IV. Durante el verano de 1952, que pasó en East Hampton, de Kooning exploró más el tema a través de dibujos y pasteles. Terminó su trabajo en Mujer I en noviembre de 1952, y probablemente las otras tres fotografías de mujeres se terminaron casi al mismo tiempo. [49] El Serie mujer son cuadros decididamente figurativos. Otro artista importante es Franz Kline, como lo demuestra su pintura. Calle (1950), quien fue etiquetado como pintor de acción por su estilo aparentemente espontáneo e intenso, centrándose menos o nada en las figuras o imágenes, sino en las pinceladas y el uso del lienzo.

Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb y los bloques de color serenamente relucientes en la obra de Mark Rothko (que no es lo que normalmente se llamaría expresionista y que Rothko negó que fuera abstracto), se clasifican como expresionistas abstractos, aunque por lo que Clement Greenberg denominó la dirección del campo de color del expresionismo abstracto. Tanto Hans Hofmann como Robert Motherwell pueden describirse como practicantes de la pintura de acción y la pintura de campo de color.

Durante la década de 1950 Pintura de campo de color Inicialmente se refirió a un tipo particular de expresionismo abstracto, especialmente el trabajo de Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell y Adolph Gottlieb. Básicamente, se trataba de pinturas abstractas con grandes extensiones de color planas que expresaban los sentimientos y propiedades sensuales y visuales de grandes áreas de superficie matizada. El crítico de arte Clement Greenberg percibió la pintura de campo de color como relacionada pero diferente a la pintura de acción. La extensión general y la gestalt del trabajo de los primeros pintores del campo del color habla de una experiencia casi religiosa, asombrada ante un universo en expansión de sensualidad, color y superficie. Durante la primera mitad de la década de 1960 Pintura de campo de color llegó a referirse a los estilos de artistas como Jules Olitski, Kenneth Noland y Helen Frankenthaler, cuyas obras estaban relacionadas con el expresionismo abstracto de segunda generación, y a artistas más jóvenes como Larry Zox y Frank Stella, todos moviéndose en una nueva dirección.

Realismo, Paisaje, Marina, Figuración, Naturaleza muerta, Paisaje urbano Editar

Durante la década de 1930 hasta la década de 1960, la pintura abstracta en América y Europa evolucionó hacia movimientos como el expresionismo abstracto, la pintura de campo de color, la abstracción pospintorial, el arte óptico, la pintura de bordes duros, el arte minimalista, la pintura en forma de lienzo y la abstracción lírica. Otros artistas reaccionaron como una respuesta a la tendencia hacia la abstracción permitiendo que las imágenes continúen a través de varios contextos nuevos como el Movimiento Figurativo del Área de la Bahía en la década de 1950 y las nuevas formas de expresionismo desde la década de 1940 hasta la de 1960. A lo largo del siglo XX, muchos pintores practicaron el realismo y utilizaron imágenes expresivas en la pintura de paisaje y figurativa con temas contemporáneos. Incluyen artistas tan variados como Milton Avery, John D. Graham, Fairfield Porter, Edward Hopper, Andrew Wyeth, Balthus, Francis Bacon, Frank Auerbach, Lucian Freud, Leon Kossoff, Philip Pearlstein, Willem de Kooning, Arshile Gorky, Grace Hartigan, Robert De Niro, Sr. y Elaine de Kooning.

En Italia durante este tiempo, Giorgio Morandi fue el pintor de bodegones más importante, explorando una amplia variedad de enfoques para representar botellas y utensilios de cocina cotidianos. [50]

El retrato de Arshile Gorky de Willem de Kooning es un ejemplo de la evolución del expresionismo abstracto desde el contexto de la pintura de figuras, el cubismo y el surrealismo. Junto con sus amigos de Kooning y John D. Graham Gorky creó composiciones figurativas abstractas y con formas biomórficas que en la década de 1940 evolucionaron hacia pinturas totalmente abstractas. El trabajo de Gorky parece ser un análisis cuidadoso de la memoria, la emoción y la forma, utilizando la línea y el color para expresar el sentimiento y la naturaleza. [51] [52]

Estudio después del Retrato del Papa Inocencio X de Velázquez, 1953 es una pintura del artista nacido en Irlanda Francis Bacon y es un ejemplo del expresionismo europeo posterior a la Segunda Guerra Mundial. La obra muestra una versión distorsionada del Retrato de Inocencio X pintado por el artista español Diego Velázquez en 1650. La obra forma parte de una serie de variantes del cuadro de Velázquez que Bacon ejecutó a lo largo de los años cincuenta y principios de los sesenta, sobre un total de cuarenta -Cinco obras. [53] Cuando se le preguntó por qué se veía obligado a revisar el tema con tanta frecuencia, Bacon respondió que no tenía nada en contra de los Papas, que simplemente "quería una excusa para usar estos colores, y no se puede dar a la ropa ordinaria ese color púrpura sin entrando en una especie de moda falsa fauve ". [54] El Papa en esta versión hierve de ira y agresión, y los colores oscuros dan a la imagen un aspecto grotesco y de pesadilla. [55] Las cortinas plisadas del fondo se vuelven transparentes y parecen caer a través del rostro del Papa. [56]

El trabajo figurativo de Francis Bacon, Frida Kahlo, Edward Hopper, Lucian Freud, Andrew Wyeth y otros sirvió como una especie de alternativa al expresionismo abstracto. Nighthawks (1942) es una pintura realista de Edward Hopper que retrata a personas sentadas en un restaurante del centro a altas horas de la noche. No solo es la pintura más famosa de Hopper, sino una de las más reconocidas en el arte estadounidense. La calle urbana está vacía fuera del restaurante, y en el interior ninguno de los tres clientes aparentemente mira o habla con los demás, sino que está perdido en sus propios pensamientos. Esta descripción de la vida urbana moderna como vacía o solitaria es un tema común en todo el trabajo de Hopper. Una de las imágenes más conocidas del arte estadounidense del siglo XX es la pintura al temple de Wyeth, El mundo de Christina, en la colección del Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York. Representa a una mujer tendida en el suelo en un campo sin árboles, en su mayoría leonado, mirando hacia arriba y arrastrándose hacia una casa gris en el horizonte, un granero y varias otras pequeñas dependencias adyacentes a la casa. [57]

Después de la Segunda Guerra Mundial, el término Escuela de París a menudo se refería al taquismo, el equivalente europeo del expresionismo abstracto estadounidense y esos artistas también están relacionados con Cobra. Entre los proponentes importantes se encuentran Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Nicolas de Staël, Hans Hartung, Serge Poliakoff y Georges Mathieu, entre varios otros. A principios de la década de 1950, Dubuffet (que siempre fue un artista figurativo) y de Staël abandonaron la abstracción y regresaron a las imágenes a través de la figuración y el paisaje. El regreso de De Staël a la representación (paisajes marinos, futbolistas, músicos de jazz, gaviotas) a principios de la década de 1950 puede verse como un precedente influyente para el Movimiento Figurativo del Área de la Bahía de Estados Unidos, como muchos de esos pintores abstractos como Richard Diebenkorn, David Park, Elmer Bischoff, Wayne Thiebaud, Nathan Oliveira, Joan Brown y otros hicieron un movimiento similar al regresar a las imágenes a mediados de la década de 1950. Gran parte del trabajo tardío de De Staël, en particular sus paisajes abstractos de mediados de la década de 1950, predice la pintura del campo de color y la abstracción lírica de las décadas de 1960 y 1970. Milton Avery también a través de su uso del color y su interés en las pinturas de paisajes marinos y paisajes conectados con el aspecto del campo de color del expresionismo abstracto manifestado por Adolph Gottlieb y Mark Rothko, así como las lecciones que los pintores estadounidenses aprendieron del trabajo de Henri Matisse. [58] [59]

Arte pop Editar

El arte pop en Estados Unidos se inspiró en gran medida inicialmente en las obras de Jasper Johns, Larry Rivers y Robert Rauschenberg, aunque las pinturas de Gerald Murphy, Stuart Davis y Charles Demuth durante las décadas de 1920 y 1930 presagian el estilo y la temática del pop. Arte.

En la ciudad de Nueva York, a mediados de la década de 1950, Rauschenberg y Johns crearon obras de arte que al principio parecían ser continuaciones de la pintura expresionista abstracta. En realidad, sus trabajos, y el trabajo de Larry Rivers, fueron desviaciones radicales del expresionismo abstracto, especialmente en el uso de imágenes banales y literales y la inclusión de materiales mundanos en su trabajo. El uso de Johns de varias imágenes y objetos como sillas, números, blancos, latas de cerveza y las pinturas de American Flag Rivers de temas extraídos de la cultura popular como George Washington cruzando el Delaware, y sus inclusiones de imágenes de anuncios como el camello de Camel. los cigarrillos y las sorprendentes construcciones de Rauschenberg que utilizan inclusiones de objetos y fotografías tomadas de la cultura popular, ferreterías, depósitos de chatarra, las calles de la ciudad y la taxidermia, dieron lugar a un nuevo movimiento radical en el arte estadounidense. Finalmente, en 1963, el movimiento llegó a ser conocido mundialmente como arte pop.

El arte pop está ejemplificado por los artistas Andy Warhol, Claes Oldenburg, Wayne Thiebaud, James Rosenquist, Jim Dine, Tom Wesselmann y Roy Lichtenstein, entre otros. Lichtenstein utilizó aceite y pintura Magna en obras como Chica ahogándose (1963 Museum of Modern Art, Nueva York), que se apropió de la historia principal de DC Comics ' Corazones secretos # 83. [60]) Los contornos gruesos, los colores llamativos y los puntos Ben-Day reproducen la apariencia de la impresión comercial. Lichtenstein diría de su propio trabajo: Los expresionistas abstractos "pusieron cosas en el lienzo y respondieron a lo que habían hecho, a las posiciones y tamaños de los colores. Mi estilo se ve completamente diferente, pero la naturaleza de poner líneas es prácticamente la misma los míos simplemente no salen caligráficos, como los de Pollock o Kline ". [61] El arte pop fusiona la cultura popular y de masas con las bellas artes, al tiempo que inyecta humor, ironía e imágenes y contenido reconocibles en la mezcla. En octubre de 1962, la Sidney Janis Gallery montó Los nuevos realistas, la primera gran exposición colectiva de arte pop en una galería de arte de la zona alta de la ciudad de Nueva York. El espectáculo envió ondas de choque a través de la Escuela de Nueva York y resonó en todo el mundo. Latas de sopa Campbell (a veces denominado 32 latas de sopa Campbell's) es el título de una obra de arte de Andy Warhol que se produjo en 1962. Consiste en treinta y dos lienzos de igual tamaño, cada uno de los cuales consiste en una pintura de una lata de sopa Campbell, una de cada variedad de sopa enlatada que la compañía ofreció en el tiempo. Las pinturas individuales se realizaron con un proceso de serigrafía semi-mecanizada, utilizando un estilo no pictórico. Ayudaron a marcar el comienzo del arte pop como un movimiento artístico importante que se basaba en temas de la cultura popular.

Anteriormente en Inglaterra, en 1956, el término Arte pop fue utilizado por Lawrence Alloway para pinturas que celebraban el consumismo de la era posterior a la Segunda Guerra Mundial. Este movimiento rechazó el expresionismo abstracto y su enfoque en el interior hermenéutico y psicológico, a favor del arte que representaba la cultura de consumo material, la publicidad y la iconografía de la era de la producción en masa. [62] Las primeras obras del artista inglés David Hockney, como Un chapoteo más grande, y las obras de Richard Hamilton, Peter Blake y Eduardo Paolozzi, se consideran ejemplos fundamentales del movimiento. En las galerías de la calle 10 del East Village de Nueva York, los artistas estaban formulando una versión estadounidense del arte pop. Claes Oldenburg tenía su escaparate y la Green Gallery de la calle 57 comenzó a mostrar a Tom Wesselmann y James Rosenquist. Existe una conexión entre las obras radicales de Duchamp y Man Ray, los dadaístas rebeldes, con sentido del humor y artistas pop como Alex Katz, Claes Oldenburg, Andy Warhol, Roy Lichtenstein y los demás.

Art Brut, Nuevo realismo, Movimiento figurativo del Área de la Bahía, Neo-Dada, Fotorrealismo Editar

Durante las décadas de 1950 y 1960, la pintura abstracta en Estados Unidos y Europa evolucionó hacia movimientos como la pintura de campo de color, la abstracción pospintural, el arte óptico, la pintura de borde duro, el arte minimalista, la pintura en forma de lienzo, la abstracción lírica y la continuación del expresionismo abstracto. Otros artistas reaccionaron como respuesta a la tendencia a la abstracción con Art brut, [63] como se ve en Court les rues, 1962, por Jean Dubuffet, Fluxus, Neo-Dada, New Realism, Photorealism, permitiendo que las imágenes resurjan a través de varios contextos nuevos como el arte pop, el movimiento figurativo del área de la bahía (un ejemplo destacado es el de Diebenkorn Paisaje urbano I, (Paisaje No. 1) (1963), y más tarde en la década de 1970 el neoexpresionismo. El Movimiento Figurativo del Área de la Bahía de quien David Park, Elmer Bischoff, Nathan Oliveira y Richard Diebenkorn cuya pintura Paisaje urbano 1 (1963) es un ejemplo típico, donde florecieron miembros influyentes durante las décadas de 1950 y 1960 en California. Los pintores más jóvenes practicaron el uso de imágenes de formas nuevas y radicales. Yves Klein, Arman, Martial Raysse, Christo, Niki de Saint Phalle, David Hockney, Alex Katz, Malcolm Morley, Ralph Goings, Audrey Flack, Richard Estes, Chuck Close, Susan Rothenberg, Eric Fischl y Vija Celmins fueron algunos de los que se convirtieron en prominente entre los años sesenta y ochenta. Fairfield Porter fue en gran parte autodidacta y produjo un trabajo de representación en medio del movimiento expresionista abstracto. Sus temas fueron principalmente paisajes, interiores domésticos y retratos de familiares, amigos y compañeros artistas.

También durante las décadas de 1960 y 1970, hubo una reacción contra la pintura. Críticos como Douglas Crimp vieron el trabajo de artistas como Ad Reinhardt y declararon la "muerte de la pintura". Los artistas comenzaron a practicar nuevas formas de hacer arte. Nuevos movimientos cobraron protagonismo algunos de los cuales son: Fluxus, Happening, Video art, Installation art Mail art, los situacionistas, Conceptual art, Postminimalism, Earth art, arte povera, performance art y body art entre otros. [64] [65]

Neo-Dada es también un movimiento que comenzó en las décadas de 1950 y 1960 y se relacionó con el expresionismo abstracto solo con imágenes. Esta tendencia, en la que los artículos manufacturados se combinan con materiales de artistas, se ejemplifica en el trabajo de Jasper Johns y Robert Rauschenberg. Las "cosechadoras" de Rauschenberg en la década de 1950 fueron precursoras del arte pop y el arte de la instalación, y utilizaron el ensamblaje de grandes objetos físicos, incluidos animales de peluche, pájaros y fotografía comercial. Rauschenberg, Johns, Larry Rivers, John Chamberlain, Claes Oldenburg, George Segal, Jim Dine y Edward Kienholz, entre otros, crearon nuevas convenciones de creación artística que hicieron aceptable en los círculos serios del arte contemporáneo la inclusión radical de materiales inverosímiles como parte de sus obras. de arte. [66] [67]

Abstracción geométrica, Op Art, Hard-Edge, Color field, Minimal Art, New Realism Editar

Durante las décadas de 1960 y 1970, la pintura abstracta continuó desarrollándose en Estados Unidos a través de estilos variados. La abstracción geométrica, el arte óptico, la pintura de borde duro, la pintura de campo de color y la pintura mínima, fueron algunas direcciones interrelacionadas para la pintura abstracta avanzada, así como algunos otros movimientos nuevos. Morris Louis fue un pionero importante en la pintura avanzada de Colorfield, su trabajo puede servir como un puente entre el expresionismo abstracto, la pintura de Colorfield y el arte minimalista. Dos maestros influyentes, Josef Albers y Hans Hofmann, presentaron a una nueva generación de artistas estadounidenses sus avanzadas teorías del color y el espacio. Albers es mejor recordado por su trabajo como pintor y teórico abstraccionista geométrico. Los más famosos de todos son los cientos de cuadros y grabados que componen la serie. Homenaje a la Plaza. En esta rigurosa serie, iniciada en 1949, Albers exploró las interacciones cromáticas con cuadrados de colores planos dispuestos concéntricamente en el lienzo. Las teorías de Albers sobre el arte y la educación fueron formativas para la próxima generación de artistas. Sus propias pinturas forman la base tanto de la pintura de vanguardia como del op art. Josef Albers, Hans Hofmann, Ilya Bolotowsky, Burgoyne Diller, Victor Vasarely, Bridget Riley, Richard Anuszkiewicz, Frank Stella, Morris Louis, Kenneth Noland, [68] Ellsworth Kelly, John McLaughlin, Barnett Newman, Larry Poons, Ronald Davis, John Hoyland , Larry Zox, Al Held, Mino Argento [69] son ​​artistas estrechamente asociados con la abstracción geométrica, el arte óptico, la pintura Color Field y, en el caso de Hofmann y Newman, también con el expresionismo abstracto. Agnes Martin, Robert Mangold, Brice Marden, Jo Baer, ​​Robert Ryman, Richard Tuttle, Neil Williams, David Novros, Paul Mogenson, son ejemplos de artistas asociados con el minimalismo y (a excepción de Martin, Baer y Marden) el uso del lienzo moldeado. también durante el período que comenzó a principios de la década de 1960. Muchos artistas abstractos geométricos, minimalistas y pintores de borde duro eligieron usar los bordes de la imagen para definir la forma de la pintura en lugar de aceptar el formato rectangular.De hecho, el uso del lienzo moldeado se asocia principalmente con pinturas de las décadas de 1960 y 1970 que son fríamente abstractas, formalistas, geométricas, objetivas, racionalistas, de líneas limpias, descaradamente afiladas o de carácter minimalista. La Bykert Gallery y la Park Place Gallery fueron importantes vitrinas para el minimalismo y la pintura en forma de lienzo en la ciudad de Nueva York durante la década de 1960.

Lienzo con forma, Washington Color School, Ilusionismo abstracto, Abstracción lírica Editar

La pintura Color Field apuntó hacia una nueva dirección en la pintura estadounidense, lejos del expresionismo abstracto. Relacionada con la abstracción pospintural, el suprematismo, el expresionismo abstracto, la pintura de borde duro y la abstracción lírica, [70] La pintura de campo de color buscaba librar al arte de la retórica superflua. Artistas como Clyfford Still, Mark Rothko, Hans Hofmann, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Larry Zox y otros pintaron con un uso del color muy articulado y psicológico. En general, estos artistas eliminaron las imágenes reconocibles. Algunos artistas hicieron referencias al arte pasado o presente, pero en general, la pintura de campo de color presenta la abstracción como un fin en sí mismo. Al seguir esta dirección del arte moderno, los artistas querían presentar cada pintura como una imagen cohesiva y monolítica. Gene Davis, junto con Kenneth Noland, Morris Louis y varios otros, fue miembro de los pintores de la Washington Color School que comenzaron a crear pinturas Color Field en Washington, DC durante las décadas de 1950 y 1960. Negro, gris, Beat es una gran pintura de rayas verticales y típica del trabajo de Gene Davis. Frank Stella, Kenneth Noland, Ellsworth Kelly, Barnett Newman, Ronald Davis, Neil Williams, Robert Mangold, Charles Hinman, Richard Tuttle, David Novros y Al Loving son ejemplos de artistas asociados con el uso del lienzo moldeado durante el período que comienza en principios de la década de 1960.

A partir de 1960, Frank Stella produjo pinturas en pintura de aluminio y cobre y sus primeras obras utilizaron lienzos con formas (lienzos en una forma diferente al rectángulo o cuadrado tradicional), a menudo en forma de L, N, U o T. Estos luego se desarrollaron en diseños más elaborados, en el Polígono irregular serie (1967), por ejemplo. Más tarde comenzó su Serie transportador (1971) de pinturas, en las que arcos, a veces superpuestos, dentro de bordes cuadrados se disponen uno al lado del otro para producir círculos completos y semicírculos pintados en anillos de colores concéntricos. Harran II, 1967, es un ejemplo de la Serie transportador.

La Galería Andre Emmerich, la Galería Leo Castelli, la Galería Richard Feigen y la Galería Park Place fueron importantes vitrinas de la pintura Color Field, la pintura en forma de lienzo y la Abstracción lírica en la ciudad de Nueva York durante la década de 1960. Existe una conexión con la abstracción post-pictórica, que reaccionó contra el misticismo, la hiper-subjetividad de los expresionismos abstractos y el énfasis en hacer que el acto de pintar en sí mismo sea dramáticamente visible, así como la aceptación solemne del rectángulo plano como un prerrequisito casi ritual para pintura seria. Durante la década de 1960, la pintura Color Field y el arte minimalista a menudo se asociaban estrechamente entre sí. En realidad, a principios de la década de 1970, ambos movimientos se volvieron decididamente diversos.

Lyrical Abstraction (término acuñado por Larry Aldrich, fundador del Aldrich Contemporary Art Museum, Ridgefield Connecticut), engloba lo que Aldrich dijo que vio en los estudios de muchos artistas en ese momento. [71] También es el nombre de una exposición que se originó en el Museo Aldrich y viajó al Museo Whitney de Arte Americano y otros museos de los Estados Unidos entre 1969 y 1971. [72] La abstracción lírica es un tipo de pintura abstracta libre. que surgió a mediados de la década de 1960 cuando los pintores abstractos regresaron a diversas formas de expresionismo pictórico, pictórico con un enfoque predominante en el proceso, la gestalt y las estrategias compositivas repetitivas en general. [73] [74] En contraste con Action Painting, donde el énfasis está en las pinceladas y el alto drama compositivo, en Lyrical Abstraction, como lo ejemplifica la pintura de Ronnie Landfield de 1971 Jardín de las Delicias—Hay una sensación de aleatoriedad compositiva, drama compositivo relajado y un énfasis en el proceso, la repetición y una sensibilidad total. La abstracción lírica a fines de la década de 1960 se caracteriza por las pinturas de Dan Christensen, Ronnie Landfield, Peter Young y otros, y junto con el movimiento Fluxus y el posminimalismo (un término acuñado por primera vez por Robert Pincus-Witten en las páginas de Artforum en 1969) [ 75] buscó expandir los límites de la pintura abstracta y el minimalismo centrándose en el proceso, nuevos materiales y nuevas formas de expresión. El posminimalismo que a menudo incorpora materiales industriales, materias primas, fabricaciones, objetos encontrados, instalación, repetición en serie y, a menudo, con referencias al dadaísmo y al surrealismo, se ejemplifica mejor en las esculturas de Eva Hesse. [75] Abstracción lírica, Arte conceptual, Postminimalismo, Arte de la tierra, Video, Arte de performance, Arte de instalación, junto con la continuación de Fluxus, Expresionismo abstracto, Pintura de campo de color, Pintura de borde duro, Arte minimalista, Op art, Pop art, El fotorrealismo y el nuevo realismo ampliaron las fronteras del arte contemporáneo desde mediados de los sesenta hasta los setenta. [76]


El motivo de la figura erudita y los patrocinadores del sarcófago judío

La gran popularidad del tropo de la figura erudita coincidió con el auge de la popularidad del entierro de sarcófagos y el auge de los retratos del siglo III. También se correspondió con el surgimiento de la Segunda Sofística, una tormenta perfecta de condiciones que fomentaron la proliferación de este modo particular de autorrepresentación. 52 No solo fueron los retratos con el tropo de la figura erudita la forma más popular de representación en este período, sino que los tropos y motivos corolarios de la esfera erudita fueron un tercio muy cercano en la carrera por los motivos secundarios más populares en los programas escultóricos de sarcófagos, detrás de sólo cupidos y personificaciones de las estaciones. 53 De hecho, en los siglos III y IV, el motivo de la figura erudita fue elegido por un grupo cada vez mayor de patrocinadores de sarcófagos en la ciudad de Roma. El motivo de moda fue utilizado por clientes de una amplia variedad de orígenes y de todos los ámbitos de la vida. 54

Al hacer uso de este tipo extremadamente popular, los mecenas judíos pasaron por alto una serie de otros tropos populares, incluidas las representaciones de los difuntos como figuras mitológicas o cazadores, o dedicados a rituales. 55 Es más, la prevalencia del tropo de la figura erudita en la escultura de retratos de mecenas judíos es especialmente interesante, ya que este tropo representaba el estatus culto (y la alfabetización cultural) del individuo de una manera muy general, sin hacer referencias explícitas hacia ningún particular. reino de la literatura o el saber romanos. 56 Más bien, el motivo de la figura erudita en los sarcófagos de Roma enfatizaba virtudes más vagas y generales asociadas con el mundo intelectual del imperio romano, virtudes que eran más difíciles de precisar pero que, sin embargo, estaban relacionadas “más con las cualidades individuales y la identidad personal que con las normas institucionales. " 57

Sarcófago de musa con motivo de figura aprendida, 3er c. CE, mármol. Roma. Basílica de San Saba, Roma.

(Cortesía de Deutsches Archäologisches Institut, Rom. D-DAI-ROM-33.1175).


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