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Alfred Hitchcock - Historia

Alfred Hitchcock - Historia

Alfred Hitchcock

1899- 1980

Director

El legendario director de cine Sir Alfred Hitchcock nació el 13 de agosto de 1899 en Leyonstone, Inglaterra. Su dominio del suspenso en pantalla es único en la historia del cine. También hizo la primera "película hablada" en Inglaterra en 1929. Sus películas, como El hombre que sabía demasiado (1934), Los treinta y nueve escalones (1935), Rebecca (1940), Extraños en un tren (1951), Vértigo (1958) y Psicópata (1960), entre muchos otros, cautivó y aterrorizó a los cinéfilos de todo el mundo.

Hitchcock también produjo un programa de televisión semanal en las décadas de 1950 y 1960. Aunque nominado cinco veces, Hitchcock nunca ganó un premio de la Academia. Sin embargo, Hitchcock sigue siendo el criterio con el que se miden todos los directores del género de suspenso.


Biografía

Alfred Hitchcock nació en Leytonstone, Inglaterra, el 13 de agosto de 1899. Era el menor de tres hijos de William y Emma Jane Hitchcock.

Después de asistir a una escuela técnica a los 15 años, Hitchcock pasó los primeros años de su carrera como dibujante, diseñador publicitario y escritor. Su interés por la fotografía lo llevó a trabajar en la industria cinematográfica de Londres, primero como diseñador de tarjetas de presentación para películas mudas y, solo cinco años después, como director.

En 1926, Hitchcock se casó con su subdirectora, Alma Reville, y en 1928 tuvieron una hija, Patricia.

Hitchcock rápidamente ganó notoriedad como director que entregó suspenso, finales retorcidos y temas oscuros. Su propia personalidad y humor de horca se incrustaron en la cultura popular a través de entrevistas, avances de películas y apariciones en sus propias películas. Era popular entre el público nacional y extranjero, y en 1939 la familia Hitchcock se mudó a Hollywood. En las tres décadas que siguieron cimentaría su legado al dirigir y producir sus obras más exitosas y perdurables. Su antología televisiva, Alfred Hitchcock Presents, se publicó entre 1955 y 1965 y lo convirtió en un nombre familiar.

Durante su carrera, creó más de cincuenta largometrajes en una carrera que vio no solo el desarrollo del estilo de dirección distintivo de Hitchcock, sino también innovaciones históricas en el cine. En 1929, Chantaje fue su primer largometraje con sonido y en 1948, su primera película en color fue Cuerda. Al propio Hitchcock se le atribuye el mérito de ser pionero en muchas técnicas de cámara y edición para que sus compañeros y aspirantes a directores las emulen.

Hitchcock recibió muchos elogios profesionales, incluidos dos Globos de Oro, ocho premios Laurel y cinco premios a la trayectoria. Fue nominado cinco veces al Oscar a Mejor Director y en 1940, su película Rebecca ganó el Oscar a Mejor Película. En 1980, recibió el título de caballero de manos de la reina Isabel II.

Sir Alfred Hitchcock, esposo, padre, director y maestro del suspenso, falleció el 29 de abril de 1980.


Antología de Alfred Hitchcock

Antología de Alfred Hitchcock (AHA) era una colección impresa estacionalmente de cuentos cortos emocionantes y de suspenso reimpresos de Revista Misteriosa de Alfred Hitchcock. Producida de 1977 a 1989, la antología contiene historias de autores como: Patricia Highsmith, Robert Bloch, Bill Pronzini, Isaac Asimov y Lawrence Block. La antología se comercializa como todo lo que "esperarías del Maestro del Suspense", aunque Hitchcock nunca tuvo una participación directa en las publicaciones.

Antología de Alfred Hitchcock
CategoríasCrimen de ficción, detectives de ficción
FrecuenciaSegún la temporada
Año de fundación1977
Problema final
Número
1989
Volumen 27
EmpresaPublicaciones de Davis (rústica)
Dial Press (tapa dura)
PaísEstados Unidos
Basado enNueva York, NY
Idiomainglés
OCLC2985567

  • Antología de Alfred Hitchcock - Volumen 1
  • Antología de Alfred Hitchcock - Volumen 2
  • Antología de Alfred Hitchcock - Volumen 3
  • Antología de Alfred Hitchcock - Volumen 4
  • Antología de Alfred Hitchcock - Volumen 5

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Filmografia

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  • El jardín del placer (1925)
  • El águila de la montaña (1926)
  • The Lodger: Una historia de la niebla de Londres (1927)
  • El anillo (1927)
  • Cuesta abajo (1927)
  • champán (1928)
  • Virtud fácil (1928)
  • La esposa del granjero (1928)
  • Chantaje (1929)
  • El Manxman (1929)
  • Juno y el Paycock (1930)
  • ¡Asesinato! (1930)
  • El juego de la piel (1931)
  • Rico y extraño (1931)
  • Número diecisiete (1932)
  • Vals de Viena (1934)
  • El hombre que sabía demasiado (1934)
  • Los 39 Pasos (1935)
  • Agente secreto (1936)
  • Sabotaje (1936)
  • Joven e inocente (1937)
  • La dama desaparece (1938)
  • Jamaica Inn (1939)
  • Rebecca (1940)
  • Corresponsal en el extranjero (1940)
  • Sr. y Sra. Smith (1941)
  • Sospecha (1941)
  • Saboteador (1942)
  • Sombra de una duda (1943)
  • Bote salvavidas (1944)
  • Hechizado (1945)
  • Notorio (1946)
  • El caso Paradine (1947)
  • Soga (1948)
  • Bajo capricornio (1949)
  • Miedo escénico (1950)
  • Extraños en un tren (1951)
  • Yo confieso (1953)
  • Marque M para asesinato (1954)
  • La ventana trasera (1954)
  • Para atrapar a un ladrón (1955)
  • El problema con Harry (1955)
  • El hombre que sabía demasiado (1956)
  • El hombre equivocado (1956)
  • Vértigo (1958)
  • norte por noroeste (1959)
  • Psicópata (1960)
  • Las aves (1963)
  • Marnie (1964)
  • Cortina rasgada (1966)
  • Topacio (1969)

Alfred Hitchcock

El director y productor Alfred Hitchcock popularizó tanto el término "MacGuffin" como la técnica, con sus películas Número diecisiete (1932) y Los 39 Pasos (1935) siendo ejemplos tempranos del concepto.

Según algunas fuentes, se cree que el escritor Angus MacPhail originalmente acuñó el término.

Hitchcock explicó el término "MacGuffin" en una conferencia de 1939 en la Universidad de Columbia:

[Tenemos] un nombre en el estudio, y lo llamamos "MacGuffin". Es el elemento mecánico que suele aparecer en cualquier historia. En las historias de delincuentes casi siempre es el collar y en las historias de espías casi siempre son los periódicos.

En 1944, TIEMPO informó Hitchcock diciendo: "El McGuffin es lo que persigue el héroe, de lo que trata la imagen. Es muy necesario" antes de continuar con la explicación: [1]

De ninguna manera original con Hitchcock, el McGuffin es una vieja broma británica sobre un hombre que lleva paquetes en un tren y se encuentra con otro hombre, quien pregunta:
"¿Qué hay en el paquete?"
"Un McGuffin."
"¿Qué es un McGuffin?"
"Un McGuffin es un animal pequeño con una cola larga, amarilla y manchada, que se usa para cazar tigres en Nueva York".
"Pero no hay tigres en Nueva York".
"Ah, pero este no es un McGuffin real."

El siguiente mes, TIEMPO publicó una carta de Jack Moffitt de Warner Bros .: [2]

El director Alfred Hitchcock es un advenedizo británico sin conocimiento del idioma de Hollywood. Lo que persigue el héroe no es un McGuffin, sino un wenie y lo ha sido desde los días de Mack Sennett. Las perlas robadas se colocaron en un wenie. El wenie fue robado por un perro. Y el perro fue perseguido por todos, incluidos los policías de Keystone. Todavía lo están persiguiendo.

Entrevistado en 1966 por François Truffaut, Alfred Hitchcock ilustró el término "MacGuffin" con esta historia:

Podría ser un nombre escocés, tomado de una historia sobre dos hombres en un tren. Un hombre dice: '¿Qué es ese paquete que está en el portaequipajes?' Y el otro responde: 'Oh, ese es un McGuffin'. El primero pregunta '¿Qué es un McGuffin?' "Bueno", dice el otro hombre, "es un aparato para atrapar leones en las Tierras Altas de Escocia". El primer hombre dice: 'Pero no hay leones en las Tierras Altas de Escocia', y el otro responde '¡Bueno, entonces ese no es McGuffin!' Como ve, un McGuffin no es nada en absoluto.


Lanzamientos de DVD

Los siguientes lanzamientos oficiales de DVD contienen episodios de La hora de Alfred Hitchcock:

La hora de Alfred Hitchcock: La primera temporada completa - Madman Entertainment (Australia, 2013)
PAL 1,33: 1
contiene 32 episodios
La hora de Alfred Hitchcock: la segunda temporada completa - Madman Entertainment (Australia, 2013)
PAL 1,33: 1
contiene 32 episodios
La hora de Alfred Hitchcock: la tercera temporada completa - Madman Entertainment (Australia, 2013)
PAL 1,33: 1
contiene 29 episodios
Alfred Hitchcock Zeigt: Teil 2 - Koch Media Home Entertainment (Alemania, 2008)
PAL 1,33: 1
contiene 10 episodios
Alfred Hitchcock Zeigt: Teil 1 - Koch Media Home Entertainment (Alemania, 2008)
PAL 1,33: 1
contiene 10 episodios
Alfred Hitchcock Présente: La Série TV, Les Episodios en VOST - Universal (Francia, 2006) - estrenada el 14 / Feb / 2006
PAL 1,33: 1
contiene "Lo vi todo"


Hitchcock presenta: una breve historia de los extraños y salvajes programas de Hitchcock que una vez dominaron la televisión

En 1960, Alfred Hitchcock estaba en todas partes. Una de las obras maestras genuinas del director, "Psycho", fue lanzada ese año, inmediatamente después de "North by Northwest" el año anterior, que siguió a "Vertigo" y "The Wrong Man" y "The Man Who Knew Too Much". " "Los Pájaros" yacía delante de él.

El director de 60 años, que siempre había sido una figura familiar para algunos debido a sus cameos astutos en sus películas, se había convertido en un nombre familiar a través de sus películas y su programa de televisión, "Alfred Hitchcock Presents". La serie de antología de media hora comenzó en 1955 y duró 10 años, incluidos los años en que se amplió y se renombró "La hora de Alfred Hitchcock".

Agregue a eso "Alfred Hitchcock's Mystery Magazine", que había comenzado en 1956 a través de un acuerdo para licenciar el nombre del director, así como una serie de colecciones de historias de suspenso y suspenso, y la fama de Hitchcock como director no tenía comparación hasta que Steven Spielberg se convirtió en un actor. nombre familiar en la década de 1970.

Los detalles de la vida de Hitchcock, a veces sórdidos y horribles, especialmente en lo que respecta a los informes de su comportamiento deshumanizante con las mujeres, incluidas algunas que protagonizaron sus películas, se han convertido en el forraje de muchas biografías.

Hoy, sin embargo, un vistazo a los programas de televisión que llevaban su nombre y que presentó con lo que parece un gusto macabro.

¿Puedes nombrar a una celebridad en estos días que sea fácilmente identificable a partir de una caricatura de solo su perfil? El perfil de Hitchcock, dibujado en nueve trazos por el propio director, dice la historia, y la sombra fueron parte de los créditos iniciales de la mayor parte de la serie.

Esa es la marca en el orden del símbolo de glifo de Prince.

Cuando "Alfred Hitchcock Presents" se estrenó en CBS en 1955, la televisión ni siquiera estaba en su adolescencia. Si bien 47 millones de hogares tenían televisores en 1955, ese número comenzó a crecer en los años siguientes, llegando a casi 53 millones en 1960 y más de 200 millones en la década de 1990.

En las décadas anteriores a los canales de cable y de pago como HBO, la mayoría de los espectadores sintonizaban solo tres redes, incluida CBS, y una o dos estaciones locales. La absoluta falta de opciones ayudó a llevar a los espectadores a programas como los que produjo Hitchcock. Muchos espectadores sintonizaron cada semana y escucharon su marca registrada "Buenas noches" y sus respiraciones entre frases.

La aparición de la silueta de Hitchcock, ambientada en la "Marcha fúnebre de una marioneta" de Charles Gounod, y las ingeniosas y a menudo horripilantes presentaciones del director mostraban lo que vendría en cada episodio: una obra de moralidad, una obra de inmoralidad, en realidad, no muy diferente de lo cómico. los lectores de libros vieron de EC Comics antes de ser expulsados ​​del mercado. Sin embargo, a diferencia de EC, el programa de Hitchcock no estaba dirigido a los jóvenes.

La serie duró media hora del tamaño de un bocado durante la mayor parte de su carrera, y ofreció historias inteligentes y de rápido movimiento con grandes elencos. Hitchcock dirigió sólo alrededor de una docena y medio de episodios de la serie, pero su imagen y su divertida expresión en la parte superior e inferior de cada uno de los 361 episodios, contando las dos series, reforzaron su estatus de culto.

A pesar de Rod Serling y su serie "Twilight Zone", un contemporáneo del programa de Hitchcock, o las películas de M. Night Shyamalan y sus giros que pronto se esperaban, la serie de Hitchcock construyó y reforzó continuamente la personalidad pública del director y el presentador.

Los mejores escritores y directores, y el joven Robert Redford

Hablando de "The Twilight Zone", hay un episodio particularmente espantoso de 1964 llamado "The Jar", en el que un campesino interpretado por Pat Buttram se obsesiona con una cosa no identificable pero ... parecida a una cabeza en un frasco en un espectáculo secundario de carnaval. Buttram compra el frasco y se lo lleva a su pequeño pueblo, donde se convierte en el brindis del pequeño burgo. Entonces todo sale terriblemente mal.

Pero espera ... "The Jar" no es un episodio de "Twilight Zone". Es un episodio de 1964 de "La hora de Alfred Hitchcock", y es una historia mucho más espantosa que la mayoría de las que contaron los escritores de Hitchcock. Y "The Jar" es, legendariamente, una hora de televisión que la mayoría de la gente cree erróneamente que fue un episodio de "The Twilight Zone".

Pero mientras que los programas de Hitchcock solían ser más moderados que "The Twilight Zone", la serie tenía más episodios, escritores y directores memorables.

Sydney Pollack, quien dirigió películas por excelencia como "Tootsie", "Three Days of the Condor" y "Absence of Malice", dirigió dos episodios de Hitchcock. Uno, "Diagnóstico: peligro", se emitió en 1963 pero parece aterrador en este momento, mientras los investigadores de salud pública de Los Ángeles intentan rastrear y detener la propagación del ántrax en la ciudad.

“Off Season”, un episodio de 1965, se siente como una reunión de “Psycho”. Está escrito por Robert Bloch, el autor que creó a Norman Bates y su madre en una novela de 1959. La estrella es John Gavin, quien protagonizó "Psicosis". Incluso hay un motel al borde de la carretera y un empleado de motel un poco espeluznante. Pero en lugar de Hitchcock detrás de la cámara, era William Friedkin, quien unos años más tarde dirigiría la que podría ser la mejor película de terror de todos los tiempos, "El exorcista".

Algunos de los episodios de la serie de Hitchcock son como pequeñas mini obras maestras y se comparan favorablemente con el estándar de oro, "The Twilight Zone". Algunos parecen un poco apresurados o incluyen un toque por gusto.

Pero, ¿dónde más puedes encontrar a Robert Redford y Gig Young como hermanos en un juego de póquer de alto riesgo contra gánsteres con dedos en el gatillo que pican? Bueno, en "A Piece of the Action", el primer episodio de una hora, de 1962.

Tropes y un reinicio, por supuesto

No trataría de argumentar que Hitchcock y todas estas empresas tenían el tipo de sinergia que tiene Disney hoy en día, al hacer películas que hacen la transición al servicio de transmisión de Disney +, que a su vez impulsa las suscripciones.

Pero la operación comercial que giraba en torno a Hitchcock y todos esos proyectos era notablemente ajustada. "Psycho" fue archivado en Revue Studios, compañía de producción de la serie de televisión de Hitchcock, con el equipo de la serie de televisión.

La serie tuvo primero dibs sobre los derechos para filmar cualquier historia de la "Alfred Hitchcock Mystery Magazine", según un artículo de 1964 en el Palm Beach Post. (La revista se fundó en Nueva York en 1956, pero sus oficinas se trasladaron a Florida en 1959.) Henry Slesar, un conocido escritor de series de Hitchcock, vio sus primeras historias publicadas en la revista, que aún se mantiene fuerte.

Tenga en cuenta: algunos de los episodios del programa de televisión son en gran parte de la época, con bromas descartables que ni siquiera eran políticamente correctas en ese momento, y tramas que se basaban demasiado en el tropo de la mujer en peligro. La actriz Phyllis Thaxter, quien fue la Lois Lane original en la serie de televisión "Adventures of Superman", apareció en la serie de Hitchcock nueve veces. Parece que en cada episodio en el que la he visto, ha interpretado a una mujer emocionalmente dañada, que probablemente estaba más cerca del estereotipo televisivo de mujeres en ese momento que la valiente Lois.

La asociación de Hitchcock con la televisión y el programa que lleva su nombre continuó después de su muerte en 1980. Durante cuatro temporadas y 76 episodios a partir de 1985, NBC y EE. UU. Emitieron una versión rehecha de "Alfred Hitchcock Presents" que incluía algunas de las introducciones del director del original. serie. Fue parte de una tendencia televisiva de la década de 1980 y más allá de series de antología y resurgimientos de series como "The Twilight Zone".

Pero el reinicio de Hitchcock es apenas una ocurrencia tardía ahora, mientras que la serie original, o dos series, continúan reproduciéndose en canales de televisión por cable como MeTV, que "desnuda" el programa en un espacio nocturno la mayoría de las noches de la semana.

El maestro de lo macabro se sentiría como en casa a la medianoche.


Maestro del suspenso

Hitchcock asistió a la escuela jesuita St. Ignatius College antes de ir a la Universidad de Londres, tomando cursos de arte. Finalmente obtuvo un trabajo como dibujante y diseñador publicitario para la compañía de cable Henley & aposs. Fue mientras trabajaba en Henley & aposs que comenzó a escribir, enviando artículos breves para la publicación interna. Desde su primera pieza, empleó temas de acusaciones falsas, emociones en conflicto y finales retorcidos con una habilidad impresionante. En 1920, Hitchcock ingresó a la industria del cine con un puesto de tiempo completo en Famous Players-Lasky Company diseñando tarjetas de título para películas mudas. A los pocos años, estaba trabajando como asistente de dirección.

En 1925, Hitchcock dirigió su primera película y comenzó a hacer los "thrillers" por los que se hizo conocido en todo el mundo. Su película de 1929 Chantaje se dice que es la primera "charla" británica. En la década de 1930, dirigió películas de suspenso clásicas como El hombre que sabía demasiado (1934) y Los 39 Pasos (1935).


Contenido

Vida temprana: 1899-1919 Editar

Primera infancia y educación Editar

Hitchcock nació el 13 de agosto de 1899 en el piso sobre la tienda de comestibles alquilada por sus padres en 517 High Road, Leytonstone, en las afueras del este de Londres (entonces parte de Essex), el menor de tres hijos: William Daniel (1890-1943) , Ellen Kathleen ("Nellie") (1892-1979) y Alfred Joseph (1899-1980). Sus padres, Emma Jane Hitchcock ( de soltera Whelan 1863-1942) y William Edgar Hitchcock (1862-1914), ambos eran católicos romanos, con raíces parciales en Irlanda [12] [13] William era un verdulero como lo había sido su padre. [14]

Había una gran familia extendida, incluido el tío John Hitchcock con su casa victoriana de cinco habitaciones en Campion Road, Putney, con mucama, cocinera, chófer y jardinero. Cada verano, John alquilaba una casa junto al mar para la familia en Cliftonville, Kent. Hitchcock dijo que primero se volvió consciente de la clase allí, notando las diferencias entre turistas y lugareños. [15]

Hitchcock se describió a sí mismo como un niño de buen comportamiento —su padre lo llamaba su "corderito sin mancha" - y dijo que no recordaba haber tenido nunca un compañero de juegos.[16] Una de sus historias favoritas para los entrevistadores fue sobre su padre enviándolo a la estación de policía local con una nota cuando tenía cinco años. El policía miró la nota y lo encerró en una celda durante unos minutos, diciendo: "Esto es lo que les hacemos a los niños traviesos ". La experiencia lo dejó, dijo, con un miedo de toda la vida a los policías en 1973 le dijo a Tom Snyder que estaba "aterrado de cualquier cosa que tenga que ver con la ley" y que ni siquiera conduciría un automóvil en caso de que recibiera una multa de estacionamiento. . [17]

Cuando tenía seis años, la familia se mudó a Limehouse y alquiló dos tiendas en 130 y 175 Salmon Lane, que administraban como una tienda de pescado y papas fritas y pescaderías, respectivamente, vivían por encima de la primera. [18] Hitchcock asistió a su primera escuela, el Howrah House Convent en Poplar, a la que ingresó en 1907, a la edad de 7 años. [19] Según el biógrafo Patrick McGilligan, permaneció en Howrah House durante dos años como máximo. También asistió a una escuela de conventos, la Wode Street School "para las hijas de caballeros y niños pequeños", dirigida por los Compañeros Fieles de Jesús. Luego asistió a una escuela primaria cerca de su casa y fue durante un corto tiempo interno en el Salesian College en Battersea. [20]

La familia se mudó de nuevo cuando tenía 11 años, esta vez a Stepney, y el 5 de octubre de 1910 Hitchcock fue enviado al St Ignatius College en Stamford Hill, Tottenham (ahora en el distrito londinense de Haringey), una escuela primaria jesuita con reputación de disciplina. . [22] Los sacerdotes usaban un bastón de goma dura sobre los niños, siempre al final del día, por lo que los niños tenían que sentarse durante las clases anticipando el castigo si estaban escritos para ello. Más tarde dijo que aquí es donde desarrolló su sentido del miedo. [23] El registro escolar enumera su año de nacimiento como 1900 en lugar de 1899. El biógrafo Donald Spoto dice que fue inscrito deliberadamente cuando tenía 10 años porque tenía un año de retraso en sus estudios. [24]

Mientras que el biógrafo Gene Adair informa que Hitchcock era "un alumno promedio, o ligeramente superior al promedio", [25] Hitchcock dijo que él estaba "generalmente entre los cuatro o cinco en la parte superior de la clase" [26] al final de En su primer año, se destacó su trabajo en latín, inglés, francés y educación religiosa. [27] Su materia favorita era la geografía, y se interesó por los mapas y los horarios de trenes y autobuses, según John Russell Taylor, podía recitar todas las paradas del Orient Express. [28] Le dijo a Peter Bogdanovich: "Los jesuitas me enseñaron organización, control y, hasta cierto punto, análisis". [25]

Edición de Henley

Hitchcock les dijo a sus padres que quería ser ingeniero, [26] y el 25 de julio de 1913, [29] dejó St Ignatius y se inscribió en clases nocturnas en la Escuela de Ingeniería y Navegación del Consejo del Condado de Londres en Poplar. En una entrevista de extensión de libro en 1962, le dijo a François Truffaut que había estudiado "mecánica, electricidad, acústica y navegación". [26] Luego, el 12 de diciembre de 1914, su padre, que había estado sufriendo de enfisema y enfermedad renal, murió a la edad de 52 años. [30] Para mantenerse a sí mismo y a su madre (sus hermanos mayores se habían ido de casa para entonces) Hitchcock tomó un trabajo, por 15 chelines a la semana (£ 73 en 2017), [31] como empleado técnico en Henley Telegraph and Cable Company en Blomfield Street cerca de London Wall. [32] Continuó las clases nocturnas, esta vez en historia del arte, pintura, economía y ciencias políticas. [33] Su hermano mayor dirigía las tiendas familiares, mientras que él y su madre seguían viviendo en Salmon Lane. [34]

Hitchcock era demasiado joven para alistarse cuando comenzó la Primera Guerra Mundial en julio de 1914, y cuando alcanzó la edad requerida de 18 años en 1917, recibió una clasificación C3 ("libre de enfermedades orgánicas graves, capaz de soportar condiciones de servicio en guarniciones en casa . sólo apto para trabajos sedentarios "). [35] Se unió a un regimiento de cadetes de los Ingenieros Reales y participó en sesiones informativas teóricas, simulacros de fin de semana y ejercicios. John Russell Taylor escribió que, en una sesión de ejercicios prácticos en Hyde Park, se requirió que Hitchcock usara puttees. Nunca pudo dominar envolverlos alrededor de sus piernas, y repetidamente caían alrededor de sus tobillos. [36]

Después de la guerra, Hitchcock se interesó por la escritura creativa. En junio de 1919 se convirtió en editor fundador y director comercial de la publicación interna de Henley, El telégrafo de Henley (seis peniques la copia), a la que presentó varios cuentos. [37] [d] Henley's lo ascendió al departamento de publicidad, donde escribió copias y dibujó gráficos para anuncios de cable eléctrico. Disfrutaba del trabajo y se quedaba hasta tarde en la oficina para examinar las pruebas que le dijo a Truffaut que este era su "primer paso hacia el cine". [26] [45] Disfrutaba viendo películas, especialmente el cine estadounidense, y desde los 16 años leyó los periódicos comerciales, vio a Charlie Chaplin, D. W. Griffith y Buster Keaton, y le gustó especialmente Fritz Lang. Der müde Tod (1921). [26]

Carrera de entreguerras: 1919-1939 Editar

Jugadores famosos-Lasky Editar

Mientras estaba en Henley's, leyó en un periódico comercial que Famous Players-Lasky, el brazo de producción de Paramount Pictures, estaba abriendo un estudio en Londres. [46] Estaban planeando filmar Los dolores de Satanás de Marie Corelli, por lo que realizó algunos dibujos para las tarjetas de título y envió su trabajo al estudio. [47] Lo contrataron, y en 1919 comenzó a trabajar para Islington Studios en Poole Street, Hoxton, como diseñador de tarjetas de presentación. [46]

Donald Spoto escribió que la mayoría del personal eran estadounidenses con especificaciones laborales estrictas, pero se alentó a los trabajadores ingleses a probar suerte en cualquier cosa, lo que significó que Hitchcock adquirió experiencia como coguionista, director de arte y gerente de producción en al menos 18 trabajos silenciosos. Película (s. [48] Los tiempos escribió en febrero de 1922 sobre el "departamento especial de títulos de arte bajo la supervisión del Sr. A. J. Hitchcock". [49] Su trabajo incluyó Número 13 (1922), también conocido como Sra. Peabody se canceló debido a problemas económicos (las pocas escenas terminadas se han perdido [50]) y Siempre dile a tu esposa (1923), que él y Seymour Hicks terminaron juntos cuando Hicks estaba a punto de dejarlo. [46] Hicks escribió más tarde acerca de haber sido ayudado por "un joven gordo que estaba a cargo de la habitación de la propiedad. [N] otro que no era Alfred Hitchcock". [51]

Imágenes y trabajo de Gainsborough en Alemania Editar

Cuando Paramount se retiró de Londres en 1922, Hitchcock fue contratado como asistente de dirección por una nueva empresa dirigida en el mismo lugar por Michael Balcon, más tarde conocido como Gainsborough Pictures. [46] [53] Hitchcock trabajó en De mujer a mujer (1923) con el director Graham Cutts, diseñando el decorado, escribiendo el guión y produciendo. Dijo: "Fue la primera película en la que realmente tuve en mis manos". [53] El editor y "guionista" en De mujer a mujer era Alma Reville, su futura esposa. También trabajó como asistente de Cutts en La sombra blanca (1924), La apasionada aventura (1924), El Blackguard (1925) y La caída de la mojigata (1925). [54] El Blackguard fue producida en los estudios Babelsberg en Potsdam, donde Hitchcock vio parte de la realización de la película de F. W. Murnau La última risa (1924). [55] Quedó impresionado con el trabajo de Murnau y luego usó muchas de sus técnicas para el diseño de escenarios en sus propias producciones. [56]

En el verano de 1925, Balcon le pidió a Hitchcock que dirigiera El jardín del placer (1925), protagonizada por Virginia Valli, una coproducción de Gainsborough y la firma alemana Emelka en el estudio Geiselgasteig cerca de Munich. Reville, para entonces prometida de Hitchcock, era subdirector-editor. [57] [50] Aunque la película fue un fracaso comercial, [58] A Balcon le gustó mucho el trabajo de Hitchcock. Expreso diario el titular lo llamó el "Joven con una mente maestra". [59] Producción de El jardín del placer encontró obstáculos de los que Hitchcock aprendería más tarde: a su llegada a Brenner Pass, no pudo declarar su película en la aduana y fue confiscado una actriz no podía entrar al agua para una escena porque estaba en su período de exceso de presupuesto significaba que había pedir dinero prestado a los actores. [60] Hitchcock también necesitaba un traductor para dar instrucciones al elenco y al equipo. [60]

En Alemania, Hitchcock observó los matices del cine y la realización cinematográficos alemanes que tuvieron una gran influencia en él. [61] Cuando no estaba trabajando, visitaba las galerías de arte, conciertos y museos de Berlín. También se reuniría con actores, escritores y productores para establecer conexiones. [62] Balcon le pidió que dirigiera una segunda película en Munich, El águila de la montaña (1926), basado en una historia original titulada Miedo a Dios. [63] La película está perdida, y Hitchcock la llamó "una película muy mala". [59] [64] Un año después, Hitchcock escribió y dirigió El anillo aunque el guión se atribuyó únicamente a su nombre, Elliot Stannard lo ayudó con la escritura. [sesenta y cinco] El anillo obtuvo críticas positivas Bioscopio El crítico de la revista lo calificó como "la película británica más magnífica jamás realizada". [66]

Cuando regresó a Inglaterra, Hitchcock fue uno de los primeros miembros de la London Film Society, recién formada en 1925. [67] A través de la Sociedad, quedó fascinado por el trabajo de los cineastas soviéticos: Dziga Vertov, Lev Kuleshov, Sergei Eisenstein, y Vsevolod Pudovkin. También socializaría con sus compañeros cineastas ingleses Ivor Montagu y Adrian Brunel, y Walter C. Mycroft. [68]

La suerte de Hitchcock llegó con su primer thriller, The Lodger: Una historia de la niebla de Londres (1927), sobre la caza de un asesino en serie, vestido con una capa negra y llevando un bolso negro, está asesinando a jóvenes rubias en Londres, y solo los martes. [69] Una casera sospecha que su inquilino es el asesino, pero resulta ser inocente. Para transmitir la impresión de que se estaban escuchando pasos desde un piso superior, Hitchcock hizo un piso de vidrio para que el espectador pudiera ver al inquilino paseando arriba y abajo en su habitación por encima de la casera. [70] Hitchcock había querido que el protagonista fuera culpable, o que la película al menos terminara ambiguamente, pero la estrella era Ivor Novello, un ídolo matinée, y el "sistema estelar" significaba que Novello no podía ser el villano. Hitchcock le dijo a Truffaut: "Tienes que deletrearlo claramente en letras grandes: 'Él es inocente'". (Tuvo el mismo problema años más tarde con Cary Grant en Sospecha (1941).) [71] Publicado en enero de 1927, El huésped fue un éxito comercial y de crítica en el Reino Unido. [72] [73] Hitchcock le dijo a Truffaut que la película fue la primera en ser influenciada por el expresionismo alemán: "En verdad, casi se podría decir que El huésped fue mi primera imagen ". [74] Hizo su primer cameo en la película que se le representaba sentado en una sala de redacción, y en la segunda, de pie entre una multitud mientras el protagonista es arrestado. [75] [76]

Matrimonio Editar

El 2 de diciembre de 1926, Hitchcock se casó con la guionista anglo-estadounidense Alma Reville (1899-1982) en el Oratorio de Brompton en South Kensington. [77] La ​​pareja pasó su luna de miel en París, el lago de Como y St. Moritz, antes de regresar a Londres para vivir en un piso alquilado en los dos pisos superiores de 153 Cromwell Road, Kensington. [78] Reville, que nació pocas horas después de Hitchcock, [79] se convirtió del protestantismo al catolicismo, aparentemente ante la insistencia de la madre de Hitchcock, fue bautizada el 31 de mayo de 1927 y confirmada en la catedral de Westminster por el cardenal Francis Bourne el 5 de junio. [80]

En 1928, cuando se enteraron de que Reville estaba embarazada, los Hitchcock compraron "Winter's Grace", una granja de estilo Tudor ubicada en 11 acres en Stroud Lane, Shamley Green, Surrey, por £ 2,500. [81] Su hija y única hija, Patricia Alma Hitchcock, nació el 7 de julio de ese año. [82]

Reville se convirtió en el colaborador más cercano de su marido. Charles Champlin escribió en 1982: "El toque de Hitchcock tenía cuatro manos y dos eran las de Alma". [83] Cuando Hitchcock aceptó el AFI Life Achievement Award en 1979, dijo que quería mencionar a "cuatro personas que me han brindado más afecto, aprecio y aliento, y una colaboración constante. El primero de los cuatro es un editor de películas, la segunda es guionista, la tercera es la madre de mi hija, Pat, y la cuarta es la mejor cocinera que jamás ha realizado milagros en una cocina doméstica. Y se llaman Alma Reville ". [84] Reville escribió o coescribió muchas de las películas de Hitchcock, incluidas Sombra de una duda, Sospecha y Los 39 Pasos.

Primeras películas sonoras Editar

Hitchcock comenzó a trabajar en su décima película, Chantaje (1929), cuando su productora, British International Pictures (BIP), convirtió en sonido sus estudios Elstree. La película fue el primer "talkie" británico, esto siguió al rápido desarrollo de las películas sonoras en los Estados Unidos, a partir del uso de breves segmentos sonoros en El cantante de jazz (1927) a la primera función de sonido completo Las luces de Nueva York (1928). [4] Chantaje comenzó la tradición de Hitchcock de utilizar monumentos famosos como telón de fondo para secuencias de suspenso, y el clímax tuvo lugar en la cúpula del Museo Británico. [85] También presenta uno de sus cameos más largos, que lo muestra siendo molestado por un niño pequeño mientras lee un libro en el metro de Londres. [86] En la serie PBS Los hombres que hicieron las películas, Hitchcock explicó cómo usó la grabación de sonido temprana como un elemento especial de la película, enfatizando la palabra "cuchillo" en una conversación con la mujer sospechosa de asesinato. [87] [ aclaración necesaria ] Durante este período, Hitchcock dirigió segmentos para una revista BIP, Elstree llamando (1930), y dirigió un cortometraje, Un asunto elástico (1930), con dos Película semanal ganadores de becas. [88] Un asunto elástico es una de las películas perdidas. [89]

En 1933 Hitchcock firmó un contrato de varias películas con Gaumont-British, una vez más trabajando para Michael Balcon. [90] [91] Su primera película para la empresa, El hombre que sabía demasiado (1934), fue un éxito su segundo, Los 39 Pasos (1935), fue aclamado en el Reino Unido y le valió el reconocimiento en los Estados Unidos. También estableció a la inglesa por excelencia "rubia Hitchcock" (Madeleine Carroll) como modelo para su sucesión de protagonistas elegantes y heladas. El guionista Robert Towne comentó: "No es una exageración decir que todo el entretenimiento escapista contemporáneo comienza con Los 39 Pasos". [92] Esta película fue una de las primeras en introducir el dispositivo de trama" MacGuffin ", un término acuñado por el guionista inglés Angus MacPhail. [93] El MacGuffin es un elemento u objetivo que persigue el protagonista, uno que de otra manera tiene sin valor narrativo en Los 39 Pasos, el MacGuffin es un conjunto robado de planos de diseño. [94]

Hitchcock lanzó dos thrillers de espías en 1936. Sabotaje estaba vagamente basado en la novela de Joseph Conrad, El agente secreto (1907), sobre una mujer que descubre que su marido es un terrorista, y Agente secreto, basado en dos historias en Ashenden: O el agente británico (1928) de W. Somerset Maugham. [mi]

En este momento, Hitchcock también se hizo famoso por sus bromas contra el elenco y el equipo. Estos chistes iban desde simples e inocentes hasta locos y maníacos. Por ejemplo, organizó una cena en la que tiñó toda la comida de azul porque afirmó que no había suficientes comidas azules. También hizo que le llevaran un caballo al camerino de su amigo, el actor Gerald du Maurier. [95] Hitchcock siguió con Joven e inocente en 1937, un thriller policial basado en la novela de 1936 Un chelín por velas por Josephine Tey. [96] Protagonizada por Nova Pilbeam y Derrick De Marney, la película fue relativamente agradable para el elenco y el equipo. [96] Para cumplir con los propósitos de distribución en Estados Unidos, se redujo el tiempo de ejecución de la película y esto incluyó la eliminación de una de las escenas favoritas de Hitchcock: una fiesta de té para niños que se vuelve amenazante para los protagonistas. [97]

El siguiente gran éxito de Hitchcock fue La dama desaparece (1938), "una de las mejores películas de trenes de la época dorada del género", según Philip French, en la que Miss Froy (May Whitty), una espía británica que se hace pasar por institutriz, desaparece en un viaje en tren por el país ficticio europeo de Bandrika. [98] La película vio a Hitchcock recibir el premio al Mejor Director del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York de 1938. [99] Benjamin Crisler del New York Times escribió en junio de 1938: "Tres instituciones únicas y valiosas que tienen los británicos y que nosotros en Estados Unidos no tenemos: la Carta Magna, el Tower Bridge y Alfred Hitchcock, el mayor director de melodramas cinematográficos del mundo". [100]

En 1938, Hitchcock sabía que había alcanzado su punto máximo en Gran Bretaña. [101] Había recibido numerosas ofertas de productores en los Estados Unidos, pero las rechazó todas porque no le gustaban las obligaciones contractuales o pensaba que los proyectos eran repugnantes. [102] Sin embargo, el productor David O. Selznick le ofreció una propuesta concreta para hacer una película basada en el hundimiento de RMS. Titánico, que finalmente fue archivado, pero Selznick persuadió a Hitchcock para que fuera a Hollywood. En julio de 1938, Hitchcock voló a Nueva York y descubrió que ya era una celebridad, apareció en revistas y concedió entrevistas a estaciones de radio. [103] En Hollywood, Hitchcock conoció a Selznick por primera vez. Selznick le ofreció un contrato de cuatro películas, aproximadamente $ 40,000 por cada película (equivalente a $ 735,414 en 2020). [103]

Primeros años de Hollywood: 1939-1945 Editar

Contrato Selznick Editar

Selznick firmó un contrato de siete años con Hitchcock a partir de abril de 1939, [104] y los Hitchcock se mudaron a Hollywood. [105] Los Hitchcock vivían en un piso espacioso en Wilshire Boulevard y poco a poco se aclimataron al área de Los Ángeles. Él y su esposa Alma mantuvieron un perfil bajo y no estaban interesados ​​en asistir a fiestas o ser celebridades. [106] Hitchcock descubrió su gusto por la buena comida en West Hollywood, pero aún continuó con su estilo de vida desde Inglaterra. [107] Quedó impresionado con la cultura cinematográfica de Hollywood, los presupuestos expansivos y la eficiencia, [107] en comparación con los límites a los que se había enfrentado a menudo en Gran Bretaña. [108] En junio de ese año, Vida revista lo llamó el "mayor maestro del melodrama en la historia de la pantalla". [109]

Aunque Hitchcock y Selznick se respetaban, sus arreglos laborales eran a veces difíciles. Selznick sufría constantes problemas financieros, y Hitchcock a menudo estaba descontento con el control creativo de Selznick y la interferencia en sus películas. Selznick también estaba disgustado con el método de Hitchcock de filmar lo que estaba en el guión, y nada más, lo que significaba que la película no podía cortarse y rehacerse de manera diferente en un momento posterior.[110] Además de quejarse del "maldito rompecabezas" de Hitchcock, [111] sus personalidades no coincidían: Hitchcock era reservado mientras que Selznick era extravagante. [112] Finalmente, Selznick prestó generosamente a Hitchcock a los estudios cinematográficos más grandes. [113] Selznick hizo solo unas pocas películas cada año, al igual que su colega productor independiente Samuel Goldwyn, por lo que no siempre tuvo proyectos para que Hitchcock los dirigiera. Goldwyn también había negociado con Hitchcock un posible contrato, solo para ser superado por Selznick. En una entrevista posterior, Hitchcock dijo: "[Selznick] era el gran productor ... El productor era el rey. Lo más halagador que dijo el señor Selznick sobre mí, y te muestra la cantidad de control, dijo que yo era el 'único director 'él' confiaría en una película '". [114]

Hitchcock se acercó al cine estadounidense con cautela, su primera película estadounidense se desarrolló en Inglaterra en la que la "americanidad" de los personajes fue incidental: [115] Rebecca (1940) se ambienta en una versión de Hollywood de Cornualles de Inglaterra y se basa en una novela de la novelista inglesa Daphne du Maurier. Selznick insistió en una adaptación fiel del libro y no estuvo de acuerdo con Hitchcock en el uso del humor. [116] [117] La ​​película, protagonizada por Laurence Olivier y Joan Fontaine, trata sobre una joven ingenua que no se menciona y que se casa con un aristócrata viudo. Ella vive en su gran casa de campo inglesa y lucha con la reputación de su elegante y mundana primera esposa Rebecca, quien murió en circunstancias misteriosas. La película ganó el premio a la Mejor Película en los 13 Premios de la Academia y la estatuilla fue entregada al productor Selznick. Hitchcock recibió su primera nominación a Mejor Director, la primera de cinco nominaciones de este tipo. [5] [118]

La segunda película estadounidense de Hitchcock fue el thriller Corresponsal en el extranjero (1940), ambientada en Europa, basada en el libro de Vincent Sheean Historia personal (1935) y producido por Walter Wanger. Fue nominada a Mejor Película ese año. Hitchcock se sintió incómodo viviendo y trabajando en Hollywood mientras Gran Bretaña estaba en guerra, su preocupación resultó en una película que apoyaba abiertamente el esfuerzo bélico británico. [119] Filmado en 1939, se inspiró en los acontecimientos rápidamente cambiantes en Europa, como lo cubrió un reportero de un periódico estadounidense interpretado por Joel McCrea. Al mezclar imágenes de escenas europeas con escenas filmadas en un backlot de Hollywood, la película evitó las referencias directas al nazismo, la Alemania nazi y los alemanes, para cumplir con el Código de producción cinematográfica en ese momento. [120] [ verificación fallida ]

Años tempranos de la guerra Editar

En septiembre de 1940, los Hitchcock compraron el Rancho Cornwall de 200 acres (0,81 km 2) cerca de Scotts Valley, California, en las montañas de Santa Cruz. [121] Su residencia principal fue una casa de estilo inglés en Bel Air, comprada en 1942. [122] Las películas de Hitchcock fueron diversas durante este período, desde la comedia romántica Sr. y Sra. Smith (1941) al sombrío film negro Sombra de una duda (1943).

Sospecha (1941) marcó la primera película de Hitchcock como productor y director. Está ambientada en Inglaterra. Hitchcock utilizó la costa norte de Santa Cruz para la secuencia de la costa inglesa. La película es la primera de cuatro en las que Cary Grant fue elegido por Hitchcock, y es una de las raras ocasiones en que Grant interpreta a un personaje siniestro. Grant interpreta a Johnnie Aysgarth, un estafador inglés cuyas acciones despiertan sospechas y ansiedad en su tímida y joven esposa inglesa, Lina McLaidlaw (Joan Fontaine). [123] En una escena, Hitchcock colocó una luz dentro de un vaso de leche, quizás envenenada, que Grant le está llevando a su esposa, la luz asegura que la atención del público esté en el vaso. El personaje de Grant es en realidad un asesino, según está escrito en el libro, Antes del hecho por Francis Iles, pero el estudio sintió que la imagen de Grant se vería empañada por eso. Por tanto, Hitchcock se conformó con un final ambiguo, aunque hubiera preferido terminar con el asesinato de la esposa. [124] [f] Fontaine ganó el premio a Mejor Actriz por su actuación. [126]

Saboteador (1942) es la primera de las dos películas que Hitchcock hizo para Universal Studios durante la década. Hitchcock se vio obligado por Universal a utilizar al jugador contratado de Universal Robert Cummings y Priscilla Lane, una trabajadora independiente que firmó un contrato de una sola imagen con el estudio, ambos conocidos por su trabajo en comedias y dramas ligeros. [127] La ​​historia describe una confrontación entre un presunto saboteador (Cummings) y un verdadero saboteador (Norman Lloyd) en lo alto de la Estatua de la Libertad. Hitchcock hizo un recorrido de tres días por la ciudad de Nueva York para buscar Saboteador lugares de rodaje. [128] También dirigió ¿Has oído? (1942), una dramatización fotográfica para Vida revista sobre los peligros de los rumores durante la guerra. [129] En 1943 escribió una historia de misterio para Mirar revista, "El asesinato de Monty Woolley", [130] una secuencia de fotografías subtituladas que invitan al lector a encontrar pistas sobre la identidad del asesino. Hitchcock eligió a los artistas como ellos mismos, como Woolley, Doris Merrick y el maquillador Guy Pearce. [ cita necesaria ]

De vuelta en Inglaterra, la madre de Hitchcock, Emma, ​​estaba gravemente enferma y murió el 26 de septiembre de 1942 a los 79 años. Hitchcock nunca habló públicamente sobre su madre, pero su asistente dijo que la admiraba. [131] Cuatro meses después, el 4 de enero de 1943, su hermano William murió de una sobredosis a los 52 años. [132] Hitchcock no era muy cercano a William, [133] pero su muerte hizo que Hitchcock tomara conciencia de sus propios hábitos alimenticios y de bebida. . Tenía sobrepeso y sufría de dolores de espalda. Su resolución de Año Nuevo en 1943 fue tomarse en serio su dieta con la ayuda de un médico. [134] En enero de ese año, Sombra de una duda fue lanzado, que Hitchcock tenía buenos recuerdos de hacer. [135] En la película, Charlotte "Charlie" Newton (Teresa Wright) sospecha que su amado tío Charlie Oakley (Joseph Cotten) es un asesino en serie. Hitchcock filmó extensamente en locaciones, esta vez en la ciudad de Santa Rosa, en el norte de California. [136]

En 20th Century Fox, Hitchcock se acercó a John Steinbeck con una idea para una película, que registraba las experiencias de los sobrevivientes de un ataque de un submarino alemán. Steinbeck comenzó a trabajar en el guión que se convertiría en el Bote salvavidas (1944). Sin embargo, Steinbeck no estaba contento con la película y pidió que su nombre fuera eliminado de los créditos, pero fue en vano. La idea fue reescrita como un cuento por Harry Sylvester y publicada en Collier's en 1943. Las secuencias de acción se rodaron en un bote pequeño en el tanque de agua del estudio. El lugar planteó problemas para el cameo tradicional de Hitchcock. Se resolvió haciendo que la imagen de Hitchcock apareciera en un periódico que William Bendix está leyendo en el barco, mostrando al director en un anuncio de antes y después de "Reduco-Obesity Slayer". [137] Le dijo a Truffaut en 1962:

En ese momento, estaba en una dieta extenuante, trabajando dolorosamente para subir de trescientas a doscientas libras. Así que decidí inmortalizar mi pérdida y obtener mi parte al posar para las fotos de "antes" y "después". . Me sumergí literalmente en cartas de gordos que querían saber dónde y cómo podían conseguir Reduco. [138]

La cena típica de Hitchcock antes de su pérdida de peso había sido un pollo asado, jamón cocido, patatas, pan, verduras, condimentos, ensalada, postre, una botella de vino y un poco de brandy. Para perder peso, su dieta consistía en café negro para el desayuno y el almuerzo, y bistec y ensalada para la cena, [134] pero era difícil de mantener. Donald Spoto escribió que su peso fluctuó considerablemente durante los siguientes 40 años. A fines de 1943, a pesar de la pérdida de peso, la Occidental Insurance Company de Los Ángeles rechazó su solicitud de seguro de vida. [139]

Películas de no ficción sobre tiempos de guerra Editar

Hitchcock regresó al Reino Unido para una visita prolongada a fines de 1943 y principios de 1944. Mientras estuvo allí, hizo dos cortometrajes de propaganda, buen viaje (1944) y Aventure Malgache (1944), para el Ministerio de Información. En junio y julio de 1945, Hitchcock se desempeñó como "asesor de tratamiento" en un documental sobre el Holocausto que utilizó imágenes de las Fuerzas Aliadas de la liberación de los campos de concentración nazis. La película fue montada en Londres y producida por Sidney Bernstein del Ministerio de Información, quien trajo a Hitchcock (un amigo suyo) a bordo. Originalmente estaba destinado a ser transmitido a los alemanes, pero el gobierno británico lo consideró demasiado traumático para mostrarlo a una población conmocionada de la posguerra. En cambio, se transfirió en 1952 de las bóvedas de películas del British War Office al Imperial War Museum de Londres y permaneció inédito hasta 1985, cuando se transmitió una versión editada como un episodio de PBS. Frontline, bajo el título que le había dado el Imperial War Museum: Memoria de los campamentos. La versión completa de la película, Encuesta fáctica sobre los campos de concentración alemanes, fue restaurado en 2014 por académicos en el Imperial War Museum. [141] [142] [143]

Años de la posguerra en Hollywood: 1945-1953 Editar

Películas posteriores de Selznick Editar

Hitchcock volvió a trabajar para David Selznick cuando dirigió Hechizado (1945), que explora el psicoanálisis y presenta una secuencia de sueños diseñada por Salvador Dalí. [144] La secuencia del sueño tal como aparece en la película es diez minutos más corta de lo que se imaginó originalmente que Selznick la editó para que se "reproduzca" de manera más efectiva. [145] Gregory Peck interpreta al amnésico Dr. Anthony Edwardes bajo el tratamiento del analista Dr. Peterson (Ingrid Bergman), quien se enamora de él mientras intenta desbloquear su pasado reprimido. [146] Se lograron dos tomas desde el punto de vista construyendo una gran mano de madera (que parecería pertenecer al personaje cuyo punto de vista tomó la cámara) y accesorios de gran tamaño para sostener: un vaso del tamaño de un balde de leche y una gran pistola de madera. Para mayor novedad e impacto, el disparo culminante fue pintado a mano de rojo en algunas copias de la película en blanco y negro. La partitura musical original de Miklós Rózsa hace uso del theremin, y parte de ella fue posteriormente adaptada por el compositor al Concierto para piano op de Rozsa. 31 (1967) para piano y orquesta. [147] [ verificación fallida ]

La película de espías Notorio fue seguido en 1946. Hitchcock le dijo a François Truffaut que Selznick le vendió a él, Ingrid Bergman, Cary Grant y el guión de Ben Hecht a RKO Radio Pictures como un "paquete" por $ 500,000 (equivalente a $ 6,635,666 en 2020) debido a sobrecostos en Selznick Duelo al sol (1946). [ cita necesaria ] Notorio está protagonizada por Bergman y Grant, ambos colaboradores de Hitchcock, y presenta una trama sobre los nazis, el uranio y América del Sur. Su uso profético del uranio como dispositivo de la trama lo llevó a ser sometido brevemente a la vigilancia de la Oficina Federal de Investigaciones. [148] Según Patrick McGilligan, alrededor de marzo de 1945, Hitchcock y Hecht consultaron a Robert Millikan del Instituto de Tecnología de California sobre el desarrollo de una bomba de uranio. Selznick se quejó de que la noción era "ciencia ficción", solo para enfrentarse a la noticia de la detonación de dos bombas atómicas en Hiroshima y Nagasaki en Japón en agosto de 1945. [149]

Transatlantic Pictures Editar

Hitchcock formó una productora independiente, Transatlantic Pictures, con su amigo Sidney Bernstein. Hizo dos películas con Transatlantic, una de las cuales fue su primera película en color. Con Soga (1948), Hitchcock experimentó con la ordenación del suspenso en un entorno confinado, como lo había hecho antes con Bote salvavidas. La película aparece como un número muy limitado de tomas continuas, pero en realidad se rodó en 10 con un rango de 4 1 ⁄ 2 a 10 minutos cada una, una longitud de película de 10 minutos era lo máximo que podía contener la revista de películas de una cámara en ese momento. . Algunas transiciones entre carretes se ocultaron al hacer que un objeto oscuro llenara toda la pantalla por un momento. Hitchcock usó esos puntos para ocultar el corte y comenzó la siguiente toma con la cámara en el mismo lugar. La película presenta a James Stewart en el papel principal, y fue la primera de las cuatro películas que Stewart hizo con Hitchcock. Se inspiró en el caso de Leopold y Loeb de la década de 1920. [150] La respuesta crítica en ese momento fue mixta. [151]

Bajo capricornio (1949), ambientada en la Australia del siglo XIX, también utiliza la técnica de corta duración de las tomas largas, pero en un grado más limitado. Volvió a utilizar Technicolor en esta producción y luego volvió al blanco y negro durante varios años. Transatlantic Pictures quedó inactiva después de las dos últimas películas. [152] [153] Hitchcock filmado Miedo escénico (1950) en los estudios Elstree en Inglaterra, donde había trabajado durante su contrato con British International Pictures muchos años antes. [154] Emparejó a uno de Warner Bros. ' Las estrellas más populares, Jane Wyman, con la expatriada actriz alemana Marlene Dietrich y utilizaron a varios actores británicos prominentes, incluidos Michael Wilding, Richard Todd y Alastair Sim. [155] Esta fue la primera producción adecuada de Hitchcock para Warner Bros., que había distribuido Soga y Bajo capricornio, porque Transatlantic Pictures estaba atravesando dificultades financieras. [156]

Su thriller Extraños en un tren (1951) se basó en la novela homónima de Patricia Highsmith. Hitchcock combinó muchos elementos de sus películas anteriores. Se acercó a Dashiell Hammett para escribir el diálogo, pero Raymond Chandler se hizo cargo y luego dejó los desacuerdos con el director. En la película, dos hombres se encuentran casualmente, uno de los cuales especula sobre un método infalible para asesinar y sugiere que dos personas, cada una de las cuales desea acabar con alguien, deben realizar el asesinato de la otra. El papel de Farley Granger fue el de víctima inocente del plan, mientras que Robert Walker, anteriormente conocido por sus papeles de "chico de al lado", interpretó al villano. [157] Yo confieso (1953) se estableció en Quebec con Montgomery Clift como sacerdote católico. [158]

Años pico: 1954–1964 Editar

Marque M para asesinato y La ventana trasera Editar

Yo confieso fue seguida por tres películas en color protagonizadas por Grace Kelly: Marque M para asesinato (1954), La ventana trasera (1954) y Para atrapar a un ladrón (1955). En Marque M para asesinato, Ray Milland interpreta al villano que intenta asesinar a su esposa infiel (Kelly) por su dinero. Ella mata al asesino a sueldo en defensa propia, por lo que Milland manipula la evidencia para que parezca un asesinato. Su amante, Mark Halliday (Robert Cummings) y el inspector de policía Hubbard (John Williams) la salvan de la ejecución. [159] Hitchcock experimentó con la cinematografía 3D para Marque M para asesinato. [160]

Hitchcock se mudó a Paramount Pictures y filmó La ventana trasera (1954), protagonizada nuevamente por James Stewart y Grace Kelly, así como por Thelma Ritter y Raymond Burr. El personaje de Stewart es un fotógrafo llamado Jeff (basado en Robert Capa) que debe usar temporalmente una silla de ruedas. Por aburrimiento, comienza a observar a sus vecinos al otro lado del patio, luego se convence de que uno de ellos (Raymond Burr) ha asesinado a su esposa. Jeff finalmente logra convencer a su compañero policía (Wendell Corey) y su novia (Kelly). Al igual que con Bote salvavidas y Soga, los personajes principales están representados en espacios reducidos o estrechos, en este caso, el apartamento tipo estudio de Stewart. Hitchcock utiliza primeros planos del rostro de Stewart para mostrar las reacciones de su personaje, "desde el voyeurismo cómico dirigido a sus vecinos hasta su terror indefenso al ver a Kelly y Burr en el apartamento del villano". [161]

Alfred Hitchcock presenta Editar

De 1955 a 1965, Hitchcock fue el presentador de la serie de televisión. Alfred Hitchcock presenta. [162] Con su expresión divertida, su humor negro y su imagen icónica, la serie convirtió a Hitchcock en una celebridad. La secuencia del título de la muestra representaba una caricatura minimalista de su perfil (él mismo lo dibujó, está compuesto por solo nueve trazos), que luego llenó su silueta real. [163] La melodía del tema de la serie fue Marcha fúnebre de una marioneta del compositor francés Charles Gounod (1818–1893). [164]

Sus presentaciones siempre incluían algún tipo de humor irónico, como la descripción de una ejecución reciente de varias personas obstaculizada por tener solo una silla eléctrica, mientras que dos se muestran con un cartel "¡Dos sillas, sin esperas!" Dirigió 18 episodios de la serie, que se emitió entre 1955 y 1965. Se convirtió en La hora de Alfred Hitchcock en 1962, y NBC emitió el episodio final el 10 de mayo de 1965. En la década de 1980, una nueva versión de Alfred Hitchcock presenta fue producido para televisión, haciendo uso de las introducciones originales de Hitchcock en una forma coloreada. [162]

El éxito de Hitchcock en la televisión generó una serie de colecciones de cuentos a su nombre, que incluían Antología de Alfred Hitchcock, Historias que no me dejarían hacer en la televisión, y Cuentos que mi madre nunca me contó. [165] En 1956 HSD Publications también autorizó el nombre del director para crear Revista Misteriosa de Alfred Hitchcock, un compendio mensual especializado en crimen y novela policíaca. [165] Las series de televisión de Hitchcock 'eran muy rentables, y sus versiones de libros en idiomas extranjeros generaban ingresos de hasta $ 100,000 al año (equivalente a $ 874,803 en 2020). [166]

De Para atrapar a un ladrón para Vértigo Editar

En 1955, Hitchcock se convirtió en ciudadano de los Estados Unidos. [167] En el mismo año, su tercera película de Grace Kelly, Para atrapar a un ladrón, se estrenó está ambientada en la Riviera francesa, y está protagonizada por Kelly y Cary Grant. Grant interpreta al ladrón retirado John Robie, quien se convierte en el principal sospechoso de una serie de robos en la Riviera. Una heredera estadounidense en busca de emociones, interpretada por Kelly, conjetura su verdadera identidad y trata de seducirlo. "A pesar de la obvia disparidad de edad entre Grant y Kelly y una trama liviana, el guión ingenioso (cargado de doble sentido) y la actuación afable demostraron ser un éxito comercial". [168] Fue la última película de Hitchcock con Kelly. Se casó con el príncipe Rainiero de Mónaco en 1956 y terminó su carrera cinematográfica después. Hitchcock luego rehizo su propia película de 1934 El hombre que sabía demasiado en 1956. Esta vez, la película fue protagonizada por James Stewart y Doris Day, quienes cantaron el tema principal "Que Sera, Sera", que ganó el Oscar a la Mejor Canción Original y se convirtió en un gran éxito. Interpretan a una pareja cuyo hijo es secuestrado para evitar que interfieran con un asesinato. Como en la película de 1934, el clímax tiene lugar en el Royal Albert Hall. [169]

El hombre equivocado (1957), la última película de Hitchcock para Warner Bros., es una producción discreta en blanco y negro basada en un caso real de identidad equivocada reportado en Vida revista en 1953.Esta fue la única película de Hitchcock protagonizada por Henry Fonda, interpretando a un músico del Stork Club confundido con un ladrón de una licorería, que es arrestado y juzgado por robo mientras su esposa (Vera Miles) colapsa emocionalmente bajo la tensión. Hitchcock le dijo a Truffaut que su miedo de toda la vida a la policía lo atrajo al tema y estaba incrustado en muchas escenas. [170]

Mientras dirigía episodios para Alfred Hitchcock presenta Durante el verano de 1957, Hitchcock fue ingresado en el hospital por una hernia y cálculos biliares, y tuvo que extirparle la vesícula biliar. Después de una cirugía exitosa, inmediatamente regresó al trabajo para prepararse para su próximo proyecto. [171] [151] Próxima película de Hitchcock, Vértigo (1958) nuevamente fue protagonizada por James Stewart, con Kim Novak y Barbara Bel Geddes. Quería que Vera Miles hiciera el papel principal, pero estaba embarazada. Le dijo a Oriana Fallaci: "Le estaba ofreciendo un gran papel, la oportunidad de convertirse en una hermosa rubia sofisticada, una verdadera actriz. Nos habríamos gastado un montón de dólares en eso, y ella tiene el mal gusto de quedar embarazada. Yo Odio a las mujeres embarazadas, porque luego tienen hijos ". [172]

En Vértigo, Stewart interpreta a Scottie, un ex investigador de la policía que sufre de acrofobia y que se obsesiona con una mujer a la que han contratado para seguir (Novak). La obsesión de Scottie conduce a la tragedia, y esta vez Hitchcock no opta por un final feliz. Algunos críticos, incluidos Donald Spoto y Roger Ebert, coinciden en que Vértigo es la película más personal y reveladora del director, que trata sobre la Pigmalión-como obsesiones de un hombre que convierte a una mujer en la mujer que desea. Vértigo explora con mayor franqueza y profundidad su interés por la relación entre sexo y muerte, que cualquier otro trabajo de su filmografía. [173]

Vértigo contiene una técnica de cámara desarrollada por Irmin Roberts, comúnmente conocida como dolly zoom, que ha sido copiada por muchos cineastas. La película se estrenó en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y Hitchcock ganó el premio Silver Seashell. [174] Vértigo se considera un clásico, pero atrajo críticas mixtas y bajos ingresos de taquilla en ese momento [175] el crítico de Variedad La revista opinó que la película era "demasiado lenta y demasiado larga". [176] Bosley Crowther del New York Times pensó que era "endiabladamente inverosímil", pero elogió las actuaciones del elenco y la dirección de Hitchcock. [177] La ​​imagen fue también la última colaboración entre Stewart y Hitchcock. [178] En 2002 Vista y sonido de amplificador encuestas, se ubicó justo detrás Ciudadano Kane (1941) diez años después, en la misma revista, la crítica la eligió como la mejor película jamás realizada. [8]

Norte por noroeste y Psicópata Editar

Después Vértigo, el resto de 1958 había sido un año difícil para Hitchcock. Durante la preproducción de norte por noroeste (1959), que fue un proceso "lento" y "agonizante", su esposa Alma fue diagnosticada con cáncer. [179] Mientras Alma estaba en el hospital, Hitchcock se mantuvo ocupado con su trabajo en televisión y la visitaba todos los días. Alma se sometió a una cirugía y se recuperó por completo, pero Hitchcock se imaginó, por primera vez, la vida sin ella. [179]

Hitchcock siguió con tres películas más exitosas, que también son reconocidas entre sus mejores: norte por noroeste, Psicópata (1960) y Las aves (1963). En norte por noroeste, Cary Grant interpreta a Roger Thornhill, un ejecutivo de publicidad de Madison Avenue que es confundido con un agente secreto del gobierno. Es perseguido con vehemencia por todo Estados Unidos por agentes enemigos, incluida Eve Kendall (Eva Marie Saint). Al principio, Thornhill cree que Kendall lo está ayudando, pero luego se da cuenta de que ella es una agente enemiga y se entera de que trabaja encubierta para la CIA. Durante su estreno de dos semanas en el Radio City Music Hall, la película recaudó $ 404,056 (equivalente a $ 3,587,150 en 2020), estableciendo un récord en los ingresos brutos no festivos de ese teatro. [180] Tiempo revista llamó a la película "suavemente llana y completamente entretenido". [181]

Psicópata (1960) es posiblemente la película más conocida de Hitchcock. [182] Basado en la novela de 1959 de Robert Bloch. Psicópata, que se inspiró en el caso de Ed Gein, [183] ​​la película se produjo con un presupuesto ajustado de $ 800.000 (equivalente a $ 6.998.425 en 2020) y se rodó en blanco y negro en un set de repuesto con miembros del equipo de Alfred Hitchcock presenta. [184] La violencia sin precedentes de la escena de la ducha, [h] la muerte prematura de la heroína y las vidas inocentes extinguidas por un asesino perturbado se convirtieron en el sello distintivo de un nuevo género cinematográfico de terror. [186] La película resultó popular entre el público, con colas que se extendían fuera de los cines mientras los espectadores esperaban la próxima proyección. Rompió récords de taquilla en el Reino Unido, Francia, América del Sur, Estados Unidos y Canadá y fue un éxito moderado en Australia durante un breve período. [187] [ página necesaria ]

Psicópata fue el más rentable de la carrera de Hitchcock, y él personalmente ganó más de $ 15 millones (equivalente a $ 131,22 millones en 2020). Posteriormente cambió sus derechos a Psicópata y su antología televisiva por 150.000 acciones de MCA, convirtiéndolo en el tercer mayor accionista y su propio jefe en Universal, al menos en teoría, aunque eso no les impidió interferir con él. [187] [ página necesaria ] [188] Después de la primera película, Psicópata se convirtió en una franquicia de terror estadounidense: Psicosis II, Psicosis III, Motel Bates, Psycho IV: El comienzoy una nueva versión en color de 1998 del original. [189]

Entrevista a Truffaut Editar

El 13 de agosto de 1962, el 63 cumpleaños de Hitchcock, el director francés François Truffaut inició una entrevista de 50 horas a Hitchcock, filmada durante ocho días en Universal Studios, durante la cual Hitchcock acordó responder 500 preguntas. Se necesitaron cuatro años para transcribir las cintas y organizar las imágenes. Se publicó como libro en 1967, al que Truffaut apodó el "Hitchbook". Las cintas de audio se utilizaron como base para un documental en 2015. [190] [191] Truffaut solicitó la entrevista porque tenía claro que Hitchcock no era simplemente el artista del mercado de masas que los medios estadounidenses lo hacían parecer. Era obvio por sus películas, escribió Truffaut, que Hitchcock había "pensado más en el potencial de su arte que cualquiera de sus colegas". Comparó la entrevista con "la consulta de Edipo al oráculo". [192]

Las aves Editar

El estudioso del cine Peter William Evans escribió que Las aves (1963) y Marnie (1964) se consideran "obras maestras indiscutibles". [151] Hitchcock tenía la intención de filmar Marnie primero, y en marzo de 1962 se anunció que Grace Kelly, princesa Grace de Mónaco desde 1956, saldría de su retiro para protagonizarla. [193] Cuando Kelly le pidió a Hitchcock que pospusiera Marnie hasta 1963 o 1964, reclutó a Evan Hunter, autor de La jungla de pizarra (1954), para desarrollar un guión basado en un cuento de Daphne du Maurier, "Los pájaros" (1952), que Hitchcock había vuelto a publicar en su Mis favoritos en suspenso (1959). Contrató a Tippi Hedren para interpretar el papel principal. [194] Era su primer papel que había sido modelo en Nueva York cuando Hitchcock la vio, en octubre de 1961, en un anuncio de televisión de NBC para Sego, una bebida dietética: [195] "La contraté porque es una belleza clásica . Las películas ya no los tienen. Grace Kelly fue la última ". Insistió, sin dar explicaciones, en que su nombre de pila se escribiera entre comillas simples: 'Tippi'. [I]

En Las aves, Melanie Daniels, una joven socialité, conoce al abogado Mitch Brenner (Rod Taylor) en una tienda de pájaros. Jessica Tandy interpreta a su madre posesiva. Hedren lo visita en Bodega Bay (donde Las aves fue filmada) [196] llevando un par de tortolitos como regalo. De repente, oleadas de pájaros comienzan a reunirse, observar y atacar. La pregunta: "¿Qué quieren los pájaros?" queda sin respuesta. [198] Hitchcock hizo la película con equipo de Revue Studio, que hizo Alfred Hitchcock presenta. Dijo que era su película más desafiante desde el punto de vista técnico, utilizando una combinación de pájaros entrenados y mecánicos contra un telón de fondo de pájaros salvajes. Cada plano fue bosquejado de antemano. [196]

Una película de televisión de HBO / BBC, La mujer (2012), describió las experiencias de Hedren en el set, dijo que Hitchcock se obsesionó con ella y la acosó sexualmente. Según los informes, la aisló del resto de la tripulación, la siguió, le susurró obscenidades, analizó su escritura y construyó una rampa desde su oficina privada directamente a su remolque. [199] [200] Diane Baker, su coprotagonista en Marnie, dijo: "Nada podría haber sido más horrible para mí que llegar al set de la película y ver que la trataban como era". [201] Mientras filmaba la escena del ataque en el ático, que tardó una semana en filmarse, la colocaron en una habitación enjaulada mientras dos hombres con guantes protectores hasta los codos le arrojaban aves vivas. Hacia el final de la semana, para evitar que los pájaros volaran lejos de ella demasiado pronto, una pata de cada pájaro fue atada con hilo de nailon a bandas elásticas cosidas dentro de su ropa. Se derrumbó después de que un pájaro le cortara el párpado inferior y la filmación se detuvo por orden del médico. [202]

Marnie Editar

En junio de 1962, Grace Kelly anunció que había decidido no aparecer en Marnie (1964). Hedren había firmado un contrato exclusivo de siete años y $ 500 a la semana con Hitchcock en octubre de 1961, [203] y decidió elegirla para el papel principal junto a Sean Connery. En 2016, describiendo la actuación de Hedren como "una de las más grandes en la historia del cine", Richard Brody llamó a la película una "historia de violencia sexual" infligida al personaje interpretado por Hedren: "La película es, para decirlo simplemente, enfermiza , y es así porque Hitchcock estaba enfermo. Sufrió toda su vida de un deseo sexual furioso, sufrió la falta de su gratificación, sufrió la incapacidad de transformar la fantasía en realidad, y luego siguió adelante y lo hizo virtualmente, a través de su Arte." [204] A 1964 New York Times La reseña de la película la calificó como la "película más decepcionante en años" de Hitchcock, citando la falta de experiencia de Hedren y Connery, un guión amateur y "fondos de cartón evidentemente falsos". [205]

En la película, Marnie Edgar (Hedren) le roba $ 10,000 a su empleador y se da a la fuga. Solicita un trabajo en la empresa de Mark Rutland (Connery) en Filadelfia y también roba allí. Anteriormente, se la muestra teniendo un ataque de pánico durante una tormenta y temiendo el color rojo. Mark la rastrea y la chantajea para que se case con él. Ella explica que no quiere que la toquen, pero durante la "luna de miel", Mark la viola. Marnie y Mark descubren que la madre de Marnie había sido una prostituta cuando Marnie era una niña, y que, mientras la madre estaba peleando con un cliente durante una tormenta, la madre creía que el cliente había intentado abusar de Marnie, Marnie había matado al cliente para salvar su madre. Curada de sus miedos cuando recuerda lo sucedido, decide quedarse con Mark. [204] [206]

Hitchcock le dijo al director de fotografía Robert Burks que la cámara tenía que colocarse lo más cerca posible de Hedren cuando filmaba su rostro. [207] Evan Hunter, el guionista de Las aves quien estaba escribiendo Marnie también, le explicó a Hitchcock que, si Mark amaba a Marnie, la consolaría, no la violaría. Según los informes, Hitchcock respondió: "Evan, cuando se la meta, ¡quiero esa cámara directamente en su cara!" [208] Cuando Hunter presentó dos versiones del guión, una sin la escena de la violación, Hitchcock lo reemplazó con Jay Presson Allen. [209]

Años posteriores: 1966-1980 Editar

Películas finales Editar

La mala salud redujo la producción de Hitchcock durante las últimas dos décadas de su vida. El biógrafo Stephen Rebello afirmó que Universal le impuso dos películas, Cortina rasgada (1966) y Topacio (1969), el último de los cuales se basa en una novela de León Uris, ambientada en parte en Cuba. [210] Ambos eran thrillers de espías con temas relacionados con la Guerra Fría. Cortina rasgada, con Paul Newman y Julie Andrews, precipitó el amargo final de la colaboración de 12 años entre Hitchcock y el compositor Bernard Herrmann. [211] Hitchcock estaba descontento con la puntuación de Herrmann y lo reemplazó con John Addison, Jay Livingston y Ray Evans. [212] Tras su puesta en libertad, Cortina rasgada fue un fracaso de taquilla, [213] y Topacio no le gustó a la crítica ni al estudio. [214]

Hitchcock regresó a Gran Bretaña para hacer su penúltima película, Frenesí (1972), basado en la novela Adiós Piccadilly, Adiós Leicester Square (1966). Después de dos películas de espionaje, la trama marcó un regreso al género de thriller de asesinatos. Richard Blaney (Jon Finch), un camarero volátil con un historial de ira explosiva, se convierte en el principal sospechoso de la investigación de los "Asesinatos de la corbata", que en realidad son cometidos por su amigo Bob Rusk (Barry Foster). Esta vez, Hitchcock hace que la víctima y el villano sean parientes, en lugar de opuestos como en Extraños en un tren. [215]

En Frenesí, Hitchcock permitió la desnudez por primera vez. Dos escenas muestran mujeres desnudas, una de las cuales está siendo violada y estrangulada [151]. Donald Spoto calificó a esta última como "uno de los ejemplos más repugnantes de un asesinato detallado en la historia del cine". Ambos actores, Barbara Leigh-Hunt y Anna Massey, se negaron a hacer las escenas, por lo que se utilizaron modelos en su lugar. [216] Los biógrafos han notado que Hitchcock siempre había superado los límites de la censura cinematográfica, a menudo logrando engañar a Joseph Breen, el director del Código de Producción Cinematográfica. Hitchcock agregaría sutiles indicios de irregularidades prohibidas por la censura hasta mediados de la década de 1960. Sin embargo, Patrick McGilligan escribió que Breen y otros a menudo se daban cuenta de que Hitchcock estaba insertando ese material y en realidad estaban divertidos, así como alarmados por las "ineludibles inferencias" de Hitchcock. [217]

Parcela familiar (1976) fue la última película de Hitchcock. Relata las aventuras de "Madam" Blanche Tyler, interpretada por Barbara Harris, una espiritualista fraudulenta, y su amante del taxista Bruce Dern, que se gana la vida con sus falsos poderes. Tiempo Parcela familiar se basó en la novela de Victor Canning El patrón Rainbird (1972), el tono de la novela es más siniestro. El guionista Ernest Lehman escribió originalmente la película, bajo el título provisional Deception, con un tono oscuro, pero Hitchcock lo llevó a un tono más liviano y cómico, donde tomó el nombre Deceit, y finalmente, Family Plot. [218]

Caballería y muerte Editar

Hacia el final de su vida, Hitchcock estaba trabajando en el guión de un thriller de espías, La noche corta, colaborando con James Costigan, Ernest Lehman y David Freeman. A pesar del trabajo preliminar, nunca se filmó. La salud de Hitchcock empeoraba y estaba preocupado por su esposa, que había sufrido un derrame cerebral. El guión finalmente se publicó en el libro de Freeman. Los últimos días de Alfred Hitchcock (1999). [219]

Habiendo rechazado un CBE en 1962, [220] Hitchcock fue nombrado Caballero Comandante de la Más Excelente Orden del Imperio Británico (KBE) en los Honores de Año Nuevo de 1980. [11] [221] Estaba demasiado enfermo para viajar a Londres, tenía un marcapasos y le administraban inyecciones de cortisona para su artritis, por lo que el 3 de enero de 1980 el cónsul general británico le presentó los documentos en Universal Studios. Cuando un periodista le preguntó después de la ceremonia por qué le había tomado tanto tiempo a la reina, Hitchcock bromeó: "Supongo que fue una cuestión de descuido". Cary Grant, Janet Leigh y otros asistieron a un almuerzo después. [222] [223]

Su última aparición pública fue el 16 de marzo de 1980, cuando presentó al ganador del premio del American Film Institute del año siguiente. [222] Murió de insuficiencia renal el mes siguiente, el 29 de abril, en su casa de Bel Air. [122] [224] Donald Spoto, uno de los biógrafos de Hitchcock, escribió que Hitchcock se había negado a ver a un sacerdote, [225] pero según el sacerdote jesuita Mark Henninger, él y otro sacerdote, Tom Sullivan, celebraron la misa en la casa del cineasta. y Sullivan escuchó su confesión. [226] A Hitchcock le sobrevivieron su esposa e hija. Su funeral se llevó a cabo en la iglesia católica Good Shepherd en Beverly Hills el 30 de abril, después de lo cual su cuerpo fue incinerado. Sus restos fueron esparcidos sobre el Océano Pacífico el 10 de mayo de 1980. [227]

Estilo y temas Editar

La carrera de producción cinematográfica de Hitchcock evolucionó de películas mudas a pequeña escala a películas sonoras económicamente significativas. Hitchock comentó que fue influenciado por los primeros cineastas George Méliès, D.W. Griffith y Alice Guy-Blaché. [228] Sus películas mudas entre 1925 y 1929 pertenecían a los géneros de crimen y suspenso, pero también incluían melodramas y comedias. Si bien la narración visual fue pertinente durante la era del cine mudo, incluso después de la llegada del sonido, Hitchcock todavía se basó en las imágenes en el cine. En Gran Bretaña, perfeccionó su oficio de modo que cuando se mudó a Hollywood, el director había perfeccionado su estilo y técnicas de cámara. Hitchcock dijo más tarde que su obra británica fue la "sensación del cine", mientras que la fase estadounidense fue cuando sus "ideas fueron fertilizadas". [229] El académico Robin Wood escribe que las dos primeras películas del director, El jardín del placer y El águila de la montaña, fueron influenciados por el expresionismo alemán. Posteriormente, descubrió el cine soviético y las teorías del montaje de Sergei Eisenstein y Vsevolod Pudovkin. [67] 1926 El huésped se inspiró tanto en la estética alemana como en la soviética, estilos que solidificaron el resto de su carrera. [230] Aunque el trabajo de Hitchcock en la década de 1920 tuvo cierto éxito, varios críticos británicos criticaron las películas de Hitchcock por ser poco originales y engreídas. [231] Raymond Durgnat opinó que las películas de Hitchcock se construyeron con cuidado e inteligencia, pero pensó que pueden ser superficiales y rara vez presentan una "cosmovisión coherente". [232]

Ganándose el título de "Maestro del suspenso", el director experimentó con formas de generar tensión en su trabajo. [231] Dijo: "Mi trabajo de suspenso surge de crear pesadillas para el público. Y yo juego con una audiencia. Los hago jadear y sorprenderlos y sorprenderlos. Cuando tienes una pesadilla, es terriblemente vívido si estás soñando que te llevan a la silla eléctrica. Entonces estás tan feliz como puedas cuando te despiertas porque estás aliviado ". [233] Durante el rodaje de norte por noroeste, Hitchcock explicó sus razones para recrear el set de Mount Rushmore: "El público responde en proporción a lo realista que lo haces.Una de las razones dramáticas de este tipo de fotografía es que se vea tan natural que el público se involucre y crea, por el momento, lo que está sucediendo en la pantalla "[233].

Las películas de Hitchcock, desde la era del cine mudo hasta la del sonido, contenían una serie de temas recurrentes por los que es famoso. Sus películas exploraron al público como un voyeur, especialmente en La ventana trasera, Marnie y Psicópata. Entendió que los seres humanos disfrutan de las actividades voyeristas e hizo que la audiencia participara en ellas a través de las acciones del personaje. [234] De sus cincuenta y tres películas, once giraron en torno a historias de identidad equivocada, donde un protagonista inocente es acusado de un delito y perseguido por la policía. En la mayoría de los casos, es una persona común y corriente la que se encuentra en una situación peligrosa. [235] Hitchcock le dijo a Truffaut: "Creo que eso se debe a que el tema del inocente acusado proporciona a la audiencia una mayor sensación de peligro. Es más fácil para ellos identificarse con él que con un culpable que huye". [235] Uno de sus temas constantes era la lucha de una personalidad dividida entre "orden y caos" [236] conocida como la noción de "doble", que es una comparación o contraste entre dos personajes u objetos: el doble representa un oscuro o lado malo. [151]

Según Robin Wood, Hitchcock tenía sentimientos encontrados hacia la homosexualidad a pesar de trabajar con actores homosexuales en su carrera. [237] Donald Spoto sugiere que la infancia sexualmente represiva de Hitchcock puede haber contribuido a su exploración de la desviación. [237] Durante la década de 1950, el Código de Producción Cinematográfica prohibió las referencias directas a la homosexualidad, pero el director era conocido por sus sutiles referencias, [238] y por empujar los límites de los censores. Es más, Sombra de una duda tiene un tema de doble incesto a través de la trama, expresado implícitamente a través de imágenes. [239] La autora Jane Sloan argumenta que Hitchcock se sintió atraído por la expresión sexual convencional y no convencional en su trabajo, [240] y el tema del matrimonio generalmente se presentaba de una manera "sombría y escéptica". [241] Tampoco fue hasta después de la muerte de su madre en 1942, que Hitchcock retrató a las figuras maternas como "notorias madres monstruosas". [131] El telón de fondo del espionaje y los asesinatos cometidos por personajes con tendencias psicopáticas también fueron temas comunes. [242] En la descripción de los villanos y asesinos de Hitchcock, generalmente eran encantadores y amigables, lo que obligaba a los espectadores a identificarse con ellos. [243] La estricta educación infantil y jesuita del director puede haber llevado a desconfiar de figuras autoritarias como policías y políticos, un tema que ha explorado. [151] Además, usó el "MacGuffin", el uso de un objeto, persona o evento para mantener la trama en movimiento incluso si no era esencial para la historia. [244] Algunos ejemplos incluyen el microfilm en norte por noroeste y el dinero robado de $ 40,000 en Psicópata.

Hitchcock aparece brevemente en la mayoría de sus propias películas. Por ejemplo, se le ve luchando por subir un contrabajo a un tren (Extraños en un tren), sacar perros de una tienda de mascotas (Las aves), arreglar el reloj de un vecino (La ventana trasera), como una sombra (Parcela familiar), sentado en una mesa en una fotografía (Marque M para asesinato) y viajar en autobús (norte por noroeste, Para atrapar a un ladrón). [86]

Representación de mujeres Editar

La representación que hace Hitchcock de las mujeres ha sido objeto de mucho debate académico. Bidisha escribió en El guardián en 2010: "Está el vampiro, el vagabundo, el soplón, la bruja, el escurridizo, el tramposo y, lo mejor de todo, la mamá demonio. No te preocupes, todos son castigados al final". [245] En un ensayo ampliamente citado en 1975, Laura Mulvey introdujo la idea de la mirada masculina: la vista del espectador en las películas de Hitchcock, argumentó, es la del protagonista masculino heterosexual. [246] "Los personajes femeninos de sus películas reflejaban una y otra vez las mismas cualidades", escribió Roger Ebert en 1996. "Eran rubios. Eran gélidos y remotos. Fueron encarcelados en trajes que combinaban sutilmente la moda con el fetichismo. hipnotizaba a los hombres, que a menudo tenían discapacidades físicas o psicológicas. Tarde o temprano, todas las mujeres de Hitchcock eran humilladas ". [247] [j]

Las victimas en El huésped son todas rubias. En Los 39 PasosA Madeleine Carroll la esposan. Ingrid Bergman, a quien Hitchcock dirigió tres veces (Hechizado, Notorio, y Bajo capricornio), es rubio oscuro. En La ventana trasera, Lisa (Grace Kelly) arriesga su vida al irrumpir en el apartamento de Lars Thorwald. En Para atrapar a un ladrón, Francie (también Kelly) se ofrece a ayudar a un hombre que cree que es un ladrón. En Vértigo y norte por noroeste respectivamente, Kim Novak y Eva Marie Saint interpretan a las heroínas rubias. En Psicópata, El personaje de Janet Leigh roba $ 40,000 y es asesinado por Norman Bates, un psicópata solitario. Tippi Hedren, una rubia, parece ser el foco de los ataques en Las aves. En Marnie, el personaje principal, nuevamente interpretado por Hedren, es un ladrón. En Topacio, Las actrices francesas Dany Robin como la esposa de Stafford y Claude Jade como la hija de Stafford son heroínas rubias, la amante fue interpretada por la morena Karin Dor. La última heroína rubia de Hitchcock fue Barbara Harris como una falsa psíquica convertida en detective aficionada en Parcela familiar (1976), su última película. En la misma película, el contrabandista de diamantes interpretado por Karen Black usa una larga peluca rubia en varias escenas.

Sus películas a menudo presentan personajes que luchan en sus relaciones con sus madres, como Norman Bates en Psicópata. En norte por noroesteRoger Thornhill (Cary Grant) es un hombre inocente ridiculizado por su madre por insistir en que hombres asesinos y sombríos lo persiguen. En Las aves, el personaje de Rod Taylor, un hombre inocente, encuentra su mundo bajo el ataque de pájaros feroces y lucha por liberarse de una madre que se aferra a él (Jessica Tandy). El asesino en Frenesí odia a las mujeres pero idolatra a su madre. El villano Bruno en Extraños en un tren odia a su padre, pero tiene una relación increíblemente cercana con su madre (interpretada por Marion Lorne). Sebastian (Claude Rains) en Notorio tiene una relación claramente conflictiva con su madre, que sospecha (con razón) de su nueva esposa, Alicia Huberman (Ingrid Bergman). [249]

Relación con los actores Editar

Hitchcock se hizo conocido por haber comentado que "los actores deben ser tratados como ganado". [251] [k] Durante el rodaje de Sr. y Sra. Smith (1941), Carole Lombard trajo tres vacas al set con las etiquetas con los nombres de Lombard, Robert Montgomery y Gene Raymond, las estrellas de la película, para sorprenderlo. [251] En un episodio de El show de Dick Cavett, transmitido originalmente el 8 de junio de 1972, Dick Cavett declaró como un hecho que Hitchcock una vez había llamado ganado a los actores. Hitchcock respondió diciendo que, en un momento, había sido acusado de llamar ganado a los actores. “Dije que nunca diría una cosa tan insensible y grosera sobre los actores. Lo que probablemente dije fue que todos los actores deberían ser tratados como ganado. De una manera agradable, por supuesto ". Luego describió la broma de Carole Lombard, con una sonrisa. [252]

Hitchcock creía que los actores deberían concentrarse en sus interpretaciones y dejar el trabajo sobre el guión y el personaje a los directores y guionistas. Le dijo a Bryan Forbes en 1967: "Recuerdo haber discutido con un actor de método cómo le enseñaron y demás. Él dijo: 'Nos enseñan mediante la improvisación. Se nos da una idea y luego se nos suelta para desarrollarnos de cualquier manera' '. queremos.' Dije: "Eso no es actuar. Eso es escribir". “[125]

Recordando sus experiencias en Bote salvavidas para Charles Chandler, autor de Es solo una película: Alfred Hitchcock Una biografía personal, Walter Slezak dijo que Hitchcock "sabía más sobre cómo ayudar a un actor que cualquier director con el que haya trabajado", y Hume Cronyn descartó la idea de que Hitchcock no estaba preocupado por sus actores como "completamente falaz", describiendo detalladamente el proceso de ensayo. y filmando Bote salvavidas. [253]

Los críticos observaron que, a pesar de su reputación como un hombre al que no le gustaban los actores, los actores que trabajaban con él a menudo ofrecían actuaciones brillantes. Usó a los mismos actores en muchas de sus películas Cary Grant y James Stewart trabajaron con Hitchcock cuatro veces, [254] e Ingrid Bergman y Grace Kelly tres. James Mason dijo que Hitchcock consideraba a los actores como "accesorios animados". [255] Para Hitchcock, los actores eran parte del escenario de la película. Le dijo a François Truffaut: "El principal requisito de un actor es la capacidad de no hacer nada bien, lo cual no es tan fácil como parece. Debe estar dispuesto a que el director y la cámara lo utilicen y lo integren por completo en la imagen. . Debe permitir que la cámara determine el énfasis adecuado y los reflejos dramáticos más efectivos ". [256]

Escritura, guiones gráficos y producción Editar

Hitchcock planeó sus guiones en detalle con sus escritores. En Escribiendo con Hitchcock (2001), Steven DeRosa notó que Hitchcock los supervisaba a través de cada borrador, pidiéndoles que contaran la historia visualmente. [257] Hitchcock le dijo a Roger Ebert en 1969:

Una vez que el guión esté terminado, preferiría no hacer la película en absoluto. Se acabó toda la diversión. Tengo una mente fuertemente visual. Visualizo una imagen hasta los cortes finales. Escribo todo esto con el mayor detalle en el guión, y luego no miro el guión mientras estoy filmando. Lo sé de memoria, al igual que un director de orquesta no necesita mirar la partitura. Es melancólico hacer una foto. Cuando terminas el guión, la película es perfecta. Pero al filmarlo pierdes quizás el 40 por ciento de tu concepción original. [258]

Las películas de Hitchcock fueron elaboradas con un guión gráfico exhaustivo hasta el más mínimo detalle. Se informó que ni siquiera se molestó en mirar por el visor, ya que no era necesario, aunque en las fotos publicitarias se le mostró haciéndolo. También usó esto como una excusa para nunca tener que cambiar sus películas desde su visión inicial. Si un estudio le pidiera que cambiara una película, diría que ya se rodó de una sola manera y que no había alternativas a considerar. [259]

Esta visión de Hitchcock como un director que dependía más de la preproducción que de la producción en sí ha sido cuestionada por Bill Krohn, el corresponsal estadounidense de la revista de cine francés. Cahiers du cinéma, en su libro Hitchcock en el trabajo. Después de investigar las revisiones del guión, las notas para otro personal de producción escritas por o para Hitchcock, y otro material de producción, Krohn observó que el trabajo de Hitchcock a menudo se desviaba de cómo se escribió el guión o cómo se concibió originalmente la película. [260] Observó que el mito de los guiones gráficos en relación con Hitchcock, a menudo regurgitado por generaciones de comentaristas de sus películas, fue perpetuado en gran medida por el propio Hitchcock o el brazo publicitario de los estudios. Por ejemplo, la célebre secuencia de fumigación de cultivos de norte por noroeste no se incluyó en el guión gráfico. Después de que se filmó la escena, el departamento de publicidad le pidió a Hitchcock que hiciera guiones gráficos para promocionar la película, y Hitchcock, a su vez, contrató a un artista para que hiciera coincidir las escenas en detalle. [261] [ verificación necesaria ]

Incluso cuando se hicieron guiones gráficos, las escenas que se filmaron diferían significativamente de ellos. El análisis de Krohn de la producción de clásicos de Hitchcock como Notorio revela que Hitchcock fue lo suficientemente flexible como para cambiar la concepción de una película durante su producción. Otro ejemplo que señala Krohn es el remake estadounidense de El hombre que sabía demasiado, cuyo programa de rodaje comenzó sin un guión terminado y, además, superó el programa, algo que, como señala Krohn, no era un hecho poco común en muchas de las películas de Hitchcock, incluyendo Extraños en un tren y Topacio. Si bien Hitchcock hizo una gran preparación para todas sus películas, era plenamente consciente de que el proceso real de realización de películas a menudo se desviaba de los planes mejor trazados y era flexible para adaptarse a los cambios y necesidades de producción, ya que sus películas no lo eran. libre de las molestias habituales y las rutinas habituales que se utilizan en muchas otras producciones cinematográficas. [261] [ verificación necesaria ]

El trabajo de Krohn también arroja luz sobre la práctica de Hitchcock de filmar generalmente en orden cronológico, que señala que envió muchas películas por encima del presupuesto y el cronograma y, lo que es más importante, difería del procedimiento operativo estándar de Hollywood en la era de los sistemas de estudio. Igualmente importante es la tendencia de Hitchcock a realizar tomas alternativas de escenas. Esto difería de la cobertura en que las películas no necesariamente se rodaron desde diferentes ángulos para dar al editor opciones para dar forma a la película como eligieran (a menudo bajo la égida del productor). [262] [ verificación fallida ] Más bien representaban la tendencia de Hitchcock a darse a sí mismo opciones en la sala de edición, donde brindaba consejos a sus editores después de ver un borrador del trabajo.

Según Krohn, esta y una gran cantidad de otra información revelada a través de su investigación de los documentos personales de Hitchcock, revisiones de guiones y cosas por el estilo refutan la noción de Hitchcock como un director que siempre tuvo el control de sus películas, cuya visión de sus películas no lo hizo. cambio durante la producción, que según Krohn se ha mantenido como el mito central de Alfred Hitchcock desde hace mucho tiempo. Tanto su meticulosidad como su atención al detalle también encontraron su camino en cada póster de sus películas. Hitchcock prefirió trabajar con los mejores talentos de su época —diseñadores de carteles de películas como Bill Gold [263] y Saul Bass—, quienes producirían carteles que representaban fielmente sus películas. [261]

Premios y distinciones Editar

Hitchcock fue incluido en el Paseo de la Fama de Hollywood el 8 de febrero de 1960 con dos estrellas: una para televisión y una segunda para sus películas. [264] En 1978, John Russell Taylor lo describió como "la persona más universalmente reconocible en el mundo" y "un inglés de clase media sencillo que resultó ser un genio artístico". [223] En 2002 MovieMaker lo nombró el director más influyente de todos los tiempos, [265] y un 2007 El Telégrafo diario La encuesta de críticos lo clasificó como el mejor director de Gran Bretaña. David Gritten, el crítico de cine del periódico, escribió: "Indiscutiblemente el mejor cineasta que surgió de estas islas, Hitchcock hizo más que cualquier director para dar forma al cine moderno, que sería completamente diferente sin él. Su talento era para la narrativa, reteniendo cruelmente información crucial (de sus personajes y de nosotros) y atrayendo las emociones de la audiencia como nadie más ". [266] En 1992, el Vista y sonido de amplificador La encuesta Top Ten de los críticos colocó a Hitchcock en el número 4 en su lista de los "10 directores principales" de todos los tiempos. [267] En 2002, Hitchcock ocupó el segundo lugar en la encuesta de los diez mejores de los críticos y el quinto en la encuesta de los diez mejores directores en la lista de los mejores directores de todos los tiempos compilada por la misma revista. Hitchcock fue votado como el "Mejor director del siglo XX" en una encuesta realizada por la revista de cine japonesa. kinema junpo.

Ganó dos Globos de Oro, ocho premios Laurel y cinco premios a su trayectoria, incluido el primer premio BAFTA Academy Fellowship [268] y, en 1979, un premio AFI Life Achievement Award. [11] Fue nominado cinco veces para un premio de la Academia al Mejor Director. Rebecca, nominada a 11 premios Oscar, ganó el Oscar a la Mejor Película de 1940 otra película de Hitchcock, Corresponsal en el extranjero, también fue nominado ese año. [269] En 2018, el Registro Nacional de Cine de EE. UU. Había seleccionado ocho de sus películas para su conservación: Rebecca (1940 admitido en 2018), Sombra de una duda (1943 admitido en 1991), Notorio (1946 admitido en 2006), La ventana trasera (1954 admitido en 1997), Vértigo (1958 admitido en 1989), norte por noroeste (1959 admitido en 1995), Psicópata (1960 ingresó en 1992), y Las aves (1963 admitido en 2016). [9]

En 2012, Hitchcock fue seleccionado por el artista Sir Peter Blake, autor de The Beatles ' Sargento. Banda del club de corazones solitarios de Pepper portada del álbum, para aparecer en una nueva versión de la portada, junto con otras figuras culturales británicas, y ese año apareció en una serie de BBC Radio 4, Los nuevos isabelinos, como alguien "cuyas acciones durante el reinado de Isabel II han tenido un impacto significativo en la vida de estas islas y dada la edad su carácter". [270] En junio de 2013, nueve versiones restauradas de las primeras películas mudas de Hitchcock, incluidas El jardín del placer (1925), se proyectaron en el Teatro Harvey de la Academia de Música de Brooklyn conocido como "The Hitchcock 9", el homenaje itinerante fue organizado por el British Film Institute. [271]

Archivos Editar

La colección Alfred Hitchcock se encuentra en el Academy Film Archive en Hollywood, California. Incluye películas caseras, película de 16 mm filmada en el set de Chantaje (1929) y Frenesí (1972) y las primeras imágenes en color conocidas de Hitchcock. El Archivo de Cine de la Academia ha conservado muchas de sus películas caseras. [272] Los Papeles de Alfred Hitchcock se encuentran en la Biblioteca Margaret Herrick de la Academia. [273] Las colecciones de David O. Selznick y Ernest Lehman alojadas en el Centro de Investigación de Humanidades Harry Ransom en Austin, Texas, contienen material relacionado con el trabajo de Hitchcock en la producción de El caso Paradine, Rebecca, Hechizado, norte por noroeste y Parcela familiar. [274]

Representaciones de Hitchcock Editar

Películas editar

  • Siempre dile a tu esposa (corto) (1923)
  • El jardín del placer (1925)
  • El águila de la montaña (1926) (perdido)
  • The Lodger: Una historia de la niebla de Londres (1927)
  • El anillo (1927)
  • Cuesta abajo (1927)
  • La esposa del granjero (1928)
  • Virtud fácil (1928)
  • champán (1928)
  • El Manxman (1929)
  • Chantaje (1929)
  • Juno y el Paycock (1930)
  • ¡Asesinato! (1930)
  • Elstree llamando (1930)
  • El juego de la piel (1931)
  • María (1931)
  • Rico y extraño (1931)
  • Número diecisiete (1932)
  • Vals de Viena (1934)
  • El hombre que sabía demasiado (1934)
  • Los 39 Pasos (1935)
  • Agente secreto (1936)
  • Sabotaje (1936)
  • Joven e inocente (1937)
  • La dama desaparece (1938)
  • Jamaica Inn (1939)
  • Rebecca (1940)
  • Corresponsal en el extranjero (1940)
  • Sr. y Sra. Smith (1941)
  • Sospecha (1941)
  • Saboteador (1942)
  • Sombra de una duda (1943)
  • Bote salvavidas (1944)
  • Hechizado (1945)
  • Notorio (1946)
  • El caso Paradine (1947)
  • Soga (1948)
  • Bajo capricornio (1949)
  • Miedo escénico (1950)
  • Extraños en un tren (1951)
  • Yo confieso (1953)
  • Marque M para asesinato (1954)
  • La ventana trasera (1954)
  • Para atrapar a un ladrón (1955)
  • El problema con Harry (1955)
  • El hombre que sabía demasiado (1956)
  • El hombre equivocado (1956)
  • Vértigo (1958)
  • norte por noroeste (1959)
  • Psicópata (1960)
  • Las aves (1963)
  • Marnie (1964)
  • Cortina rasgada (1966)
  • Topacio (1969)
  • Frenesí (1972)
  • Parcela familiar (1976)

Notas Editar

  1. ^ Según Gene Adair (2002), Hitchcock realizó 53 largometrajes. [2] Según Roger Ebert en 1980, era 54. [3]
  2. ^ Las películas seleccionadas para el Registro Nacional de Cine son Rebecca (1940), Sombra de una duda (1943), Notorio (1946), La ventana trasera (1954), Vértigo (1958), norte por noroeste (1959), Psicópata (1960) y Las aves (1963). [9]
  3. ^ Alfred Hitchcock (North American Newspaper Alliance, 16 de julio de 1972): "Mi favorito es Sombra de una duda. ¿Nunca lo viste? ¡Ah! Fue escrito por Thornton Wilder. Es un estudio de personajes, un thriller de suspenso. La belleza de la película fue que se rodó en la ciudad real ". [10]
  4. ^ En su primer cuento, "Gas" (junio de 1919), publicado en el primer número, una joven es agredida por una turba de hombres en París, solo para descubrir que ha estado alucinando en la silla del dentista. [38] Esto fue seguido por "The Woman's Part" (septiembre de 1919), que describe a un esposo mirando a su esposa, un actor, actuar en el escenario. [39] "Sordid" (febrero de 1920) rodea un intento de comprar una espada a un anticuario, con otro final inesperado. [40] "And There Was No Rainbow" (septiembre de 1920) encuentra a Bob atrapado en flagrante con la esposa de un amigo. [41] En "¿Qué es quién?" (Diciembre de 1920), reina la confusión cuando un grupo de actores se hace pasar por sí mismos. [42] "The History of Pea Eating" (diciembre de 1920) es una sátira sobre la dificultad de comer guisantes. [43] Su obra final, "Fedora" (marzo de 1921) describe a una mujer desconocida: "pequeña, sencilla, sin pretensiones y silenciosa, pero que atrae una profunda atención por todos lados". [44]
  5. ^ En 2017 un Se acabó el tiempo encuesta de revista clasificada Sabotaje como la 44ª mejor película británica de la historia. [85]
  6. ^ Hitchcock le dijo a Bryan Forbes en 1967: "Habían revisado la película en mi ausencia y habían eliminado todas las escenas que indicaban la posibilidad de que Cary Grant fuera un asesino. Así que no existía ninguna película. Eso era ridículo. Sin embargo, había comprometerse al final. Lo que quería hacer era que la esposa supiera que su marido la iba a asesinar, así que le escribió una carta a su madre diciéndole que estaba muy enamorada de él, que no Si quería vivir más, la iban a matar, pero la sociedad debería estar protegida. Por lo tanto, saca este vaso de leche fatal, lo bebe y antes de hacerlo dice: "¿Le enviarás esta carta a mi madre?". Leche y muere. Luego, solo tiene una escena final de un alegre Cary Grant yendo al buzón y enviando la carta ... Pero esto nunca fue permitido debido al error básico en el casting ". [125]
  7. ^ Una encuesta del British Film Institute de 2012 clasificó Vértigo como la mejor película jamás realizada. [8]
  8. ^ Un documental sobre Psicópata la escena de la ducha, 78/52, fue lanzado en 2017, dirigido por Alexandre O. Philippe, el título se refiere a las 78 configuraciones de cámara y 52 cortes de la escena. [185]
  9. ^ Thomas McDonald (Los New York Times, 1 de abril de 1962): "Los protagonistas de la película son Rod Taylor, Suzanne Pleshette, Jessica Tandy y 'Tippi' Hedren. Hitchcock firmó un contrato con Miss Hedren, una modelo de Nueva York, después de haberla visto en un comercial de televisión. que puso su nombre de pila entre comillas simples, pero no explicaría por qué ". [196] [197]
  10. ^ En 1967 Hitchcock le dijo a Truffaut: "Creo que las mujeres más interesantes, sexualmente, son las mujeres inglesas. Siento que las mujeres inglesas, las suecas, las alemanas del norte y las escandinavas son mucho más emocionantes que las latinas, las italianas, y las mujeres francesas. El sexo no debe publicitarse. Una chica inglesa, que parece una maestra de escuela, es propensa a subirse a un taxi contigo y, para tu sorpresa, probablemente abrirá los pantalones de un hombre. el elemento de sorpresa las escenas pierden sentido. No hay posibilidad de descubrir sexo. [248]
  11. ^ Hitchcock le dijo a Fallaci en 1963: "Cuando [los actores] no son vacas, son niños: eso es otra cosa que he dicho a menudo. Y todos saben que hay niños buenos, niños malos y niños estúpidos. los actores, sin embargo, son niños estúpidos. Siempre están peleando, y se dan muchos aires. Cuanto menos los veo, más feliz soy. Tuve muchos menos problemas para dirigir mil quinientos cuervos que un solo actor. Siempre he dicho que Walt Disney tiene la idea correcta. Sus actores están hechos de papel cuando a él no le gustan, puede destrozarlos ". [172]

Referencias Editar

  1. ^"Guía de coleccionistas de Alfred Hitchcock: los años británicos impresos". Película de Brenton. 13 de agosto de 2019. Archivado desde el original el 21 de agosto de 2019. Consultado el 22 de octubre de 2019.
  2. ^Adair 2002, pág. 9.
  3. ^
  4. Ebert, Roger (1 de mayo de 1980). "El maestro del suspenso ha muerto". Chicago Sun-Times. Archivado desde el original el 26 de diciembre de 2017. Consultado el 26 de diciembre de 2017.
  5. ^ aB
  6. "Chantaje (1929)". Instituto de Cine Británico. Archivado desde el original el 31 de diciembre de 2017. Consultado el 1 de enero de 2018. ver también White & amp Buscombe 2003, p. 94 Allen & amp Ishii-Gonzalès 2004, pág. xv
  7. ^ aB
  8. "Los 13 premios de la Academia, 1941". Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Archivado desde el original el 3 de marzo de 2012. Consultado el 30 de diciembre de 2017.
  9. ^Wood 2002, pág. 62.
  10. ^
  11. "Las 100 mejores películas estadounidenses de todos los tiempos de AFI". Instituto de Cine Americano. Archivado desde el original el 19 de mayo de 2019. Consultado el 8 de septiembre de 2018.
  12. ^ aBC
  13. Christie, Ian (septiembre de 2012). "Las 50 mejores películas de todos los tiempos". Vista y sonido de amplificador. Archivado desde el original el 1 de marzo de 2017. Consultado el 29 de diciembre de 2017. ver también
  14. "Top 100 de la crítica". Instituto de Cine Británico. 2012. Archivado desde el original el 7 de febrero de 2016. Consultado el 29 de diciembre de 2017.
  15. ^ aB
  16. "Listado completo del Registro Nacional de Cine". Biblioteca del Congreso. Archivado desde el original el 31 de octubre de 2016. Consultado el 21 de diciembre de 2018.

Para la entrevista de Snyder: Snyder, Tom (1973). "Entrevista de Alfred Hitchcock", Mañana, NBC, 00:01:55 Archivado el 3 de enero de 2020 en Wayback Machine.


Premios, título de caballero y muerte de Hitchcock

A pesar de estar nominado cinco veces a Mejor Director, Hitchcock nunca ganó el Oscar. Mientras aceptaba el Irving Thalberg Memorial Award en los Oscar de 1967, simplemente dijo: "Gracias".

En 1979, el American Film Institute entregó a Hitchcock su Life Achievement Award en una ceremonia en el Beverly Hilton Hotel. Bromeó diciendo que debe estar a punto de morir pronto.

En 1980, la reina Isabel II nombró caballero a Hitchcock. Tres meses después, Sir Alfred Hitchcock murió de insuficiencia renal a la edad de 80 años en su casa de Bel Air. Sus restos fueron incinerados y esparcidos por el Océano Pacífico.


Ver el vídeo: Reportaje a Hitchcock (Noviembre 2021).