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Fragmento mural urartiano de dos toros

Fragmento mural urartiano de dos toros


La Edad del Hierro proporciona más evidencia para la decoración de paredes con pintura. Primero, los sitios fortificados de los siglos VIII-VII a. C. del reino de Urartian en el este de Anatolia tienen algunas pinturas que combinan elementos estilísticos neoasirios y anatolios. Las pinturas del templo de Patnos (Anzavur / Kot Tepe) representan toros caminando y arrodillados. [5] En Van-Toprakkale, se descubrieron rastros de pintura azul y roja en un templo. [6] También se descubrieron pruebas de pintura en Altıntepe y Çavuştepe.

Período Arcaico

A mediados del siglo VI a. C., el Imperio persa aqueménida, dirigido por Ciro el Grande, conquistó la mayoría de las organizaciones políticas que existían en ese momento en el oeste de Anatolia, sobre todo el reino lidio de Creso. La consolidación de esta zona bajo un único poder externo del oriente afectó a las culturas indígenas. Sin duda, una élite persa gobernante trajo consigo un conocimiento de la iconografía imperial desde casa. Sin embargo, estas ideas externas se combinaron tanto con ideas locales como con ideas griegas traídas desde el oeste, para formar un nuevo estilo utilizado por los anatolios en la decoración de sus paredes. La mayor parte de nuestra evidencia artística de este período proviene de cámaras funerarias.

Durante medio siglo antes de la invasión de los persas, los lidios del centro-oeste de Anatolia habían estado enterrando a sus gobernantes en tumbas de cámara de piedra bajo monumentales túmulos, una forma tomada prestada en parte de los frigios. Aunque los túmulos de Lidia se hacen más pequeños después de la invasión persa, también se vuelven más numerosos. Por lo tanto, se permitió que continuara una tradición funeraria local, pero con cambios basados ​​en influencias externas. Por ejemplo, los klinai de piedra (sofás de la muerte) imitaban los originales de madera griegos en forma y decoración pintada. Dos de las tumbas conocidas de Lydian Tumuli tenían paredes pintadas. Desafortunadamente, el saqueo y destrucción de las tumbas, así como la posterior dispersión de las pinturas y objetos en el mercado del arte, ha limitado significativamente la investigación científica de estas tumbas. La primera tumba, llamada Harta o Abidintepe, se encuentra en la provincia de Manisa y tiene tres vistas de perfil separadas de figuras humanas. Se cree que estas tres personas caminaban una detrás de la otra con muchas figuras adicionales en una procesión alrededor de la cámara de la tumba, posiblemente llevando regalos para los difuntos. Este tipo de procesión es muy similar a la tallada en relieve en la Apadana de Persépolis. La influencia persa adicional es evidente en el traje de sirviente que usa una figura que refleja los trajes que se ven en el palacio de Darío I en Susa. [7]

Un segundo túmulo lidio, llamado Aktepe y ubicado en la moderna provincia de Uşak, tiene dos figuras humanas pintadas en las paredes opuestas de la cámara de la tumba. Flanquean y miran hacia donde habría estado el cuerpo. Sus gestos incluyen sostener una rama hacia el cuerpo con una mano y sostener la otra mano ante sus bocas, posiblemente como un signo de reverencia silenciosa. Parecen llevar ropa de estilo griego. Moviéndonos hacia el borde sureste de Lydia, encontramos una cámara de la tumba de madera del túmulo Tatarlı cerca de Dinar en la moderna provincia de Afyon. Los paneles de esta tumba fueron pintados e incluyen una escena de soldados luchando que recuerda a la pintura de vasijas griegas. [7]

En Licia también se han descubierto dos tumbas de este período con pinturas murales. La tumba de Karaburun tiene una escena que representa a un hombre reclinado y sosteniendo en alto un cuenco para beber. Esto puede reflejar elementos de la tradición anatolia de la fiesta funeraria, bien conocida por los entierros de túmulos en Gordion. La otra tumba licia pintada es Kızılbel, que representa leyendas griegas de las epopeyas homéricas, así como aspectos de la realeza similares a los que se ven en las imágenes asirias. [8]

En Gordion, la antigua capital del reino frigio, se encontró un conjunto único de pinturas murales de alrededor del año 500 a. C. Un pequeño edificio con muchos fragmentos de yeso pintado fue descubierto en la ciudadela entre dos megaras más grandes, y fue apodado "la casa pintada". Los fragmentos incluyen piezas de figuras humanas de perfil, por lo que pueden haber sido parte de una procesión similar a la que se ve en el túmulo de Harta. El propósito exacto de la casa pintada no está claro, aunque no se puede descartar una función ritual o incluso funeraria. [9]


Nacimiento de una leyenda

El estatus icónico de Wild Bill Hickok & aposs tiene sus raíces en un tiroteo en julio de 1861 en lo que se conoció como la Masacre de McCanles en Rock Creek, Nebraska. El incidente comenzó cuando David McCanles, su hermano William y varios peones llegaron a la estación para exigir el pago de una propiedad que le habían comprado. Hickok, solo un mozo de cuadra en ese momento, mató a los tres hombres, a pesar de estar gravemente herido.

La historia se convirtió rápidamente en forraje para periódicos y revistas. Quizás el más famoso, Revista mensual nueva de Harper & aposs imprimió un relato de la historia en 1867, alegando que Hickok había matado a 10 hombres. En general, se informó que Hickok había matado a más de 100 hombres durante su vida.

Durante la Guerra Civil, Wild Bill Hickok sirvió en el Ejército de la Unión como explorador civil y más tarde como mariscal preboste. Aunque no existe un registro sólido, se cree que sirvió como espía de la Unión en el Ejército Confederado antes de su baja en 1865.

En julio de 1865, en Springfield, Missouri & aposs town square, Hickok mató a Davis Tutt, un viejo amigo que & # xA0 & # x2013 & # xA0 después de que se intensificaron los rencores personales & # xA0 & # x2013 & # xA0 se convirtió en enemigo. Los dos hombres se enfrentaron de lado para un duelo. Tutt tomó su pistola, pero Hickok fue el primero en sacar su arma y disparó a Tutt instantáneamente, desde aproximadamente 75 yardas.

La leyenda de Wild Bill Hickok & # x2019 solo creció más cuando surgieron otras historias sobre su destreza en la lucha. Una historia afirmaba que mató a un oso con sus propias manos y un cuchillo bowie. La pieza de Harper & aposs también contaba la historia de cómo Hickok había señalado una letra & quotO & quot que era & quot; no más grande que un hombre & un corazón & quot. de ellos golpeando el centro directo de la letra.


Jackson Pollock

Considerado el "mejor pintor vivo" durante su vida, Jackson Pollock fue un pintor estadounidense que fue uno de los principales artistas del arte expresionista abstracto en el siglo XX. Pollock fue expulsado de dos escuelas secundarias durante sus años de formación, la segunda fue la Escuela de Artes Manuales de Los Ángeles, donde se le animó a seguir su interés en el arte. En 1930, se mudó a Nueva York para estudiar arte y consiguió un trabajo en el marco del WPA Federal Art Project, un proyecto del New Deal, que le permitió ganarse la vida con su pintura.

Mientras ganaba éxito profesional y social, Pollock luchó contra la adicción al alcoholismo y los episodios recurrentes de depresión. Dos de sus hermanos sugirieron la psicoterapia junguiana, con el Dr. Joseph Henderson, quien alentó a Pollock en sus esfuerzos artísticos como parte de su terapia. Aunque la psicoterapia no curó su forma de beber, lo expuso a conceptos junguianos, que expresó en sus pinturas en ese momento. En 1945, Pollock se mudó con su esposa y el pintor estadounidense Lee Krasner a Springs, Nueva York, donde permanecería el resto de su vida. En el granero detrás de la casa, que convirtió en su estudio, Pollock desarrolló una técnica de pintura nueva y completamente novedosa utilizando lo que llamó su técnica de "goteo". Usando pinceles endurecidos, palos y jeringas de pavo, y pinturas de esmalte para el hogar, Pollock roció, salpicó y goteó su pintura sobre lienzos extendidos sobre el piso de su estudio. En 1956, la revista Time le dio a Pollock el nombre de "Jack the Dripper", en referencia a su estilo único de pintura de acción.

Estudios recientes de historiadores del arte y científicos han determinado que algunos de los trabajos de Pollock muestran propiedades de fractales matemáticos, afirmando que sus trabajos se volvieron más fractales a lo largo de su carrera. En sus pinturas posteriores, Pollock redujo los títulos de todas sus pinturas a números, con el fin de reducir el intento de los espectadores de identificar cualquier elemento representativo en sus pinturas. Presionado por su creciente fama y la demanda de los coleccionistas de arte, el alcoholismo de Pollock empeoró. En agosto de 1956, mientras conducía bajo los efectos del alcohol, se vio involucrado en un accidente automovilístico en el que se suicidó y uno de sus pasajeros. El legado de Pollock fue asegurado por su viuda, Lee Krasner, quien administró su patrimonio después de su muerte. Su legado incluye una serie de referencias en las redes sociales, que incluyen canciones, poemas, libros y documentales, y la película biográfica Pollock, dirigida y protagonizada por Ed Harris.

Jackson Pollock (28 de enero de 1912 - 11 de agosto de 1956) fue un pintor estadounidense y una figura importante en el movimiento expresionista abstracto. Era bien conocido por su estilo único de pintura por goteo.

Durante su vida, Pollock disfrutó de considerable fama y notoriedad, fue uno de los principales artistas de su generación. Considerado solitario, tenía una personalidad volátil y luchó contra el alcoholismo durante la mayor parte de su vida. En 1945 se casó con el artista Lee Krasner, quien se convirtió en una influencia importante en su carrera y en su legado.

Pollock murió a la edad de 44 años en un accidente automovilístico relacionado con el alcohol cuando conducía. En diciembre de 1956, cuatro meses después de su muerte, Pollock recibió una exposición retrospectiva conmemorativa en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de la ciudad de Nueva York. En 1967 se llevó a cabo una exposición más amplia y completa de su trabajo. En 1998 y 1999, su trabajo fue honrado con exposiciones retrospectivas a gran escala en el MoMA y en The Tate de Londres.

Paul Jackson Pollock nació en Cody, Wyoming, en 1912, el menor de cinco hijos. Sus padres, Stella May (n & # 233e McClure) y LeRoy Pollock, nacieron y crecieron en Tingley, Iowa, y se educaron en Tingley High School. La madre de Pollock está enterrada en el cementerio de Tingley, condado de Ringgold, Iowa. Su padre había nacido con el apellido McCoy, pero tomó el apellido de sus padres adoptivos, vecinos que lo adoptaron después de que sus propios padres murieran con un año de diferencia entre ellos. Stella y LeRoy Pollock eran presbiterianos y eran de ascendencia irlandesa y escocesa-irlandesa, respectivamente. LeRoy Pollock era agricultor y más tarde agrimensor para el gobierno, moviéndose para diferentes trabajos. Stella, orgullosa de la herencia de su familia como tejedora, fabricaba y vendía vestidos cuando era adolescente. En noviembre de 1912, Stella llevó a sus hijos a San Diego Jackson tenía solo 10 meses y nunca regresaría a Cody. Posteriormente creció en Arizona y Chico, California.

Mientras vivía en Echo Park, California, se matriculó en la Escuela Secundaria Manual Arts de Los Ángeles, de la cual fue expulsado. Ya había sido expulsado en 1928 de otra escuela secundaria. Durante sus primeros años de vida, Pollock exploró la cultura nativa americana mientras realizaba viajes topográficos con su padre.

En 1930, siguiendo a su hermano mayor Charles Pollock, se mudó a la ciudad de Nueva York, donde ambos estudiaron con Thomas Hart Benton en la Art Students League. El tema rural estadounidense de Benton tuvo poca influencia en el trabajo de Pollock, pero su uso rítmico de la pintura y su feroz independencia fueron más duraderos. A principios de la década de 1930, Pollock pasó un verano recorriendo el oeste de los Estados Unidos junto con Glen Rounds, un compañero de estudios de arte, y Benton, su maestro.

Pollock conoció el uso de pintura líquida en 1936 en un taller experimental en la ciudad de Nueva York por el muralista mexicano David Alfaro Siqueiros. Más tarde usó el vertido de pintura como una de varias técnicas en lienzos de principios de la década de 1940, como Masculino y femenino y Composición con vertido I. Después de su mudanza a Springs, comenzó a pintar con sus lienzos dispuestos en el piso del estudio, y desarrolló lo que más tarde se denominó su técnica de "goteo".

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DESCUBRE ARMENIA

Hallazgos excepcionales de la Fortaleza de Teishebaini (Karmir Blour) excavada en 1940-1970 bajo la dirección del académico Boris Pyotrovsky, así como de los monumentos de Urartian y otros en el territorio de la República de Armenia: Erebuni, Argishtikhinili-Armavir, Lori berd , Bjni, Geghovit, Dvin, Talin y Tavush.

Inscripciones cuneiformes, también la que dice que la ciudad de Ereván fue fundada en 782 a. C., también breves textos de culto, cartas y arreglos tallados en piedra o tablas de barro cocido.

Sellos de piedra y hueso con imágenes de árboles de la vida, criaturas aladas, escenas de deidades adoradoras, leones con cabeza de dragón, caballos alados y símbolos estelares.

La historia está ante nosotros: se han descubierto más de mil hallazgos exclusivos durante las excavaciones en Armenia.

AGRICULTURA URARTIANA

Las excavaciones arqueológicas han demostrado que se cultivan hortalizas, cereales (trigo, cebada, mijo, avena), sésamo, cáñamo, legumbres (lentejas y garbanzos), así como frutas (manzana, melocotón, nuez, granada, cereza, uva y ciruela). Las semillas de uva encontradas aquí mostraron doce variedades de uva de este período en el valle de Ararat, entre ellas Voskehat (Kharji), Mskhali (Ararat), Hachabash y algunas variedades de uva negra. Estas antiguas variedades todavía se cultivan en la Armenia moderna.

Se encontraron tipos silvestres de trigo en el campo de trigo Shorbulakh de Armenia. Solo se ha conservado la Pirámide de Keops de las Siete Maravillas del Mundo, y el campo de trigo de Shorbulakh, que es más antiguo que la Pirámide de Keops durante 5000 años, de plantas de grano.

Sobre la base de todo esto, podemos decir que la patria del trigo es Armenia y los primeros que comieron pan fueron los armenios. Por eso es natural que la cocina armenia se base en legumbres, cereales y granulado.

CERVEZA ANTIGUA EN URARTU

En la antigüedad, especialmente en el período y la era del reino de Urartian (siglos 9-6 aC), la nación que vivía en el paisaje armenio estaba ocupada con la agricultura, la cría de ganado y también estaban adoptando productos agrícolas en productos orgánicos listos para usar. Durante las excavaciones de Karmir Blur de 1958, se encontraron muchas cosas antiguas, como enormes graneros, ollas llenas de trigo, recipientes especiales para preparar y guardar cerveza, más de 40 recipientes alargados para almacenar cerveza.

Analizando todo esto llegamos a la conclusión de que la nación de Urartu cultivaba también una gran cantidad de cebada: sin embargo, era un hecho que en aquellos días elaboración de cerveza estaba muy extendido por todas partes, además de que como materia prima solían tener no solo cebada, sino también mijo.

VITICULTURA Y ELABORACIÓN DE VINOS

Desde la antigüedad, Armenia fue famosa por los productores de vino, donde las tradiciones originales se mantuvieron hasta estos días. Esto incluso puede ser notificado por filósofos como Herodoto y Strabone. En el 401-400 a.C., cuando las tropas griegas dirigidas por Ksenofon pasaban por el país Nairi (el nombre antiguo de Armenia), en sus casas eran tratados con cerveza y vino, esos vinos se almacenaban en almacenes subterráneos profundos en tinajas de barro especiales. "karases". Es interesante que en las karasas con cerveza se hayan insertado cañas que sirvieron a nuestros antepasados ​​como saleros.

En los siglos XIX y XX, las excavaciones realizadas por el académico Petrovski confirmaron el hecho de que este país que nació en el siglo IX a.C., ubicado en la interacción de Oriente y Occidente, era un país desarrollado. país vitivinícola.

Los arqueólogos han descubierto en la fortaleza Teyshebaini bodega de vino con 480 karasas, en la que podría haber espacio para 37 mil decilitros de vino. Durante la excavación en Karmir Blur (uno de los asentamientos antiguos en Armenia donde se encuentran los primeros signos de vida) y Erebouni (ciudad-fortaleza en el territorio del actual Ereván, construida hace 2800 años que se convirtió en la capital de Armenia en 2700) se había encontrado 10 bodegas de vino en las que se encontraban 200 karasas.

Los jardines, huertos y especialmente viñedos estaban bien desarrollados en Urartu. Así lo demuestra el descubrimiento de semillas, piedras, huesos y restos carbonizados de ciruelas, uvas, granadas, manzanas, albaricoques, cerezas, nueces y sandías.

La viticultura se desarrolló especialmente en torno a las cuencas de los ríos Van, Aratsani Valley, Lago Urmia y Tigris y el Valle Ararat. Algunas de las más de doce variedades de uva que todavía se cultivan en el valle de Ararat - Voskehat (Kharji), Mskhali (Ararat), Hachabash y otras variedades de uvas negras - también se cultivaron en Urartu. La supervivencia y aplicación de las tradiciones vitivinícolas y vitivinícolas practicadas en las tierras altas de Armenia contribuye al argumento de un vínculo armenio con los antiguos habitantes de Urartu (Reino de Van).

CRÍA DE ANIMALES Y CABALLOS

Cría de animales se practicó en las tierras altas de Anatolia oriental desde el Neolítico. Fue una de las principales ocupaciones de la tribu Nairi antes de Urartian. El objetivo principal de las incursiones asirias en los asentamientos Nairi en el segundo milenio antes de Cristo fue robar ganado.
Aunque la cría de animales se volvió secundaria a la agricultura durante el período Urartu, siguió siendo una rama importante de la economía y también se utilizó para los servicios de sacrificios regulares en la religión urartiana.

Los animales criados incluían bovinos (cerca de Bos primigenius), toros (Bos taurus), búfalos (Bubalus bubalis), ovejas (Ovis aries), cabras (el este del Cáucaso tur, Capra cylindricornis) y Capra domestica), cerdos (Sus scrofa domestica ), Gacela persa (Gazella subgutturosa) y cebú (Bos indicus). Los hallazgos arqueológicos indican la presencia de procesamiento de leche y elaboración de queso en Urartu. A diferencia del ganado, los caballos tenían una importancia militar estratégica y se utilizaban para carros. La cría de caballos era una ocupación importante en Urartu y, debido a las abundantes praderas alpinas, estaba mejor desarrollada que en los países vecinos.

ARTE Y ARTESANÍA URARTIANA

Pequeñas esculturas de bronce y piedra de Urartian, que se encuentran en Van y Karmir Blur, nos brindan la comprensión más completa sobre Escultura urartiana. Las estatuas de bronce han sido parte de tronos y mangos de calderas rituales y representan a dioses de pie sobre animales imaginarios, leones, bueyes, así como leones alados, bueyes, pájaros como rostros humanos.

Secular y religioso Pintura Mural también ocupó un lugar único en la cultura Van o urartiana. El palacio y los templos de la ciudadela de Erebuni estaban ricamente decorados con frescos multicolores y muy artísticos. Los colores de los frescos dominantes fueron el negro, el blanco, el rojo, el azul y el amarillo. Esta paleta se conservó en una pintura en miniatura medieval armenia.

La tierra ha guardado no solo el recuerdo, sino también recuerdos específicos: estatuas de ídolos, karasas rituales de vino de 1200 litros, vasijas rituales, puntas de flecha, lanzas, escudos, pendientes y brazaletes de oro, hermosos collares. Durante las excavaciones en el castillo de Teyshebaini se han encontrado 97 cuencos de bronce en los grandes karas. En las copas hechas de alta calidad con la mezcla de bronce y estaño están representadas las inscripciones cuneiformes de los cuatro reyes Urartianos Menua, Argishti, Sarduri y Rusa I. Hay talladas las imágenes de la torre del castillo en las copas rituales.

Todos los mencionados artículos culinarios, domésticos, comidas, alimentos, lácteos, verduras y frutas forman ahora parte especial de la alimentación de la población rural y urbana de Armenia.

Muchas características del arte urartiano se conservaron en los países vecinos después de la caída de Urartu en el siglo VI a. C. Las observaciones de Boris Piotrovsky sugieren que las técnicas de decoración y producción de cinturones y vainas escitas fueron tomadas de Urartu. La forma urartiana de decorar calderos se extendió por el mundo antiguo, y se cree que el arte armenio se basó en parte en las tradiciones urartianas.


Caída y muerte

Abrumado por las necesidades de Pollock & aposs, Krasner tampoco pudo trabajar. Su matrimonio se tornó problemático y la salud de Pollock & aposs empeoraba. Comenzó a salir con otras mujeres. En 1956, había dejado de pintar y su matrimonio estaba en ruinas. Krasner se fue de mala gana a París para darle espacio a Pollock.

Justo después de las 10 p.m. el 11 de agosto de 1956, Pollock, que había estado bebiendo, estrelló su automóvil contra un árbol a menos de una milla de su casa. Ruth Kligman, su novia en ese momento, fue arrojada del auto y sobrevivió. Otro pasajero, Edith Metzger, murió y Pollock fue arrojado 50 pies en el aire y contra un abedul. Murió inmediatamente.

Krasner regresó de Francia para enterrar a Pollock, y posteriormente se puso de luto que duraría el resto de su vida. Manteniendo su creatividad y productividad, Krasner vivió y pintó durante otros 20 años. También gestionó la venta de pinturas de Pollock & aposs, distribuyéndolas cuidadosamente a los museos. Antes de su muerte, Krasner creó la Fundación Pollock-Krasner, que otorga becas a artistas jóvenes y prometedores. Cuando Krasner murió el 19 de junio de 1984, la herencia valía 20 millones de dólares.


Éxito y aclamación

Haring pronto comenzó a aplicar sus imágenes universalmente reconocibles a dibujos y pinturas independientes. La energía y el optimismo de su arte, con sus líneas atrevidas y colores brillantes, le dieron popularidad entre una amplia audiencia. Tuvo su primera exposición individual en 1981, en el Westbeth Painters Space en Manhattan. En 1982 comenzó a exponer su arte en la Tony Shafrazi Gallery, que lo representaría durante el resto de su carrera. A lo largo de la década de 1980, el trabajo de Haring & aposs se exhibió ampliamente tanto en los Estados Unidos como a nivel internacional. También colaboró ​​con otros artistas e intérpretes, incluidos Andy Warhol, Grace Jones y William S. Burroughs.

Siempre queriendo hacer su arte más accesible, Haring abrió una tienda minorista llamada Pop Shop en la ciudad de Nueva York y en el vecindario aposs SoHo en 1986, la tienda vendía carteles, camisetas y otros artículos asequibles con los diseños de la firma Haring & aposs. Durante el breve lapso de su carrera, el artista completó más de 50 obras públicas, incluido el mural antidrogas. El crack es extraño en un patio de recreo de Harlem y una valla publicitaria iluminada y animada de su imagen de & quot; bebé radiante & quot para Nueva York & aposs Times Square. También fue anfitrión de numerosos talleres de arte para niños.

En 1988, a Haring le diagnosticaron sida. Al año siguiente, creó la Fundación Keith Haring para apoyar los programas y organizaciones de niños y aposs dedicados a crear conciencia sobre el SIDA.


Arte y Esculturas

A lo largo de la década de 1950, Botero experimentó con la proporción y el tamaño, y comenzó a desarrollar su estilo característico & # x2014, humanos y animales redondos e hinchados & # x2014 después de mudarse a la ciudad de Nueva York en 1960. Las proporciones infladas de sus figuras, incluidas las de Familia presidencial (1967), sugieren un elemento de sátira política, y se representan usando colores planos, brillantes y formas prominentes delineadas & # x2014 un guiño al arte popular latinoamericano. Y aunque su trabajo incluye naturalezas muertas y paisajes, Botero se ha concentrado típicamente en su emblemático retrato situacional.

Después de llegar a una audiencia internacional con su arte, en 1973, Botero se mudó a París, donde comenzó a crear esculturas. Estas obras ampliaron los temas fundamentales de su pintura, ya que nuevamente se centró en sus temas abultados. A medida que se desarrolló su escultura, en la década de 1990, se organizaron exposiciones al aire libre de enormes figuras de bronce en todo el mundo con gran éxito.


Cómplices

Algunos historiadores acusan a Jesse y Frank de ser crueles con los soldados de la Unión, mientras que otros argumentan que fue el trato brutal que recibieron los hermanos lo que los convirtió en una vida delictiva. De cualquier manera, se rebelaron contra la dura legislación civil de la posguerra y tomaron la ley en sus propias manos. Comenzaron a robar trenes, diligencias y bancos que eran propiedad o estaban operados por una institución del Norte.

Se ha especulado que los chicos y sus pandillas eran como Robin Hood, robando a los ricos y dando a los pobres, pero no hay evidencia de eso. Lo más probable es que se hayan quedado con el dinero. De 1860 a 1882, James Gang fue la banda de forajidos más temida en la historia de Estados Unidos, responsable de más de 20 robos a bancos y trenes y el asesinato de innumerables personas que se interpusieron en su camino. Robaron un estimado de $ 200,000. Eran leyendas en su propio tiempo, populares en Missouri por tratar activamente de promover la causa confederada.

El 7 de diciembre de 1869, la banda robó el banco Gallatin, Missouri. Jesse pidió cambiar un billete de $ 100 y, pensando que el banquero era responsable de la muerte de Bloody Bill, le disparó al hombre en el corazón. Los periódicos locales etiquetaron las acciones como viciosas y sanguinarias y pidieron la captura de la pandilla. Desde ese robo hasta el final de sus carreras, los miembros de James Gang tenían un precio por sus cabezas, vivos o muertos.

En 1874, Jesse se casó con su novia de toda la vida y prima hermana, Zerelda, y tuvo dos hijos. Ambos hermanos James eran conocidos como buenos hombres de familia que amaban a sus esposas y pasaban tiempo con sus hijos, pero aún así continuaron con su vida delictiva.

Aunque protegidos por su comunidad, siempre estaban en movimiento. Incluso después de que otros miembros de la pandilla habían sido asesinados, y sus amigos los Younger habían sido enviados a prisión durante 25 años, en 1879, los hermanos James planearon un robo más con Charlie y Bob Ford. Poco sabían que el gobernador Crittenden de Missouri había reunido un fondo de recompensa tan grande que los Ford se habían convertido en traidores para ganárselo.


Análisis del Guernica de Pablo Picasso

Una de las pinturas más famosas del siglo XX, Guernica fue creado por Picasso para expresar su indignación por el bombardeo nazi de una ciudad vasca en el norte de España, ordenado por el general Franco. Desde entonces, este monumental lienzo en blanco y negro se ha convertido en un símbolo internacional del genocidio cometido durante la guerra. Como otra gran obra de la pintura española titulada El 3 de mayo de 1808 de Goya, Guernica es una condena pictórica de una masacre sin rostro y a sangre fría de personas inocentes. Surgió después de que el gobierno republicano de España encargara a Picasso la realización de una pintura mural para el Pabellón de España en la Exposición Universal de París. En ese momento, Picasso, que residía en París, había sido nombrado director honorario en el exilio del Museo del Prado, Madrid. (Su última visita a España ocurrió en 1934 y nunca regresó). Tras su finalización, el mural fue expuesto en París, en medio de un creciente apoyo a los partidos fascistas en Francia y otros países europeos, donde provocó una considerable controversia tanto por su estilo cubista la pintura de figuras y su tema político. Después de París, viajó a América, donde se exhibió en el Museo de Arte de San Francisco, así como en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en cuyas manos finalmente se colocó para su custodia. Continuó girando extensamente por América del Norte y Europa, pero Picasso se negó a devolverlo a su España natal hasta que se restableciera la democracia.

Composición e Interpretación

Repleto de simbolismo, Guernica es una obra enorme, que mide 3,5 metros (11,5 pies) de alto y 7,8 metros (25,5 pies) de ancho. Aunque está repleto de imágenes angustiadas que muestran el sufrimiento de personas y animales, está pintado en monocromo, usando una paleta de gris, negro y blanco. Quizás Picasso quería darle a su pintura un barniz de realismo fotoperiodista o tal vez el esquema de color sombrío y nocturno complementaba las formas irregulares y los rostros aterrorizados, y aumentaba la sensación de pánico y terror. En cualquier caso, la falta de color da un impacto adicional a las formas cubistas aplanadas y se suma al drama de la obra al permitir que Picasso resalte las caras y los objetos clave en blanco.

Nota: Guernica es un ejemplo comparativamente tardío del cubismo, que, como Mujer llorando (1937, Tate Gallery, Londres) - fue ejecutado en un estilo más realista que (digamos) sus obras de cubismo analítico, como Chica con mandolina (1910, Museum of Modern Art, NY), aunque comparte la paleta monocromática de este último. El otro idioma cubista desarrollado por Picasso y Georges Braque (1882-1963) fue el cubismo sintético, un estilo que incorporó nuevos materiales (como el collage) en la superficie del cuadro. Ver: Pintores cubistas (1906-14).

La escena representada en Guernica es una habitación llena de adultos, niños y animales que se mueven, gritan y mueren. La mayoría de las imágenes individuales también son símbolos (consulte el significado sugerido entre paréntesis). A la izquierda, un toro (la virilidad del hombre) atravesado por la metralla irregular (sus heridas más su pasividad sugiere que el hombre está en problemas) se para sobre una mujer que llora con un niño muerto en sus brazos (piedad imagen, el sufrimiento milenario de las mujeres en la guerra). En el centro, un caballo (que representa a personas inocentes) relincha de dolor por una terrible herida en el costado. Debajo del caballo están los restos destrozados de un soldado muerto en el agarre de la mano en su brazo amputado hay una espada rota de la que crece una flor. En la palma de su otra mano, signos del estigmas de Cristo son visibles, lo que indica el martirio. Sobre el caballo moribundo hay una luz resplandeciente (simboliza las bombas incendiarias que cayeron sobre la ciudad), que también recuerda a la bombilla desnuda en una celda de prisión (tortura). A la derecha del caballo, una mujer con la boca abierta parece haber metido la cabeza y el brazo por una ventana (observador horrorizado). En su mano sostiene una lámpara encendida. Otra mujer confundida se mueve de la derecha hacia la luz del centro (víctima aturdida). En el extremo derecho de la habitación, una figura grita de agonía mientras es engullida por las llamas (víctima inocente).

Hay muchos otros smbolos y fragmentos en Guernica. Incluyen una paloma (paz), parte de cuyo cuerpo forma una grieta emisora ​​de luz en la pared (esperanza), así como puntas de cuchillo en lugar de las lenguas del toro, el caballo y la mujer que llora (tal vez indicando la agudeza de su dolor). Además, se han identificado dos supuestamente 'imágenes ocultas': un cráneo humano cuya forma está formada por las fosas nasales y los dientes superiores del caballo y la cabeza en forma de cráneo de otro toro formada por el ángulo de su pata delantera.

En septiembre de 1981, Guernica fue trasladado del MOMA en Nueva York al The Cason del Buen Retiro, anexo del complejo del Museo del Prado en Madrid. En 1992, se trasladó a una galería especialmente diseñada en el Museo Reina Sofía, sede de la colección nacional de arte moderno de España del siglo XX.

Nota: una copia de tapiz de Picasso Guernica La pintura fue encargada por el empresario Nelson Rockefeller en 1955, después de que Picasso se negara a venderle el original. Exhibido de 1985 a 2009 en la pared del Edificio de las Naciones Unidas en la ciudad de Nueva York junto a la entrada del Consejo de Seguridad, fue trasladado al Museo de Arte de San Antonio durante el período 2009 a 2012, antes de ser devuelto a la ONU.

Explicación de otras pinturas de Picasso

& # 149 La Vie (Vida) (1903)
Primera gran obra de Picasso, que conmemora la muerte de Carlos Casagemas.

& # 149 Niño con pipa (Garcon & agrave la Pipe) (1905)
Retrato del período rosa pintado en Le Bateau-Lavoir.

& # 149 Retrato de Gertrude Stein (1906)
Pintura temprana del coleccionista de arte parisino.

& # 149 Two Nudes (1906) Museo de Arte Moderno, Nueva York.
Par de desnudos femeninos esculturales, como tallados en piedra en bruto.

& # 149 Les Demoiselles d'Avignon (1907)
El paso fundamental de Picasso hacia el cubismo.

& # 149 Mujer sentada (Picasso) (1920) Musee Picasso, París.
Una versión neoclásica modernista de una pose y cortinas antiguas.

• Large Bather (1921) Musee de l'Orangerie, Paris.
Figure inspired by Greek sculptures from the Parthenon.

• Two Women Running on the Beach (The Race) (1922) Musee Picasso, Paris.
Classicist composition featuring Dionysian Maeneds in a state of ecstasy.


Ver el vídeo: 2020 08 22 TAU Murales de Toro ANTONIO BERIÁN (Diciembre 2021).