Podcasts de historia

Detalle de la tapa del ataúd de madera de la dama Tenddinebu

Detalle de la tapa del ataúd de madera de la dama Tenddinebu


Ataúd de Tanakhtnettahat

La XXI Dinastía (1070-945 a. C.) se enmarca dentro del Tercer Período Intermedio (1070-664 a. C.), una época de agitación política y crisis económica. Las lujosas tumbas del Imperio Nuevo desaparecieron y fueron reemplazadas por entierros simples, en su mayoría sin decoración. La elaborada decoración que iba a ayudar al difunto en su viaje al más allá se transfirió a conjuntos anidados de ataúdes antropoides. Los ataúdes de principios de la dinastía XXI son de un tipo conocido como "ataúdes amarillos", con un fondo amarillo, completamente cubiertos con pequeñas escenas conocidas como "viñetas". En ese momento, el cedro y otras maderas nobles importadas escaseaban. En su lugar, hubo que utilizar maderas locales de menor calidad y, para compensar esto, los artesanos a menudo recubrían los ataúdes de este período con una gruesa capa de barro, modelando algunos de los detalles en lugar de tallarlos. A continuación, se cubrió la superficie con una fina capa de yeso o yeso blanco, preparándola así para las elaboradas pinturas con las que se cubriría. Finalmente, todo el ataúd se cubrió con un barniz amarillo dorado.

Un buen ejemplo de un ataúd amarillo de la XXI Dinastía es el ataúd interior de Tanakhtnettahat (Tahat para abreviar). Tanakhtnettahat era una cantante en el templo del dios Amón en Karnak, un alto rango en el antiguo Egipto. El ataúd se encuentra actualmente en el Museo Michael C. Carlos de la Universidad Emory en Atlanta, Georgia (acc. Nº 1999.1.1.17 A-D). Anteriormente se exhibió en el Museo de las Cataratas del Niágara en Ontario y se encontraba entre una serie de ataúdes y momias traídos a Canadá a mediados del siglo XIX. La colección permaneció en Niagra Falls durante 150 años antes de ser trasladada permanentemente a su ubicación actual.

El ataúd contenía la momia de la mujer fallecida, que cuando se escaneó y radiografió en el Hospital Emory se encontró que tenía sus órganos internos intactos, contrariamente a la extracción habitual de órganos internos durante ese período. Las razones por las que no se extrajeron los órganos internos siguen siendo un misterio, pero el mal estado de la momia indica que el proceso de momificación se llevó a cabo apresuradamente. La momia estaba cubierta con un tablero de momia, que se cree que es un desarrollo de las máscaras funerarias de períodos anteriores, que parecía una tapa secundaria poco profunda y fue popular durante la XXI Dinastía.

La tapa del ataúd interior y el tablero de la momia representan a la difunta con una peluca completa, cuyas orejeras están reunidas en bandas de cuentas, y la parte superior de su cabeza está adornada con un filete de flores de loto y pétalos. Lleva pendientes redondos y cuello ancho. La decoración del ataúd y el tablero de la momia consiste en escenas mitológicas del Libro de los Muertos, imágenes del dueño del ataúd adorando a varias deidades y diferentes imágenes amuletas para la protección del difunto en su viaje al más allá.

El ataúd es particularmente interesante porque un examen detallado reveló que había sido reutilizado por una mujer llamada Ta-Aset. Partes del ataúd habían sido repintadas y, en un caso, el nombre de Tahat había sido reemplazado por el del nuevo propietario, Ta-Aset. La reutilización de ataúdes fue común en este período de dificultades económicas y fue practicada incluso por la realeza.

Este conjunto de ataúd interior, tablero de momia y momia se habría colocado dentro de un ataúd exterior, fragmentos del cual pueden estar en el Musée de Grenoble, Francia (tablero trasero MG 1997 y fragmentos MG 3759 y MG 3760). Las inscripciones y la decoración de los fragmentos de Grenoble no se han modificado, lo que significa que, a diferencia del ataúd interior, el ataúd exterior nunca se reutilizó, probablemente porque ya estaba en mal estado en la antigüedad. Según el sitio web del museo de Grenoble, la procedencia original de los fragmentos fue la Necrópolis de Tebas. Fueron adquiridos en Egipto en 1842 por Louis de Saint Ferriol y donados al museo por su hijo en 1916. Por lo tanto, la mujer de élite fallecida fue enterrada originalmente en algún lugar de la necrópolis tebana, lo que se espera de una mujer que sirvió como cantora del supremo dios tebano, Amón.

Para obtener más información, lea la “Tapa del ataúd de Tanakhtnettahat / Ta-Aset”, en Michael C. Carlos Museum Collections Online.


Carpintería de ataúd (Parte 2)

¡Vuelve para la segunda parte! Esta imagen es un ángulo extraño, pero pinté el interior de púrpura. Pensé que un color sería divertido y, dado que hay varios tipos de madera, la pintura funcionaría mejor aquí.

Y la púrpura irá con el exterior de la casa y las luces altas en mi vestido.

Otro proyecto rápido que hice durante todo esto fue hacer una señal para los niños, pidiéndoles que solo tomaran dos caramelos. ¿Escucharían ellos? Quién sabe. Pero con suerte, con nosotros en el porche, podríamos limitar las tomas.

Corté un trozo pequeño, sobrante (y súper delgado) de MDF y lo pinté con la pintura dorada que usé en el techo de la biblioteca.

Hice un letrero en la computadora, lo imprimí y quemé los bordes. Lo que también me permitió aprender a apagar el detector de humo en el tercer piso, ¡así que fue una buena habilidad que aprendí! Usé adhesivo en aerosol para ponerlo en el tablero.

Lo revisé con un poco de tinte para envejecerlo, y luego lo revisé todo con un poli. No planeo usar esto nuevamente (porque todos se van a enmascarar y recibir la vacuna para que todos podamos estar sanos nuevamente, ¿verdad?). ¡Pero es lindo y fácil para este año!

Queríamos poder mantener abierta la tapa del ataúd de manera segura, por lo que Doug construyó un pequeño soporte para postes.

Aquí está dentro del ataúd.

Para colocar la tapa, usamos una bisagra de piano, que fue más estresante de lo que pensé. ¿Hacer que todo se alinee sin estropearlo? Casi tan aterrador como mi final de piano en la universidad. (Soy un pianista terrible. Gracias a Dios, todas mis otras habilidades musicales superaron eso cuando me convertí en director de banda).

Perforamos y unimos como cada sexto agujero, y luego volvimos y rellenamos los del medio.

Y para llegar a algunos de ellos, tuvimos que usar una broca flexible. Fue un trabajo lento, ¡pero salió bien!

Aquí & # 8217s con la publicación en su lugar para sostener la tapa.

Compré estas manijas hace AÑOS, inicialmente para usar en las puertas de los gabinetes del dormitorio delantero. Como estos habrían sido cómicos en eso, han estado sentados en un cajón acumulando polvo desde entonces.

Pero ESTE ES EL PAPEL QUE DEBEN JUGAR.

Por supuesto, pinté los tornillos de oro.

Ese día fue realmente hermoso.

¡Agregamos dos nuevos amigos al costado de la casa este año!

Ambos nos enmascaramos (por supuesto) por la noche. Para que funcione con nuestros disfraces, hice la misma máscara de doble capa con bolsillo, alambre de nariz y filtro que he cosido y usado durante todo el año. Pero agregué encaje al frente.

La máscara debajo era crema, ¿así que tal vez podrías fingir que era mi piel allí debajo?

Sin la máscara, agregué un velo de luto a mi vestido este año, ¡en lugar de un sombrero!

¡Con la máscara y el velo, estaba súper cubierto!

Para Doug, pedí una máscara de peste en Etsy. Y podría usar su máscara (también cosida por mí) debajo.

Esto es aproximadamente la mitad de los dulces por los que pasamos. ¡Todavía tuvimos más de 1,000 niños que pasaron esa noche!

¡Nuestro vecino al otro lado de la calle fue lo suficientemente amable como para tomarnos un par de fotos desde lejos!

Fue un Halloween extraño. Sentarse (o estar de pie) en el porche y no interactuar con la gente parecía como si lo estuviéramos viendo en la televisión. Y echamos de menos tener a nuestros amigos. Pero estamos contentos de habernos mantenido a salvo, y esperamos que todos los demás se mantengan a salvo mientras nos dirigimos al Día de Acción de Gracias y Navidad.

También utilicé mi aplicación TinType para hacer algunas de las imágenes antiguas. ¡Disfrutar!


Ataúd de la Dama de la Casa, Weretwahset, reinscrito para Bensuipet que contiene mascarilla y cubierta corporal calada

El color jugó un papel clave en la transformación de género en la tumba. La representación de esta mujer en su ataúd de piel roja, característica considerada masculina, fue una intervención mágica que transformó su género. Esta cara, manos y pies rojos de ataúd y rsquos la invistieron con el poder masculino para crear un feto para su propio renacimiento.

La máscara de cartonaje amarillo, en contacto directo con la momia, alteró su rol de género una vez más. La piel amarilla representaba la piel de una diosa hecha de oro. Ahora, regresó a su estado femenino original, incubó el feto creado por el hombre, dio a luz en la tumba y vivió para siempre en el próximo mundo como mujer.

El lenguaje transformó el género de una mujer y rsquos, un paso necesario para crear su propio feto dentro del ataúd. En egipcio, la palabra significado usted tenía formas masculinas y femeninas. La flecha en la ilustración apunta a una inscripción que dice: "Palabras dichas por Imsety & hellip te protejo". La deidad Imsety, representada a la izquierda, pronunció esta oración usando el pronombre masculino para usted en lugar del pronombre femenino. Estas palabras se repiten cuatro veces en los lados del ataúd y rsquos. Se creía que el poder milagroso del lenguaje para transformar la realidad podía usarse para cambiar el género de un individuo y rsquos.

Los eruditos habían llamado durante mucho tiempo a este uso un mero error gramatical. El feminismo influyó en los estudiosos para que se tomaran en serio esta práctica egipcia al adoptar una visión más amplia del género, en lugar de descartar el uso como un error. Una investigación más reciente reconoce que el pronombre masculino en el ataúd de esta mujer y rsquos representaba una magia poderosa que provocó la transformación de género.

Esto dice que la piel de las mujeres del antiguo Egipto se pintó de rojo para convertirlas temporalmente en hombres para el renacimiento. Mi pregunta es, dice que el rojo normalmente se reservaba para los hombres, pero si se usaba en los rituales de las mujeres, ¿no significa eso que se usaba tanto para hombres como para mujeres? ¿Por qué los colores son diferentes? La didáctica del muro dice que las mujeres egipcias tenían que ser 'transformadas' en hombres para concebirse a sí mismas para el renacimiento porque se creía que los hombres llevaban el embrión. ¿Hubo una segunda parte (femenina) en esta concepción post mortem? ¿O la mujer, como hombre, se regeneró sola? ¿Es esto real? ¿Hay una momia real ahí dentro? ¿O es esto para decoración? ¿Hay momias reales en este ataúd? ¿Cómo sabemos que las mujeres fueron "transformadas" en hombres en la muerte? ¿Es todo solo una conjetura? ¿O simplemente significa que las mujeres reciben más atención? ¡No solo pintura roja, sino más pintura! ¿Por qué las mujeres tuvieron que convertirse en hombres para crear el feto, pero los hombres no tuvieron que convertirse en mujeres para la incubación? ¿Quién hizo la incubación para el renacimiento de un hombre? ¿Las momias tienen realmente miles de años? ¿Hay alguno aquí? Dime más. No estamos seguros de cómo sucedió la transformación del renacimiento. La ubicación de la mano por dentro y por fuera es diferente. ¿Tiene esto un significado especial? ¿Cuál es el significado de la decoración alrededor de su cuello? ¿Son las joyas las que representan su riqueza? Entonces, ¿solo el rey y su corte podrían crear ataúdes para sí mismos o todos podrían hacerlo? ¿Qué representan todas las diferentes decoraciones? ¿Qué es esto? Dime más. Ahora, después de que el Weretwahset entra en la otra vida como hombre, ¿vuelve ella a ser mujer? ¿Cuáles son algunos de los símbolos del ataúd? Particularmente hacia el fondo del ataúd. ¿Parecen cuerdas locas? ¿Cuáles son estos símbolos? Sé que la parte inferior del ataúd fue construida y ensamblada en pedazos. Pero, ¿qué pasa con el brazo y los pies de la parte superior del ataúd? ¿O la grieta fue solo una coincidencia? Hay 5 figuras a cada lado del ataúd. ¿Son estos los sacerdotes transformando el cuerpo durante el hechizo mágico? ¿Tienen algún significado las imágenes del ataúd de Weretwahset? ¿Cuál es la historia de este ataúd? ¿De qué color eran los ataúdes de las mujeres en Egipto? ¿Qué son estas hojas? ¿Es esta la misma diosa que vi en el ataúd de Teti? ¿Tiene esto alguna relación con el uso de barbas en las representaciones de mujeres del antiguo Egipto? ¿Qué dios es este? ¿Por qué esta tan rojo? Esta exhibición que explica la forma en que las mujeres se convirtieron en hombres menciona la piel roja que simboliza ser hombre. ¿La piel pálida del tablero de la momia se debe a que no era necesaria para el proceso mágico? ¿Se sujetó la tabla de la momia al lino o se colocó la tabla encima de la momia?

Solo historia.

Ha habido muchas historias de locura en las familias reales europeas. Algunos incluso, injustamente o no, han recibido el sobrenombre de "el Loco". Sin embargo, la realeza europea no acaparó el mercado de familiares locos. Este ejemplo nos viene de la dinastía Cho'son de Corea, que había gobernado Corea desde 1392.

El príncipe Sado era el príncipe heredero, que nació el 13 de febrero de 1735 como el segundo hijo del rey Yeongjo con su concubina favorita. Sado era el segundo hijo del rey Yeongjo y el único heredero varón sobreviviente, ya que su hermano mayor murió trágicamente a los 9 años. Hubo un gran regocijo por el nacimiento de un hijo sano. Sin embargo, la vida de Sado no fue todo arcoíris y rosas. Se informó que su padre tenía un temperamento terrible y, como tal, Sado le tenía terror desde muy joven. Se informó que el joven era bastante tímido con su padre, lo que, por supuesto, hizo que Yeongjo se enojara más con su hijo. Al igual que con muchas relaciones abusivas, Sado idolatraba a su padre, pero nunca pareció ganarse la aprobación de Yeongjo. Yeongjo fue muy crítico con cualquier error que cometiera Sado y nunca mostró ningún placer cuando Sado tuvo éxito. Su relación con su madre no fue mucho mejor. Para mantenerse en el lado bueno de Yeongjo, ella estaba principalmente preocupada por seguir las reglas del rey sobre criar al príncipe heredero al pie de la letra y dejar que cualquier relación maternal amorosa se fuera a un lado. Al igual que con su padre, Sado amaba y veneraba a su madre, pero su relación tampoco era muy enriquecedora.

Como príncipe heredero, Sado se casó muy joven con Lady Hyegyong, la hija de un erudito pobre pero con un linaje y una capacidad de conocimiento impresionantes. La novia y el novio tenían alrededor de ocho años. Hyegyong finalmente escribió sus memorias hablando de su vida en la corte real y con Sado. Ella informa que estaba bastante ansiosa por ser seleccionada como la esposa del príncipe heredero "como si hubiera una premonición de la miríada de pruebas y tribulaciones que [ella] atravesaría en el palacio". Dado que la pareja nupcial era tan joven, su relación fue la de compañeros de juegos de la infancia al principio. Vivían en casas separadas, y aunque las damas de la corte eran muy amables, Hyegyong todavía era un niño de ocho años arrojado a una situación drásticamente diferente. Ella estaba completamente abrumada. Entonces, aunque los dos niños parecían llevarse bastante bien, ella no podía brindar apoyo real a Sado. Sin embargo, el padre de Hyegyong pudo intervenir y brindar el cuidado paternal al joven Sado que tanto le faltaba.

Un año y medio después del matrimonio en 1746, Sado enfermó gravemente. Cuando se recuperó, él y Hyegyong fueron trasladados a un nuevo hogar. El palacio estaba cerca de su madre aparentemente para que ella pudiera ayudar a cuidarlo. Esta enfermedad parece ser un punto de inflexión para Sado. Nadie está muy seguro de qué estaba enfermo, pero durante su enfermedad y después de su recuperación, el comportamiento de Sado se volvió errático. No hay muchos detalles sobre esto, sin embargo, los informes dicen que a pesar de esto, Sado se tomó en serio sus estudios y sus actividades atléticas. Sin embargo, las relaciones con su padre no mejoraron, y poco tiempo después de su recuperación, Sado y Hyegyong fueron alejados de la corte para que Yeongjo no tuviera que lidiar con él. Sado se aisló aún más de su familia debido a esto.

Después de que Sado tuviera su ceremonia de mayoría de edad a los 14 años, él y Hyegyong comenzaron a vivir como un hombre y una esposa más tradicionales. Poco después, tuvieron un hijo, que lamentablemente solo vivió hasta los 2 años de edad. La pareja lloró profundamente por su hijo perdido, como era de esperar. Sin embargo, un nuevo hijo nació un año después, en 1752. Las cosas parecían mejorar para la joven pareja. Luego, el extraño comportamiento de Sado empeoró. Los historiadores especulan que un ataque de sarampión exacerbó su ya agitado estado y Sato comenzó a tener alucinaciones y pesadillas. Creía que podía ver al dios del trueno y tenía un miedo irracional al cielo. Sado estaba convencido de que su padre lo culparía por cualquier tormenta eléctrica que azotara el país. Estaba obsesionado con la magia de Taiost, en particular con el libro conocido como Jade Spine Scriptures. Tardaría horas en vestirse y elegir ropa. Se quemaron trajes enteros como ofrenda espiritual. Su ropa se asoció con el clima y agradaría o desagradaría a los dioses del cielo según criterios que solo él podía entender. A pesar de esto, Yeongjo comenzó a enviar a Sado en su lugar para más y más deberes oficiales, especialmente los que Yeongjo no quería hacer. Esto incluyó la supervisión de la tortura de los prisioneros imperiales, lo que no mejoró el estado mental de Sado.

Ahora la política de la corte toma una mano. Tanto Sado como Yeongjo estaban teniendo aventuras con damas de la corte. Afortunadamente, diferentes. Sin embargo, esto afectó su ya pobre relación, ya que Sado tenía dos hijos con sus concubinas y Yeongjo tenía dos hijas. Yeongjo estaba extremadamente celoso de los dos hijos. Para empeorar las cosas, el hermano de una de las concubinas de Yeongjo le estaba dando a Yeongjo informes diarios sobre el extraño comportamiento de Sado, embellecido o no. Todo esto sucedió cuando Sado llegó al lecho de muerte de la reina y fue recibido por su padre. Yeongjo reprendió y gritó a Sado hasta que Sado escapó por una ventana y corrió a casa. Alrededor de este tiempo, Sado desarrolló un tartamudeo pronunciado, que no hizo más que enfurecer más a su padre, quien estaba convencido de que estaba borracho. En un encuentro memorable, Yeongjo estaba regañando a Sado, quien a su vez comenzó a perseguir y golpear a los sirvientes. En este momento, el palacio fue incendiado y una Hyegyong muy embarazada apenas escapó con su vida y su hijo pequeño.

A partir de ese momento, el comportamiento de Sado fue violento y errático. Se ocupó de la mayoría de los problemas o molestias al desquitarse con sus sirvientes con violencia. Cuando murió su madre, golpeó a varios eunucos para lidiar con su dolor. Mató a otro eunuco decapitándolo, luego le pusieron la cabeza del cadáver en un palo, que llevó consigo. Hyegyong informa en sus memorias que esa fue la primera cabeza cortada que vio. Se informó que era un violador en serie y se impondría a cualquier mujer, sirvienta o dama de la corte que no accediera de inmediato a sus demandas. Hyegyong también informa que dejaría el palacio y caminaría entre la gente, pero nadie está seguro de lo que hizo, en todo caso. Hyegyong también informa que casi pierde un ojo después de que Sado la golpeara en la cabeza con un tablero de ajedrez. Tuvo suerte porque una de las concubinas de Sado fue asesinada a golpes. Si había algún tipo de evento estresante o tragedia, se esperaba que Sado lo hiciera matando a una serie de sirvientes. Hyegyong informa que Sado dijo: "Alivia mi ira reprimida matar personas o animales cuando estoy deprimido o nervioso". ¡Vaya!

Se ha registrado que Yeongjo le preguntó a Sado por qué estaba cometiendo los crímenes que cometió, a lo que Sado respondió en la línea de: & # 8220 ¡Porque yo & # 8217m sufro! Eres mi padre pero no me amas. & # 8221 También empezó a beber en exceso, lo que supuso una grave violación de la sociedad coreana. En 1762, todos los miembros del palacio, familiares o sirvientes, estaban en peligro. Se desconocen los totales de cadáveres, pero los informes indican que se tuvieron que sacar varios cadáveres del palacio en el que se encontraba todos los días. Sado ni siquiera parecía saber que estaba matando gente ya que estaba en un estado semilúcido la mayor parte del tiempo. Sado dirigió sus peligrosas atenciones a su hermana menor y trató repetidamente de seducirla y luego violarla. Había que hacer algo.

El 4 de julio de 1762, Sado fue citado ante Yeongjo. El príncipe heredero fue despojado de su título y se le ordenó que se metiera en una caja de arroz, que era un gran cofre de madera pesado. Se cerró la tapa y Sado se dejó sofocar en el abrasador calor de julio. Sado duró ocho días en el pecho, sin comida ni agua y murió gritando por piedad. Sus sirvientes y asistentes también fueron ejecutados. Hyegyong toma nota de una terrible tormenta en el octavo día como coincidencia con su obsesión con el dios del trueno. Increíblemente, su muerte fue idea de su madre. Se la cita en las memorias de Hyegyong diciendo a Yeongjo: "Dado que la enfermedad del príncipe se ha vuelto bastante crítica y su caso no tiene remedio, es apropiado que te protejas a ti mismo y al nieto real para mantener el reino en paz. Les pido que eliminen al príncipe a pesar de que tal sugerencia es indignante y un pecado contra la humanidad. Sería terrible que un padre hiciera esto en vista del vínculo de afecto entre padre e hijo, pero es a su enfermedad a la que se debe culpar de este desastre y no al príncipe mismo. Aunque lo elimines, ejerce su benevolencia para salvar al nieto real y permitir que él y su madre vivan en paz ". Sentencia bastante dura de tu madre. Esta fue una acción controvertida en el tribunal, ya que en ese momento la ejecución de Sado significaría la ejecución de toda la familia. Debido a que Sado fue asesinado de la manera en que lo fue, se consideró una escapatoria a esta regla. El rey no lo mató, Sado murió de hambre. Excelente.

Hyegyong no se suicidó como era habitual en ese momento para la esposa de un hombre ejecutado. En cambio, se mantuvo con vida para criar a su hijo e hijas con Sado. Se ha teorizado que ella se mantuvo viva para indicar la inocencia de su esposo o para protestar por el manejo del asunto por parte del rey. En el siglo XIX, se especuló que la enfermedad de Sado era una invención para encubrir su asesinato. Hyegyong escribió sus memorias en respuesta a esa especulación para resolver el asunto de una vez por todas. A pesar de todos los comportamientos terribles, Hyegyong trata a Sado con mucha simpatía cuando se da cuenta de que estaba mentalmente enfermo. El hijo de Sado y Hyegyong, Jeongjo, fue adoptado póstumamente por el hermano mayor de Sato, fallecido hace mucho tiempo. A pesar de todo esto, Jeongjo se convirtió en uno de los reyes más grandes de Corea. Uno de sus primeros actos fue enterrar a su padre en una tumba digna de un rey. Su tumba es ahora un sitio de historia mundial de la UNESCO en 1997.


Desenterraron el cuerpo de Lord Byron & # 8217 en 1938 y se sorprendieron por el tamaño de su polla

A las cuatro de la tarde del 15 de junio de 1938, se cerraron las puertas de Santa María Magdalena. En el interior, unas cuarenta personas esperaban expectantes la apertura de la bóveda de Byron.

La duda debilita la fe más fuerte. Durante algún tiempo, el reverendo canónigo Barber, vicario de la parroquia de Hucknall, estuvo preocupado de que el cuerpo en la cripta de su iglesia de Santa María Magdalena, Nottinghamshire, no fuera el del poeta Lord Byron sino posiblemente un impostor. No estaba muy seguro de quién más podría haber sido, pero a menudo se preguntaba si, de hecho, había un cuerpo en la cripta. Fue una pequeña duda que creció a partir de las preguntas formuladas por los muchos visitantes de la parroquia, que vinieron a peregrinar en el lugar de descanso final del poeta (supuestamente). La pregunta que más le preocupaba: ¿Pero cómo sabes que está enterrado aquí?

Cuando Byron murió de fiebre a la edad de 36 años en Missolonghi, Grecia, el 19 de abril de 1826, cinco médicos le abrieron el cuerpo y le extirparon el cerebro y los órganos internos. Qué buscaban, uno tiene que preguntarse, pero se cree que los griegos querían que una parte de su héroe poeta se mantuviera en su país. La última aventura de Byron lo llevó a Grecia con la intención de liberar al país de sus gobernantes otomanos. La idea de tener un símbolo tangible del poeta bastaría para inspirar a los griegos a seguir luchando.

De vuelta en Blighty, hubo controversia sobre dónde se enterraría al poeta. La Abadía de Westminster se negó en el terreno & # 8217s de Byron & # 8217 & # 8220s & # 8220 cuestionable moralidad & # 8221 Después de varias semanas de negociaciones, el cadáver fue finalmente enviado de regreso a Inglaterra, embalsamado en una tina de marca, para su entierro en la Iglesia de Santa María. Magdalena.

A principios de 1938, Canon Barber le confió al director de la iglesia AE Houldsworth sus dudas y expresó su intención de examinar la bóveda de Byron y aclarar todas las dudas sobre el lugar de entierro del poeta y compilar un registro del contenido de la bóveda. . & # 8221

Canon Barber escribió a su miembro del Parlamento local solicitando permiso del Ministerio del Interior para abrir la cripta. También le escribió al Lord Byron sobreviviente, que entonces era Vicario de Thrumpton, pidiéndole permiso para ingresar a la bóveda familiar. El Vicario dio su consentimiento y & # 8220 expresó su ferviente esperanza de que el gran tesoro familiar fuera descubierto con sus antepasados ​​y devuelto a él. & # 8221

A las cuatro de la tarde del 15 de junio de 1938, se cerraron las puertas de Santa María Magdalena. En el interior, unas cuarenta personas esperaban expectantes la apertura de la bóveda de Byron. Según las notas escritas por Houldsworth, entre los asistentes estaban:

Rev.Canon Barber y su esposa
Señor Seymour Cocks MP
N. M. Lane, topógrafo diocesano
Sr. Holland Walker
Capitán & amp; Sra. McCraith
Dr. Llewellyn
Sr. y Sra. G. L. Willis (vicario y alcaide # 8217)
Sr. y Sra. C. Banquero G. Campbell
Mr Claude Bullock, fotógrafo
Sr. Geoffrey Johnstone
Mr Jim Bettridge (bombero de la iglesia)

Houldsworth no conocía a los demás.

A las seis y media, los albañiles pudieron quitar la gran losa sobre la bóveda. El Dr. Llewellyn usó la seguridad de un minero para bajar a la abertura para probar el aire. La primera vista de la bóveda reveló que era un área sorprendentemente pequeña con dos ataúdes ornamentados.

Desde una vista lejana, los dos ataúdes parecían estar en excelentes condiciones. Cada uno estaba coronado por una corona. La corona en el ataúd central tenía seis orbes en tallos largos, pero la otra corona aparentemente había sido despojada de los orbes plateados que originalmente se habían fijado en tallos cortos cerca del borde.

Los ataúdes estaban cubiertos con terciopelo púrpura, ahora muy descolorido, y se habían quitado algunas de las asas. Un examen más detenido reveló que el ataúd central era el de la hija de Byron, Augusta Ada, Lady Lovelace.

Al pie de la escalera, descansando sobre un ataúd de plomo de un niño, había un ataúd que, según la inscripción en la tapa de madera y en el ataúd en el interior, contenía el corazón y el cerebro de Lord Noel Byron. La bóveda también contenía otros seis proyectiles de plomo, todos en un estado considerable de disolución y los ataúdes inferiores en los niveles estaban casi aplastados por el inmenso peso sobre ellos.

Lord Byron en su lecho de muerte, Joseph-Denis Odevaere, c. 1826

Al ataúd de Byron le faltaba la placa de identificación, los adornos de bronce y la cubierta de terciopelo. Parecía sólido pero suave y esponjoso al tacto. Houldsworth pidió a Johnstone y Bettridge que le ayudaran a levantar la tapa. Dentro había un caparazón de plomo. Cuando esto fue retirado, se vio otro ataúd de madera en el interior.

Después de plantear esto, pudimos ver el cuerpo de Lord Byron, que se encontraba en un excelente estado de conservación. No se había producido ninguna descomposición y la cabeza, el torso y las extremidades eran bastante sólidos. Las únicas partes esqueletizadas fueron los antebrazos, las manos, la parte inferior de las espinillas, los tobillos y los pies, aunque su pie derecho no se vio en el ataúd. El cabello de su cabeza, cuerpo y extremidades estaba intacto, aunque gris. Su órgano sexual mostró un desarrollo bastante anormal. Tenía un agujero en el pecho y en la parte posterior de la cabeza, donde le habían extraído el corazón y el cerebro. Estos se colocan en una urna grande cerca del ataúd. La fabricación, adornos y mobiliario de la urna es idéntica a la del ataúd. El medallón esculpido en la pared del presbiterio de la iglesia es una excelente representación de Lord Byron tal como aparecía todavía en 1938.

Detalle de una litografía de Lord Byron y Marianna Segati, y la esposa de su casero en Italia y su amante

Algunos han afirmado que Byron tenía una erección enorme. En la década de 1970, Houldsworth le dijo a un periódico local que el pene de Byron era tan grande y tan largo como el de un pony. Se observó que los hombres presentes se turnaron para entrar en la bóveda para ver el cuerpo de Byron. antes de volver (sin duda en estado de shock y asombro) a la iglesia de arriba. No se menciona cómo respondieron las mujeres. Houldsworth también le escribió más tarde a uno de los biógrafos de Byron, Elizabeth Longford, que al poeta, que le faltaba la parte inferior de la pierna, el que tenía el pie zambo, se encontraba en la parte inferior del ataúd.

Desafortunadamente, el fotógrafo presente se negó a tomar fotografías del cadáver de Byron & # 8217 por temor al sacrilegio & # 8211.bueno, esa fue su excusa. Sin embargo, sí tomó una foto de los dos ataúdes que aparecía en el libro del Rev.Canon Barber & # 8217s. Byron & # 8211 y donde está enterrado en 1939.

Detalle de un retrato a lápiz de Lord Byron (sin fecha, ca. 1820), firmado "M.B.", una copia después de G.H. Harlow. Biblioteca Pública de Nueva York


Entierro prematuro y las extrañas formas en que algunos intentaron prevenirlo

Si bien muchas personas hoy en día experimentan tapofobia, o el miedo a ser enterradas vivas, la amenaza de un entierro prematuro era más real para las personas durante los días más oscuros de la medicina. A lo largo de los siglos XVIII y XIX y en el siglo XX, la preocupación por ser enterrado mientras aún vivían invadió las mentes de los que aún vivían, lo que llevó a interesantes directrices que debían llevarse a cabo tras la muerte escritas en últimas voluntades y testamentos. En aquellos días, los médicos o las personas sin formación médica responsables de declarar a alguien muerto a menudo carecían de la experiencia para determinar la diferencia entre un cadáver y una persona que sufría de catalepsia o una parálisis similar o alguien que había caído en coma. 8

Durante los meses de verano, cuando las temperaturas eran altas, era una práctica común enterrar el cuerpo entre veinticuatro y setenta y dos horas. Este entierro rápido antes de la introducción de métodos modernos de embalsamamiento fue para evitar que el cuerpo se descompusiera en el hogar donde generalmente se realizaba el funeral, lo que sin duda crearía un ambiente desagradable para los dolientes. Durante las epidemias, era incluso más probable que alguien fuera enterrado accidentalmente debido a la prisa por deshacerse de los cadáveres enfermos. Algunas enfermedades, como el cólera, dejaron a la víctima con un aspecto demacrado y demacrado que podría confundirse con la muerte.

El número real de personas enterradas vivas entre las décadas de 1800 y 1900 sigue siendo un misterio, pero hay una serie de casos que fueron bien publicitados y los horripilantes detalles transmitidos sobre ellos en los periódicos y a través del boca a boca fueron suficientes para alimentar las inquietudes. de las masas. Aquí hay algunos relatos que tuvieron lugar en los Estados Unidos.

El 10 de enero de 1884, Anna Hockwalt de Dayton, Ohio, bajó las escaleras a la cocina después de vestirse el día de la boda de su hermano poco después de las 6:00. La encontraron & # 8220dead & # 8221 poco después, sentada en una silla con la cabeza apoyada contra la pared. La boda continuó y se determinó que su muerte era el resultado de una palpitación comprensiva del corazón combinada con la disposición naturalmente nerviosa de Anna. Anna fue enterrada en Woodland, pero sus amigos temían que la hubieran enterrado viva porque sus oídos carecían de la espantosa palidez de la muerte. Compartieron sus sospechas con los padres de Anna, quienes finalmente la desenterraron. Cuando se abrió su ataúd, fue un espectáculo horrible. She was on her right side, her fingers chewed to the bone, and her hair pulled from her head. Attempts were made to conceal the news of Anna’s living burial, but by early February the secret was out. 9

J. Jenkins of Asheville, North Carolina, who had been ill for several weeks and finally showed the signs of death in January 1885. No pulse could be detected, he stopped speaking, he was unable to be awakened, and his skin became cold. He was buried even though people noticed that his body never became stiff. In February his family wanted to move the body to a different cemetery and when they opened the casket to see if a metallic burial case was needed for the move, they were met with a scene similar to the one of Anna Hockwalt. Jenkins’ body was turned over, his hair had been pulled out, and the inside of the wooden casket were scarred with the scratch marks where he’d tried to claw his way out. 3

Chicago’s John Burke was buried in 1890 even though noises were heard from his coffin as it was being lowered into the grave. Several days later his grave was opened to check if he had actually been dead when buried. John’s “body twisted, features distorted tongue bitten nearly in two finger nails imbedded in the flesh, and every indication that a struggle had taken place.” 6

Catherine Boger from the village of Morrison’s in Pennsylvania fell ill in 1893. It was believed that she had died and Dr. Willard determined that she had expired based on her no longer showing any signs of life and the “diaphanous test” in which he held an intense light to her hand to observe if there was a scarlet line. Sometime after her burial someone approached Catherine’s husband, suggesting that she had been prone to hysteria and could have been buried alive. Mr. Boger became a “raving maniac” and finally convinced his friends to dig up the grave. Upon opening her coffin they found that Catherine’s glass lid was broken, her body turned over, her hair mussed, and her skin and clothing were ripped during her struggle to free herself from the grave. 2

Wealthy New Yorker James Rigely was buried at Pendleton in February 1899 after being in a “trance state” for three days. He had taken out several life insurance policies, which prompted an autopsy request to ascertain his cause of death. “The glass covering the casket was broken and the distorted features of the corpse, the position of his hands and feet, together with a number of blood spots on his face, showed that he was buried alive.” 10

The fear of being buried alive was so intense for some that they made provisions in their wills to prevent such a burial. Author Harriet Martineau originally wanted her head removed, but later changed that directive to instead sever her jugular vein. Actress Ava Cavendish and Edmund Yates also wanted their jugular veins cut before burial. 5 Hans Christian Andersen carried a card that he placed in hotel rooms while traveling which read, “I am not really dead”. Shortly before his death Andersen asked a friend to sever his arteries if he was ever declared dead, just to be on the safe side. Bishop Berkeley wanted his corpse to remain unburied for five days until it was “offensive by the cadaverous smell.” excursions Lady Burton, the spouse of the explorer Sir Richard Burton, wanted a needle stuck through her heart upon her death. 4

These special provisions to guard against being buried alive weren’t limited to public figures. One account of a private citizen with a similar request involves George Fay of New Jersey who was so troubled by nightmares about being buried alive that he asked his family to hold off on burying him until he was obviously beginning to decompose and then a dagger should be thrust through his heart and then left in his chest. His family carried out his wishes, keeping his corpse above ground for two weeks before stabbing him through the heart and burying him. 1 Former Boston attorney Alfred Giles believed that death was gradual and took place over a long period of time. He created a mortuary room behind a closet in his home where he wanted his body to remain until it had decomposed, which he claimed could be forty or more days. During that time, friends and family (not just an undertaker) would tend to the corpse. 7 To read the complete article about Mr. Giles’ fear of being buried alive, visit Misc. Tidings of Yore.

This post is by no means an exhaustive study of premature burial. I plan on writing more in the future on the topic to include coffin innovations, burial reform, and steps taken by government officials and societies to prevent live burials from occurring. In the meantime, look alive!


Middle Byzantine secular art

For many of us, “Byzantine art” evokes gold icons with sacred figures or splendid church interiors. But the Byzantines also created art and architecture with no religious imagery and without explicit religious functions in mind.

Religious vs. secular?

Admittedly, classifying medieval art in tidy categories of the “religious” or “secular” is a bit anachronistic, especially in the arts of the Byzantine court, where religious and political elements were often seamlessly blended. Por ejemplo, el Book of Ceremonies, compiled in the 10th century, describes the elaborate protocols that shaped life in the Byzantine palaces, and many—such as the coronation of a new emperor or empress—involve aspects that we would today call both religious and political.

los Book of Ceremonies describes the patriarch (a bishop who was the highest-ranking church official in Constantinople) crowning the emperor in the cathedral of Hagia Sophia:

[The patriarch] says a prayer over the ruler’s imperial crown, and having completed it, the patriarch himself takes the crown and places it on the ruler’s head. Immediately the people cry out, “Holy, holy, holy! Glory to God in the highest and peace on earth,” three times. Then: “Many years to so-and-so, great emperor and sovereign!”

The patriarch crowning emperor Constantine II, in the Madrid Skylitzes, between 1126 and 1150? (Biblioteca Nacional de España, Vitro. 26-2, fol. 114v)

An image in the twelfth-century Madrid Skylitzes, which shows the patriarch crowning emperor Constantine II, offers us a glimpse of what such a coronation event might have looked like. Such texts and images demonstrate that the sacred and secular often mingled in Byzantium. Acknowledging this, let us nevertheless consider Middle Byzantine “secular” artworks that display non-religious images and motifs.

Emperor Alexios V (Österreichische Nationalbibliothek Cod. Hist. gr. 53, fol. 291v)

Silks

Manuscript illuminations show the gorgeous silk ceremonial garb of the court, as seen in this depiction of emperor Alexios V , whose brief reign ended with the Fourth Crusade‘s conquest of Constantinople in 1204. The emperor wears deep purple silk, not decorated with religious motifs, but with white medallion patterns that display a griffin at the center. Similar textiles survive, including an example at the cathedral treasury in Sion, Switzerland.

Byzantine silk with paired griffins in roundels, 11th century, Valère Basilica, Sion, Switzerland (photo: Wikimedia Commons, CC0)

Although brownish-looking now, chemical analysis shows this Byzantine textile once had the rich purple hue seen in the manuscript since the silk was dyed with “murex,” an extremely expensive purple dye whose use was tightly restricted to the highest echelons of Byzantine society. The shared griffin imagery on both the manuscript illumination garment and Sion textile is typical of luxury goods, which often featured exotic and fictive creatures. The griffin is a mythical creature with the head and wings of an eagle, the body of a lion, and sometimes a snake for a tail, which originated in the ancient world and appears in the arts of many cultures.

Ceramics

A menagerie of strange beasts also populates Byzantine ceramics. A twelfth-century plate, recovered from a medieval shipwreck, shows a cheetah attacking a deer.

Plate with cheetah attacking a deer, mid-12th century, glazed earthenware with sgraffito decoration (Nea Anchialos Archaeological Collection, photo: National Gallery of Art)

Other Byzantine ceramic vessels featured abstract ornaments or even scenes from popular stories, such as this thirteenth-century plate that might render a scene from the tales of Digenis Akritis which roughly translates as “biracial border lord.” The Digenis Akritis is a Byzantine poem of the twelfth century that narrates the exploits of a fictional hero of Byzantine and Arab descent named Basil on the eastern frontier of the Byzantine empire.

Plate with lovers, first half of 13th century, probably from northern Greece or eastern Thrace, glazed earthenware with champlevé decoration (Archaeological Museum of Ancient Corinth, photo: National Gallery of Art)

The plate shows a woman perched on the lap of a young man. It includes details such as the rabbit on the right, which broadcasts the amorous intentions of the central figures, since this animal symbolized fecundity and sex to its medieval audience.

Ivory Boxes

A similar playfulness is seen in the imagery of Middle Byzantine ivory and bone boxes, or caskets, of which over forty survive. Additional panels also survive, detached from boxes that are now lost. While some caskets display Biblical figures such as Adam and Eve, many instead portray an eclectic array of figures that seem calculated to delight rather than edify.

Veroli Casket, 950–1000 C.E., Constantinople, wood overlaid with ivory and bone, traces of gilding and paint (Victoria and Albert Museum, London, photo: Steven Zucker, CC BY-NC-SA 2.0)

The tenth-century Veroli Casket includes scenes from classical mythology such as the hero Bellerophon with his winged horse Pegasus.

Detalle de Veroli Casket, 950–1000 C.E., Constantinople, wood overlaid with ivory and bone, traces of gilding and paint (Victoria and Albert Museum, London, photo: Steven Zucker, CC BY-NC-SA 2.0)

Strips of ivory decorated with rosettes, which frame the scenes on the Veroli Casket, are another common characteristic of such boxes. Carved pieces of bone and wood attach to a wooden armature, which come in a few standard shapes. Earlier scholarship assumed these lavish works were made for women, but there is no imagery or other evidence that suggests they were seen as particularly feminine. Instead, what is clear is the use of classical, pagan imagery to signal the erudition and status of the owners, who may have used such boxes to store a range of precious objects.

Bowl, 11th–12th century, enameled and gilded glass, 17 x 33 cm (with handles) (Treasury of San Marco, Venice, photo © Regione del Veneto)

San Marco bowl

An exquisite tenth-century glass bowl now in Venice’s San Marco illustrates another way the classical is rendered in Middle Byzantine art.

Detail of bowl, 11th–12th century, enameled and gilded glass, 17 x 33 cm (with handles), Treasury of San Marco, Venice (photo © Regione del Veneto)

Warrior placing wreath around column, carnelian ring stone, 3rd–2nd century B.C.E., Italic, carnelian, 1.4 cm high (photo: The Metropolitan Museum of Art, CC0)

Various attempts have been made to connect the imagery on the San Marco bowl with specific classical myths, identifying such figures as Dionysus, Hermes, and Mars. But none of those explanations have ultimately been persuasive. The elegantly-posed nudes on the bowl, pictured in dramatic contrast with the dark enamel background, convey a loose sense of the classical rather than recounting a specific myth. A medieval audience would have recognized this object to be of the highest quality in terms of workmanship and value, and the classicizing rendering of figures, which vaguely allude to mythological scenes, further enhanced its status. Perhaps the scenes were inspired by ancient carved gems—such as this carnelian ring stone at The Metropolitan Museum of Art—which similarly show vignettes in silhouette?

Like the Veroli Casket and the Paris Psalter, the San Marco bowl has been attributed to the so-called “Macedonian Renaissance,” a phase of Middle Byzantine art soon after the end of Iconoclasm in which classical subject matter and a more naturalistic style were preferred by patrons of the Macedonian imperial family.

This bowl also references contemporary luxury goods from the Islamic world that were circulating around the eastern Mediterranean at this time. Around the inside of its rim and exterior of its base, the bowl displays pseudo-Arabic inscriptions. These are an imitation of a Kufic script, but they are not actual, readable texts. Alicia Walker has theorized that these classicizing figures and pseudo-Arabic inscriptions indicate that this vessel may have been used for divination , which was associated with ancient gods and eastern cultures. [1] But the significance of these non-Christian motifs remains uncertain.

Detail of bowl, 11th–12th century, enameled and gilded glass, 17 x 33 cm (with handles), Treasury of San Marco, Venice (photo © Regione del Veneto)

Even after the end of the Byzantine Iconoclastic Controversy that raised religious concerns over images, Byzantine artists and patrons continued to use and enjoy many kinds of non-religious images and subject matter. Sometimes this imagery overtly connected to classical mythology or medieval folktales, but other times—as with creatures both fictive and real—the imagery did not come from a specific story but was derived from a broader visual culture shared around the eastern Mediterranean in both Christian and Islamic artworks.

[1] Alicia Walker, “Meaningful Mingling: Classicizing Imagery and Islamicizing Script in a Byzantine Bowl,” The Art Bulletin 90.1 (March 2008): 32–53.

Additional resources

Eunice Dauterman Maguire and Henry Maguire, Other Icons: Art and Power in Byzantine Secular Art (Princeton: Princeton University Press, 2007).

Constantine Porphyrogennetos, The Book of Ceremonies, 2 vols., trans. Ann Moffatt and Maxeme Tall (Canberra: Australian Association for Byzantine Studies, 2012).

Alicia Walker, “Meaningful Mingling: Classicizing Imagery and Islamicizing Script in a Byzantine Bowl,” The Art Bulletin 90.1 (March 2008): 32–53.


Humanizing a Museum’s Ancient Mummies

“The story of mummification begins with a person’s death,” starts the Momias exhibition now at the American Museum of Natural History (AMNH) in New York. And each of the long-deceased Peruvian and Egyptian people are treated as individuals, even as they’ve become museum objects in their afterlives. The traveling show is developed from the collections of the Field Museum in Chicago, with 18 featured mummies.

A “false head” that would have sat on a Chancay mummy from today’s Peru (photo by John Weinstein, 2015 The Field Museum)

Co-curated by David Hurst Thomas, AMNH curator of North American archaeology, and John J. Flynn, AMNH curator of fossil mammals, Momias presents the artifacts of interment as portals to the moment of burial, revealing ancient relationships with death. And the display of the mummies in this exhibition closely mirrors current practices in museums of Peru and Egypt. No photography is allowed (and you’ll notice none of the Peruvian bundles in these press images), loud voices are hushed it’s a contrasting experience to, say, the frenzy around the Egyptian mummies at the British Museum.

“Our policy on the display of human remains states that where human remains are exhibited, they will be displayed in a culturally appropriate, sensitive, and informative manner, and always accompanied by explanatory and contextual interpretation,” Ryan Williams, curator of archaeological science at the Field Museum, told Hyperallergic. “Display of human remains will only be made in accordance with the values of the relevant community and/or in accordance with appropriate museum practice. In Peru and Egypt, mummies are widely displayed in national and community museums and we know from ethnohistoric sources that mummies were publicly displayed as honored ancestors in Peru in some of their original cultural contexts.”

This is the Field Museum mummies’ first time on tour (aside from their initial journey to Chicago). The Peruvian and Egyptian traditions which are separated on two sides of the exhibition represent two of the world’s oldest mummy-making practices. South America’s mummies are much older, going back to the Chinchorro culture of 5,000–2,000 BCE. This is deliberate preservation of the dead, as opposed to just tumbling into a bog or being buried in a dry desert. The Peruvian mummies, their limbs bent to their chests, were usually topped with a false head, sometimes a clay mask formed from the face of the corpse the Egyptian mummies were reclined with arms crossed and cocooned in several secure, ornately-decorated coffins.

Although both cultures deliberately preserved the decaying body, by de-fleshing bones or embalming, the relationship with these corpses was very different. A diorama in Momias of a Chancay burial pit has containers of food and chicha beer made from corn, with a nearby case showing examples of these vessels molded like people offering the dead a drink. These were regularly refreshed by the deceased’s family, whose members would periodically bring the mummies up to the surface to attend festivals. A 1440–1665 CE model found at Huaca de la Luna, Peru, exhibited in the recent Design for Eternity: Architectural Models from the Ancient Americas at the Metropolitan Museum of Art, featured three tiny mummies presiding over a Chimú palace ritual.

Chicha (corn beer) pots, which were buried with mummies along with other food. The vessels’ figures hold tiny cups, as if offering the dead a drink (photo by John Weinstein, © 2015 The Field Museum)

In Egypt, mummifying the dead was an industry, with coffin makers and professional embalmers who took over the funerary rites from the families. Sarcophagi were painted and gilded, tombs with heavy lids were built. Once placed in their elaborate tombs, surrounded by their grave goods, the dead were sealed away for eternity. While in Peru the living continued a physical relationship with the dead, in Egypt they were sent off with provisions for the next existence.

A reflective tone pervades the low-lit galleries, where Peruvian mummy bundles and Egyptian mummies with gilded faces are arranged in glass and wood cases. Alongside are “touch tables” where recent CT scans allow viewers to pull back the wrappings, whether on a mummified Egyptian gazelle or a Peruvian woman with a newborn, something that in the past would have been physically done by archaeologists. Offerings and amulets are revealed through 3D scans, offering a tactile connection to the artifacts.

Installation view of Momias, with a Greco-Roman coffin lid for a woman (© AMNH / C. Chesek)

Momias was developed as the first of the Field Museum’s Opening the Vaults series of exhibitions that feature old collections and cutting edge research and technology,” Jaap Hoogstraten, director of exhibitions at the Field Museum, told Hyperallergic. “Many of the mummies on exhibit haven’t been displayed publicly since the 1893 World’s Columbian Exposition in Chicago and we felt that the historic, early 20th-century cases intuitively communicate that these are old collections.”

CT scanning and subsequent 3D imaging of a wooden coffin of an ancient Egyptian teenage boy, showing the coffin was too big for him (© The Field Museum)

Christopher Heaney at the History of Anthropology Newsletter published an article earlier this year on the 1893 display of the Peruvian mummies at Chicago’s world’s fair, noting it included an “ancient Peruvian burial ground” populated with numerous burial bundles and associated artifacts. These were divided between the Field Museum and Harvard’s Peabody Museum of Archaeology and Ethnology following the Exposition’s close. Significantly, these mummies were excavated and curated by George A. Dorsey, who was the first American to receive a PhD in anthropology in the United States. Often in this early era of display, the mummies were completely exposed. The Internet Archive has a digitized guide to AMNH from 1911, showing an unwrapped Peruvian mummy and two intact bundles, along with a map directing visitors to “shrunken human heads” and the “mummy of a copper miner” in a “South American Indians” gallery.

One of the first mummies Momias visitors encounter is an older man with bared teeth and skin, a label explaining that a century ago, archaeologists unwrapped his bundle and detached his head in the process. These disassemblies could be more spectacle than research, such as the infamous Victorian mummy unwrapping parties, or a hazard of grave robbing, as with an Egyptian mummy on view whose coffin was broken in a search for valuables. Sometimes unraveled mummies were even ground into pigment. However with the emergence of non-invasive imaging, at least mummies were more protected in the realm of science, and Momias shows how researchers have been early adopters of technology.

Mummy and a CT scanner in Momias (© AMNH / C. Chesek)

Egyptologist Flinders Petrie examined mummy extremities with the X-ray in 1897, only a couple of years following Wilhelm Röntgen’s first X-ray photograph of his wife’s hand, and by 1931 Roy Moodie was systematically X-raying the Egyptian mummies at the Field Museum. Later in 1977, a mummy was studied with a CT scanner, four years after the technique was introduced. Ahora Momias visitors can witness the Roman-era Egyptian “Gilded Lady,” so named for her golden headdress, and also know she was a woman in her forties with curly hair and an overbite, who possibly died of tuberculosis. DNA analysis and facial reconstructions are continuing to expand the knowledge of the past through these remains.

Museums have been slow to return indigenous human remains from their collections, although the tide is shifting with major repatriations like the Spirit Cave mummy to the Fallon Paiute-Shoshone Indian Tribe. Even if mummies are being exhibited sensitively, and respectfully of their cultures, it can be a complicated thing to argue that in 2017 we still need to see the bones, the wrappings, the angles of bodies bound by fabric. Sin embargo, el Momias exhibition is surprisingly compelling in its empathy for the past. One recent conservation discovery is a drawing of the Egyptian goddess Nut on the interior of a coffin, as if the dead were reclining into her protective arms. Momias closes with an illuminated 3D reconstruction of a man who lived in ancient Peru, with text stating: “The dead have more to tell us. We’re finding new ways to listen.” The mystery of the mummies is not only what is beneath the cloth, but who they were as people, and that affirmation in contemporary displays is essential.

The “Gilded Lady,” a well-preserved mummy from Roman-era Egypt (photo by John Weinstein, © 2015 The Field Museum)

The “Gilded Lady” CT scan, showing she was a woman in her forties with curly hair and a slight overbite (© The Field Museum)

Detail of paintings of the sky goddess Nut (the woman with outstretched wings) and the Sons of Horus (the four animal-headed figures) on the mummy of a 14-year-old Egyptian (photo by John Weinstein, 2015 The Field Museum,)

Mummified gazelle from Egypt (photo by John Weinstein, © 2015 The Field Museum)

An Egyptian plain red coffin, with the paint worn away exposing its wood grain and construction seams (© AMNH / C. Chesek)

Detail of a coffin from the late 25th Dynasty or early 26th Dynasty of ancient Egypt, showing the god Thoth holding the hand of a just deceased man, who is introduced to Osiris, god of the underworld, with the lower band showing the deceased being embalmed by Anubis (photo by John Weinstein, © 2015 The Field Museum)

Momias continues through January 7, 2018 at the American Museum of Natural History (Central Park West at 79th Street, Upper West Side, Manhattan).


Los Paris Psalter

Why would a Biblical king surround himself with pagans? los Paris Psalter embodies a complex mixture of the classical pagan past and the medieval Christian present—all brought together to communicate a political message by the Byzantine emperor.

The Byzantine Empire, which ruled areas of the eastern Mediterranean from the fourth through fifteenth centuries, left a dazzling visual legacy that has influenced other medieval Christian and Islamic societies as well as countless artists in our own time.

What is a psalter?

The word “Psalter” in the name of this manuscript is the term we use for books and manuscripts of the Hebrew Bible’s Book of Psalms. Psalters were one of the most commonly copied works in the Middle Ages because of their central role in medieval church ceremony.

The images

David Glorified by the Women of Israel, de The Paris Psalter, C. 900 C.E. 14-1/8 x 10-1/4″ / 36 x 26 cm (Bibliothèque nationale de France)

This work was unusually large and lavishly illustrated, with 14 full-page illuminations included in its 449 folios (a folio is a leaf in a book). Eight of these images depict the life of King David, who was often seen as a model of just rule for medieval kings. Because King David was traditionally considered the author of the Psalms, he is shown here in the role of musician and composer, sitting atop a boulder playing his harp in an idyllic pastoral setting.

This manuscript so carefully follows models from prior centuries that scholars once thought it was made during the reign of the Byzantine Emperor Justinian in the sixth century. Only later did research demonstrate that the Paris Psalter was actually made in the tenth century as an exquisite imitation of Roman work from the third to fifth centuries—in other words, it was part of an intentional revival of the Classical past. Classical style, as a general term, refers to the naturalistic visual representation used during periods when, for example, the Roman emperors Augustus and Hadrian ruled.

Classical revival

The period of classical revival that produced the Paris Psalter is sometimes called the Macedonian Renaissance, because the Macedonian dynasty of emperors ruled the Byzantine Empire at the time. This classical revival followed Byzantine Iconoclasm. The notion that this Byzantine revival of the Roman past was a Renaissance, in the sense of a full-scale revival of classical thinking and art such as in the Italian Renaissance, has been questioned. However, there is no doubt that we see in this, and other contemporary works, a conscious appropriation of elements of the classical artistic vocabulary.

Thus we have the conundrum of the Biblical David encircled by classical personifications (a figure that represents a place or attribute). In this example, the seated woman embodies the attribute of Melody. David’s seated posture with his instrument is likely based on the classical tragic figure Orpheus, usually shown similarly positioned holding his lyre. Likewise the hazy buildings in the background also belong to the Greco-Roman tradition of wall painting. The meaning of the personifications such as the woman, Melody, perched beside David, is intriguing—within the medieval Christian context she presumably has now become a symbol of culture and erudition as opposed to her earlier significance as a minor deity in the pagan classical world.

Notice how the surroundings including plants, animals and landscape differs from the resplendent gold backgrounds used in the imperial mosaics of Justinian and Theodora at Ravenna or the icon we call the Vladimir Virgin. In contrast, David is depicted naturalistically as a youthful shepherd, rather than the grand king he was to become. The classicizing, more realistic style of the figures and the landscape coupled with the overt classical allusions made by the personifications show the pains taken to render a coherent vision uniting subject and style.

Rape of Europa (detail, lid), Veroli Casket, second half of the 10th century, wood overlaid with ivory with traces of polychrome and gilding (Victoria and Albert Museum)

Connecting with great emperors of the past?

Other Byzantine art from the so-called Macedonian Renaissance, such as the ivory Veroli Casket (above), also show a renewed interest in classicism that called upon Late Roman artistic models. The patron of the Paris Psalter perhaps sought to liken himself this way with great emperors of the past by reviving a style that had been out of favor for hundreds of years and perhaps evoked a “golden age.” Choice of artistic style could function as a tool for conveying meaning within the sophisticated Byzantine society at the time.

los Paris Psalter was produced in Constantinople, today known as Istanbul, and takes its name from its modern location, Paris’ Bibliothèque Nationale. los Paris Psalter manuscript, like most western medieval manuscripts, was not made from paper, but from carefully prepared animal skins. Medieval manuscripts were far more rare and precious than mass-produced modern printed books. Large-scale examples, such as this, made for an aristocratic if not imperial patron, show how Biblical art of the highest craftsmanship could serve many purposes for its medieval audience and patrons.


Ver el vídeo: El Vaticano finalmente abrió la tumba de Cristo (Enero 2022).