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Publicado "Lo que el viento se llevó"

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Margaret Mitchell Lo que el viento se llevó, una de las novelas más vendidas de todos los tiempos y la base de una película de gran éxito de 1939, se publica el 30 de junio de 1936.

En 1926, Mitchell se vio obligada a dejar su trabajo como reportera en el Atlanta Journal para recuperarse de una serie de lesiones físicas. Con demasiado tiempo en sus manos, Mitchell pronto se inquietó. Trabajando en una máquina de escribir Remington, un regalo de su segundo marido, John R. Marsh, en su estrecho apartamento de un dormitorio, Mitchell comenzó a contar la historia de una belleza de Atlanta llamada Pansy O’Hara.

Al rastrear la vida de Pansy desde el sur antes de la guerra hasta la Guerra Civil y la era de la Reconstrucción, Mitchell se basó en las historias que había escuchado de sus padres y otros parientes, así como de los veteranos de guerra confederados que había conocido cuando era niña. La historia presenta una visión romántica del Viejo Sur y no se relaciona con los horrores de la esclavitud. Aunque era extremadamente reservada sobre su trabajo, Mitchell finalmente entregó el manuscrito a Harold Latham, un editor de MacMillan Publishing de Nueva York. Latham animó a Mitchell a completar la novela, con un cambio importante: el nombre de la heroína. Mitchell acordó cambiarlo por Scarlett.

Publicado en 1936, Lo que el viento se llevó causó sensación en Atlanta y llegó a vender millones de copias en Estados Unidos y en todo el mundo. El libro generó críticas por sus representaciones blanqueadas de la esclavitud. No obstante, Mitchell ganó el premio Pulitzer de ficción en 1937, y en ese momento ya se estaba trabajando en un proyecto cinematográfico. La película fue producida por el gigante de Hollywood David O. Selznick, quien pagó a Mitchell un récord de 50.000 dólares por los derechos cinematográficos de su libro.

Después de probar a cientos de desconocidos y estrellas de renombre para interpretar a Scarlett, Selznick contrató a la actriz británica Vivien Leigh días después de que comenzara la filmación.

Aunque no participó en la adaptación cinematográfica de su libro, Mitchell asistió a su estreno en diciembre de 1939 en Atlanta. Murió solo 10 años después, después de que un automóvil la atropellara a alta velocidad mientras cruzaba la calle Peachtree de Atlanta.


Lo que el viento se llevó: un fenómeno editorial

Lo que el viento se llevó- el libro - fue un fenómeno editorial. No recuerdo haber tenido una novela estadounidense tan larga (1.037 páginas, medio millón de palabras) ni haber pesado tanto (3,5 libras).

MacMillan publicado GWTW en un momento en que la industria del libro, como todas las demás en los EE. UU., todavía estaba sufriendo los resultados de la Depresión. Al menos una persona estaba preocupada por la empresa: Margaret Mitchell.

& # 8220Espero que vendan cinco mil copias ", comentó," para que no pierdan dinero ". En un día, GWTW vendió 50.000 copias.

La novela fue publicada el 30 de junio de 1936. No irrumpió sin previo aviso en la escena literaria, contrariamente a la leyenda popular. GWTW Ya se había hecho una selección del Club del Libro del Mes, y las ventas anticipadas eran notables para una primera novela de un autor tan desconocido, particularmente para un libro de tal extensión.

Nadie estaba preparado para lo que siguió. En tres semanas se habían vendido 176.000 copias a 3 dólares la copia. En medio año, un millón de copias.


OTD in History ... 30 de junio de 1936, se publica la epopeya de Margaret Mitchell sobre el viejo Sur Lo que el viento se llevó

En este día histórico, el 30 de junio de 1936, se publica por primera vez el drama épico de la Guerra Civil del Sur de Margaret Mitchell, Lo que el viento se llevó, el libro más vendido le valió al primer autor Mitchell un Premio Pulitzer de ficción en 1937, y 80 años después $ 30 millones en ventas y es solo superado por la Biblia. Mitchell, reportera del Atlanta Journal, comenzó a escribir el libro mientras se recuperaba de una lesión en la pierna en 1926. En secreto, Mitchell se basó en historias que escuchó sobre el viejo sur desde su infancia, combinadas con una investigación meticulosa para escribir más de 1,000 Drama de página que abarca los períodos anterior a la guerra civil, la Guerra Civil y la Reconstrucción. Casi inmediatamente después de la publicación, el productor de cine de Hollywood David O. Selznick le pagó a Mitchell, un récord en ese momento de 50.000 dólares por los derechos de la película, poniendo su mirada en hacer el mayor éxito de taquilla jamás realizado en Hollywood.

Tres años después, el 1 de julio de 1939, y después de cinco meses, el rodaje concluyó con la versión cinematográfica de Lo que el viento se llevó. La realización de la película fue una producción casi tan larga como el libro. Selznick esperaría dos años para asegurar a Clark Gable de MGM, Metro Goldwyn Mayer, quien distribuiría la película. Selznick también pasaría por varios guionistas, guiones, directores de fotografía y directores antes de que se completara la filmación. La fotografía principal comenzó el 26 de enero y la postproducción terminó el 11 de noviembre de 1939.

La carrera para desempeñar el papel de Scarlett captaría la atención de los medios y del público, la versión de 1938 del reality show "Search for Scarlett", con más de 1.400 mujeres, incluidas todas las actrices de alto perfil de Hollywood, compitiendo por el papel hasta que la actriz británica Vivien Leigh, lo probó en diciembre de 1938. Selznick llamó a Leigh su "caballo oscuro de Scarlett", lo que hizo más fácil elegirla si su hermano Myron Selznick era el agente de Leigh. Selznick finalmente elegiría a Leigh, de 25 años, para el papel.

Completando los otros papeles principales estaban Clark Gable como Rhett Butler, el tercer marido de Scarlett, Leslie Howard como el amor no correspondido de Scarlett, Ashley Wilkes y Olivia DeHavilland como su prima y esposa y la cuñada y mejor amiga de Scarlett. El costo de la película se salió de control y fue el más caro jamás hecho hasta ese momento. Una proyección preliminar preliminar en septiembre de 1939 dejó a la "audiencia vitoreando", como observó David Thomson en la biografía Showman: The Life of David O. Selznick para Selznick fue "el momento más grande de su vida, la mayor victoria y redención". de todos sus defectos ".

En diciembre de 1939, Lo que el viento se llevó tuvo una inauguración repleta de estrellas en Atlanta, Georgia, en el Loews Grand Theatre, donde asistieron 300,000, coronando un evento de tres días que celebraba la película y la Confederación. La película de cuatro horas ganaría un récord de diez premios de la Academia de 13 nominaciones, dos de las cuales fueron honorarias. Entre sus premios se incluyen Mejor Película, Mejor Director (Victor Fleming) y Mejor Guión Adaptado. La mejor actriz fue para Vivien Leigh interpretando a la heroína de Mitchell, Scarlett O’Hara, y como actriz de reparto para Hattie McDaniel, la primera afroamericana en ganar un Oscar por su interpretación de la amada Mammy de Scarlett, una esclava.

El libro fue controvertido en ese momento por su romantización del antebellum y el sur confederado, su lenguaje que describe a los esclavos, la inclusión del racista Ku Klux Klan, sus representaciones sexualizadas de la violación conyugal y el parto, y su frase más famosa "Francamente, querido, yo no "Me importa un carajo", dijo Rhett Butler a Scarlett. Selznick atenuó la mayor parte del lenguaje racista, pero los estereotipos se mantuvieron. La película es la película más rentable de todos los tiempos cuando se tiene en cuenta la inflación y se considera una de las mejores películas jamás realizadas. Fue relanzado varias veces, incluido el 26 de junio de 1998, cuando fue remasterizado en su formato original. Incluso hasta el 75 aniversario del libro y la película, los comentaristas reconocieron su racismo pero lo pusieron en contexto.

Ahora que la película se acerca a su 80 aniversario, Lo que el viento se llevó es nuevamente controvertido. Con el movimiento Confederado de remoción de monumentos después del tiroteo en la iglesia de Charleston en 2015 y la violencia en Charlottesville, Virginia en 2017, muchos están cuestionando la representación de Lo que el viento se llevó del sur secesionista y la esclavitud como una oda racista a la Confederación. Hasta ahora, se han eliminado 110 monumentos confederados, y también se ha pedido que se elimine Lo que el viento se llevó. En agosto de 2017, el Orpheum Theatre en Memphis, Tennessee, que proyectó la película todos los años durante los últimos 34 años, se negó a hacerlo debido a la "insensibilidad" racial de la película. La medida provocó una protesta en las redes sociales por el amado libro y la película.

La cancelación de la proyección hizo que los periodistas se cuestionaran si el libro y la película deberían formar parte del movimiento. Los resultados se dividieron entre aquellos que creen que debería retirarse frente a aquellos que entienden la película en su contexto y que no se trataba de una posición política en el Sur, sino sobre los personajes individuales y el viaje de Scarlett O’Hara. El problema es que muchos no ven Lo que el viento se llevó como una obra de ficción, no como historia. En 2008, el destacado historiador de la reconstrucción Eric Foner señaló en una reseña de un libro del Washington Post: “Sin embargo, el trabajo de los historiadores no ha logrado penetrar en la conciencia popular. En parte debido a la persistencia de viejos conceptos erróneos, la Reconstrucción sigue siendo ampliamente incomprendida. Las opiniones populares todavía deben más a películas como "El nacimiento de una nación" (que glorificó al Klan como el salvador de la civilización blanca) y "Lo que el viento se llevó" (que idealizó la esclavitud y la Confederación) que a la erudición moderna ".

La escritora afroamericana Angélica Jade Bastien, que escribe en Vulture, llamó "Lo que el viento se llevó", un "Monumento cinematográfico a la Confederación", pero concluye, la "gran capacidad de racismo de los personajes existe en conjunto con sus propias cualidades admirables, lo que los hace frustrantemente humanos y más difíciles de demonizar". . " Mientras que el profesor de Harvard Cass R. Sunstein escribe en el Atlántico, "Encontrar a la humanidad en lo que el viento se llevó, la novela clásica muestra que las vidas individuales no pueden reducirse a conjuntos de convicciones políticas en competencia". Sunstein no ve lo que el viento se llevó como algo político como la bandera confederada y concluye: “Sería un error menospreciar la triste magia de las canciones medio olvidadas. Los estadounidenses tienen buenas razones para recordar la dulzura y las muertes de los innumerables Tartleton del mundo real, y nunca deshonrar a quienes lloran por ellos ".

En el lado opuesto, el escritor de opinión del New York Post Lou Lumenick en su artículo de 2015 cree que "Lo que el viento se llevó" debería seguir el camino de la bandera confederada ", y argumenta que debería retirarse a los museos. Lumenick encuentra que "El racismo más sutil de" Lo que el viento se llevó "es en cierto modo más insidioso, y hace todo lo posible para consagrar el mito de que la Guerra Civil no se libró por la esclavitud, una institución que la película romantiza descaradamente". Mientras que Ed Kilgore, escrito en 2017, está de acuerdo, declarando: "Sí, lo que el viento se llevó es otro monumento neoconfederado". En su artículo de la revista New York Magazine, donde argumenta que Lo que el viento se llevó es "un símbolo político neoconfederado", no "una pieza inocente de cine brillante e historia anacrónica que está siendo atacada por las fuerzas de la corrección política", como el crítico de cine Kyle Smith lo describió.

El debate sobre Lo que el viento se llevó y su proyección cancelada es parte de una tendencia mayor en la que la corrección política se está exagerando en películas y libros que representan una época en la que había insensibilidades raciales. Esto incluye un distrito escolar público de Biloxi, Mississippi, que eliminó To Kill a Mockingbird de su lista de lectura y, más recientemente, la American Library Association eliminó el nombre de la autora Laura Ingalls Wilder de un premio de libros para niños. Los libros y películas clásicos con insensibilidades raciales son oportunidades para ser enseñados críticamente y en el contexto de la época, pero no podemos borrar selectivamente la historia ofensiva, si lo hacemos, nos quedaremos sin nada que leer o aprender de nuestro pasado.


& apos Lo que el viento se llevó & apos

El mismo año en que se casó, Mitchell consiguió un trabajo en la Atlanta Journal Revista dominical, donde terminó escribiendo cerca de 130 artículos. Mitchell se casaría por segunda vez durante este período, casándose con John Robert Marsh en 1925. Sin embargo, como parecía ser el caso en la vida de Mitchell, otra cosa buena fue llegar a su fin demasiado rápido, ya que su carrera de periodista terminó. en 1926 debido a complicaciones por una fractura de tobillo.

Con su tobillo roto que mantuvo a Mitchell en pie, en 1926 comenzó a escribir Lo que el viento se llevó. Encaramada en una vieja mesa de costura, y escribiendo el último capítulo primero y los otros capítulos al azar, terminó la mayor parte del libro en 1929. Una novela sobre la Guerra Civil y la Reconstrucción, Lo que el viento se llevó se cuenta desde un punto de vista sureño, informado por la familia Mitchell & # x2019s y empapado en la historia del Sur y la tragedia de la guerra.

En julio de 1935, el editor de Nueva York, Macmillan, le ofreció un anticipo de 500 dólares y un pago de regalías del 10 por ciento. Mitchell se dispuso a finalizar el manuscrito, cambiar los nombres de personajes y apos (Scarlett era Pansy en borradores anteriores), cortar y reorganizar capítulos y finalmente nombrar el libro. Lo que el viento se llevó, una frase de & # x201CCynara !, uno de los poemas favoritos de Ernest Dowson. Lo que el viento se llevó se publicó en 1936 con gran éxito y se llevó a casa el Pulitzer de 1937. Mitchell se convirtió en una celebridad de la noche a la mañana, y la película histórica basada en su novela salió solo tres años después y se convirtió en un clásico, ganando ocho premios Oscar y dos premios Oscar especiales.


Contenido

En 1861, en vísperas de la Guerra Civil estadounidense, Scarlett O'Hara vive en Tara, la plantación de algodón de su familia en Georgia, con sus padres, dos hermanas y sus numerosos esclavos. Scarlett se entera de que su enamorado secreto Ashley Wilkes se casará con su prima, Melanie Hamilton. En una fiesta de compromiso al día siguiente en la casa de Ashley, la plantación cercana Twelve Oaks, Scarlett hace un avance sobre Ashley pero, en cambio, es rechazada y llama la atención de otro invitado, Rhett Butler. La barbacoa se ve interrumpida por la noticia de la declaración de guerra y los hombres se apresuran a alistarse. En un intento por despertar los celos en Ashley, Scarlett se casa con el hermano menor de Melanie, Charles, antes de que él se vaya a pelear. Después de la muerte de Charles mientras servía en el Ejército de los Estados Confederados, la madre de Scarlett la envía a la casa de los Hamilton en Atlanta, donde crea una escena asistiendo a un bazar de caridad con su atuendo de luto y bailando un vals con Rhett, ahora un corredor de bloqueo de la Confederación.

La marea de la guerra se vuelve contra la Confederación después de la Batalla de Gettysburg, en la que muchos de los hombres de la ciudad de Scarlett mueren. Ocho meses después, mientras la ciudad es asediada por el Ejército de la Unión en la Campaña de Atlanta, Melanie da a luz con la ayuda de Scarlett y Rhett les ayuda a huir de la ciudad. Una vez fuera de la ciudad, Rhett decide irse a luchar, dejando que Scarlett regrese por su cuenta a Tara. A su regreso a casa, Scarlett encuentra a Tara abandonada, a excepción de su padre, sus hermanas y los antiguos esclavos Mammy y Pork. Scarlett se entera de que su madre acaba de morir de fiebre tifoidea y su padre se ha vuelto loco. Con Tara saqueada por las tropas de la Unión y los campos desatendidos, Scarlett promete garantizar la supervivencia de ella y de su familia.

Mientras los O'Hara trabajan en los campos de algodón, el padre de Scarlett intenta ahuyentar a un mocoso de su tierra, pero es arrojado de su caballo y asesinado. Con la derrota de la Confederación, Ashley también regresa, pero descubre que es de poca ayuda en Tara. Cuando Scarlett le ruega que se escape con ella, él confiesa su deseo por ella y la besa apasionadamente, pero le dice que no puede dejar a Melanie. Incapaz de pagar los impuestos reconstruccionistas impuestos a Tara, Scarlett engaña al prometido de su hermana menor Suellen, el dueño de una tienda general adinerada y de mediana edad Frank Kennedy, para que se case con ella, diciendo que Suellen se cansó de esperar y se casó con otro pretendiente. Frank, Ashley, Rhett y varios otros cómplices hacen una redada nocturna en un barrio de chabolas después de que Scarlett es atacada mientras conducía sola, lo que resulta en la muerte de Frank. Poco después del funeral de Frank, Rhett le propone matrimonio a Scarlett y ella acepta.

Rhett y Scarlett tienen una hija a la que Rhett llama Bonnie Blue, pero Scarlett todavía suspira por Ashley y, disgustada por la ruina percibida de su figura, se niega a tener más hijos o compartir la cama con Rhett. Un día en el molino de Frank, Scarlett y Ashley son vistas abrazándose por la hermana de Ashley, India. Con una intensa aversión por Scarlett, India difunde rumores con entusiasmo. Más tarde esa noche, Rhett, habiendo escuchado los rumores, obliga a Scarlett a asistir a una fiesta de cumpleaños para Ashley. Melanie, sin embargo, apoya a Scarlett. Después de regresar a casa de la fiesta, Scarlett encuentra a Rhett borracho abajo, y discuten sobre Ashley. Rhett besa a Scarlett en contra de su voluntad, declarando su intención de tener sexo con ella esa noche, y lleva a la luchadora Scarlett al dormitorio.

Al día siguiente, Rhett se disculpa por su comportamiento y le ofrece a Scarlett el divorcio, que ella rechaza, diciendo que sería una vergüenza. Cuando Rhett regresa de un viaje prolongado a Londres, Scarlett le informa que está embarazada, pero se produce una discusión que hace que se caiga por un tramo de escaleras y sufra un aborto espontáneo. Mientras se recupera, la tragedia golpea cuando Bonnie muere mientras intenta saltar una cerca con su pony. Scarlett y Rhett visitan a Melanie, quien ha sufrido complicaciones derivadas de un nuevo embarazo, en su lecho de muerte. Mientras Scarlett consuela a Ashley, Rhett se prepara para irse de Atlanta. Al darse cuenta de que era a él a quien amaba de verdad desde el principio, y no a Ashley, Scarlett le ruega a Rhett que se quede, pero él la rechaza y se aleja hacia la niebla de la mañana. Scarlett, angustiada, regresa a casa con Tara, prometiendo recuperar a Rhett algún día.

    como Gerald O'Hara como Ellen O'Hara (su esposa) como Scarlett O'Hara (hija) como Suellen O'Hara (hija) como Carreen O'Hara (hija) como Brent Tarleton (en realidad como Stuart) [nb 2] como Stuart Tarleton (en realidad como Brent) [nb 2] como Mammy (sirvienta de la casa) como Pork (sirvienta de casa) como Prissy (sirvienta de casa) como Jonas Wilkerson (superintendente de campo) como Big Sam (capataz de campo)
    como John Wilkes como India Wilkes (su hija) como Ashley Wilkes (su hijo) como Melanie Hamilton (su prima) como Charles Hamilton (el hermano de Melanie) como Frank Kennedy (un invitado) como Rhett Butler (un visitante de Charleston)
    como la tía Pittypat Hamilton como el tío Peter (su cochero) como el Dr. Meade como la señora Meade como la señora Merriwether como Belle Watling
    como el desertor yanqui como Bonnie Blue Butler como Johnny Gallagher como Phil Meade como la enfermera de Bonnie en Londres como Cathleen Calvert como Beau Wilkes como el cabo como el oficial montado como Emmy Slattery como el caso de amputación como Tom, el capitán yanqui como el soldado evocador como el renegado como el soldado hambriento que sostiene a Beau Wilkes como el hombre de negocios de la alfombra roja como el comandante de los Yankees como Maybelle Merriwether

Tras la muerte de Olivia de Havilland, quien interpretó a Melanie Hamilton, en julio de 2020 a la edad de 104 años, el único miembro del reparto acreditado superviviente de la película es Mickey Kuhn, quien interpretó al hijo de Ashley y Melanie, Beau. [3] [4]

Antes de la publicación de la novela, varios ejecutivos y estudios de Hollywood se negaron a crear una película basada en ella, incluidos Louis B. Mayer e Irving Thalberg en Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Pandro Berman en RKO Pictures y David O.Selznick de Imágenes de Selznick International. A Jack L. Warner de Warner Bros le gustó la historia, pero su estrella más grande Bette Davis no estaba interesada, y Darryl Zanuck de 20th Century-Fox no había ofrecido suficiente dinero. Sin embargo, Selznick cambió de opinión después de que su editor de historia Kay Brown y su socio comercial John Hay Whitney lo instaron a comprar los derechos de la película. En julio de 1936, un mes después de su publicación, Selznick compró los derechos por 50.000 dólares. [5] [6] [7]

Casting Editar

El casting de los dos papeles principales se convirtió en un esfuerzo complejo de dos años. Para el papel de Rhett Butler, Selznick quería a Clark Gable desde el principio, pero Gable tenía un contrato con MGM, que nunca lo prestó a otros estudios. [5] Se consideró a Gary Cooper, pero Samuel Goldwyn, con quien Cooper estaba bajo contrato, se negó a prestarlo. [8] Warner ofreció un paquete de Bette Davis, Errol Flynn y Olivia de Havilland para papeles principales a cambio de los derechos de distribución. [9] En ese momento, Selznick estaba decidido a conseguir Gable y en agosto de 1938 finalmente llegó a un acuerdo con su suegro, el jefe de MGM Louis B. Mayer: MGM proporcionaría a Gable y $ 1,250,000 por la mitad del presupuesto de la película. ya cambio, Selznick tendría que pagar el salario semanal de Gable, la mitad de las ganancias irían a MGM, mientras que Loew's, Inc., la empresa matriz de MGM, lanzaría la película. [5] [8]

El acuerdo para lanzar a través de MGM significó retrasar el inicio de la producción hasta finales de 1938, cuando concluyó el acuerdo de distribución de Selznick con United Artists. [8] Selznick aprovechó la demora para continuar revisando el guión y, lo que es más importante, generar publicidad para la película buscando el papel de Scarlett. Selznick inició un casting a nivel nacional que entrevistó a 1.400 desconocidos. El esfuerzo costó $ 100,000 y resultó inútil para el objetivo principal de interpretar el papel, pero generó una publicidad "invaluable". [5] Los primeros favoritos incluyeron a Miriam Hopkins y Tallulah Bankhead, quienes Selznick consideraba como posibilidades antes de la compra de los derechos cinematográficos. Joan Crawford, quien firmó con MGM, también fue considerada como una posible pareja con Gable. Después de que se llegó a un acuerdo con MGM, Selznick mantuvo conversaciones con Norma Shearer, que era la estrella femenina más importante de MGM en ese momento, pero se apartó de la consideración. Katharine Hepburn presionó mucho para el papel con el apoyo de su amigo, George Cukor, que había sido contratado para dirigir, pero Selznick la vetó porque sintió que no era adecuada para el papel. [8] [9] [10]

Se tuvo en cuenta a muchas actrices famosas (o que pronto serán famosas), pero solo se hicieron pruebas de pantalla para Scarlett en treinta y una mujeres, incluidas Ardis Ankerson, Jean Arthur, Tallulah Bankhead, Diana Barrymore, Joan Bennett, Nancy Coleman, Frances Dee , Ellen Drew (como Terry Ray), Paulette Goddard, Susan Hayward (bajo su nombre real de Edythe Marrenner), Vivien Leigh, Anita Louise, Haila Stoddard, Margaret Tallichet, Lana Turner y Linda Watkins. [11] Aunque Margaret Mitchell se negó a nombrar públicamente su elección, la actriz que estuvo más cerca de ganar su aprobación fue Miriam Hopkins, quien sintió que era el tipo de actriz adecuado para interpretar a Scarlett como está escrito en el libro. Sin embargo, Hopkins tenía unos treinta y cinco años en ese momento y se le consideraba demasiado mayor para el papel. [8] [9] [10] Cuatro actrices, incluidas Jean Arthur y Joan Bennett, todavía estaban bajo consideración en diciembre de 1938, sin embargo, solo dos finalistas, Paulette Goddard y Vivien Leigh, fueron probadas en Technicolor, ambas el 20 de diciembre. [12 ] Goddard casi gana el papel, pero la controversia sobre su matrimonio con Charlie Chaplin hizo que Selznick cambiara de opinión. [5]

Selznick había estado considerando tranquilamente a Vivien Leigh, una joven actriz inglesa que todavía era poco conocida en Estados Unidos, para el papel de Scarlett desde febrero de 1938 cuando Selznick la vio en Fuego sobre Inglaterra y Un yanqui en Oxford. El agente estadounidense de Leigh era el representante en Londres de la agencia de talentos Myron Selznick (encabezada por el hermano de David Selznick, uno de los propietarios de Selznick International), y ella había solicitado en febrero que su nombre se presentara para su consideración como Scarlett. En el verano de 1938, los Selznick estaban negociando con Alexander Korda, con quien Leigh tenía contrato, por sus servicios ese mismo año. [13] El hermano de Selznick hizo arreglos para que se encontraran por primera vez la noche del 10 de diciembre de 1938, cuando se filmó el incendio de Atlanta. En una carta a su esposa dos días después, Selznick admitió que Leigh era "el caballo oscuro de Scarlett", y después de una serie de pruebas de pantalla, su casting fue anunciado el 13 de enero de 1939. [14] Justo antes del rodaje de la película. , Selznick informó al columnista del periódico Ed Sullivan: "Los padres de Scarlett O'Hara eran franceses e irlandeses. De manera idéntica, los padres de la señorita Leigh son franceses e irlandeses". [15]

Un problema urgente para Selznick durante el reparto fue el persistente fracaso de Hollywood para retratar con precisión los acentos sureños. El estudio creía que si el acento no se representaba con precisión, podría resultar perjudicial para el éxito de la película. Selznick contrató a Susan Myrick (una experta en habla, modales y costumbres sureños que le recomendó Mitchell) y Will A. Price para entrenar a los actores sobre cómo hablar con acento sureño. Mitchell elogió el trabajo vocal del elenco, y señaló la falta de críticas cuando salió la película. [16] [17]

Edición de guión

Sobre el guionista original, Sidney Howard, escribe la historiadora de cine Joanne Yeck, "reduciendo las complejidades de Lo que el viento se llevó Las dimensiones épicas fueron una tarea hercúlea. y la primera presentación de Howard fue demasiado larga y habría requerido al menos seis horas de película. [el productor] Selznick quería que Howard permaneciera en el set para hacer revisiones. pero Howard se negó a salir de Nueva Inglaterra [y] como resultado, las revisiones fueron manejadas por una gran cantidad de escritores locales ". [18] Selznick despidió al director George Cukor tres semanas después de la filmación y buscó a Victor Fleming, quien estaba dirigiendo El mago de Oz en el momento. Fleming no estaba satisfecho con el guión, por lo que Selznick contrató al guionista Ben Hecht para que reescribiera todo el guión en cinco días. Hecht volvió al borrador original de Howard y al final de la semana había logrado revisar toda la primera mitad del guión. Selznick se encargó de reescribir la segunda mitad él mismo, pero se retrasó, por lo que Howard volvió a trabajar en el guión durante una semana, reelaborando varias escenas clave en la segunda parte. [19]

"En el momento del estreno de la película en 1939, había dudas sobre quién debería recibir crédito en la pantalla", escribe Yeck. "Pero a pesar de la cantidad de escritores y cambios, el guión final se acercó notablemente a la versión de Howard. El hecho de que el nombre de Howard solo aparezca en los créditos puede haber sido tanto un gesto a su memoria como a su escritura, ya que en 1939 Sidney Howard murió a los 48 años en un accidente de tractor agrícola y antes del estreno de la película ". [18] Selznick, en un memorando escrito en octubre de 1939, discutió los créditos de escritura de la película: "[Tú] puedes decir francamente que de la cantidad comparativamente pequeña de material en la imagen que no es del libro, la mayoría es mía personalmente , y las únicas líneas de diálogo originales que no son las mías son algunas de Sidney Howard, algunas de Ben Hecht y un par más de John Van Druten. De repente, dudo que haya diez palabras originales de [Oliver] Garrett en el todo el guión. En cuanto a la construcción, este es aproximadamente el ochenta por ciento mío, y el resto está dividido entre Jo Swerling y Sidney Howard, y Hecht contribuyó materialmente a la construcción de una secuencia ". [20]

Según el biógrafo de Hecht, William MacAdams, "Al amanecer del domingo 20 de febrero de 1939, David Selznick. Y el director Victor Fleming despertaron a Hecht para informarle que estaba prestado por MGM y que debía venir con ellos de inmediato e ir a trabajar en Lo que el viento se llevó, que Selznick había comenzado a filmar cinco semanas antes. A Selznick le costaba $ 50,000 cada día que la película estaba en espera esperando una reescritura final del guión y el tiempo era esencial. Hecht estaba trabajando en la película. En el Circo para los hermanos Marx. Al recordar el episodio en una carta al amigo guionista Gene Fowler, dijo que no había leído la novela, pero que Selznick y el director Fleming estaban ansiosos por que él la leyera. Actuaron escenas basadas en el guión original de Sidney Howard que debían reescribirse rápidamente. Hecht escribió: "Después de haber representado y discutido cada escena, me senté a la máquina de escribir y la escribí. Selznick y Fleming, ansiosos por continuar con su actuación, siguieron apresurándome. Trabajamos de esta manera durante siete días, poniendo de dieciocho a veinte horas al día. Selznick se negó a dejarnos almorzar, argumentando que la comida nos retrasaría. Proporcionó plátanos y maní salado. Así, al séptimo día había completado, ileso, los primeros nueve carretes de la epopeya de la Guerra Civil . "

MacAdams escribe: "Es imposible determinar exactamente cuánto escribió Hecht. En los créditos oficiales presentados ante el Screen Writers Guild, Sidney Howard obtuvo, por supuesto, el único crédito de la pantalla, pero se agregaron otros cuatro escritores. Jo Swerling por contribuir a la tratamiento, Oliver HP Garrett y Barbara Keon a la construcción del guión, y Hecht, al diálogo ". [21]

Filmación Editar

La fotografía principal comenzó el 26 de enero de 1939 y terminó el 1 de julio, y el trabajo de postproducción continuó hasta el 11 de noviembre de 1939. El director George Cukor, con quien Selznick tenía una larga relación de trabajo y había pasado casi dos años en la preproducción de Lo que el viento se llevó, fue reemplazado después de menos de tres semanas de rodaje. [9] [nb 3] Selznick y Cukor ya habían estado en desacuerdo sobre el ritmo de filmación y el guión, [9] [22] pero otras explicaciones atribuyen la partida de Cukor a la incomodidad de Gable al trabajar con él. Emanuel Levy, el biógrafo de Cukor, afirmó que Gable había trabajado en el circuito gay de Hollywood como estafador y que Cukor conocía su pasado, por lo que Gable usó su influencia para que lo despidieran. [24] Vivien Leigh y Olivia de Havilland se enteraron del despido de Cukor el día en que se filmó la escena del bazar de Atlanta, y la pareja fue a la oficina de Selznick con el traje completo y le imploró que cambiara de opinión. Victor Fleming, quien dirigía El mago de Oz, fue llamado desde MGM para completar el cuadro, aunque Cukor continuó en privado como entrenador de Leigh y De Havilland. [19] Otro director de MGM, Sam Wood, trabajó durante dos semanas en mayo cuando Fleming abandonó temporalmente la producción debido al agotamiento. Aunque algunas de las escenas de Cukor se volvieron a filmar más tarde, Selznick estimó que "tres carretes sólidos" de su trabajo permanecían en la imagen. Al final de la fotografía principal, Cukor había realizado dieciocho días de filmación, Fleming noventa y tres y Wood veinticuatro. [9]

El director de fotografía Lee Garmes comenzó la producción, pero el 11 de marzo de 1939, después de un mes de filmar metraje que Selznick y sus asociados consideraron "demasiado oscuro", fue reemplazado por Ernest Haller, que trabajaba con el director de fotografía de Technicolor Ray Rennahan. Garmes completó el primer tercio de la película, casi todo antes de que Melanie tuviera el bebé, pero no recibió crédito. [25] La mayor parte de la filmación se realizó en "los últimos cuarenta" de Selznick International y todas las escenas de locaciones fueron fotografiadas en California, principalmente en el condado de Los Ángeles o en el vecino condado de Ventura. [26] Tara, la casa de la plantación sureña ficticia, existía solo como una fachada de madera contrachapada y papel maché construida en el lote del estudio Selznick. [27] Para el incendio de Atlanta, se construyeron nuevas fachadas falsas frente a los muchos y viejos decorados abandonados del lote de Selznick, y el propio Selznick manejó los controles de los explosivos que los incendiaron. [5] Las fuentes en ese momento estimaron los costos de producción en $ 3.85 millones, lo que la convierte en la segunda película más cara hecha hasta ese momento, con solo Ben Hur (1925) habiendo costado más. [28] [nb 4]

Aunque la leyenda persiste de que la Oficina de Hays multó a Selznick con $ 5,000 por usar la palabra "maldito" en la línea de salida de Butler, de hecho, la junta de la Motion Picture Association aprobó una enmienda al Código de Producción el 1 de noviembre de 1939, que prohibió el uso de las palabras "infierno "o" maldita sea "excepto cuando su uso" será esencial y requerido para la representación, en el contexto histórico adecuado, de cualquier escena o diálogo basado en hechos históricos o folclore. o una cita de una obra literaria, siempre que dicho uso no sea permitido que sea intrínsecamente objetable o que ofenda el buen gusto ". Con esa enmienda, la Administración del Código de Producción no tuvo más objeciones a la línea de cierre de Rhett. [30]

Música Editar

Para componer la partitura, Selznick eligió a Max Steiner, con quien había trabajado en RKO Pictures a principios de la década de 1930. Warner Bros., que había contratado a Steiner en 1936, acordó prestárselo a Selznick. Steiner pasó doce semanas trabajando en la partitura, el período más largo que había pasado escribiendo una, y con dos horas y treinta y seis minutos también fue el más largo que había escrito. Se contrataron cinco orquestadores, entre ellos Hugo Friedhofer, Maurice de Packh, Bernard Kaun, Adolph Deutsch y Reginald Bassett.

La partitura se caracteriza por dos temas de amor, uno para el dulce amor de Ashley y Melanie y otro que evoca la pasión de Scarlett por Ashley, aunque en particular no hay un tema de amor de Scarlett y Rhett. Steiner se basó considerablemente en la música folk y patriótica, que incluía melodías de Stephen Foster como "Louisiana Belle", "Dolly Day", "Ringo De Banjo", "Beautiful Dreamer", "Old Folks at Home" y "Katie Belle", que formaron la base del tema de Scarlett, otras melodías que destacan son: "Marching through Georgia" de Henry Clay Work, "Dixie", "Garryowen" y "The Bonnie Blue Flag". El tema que más se asocia con la película de hoy es la melodía que acompaña a Tara, la plantación de O'Hara a principios de la década de 1940, "Tara's Theme" formó la base musical de la canción "My Own True Love" de Mack David. En total, hay noventa y nueve piezas musicales distintas que aparecen en la partitura.

Debido a la presión de completar a tiempo, Steiner recibió ayuda en la composición de Friedhofer, Deutsch y Heinz Roemheld, y además, se tomaron dos pistas breves, de Franz Waxman y William Axt, de partituras en la biblioteca MGM. [31]

Vista previa, estreno y lanzamiento inicial Editar

El 9 de septiembre de 1939, Selznick, su esposa Irene, el inversionista John "Jock" Whitney y el editor de cine Hal Kern se dirigieron a Riverside, California para ver la película en el Fox Theatre. La película todavía era un montaje preliminar en esta etapa, faltaban títulos completos y carecía de efectos ópticos especiales. Funcionó durante cuatro horas y veinticinco minutos, luego se redujo a menos de cuatro horas para su liberación adecuada. Una factura doble de Noches hawaianas y Buen detalle se estaba proyectando, pero después del primer largometraje se anunció que el teatro proyectaría una vista previa y se informó a la audiencia que podían irse, pero que no serían readmitidos una vez que comenzara la película, ni se permitirían llamadas telefónicas una vez que el teatro estuviera cerrado. Cuando el título apareció en la pantalla, el público aplaudió y, una vez terminado, recibió una ovación de pie. [9] [32] En su biografía de Selznick, David Thomson escribió que la respuesta del público antes de que comenzara la película "fue el momento más grande de la vida [de Selznick], la mayor victoria y redención de todos sus fracasos", [33] Selznick describió las tarjetas de vista previa como "probablemente la imagen más asombrosa que jamás haya tenido". [34] Cuando la prensa le preguntó a Selznick a principios de septiembre cómo se sentía acerca de la película, dijo: "Al mediodía creo que es divino, a la medianoche creo que es pésimo. A veces pienso que es la mejor película jamás hecha. Pero si es sólo una gran foto, todavía estaré satisfecho ". [28]

Unas 300.000 personas acudieron a Atlanta para el estreno de la película en el Loew's Grand Theatre el 15 de diciembre de 1939. Fue el punto culminante de tres días de festividades organizadas por el alcalde William B. Hartsfield, que incluyeron un desfile de limusinas con estrellas de la película. , recepciones, miles de banderas confederadas y un baile de disfraces. Eurith D. Rivers, gobernadora de Georgia, declaró el 15 de diciembre feriado estatal. Se estima que trescientos mil residentes y visitantes de Atlanta se alinearon en las calles durante siete millas para ver la procesión de limusinas que traían estrellas desde el aeropuerto. Solo Leslie Howard y Victor Fleming optaron por no asistir: Howard había regresado a Inglaterra debido al estallido de la Segunda Guerra Mundial, y Fleming se había peleado con Selznick y se negó a asistir a ninguno de los estrenos. [28] [34] Hattie McDaniel también estuvo ausente, ya que ella y los otros miembros negros del elenco no pudieron asistir al estreno debido a las leyes de Jim Crow de Georgia, que les impedían sentarse con sus colegas blancos. Al enterarse de que McDaniel había sido excluido del estreno, Clark Gable amenazó con boicotear el evento, pero McDaniel lo convenció de que asistiera. [35] El presidente Jimmy Carter lo recordó más tarde como "el evento más grande que ha ocurrido en el Sur en mi vida". [36] Siguieron los estrenos en Nueva York y Los Ángeles, a este último asistieron algunas de las actrices que habían sido consideradas para el papel de Scarlett, entre ellas Paulette Goddard, Norma Shearer y Joan Crawford. [34]

Desde diciembre de 1939 hasta julio de 1940, la película se proyectó solo en espectáculos itinerantes con entradas anticipadas en un número limitado de cines a precios superiores a 1 dólar, más del doble del precio de una película de estreno regular, y MGM recaudó un 70 por ciento sin precedentes de los ingresos de taquilla, a diferencia del típico 30-35 por ciento del período. Después de alcanzar la saturación como gira, MGM revisó sus términos a un recorte del 50 por ciento y redujo a la mitad los precios, antes de que finalmente entrara en el lanzamiento general en 1941 a precios "populares". [37] Incluyendo sus costos de distribución y publicidad, el gasto total en la película fue tan alto como $ 7 millones. [34] [38]

Lanzamientos posteriores Editar

En 1942, Selznick liquidó su empresa por motivos fiscales y vendió su participación en Lo que el viento se llevó a su socio comercial, John Whitney, por $ 500,000. A su vez, Whitney se la vendió a MGM por 2,8 millones de dólares, por lo que el estudio era el propietario absoluto de la película. [38] MGM relanzó inmediatamente la película en la primavera de 1942, [19] y nuevamente en 1947 y 1954. [9] La reedición de 1954 fue la primera vez que la película se mostró en pantalla ancha, comprometiendo la proporción y el recorte originales de la Academia. la parte superior e inferior a una relación de aspecto de 1,75: 1. Al hacerlo, varias tomas se enmarcaron ópticamente y se cortaron en los negativos de la cámara de tres tiras, alterando para siempre cinco tomas en la película. [39]

Un estreno de la película en 1961 conmemoró el centenario del inicio de la Guerra Civil, y también incluyó un "estreno" de gala en el Gran Teatro de Loew. A ella asistieron Selznick y muchas otras estrellas de la película, incluidas Vivien Leigh y Olivia de Havilland. [40] Clark Gable había muerto el año anterior. [41] Para su relanzamiento en 1967, la película se amplió a 70 mm, [9] y se publicó con un póster actualizado con Gable, con su camisa blanca abierta, sosteniendo a Leigh contra un telón de fondo de llamas naranjas. [40] Hubo más relanzamientos en 1971, 1974 y 1989 para la reedición del quincuagésimo aniversario en 1989, se le dio una restauración completa de audio y video. Fue estrenada en cines una vez más en los Estados Unidos, en 1998, por New Line Cinema, propiedad de Time Warner. [42] [43]

En 2013, se lanzó una restauración digital 4K en el Reino Unido para coincidir con el centenario de Vivien Leigh. [44] En 2014, se programaron proyecciones especiales durante un período de dos días en los cines de los Estados Unidos para coincidir con el 75 aniversario de la película. [45]

Televisión y medios domésticos Editar

La película se estrenó en la televisión estadounidense en la red de cable HBO el 11 de junio de 1976 y se proyectó en el canal un total de catorce veces durante el resto del mes. [46] [19] [47] Otros canales de cable también transmitieron la película durante junio. [48] ​​Hizo su debut en la cadena de televisión en noviembre de ese año, NBC pagó $ 5 millones por una emisión única, y se emitió en dos partes en noches sucesivas. [19] Se convirtió en ese momento en el programa de televisión de mayor audiencia jamás presentado en una sola red, visto por el 47,5 por ciento de los hogares muestreados en Estados Unidos y el 65 por ciento de los televidentes, siendo el récord de la película de mayor audiencia hasta la fecha. al aire en la televisión. [19] [43]

En 1978, CBS firmó un acuerdo por valor de 35 millones de dólares para transmitir la película veinte veces durante los mismos años. [19] Turner Entertainment adquirió la biblioteca de películas de MGM en 1986, pero el trato no incluía los derechos de televisión de Lo que el viento se llevó, que todavía estaban en poder de CBS. Se llegó a un acuerdo en el que se devolvieron los derechos a Turner Entertainment y los derechos de transmisión de CBS a El mago de Oz fueron ampliados. [19] La película se utilizó para lanzar dos canales de cable propiedad de Turner Broadcasting System, Turner Network Television (1988) y Turner Classic Movies (1994). [49] [50]

La película debutó en videocasete en marzo de 1985, donde ocupó el segundo lugar en las listas de ventas, [19] y desde entonces ha sido lanzada en formatos de DVD y Blu-ray Disc. [40]

Respuesta crítica Editar

Tras su publicación, las revistas y periódicos de consumo generalmente ofrecían Lo que el viento se llevó excelentes críticas [9] sin embargo, aunque sus valores de producción, logros técnicos y escala de ambición fueron universalmente reconocidos, algunos críticos de la época encontraron que la película era demasiado larga y dramáticamente poco convincente. Frank S. Nugent por Los New York Times resumió mejor el sentimiento general al reconocer que, si bien fue la producción cinematográfica más ambiciosa realizada hasta ese momento, probablemente no fue la mejor película jamás realizada, pero sin embargo encontró que era una "historia interesante bellamente contada". [51] Franz Hoellering de La Nación opinó lo mismo: "El resultado es una película que es un acontecimiento importante en la historia de la industria, pero solo un logro menor en el arte cinematográfico. Hay momentos en que las dos categorías se encuentran en buenos términos, pero los largos períodos entre ellos están llenos de una eficacia mera espectacular ". [52]

Si bien la película fue elogiada por su fidelidad a la novela, [51] este aspecto también se destacó como el factor principal que contribuyó a la prolongada duración. [53] John C. Flinn escribió para Variedad que Selznick había "dejado demasiado adentro" y que, como entretenimiento, la película se habría beneficiado si se hubieran recortado las escenas repetidas y los diálogos de la última parte de la historia. [53] El guardián de Manchester consideró que el único inconveniente serio de la película era que la historia carecía de la calidad épica para justificar la pérdida de tiempo y encontró la segunda mitad, que se centra en los "matrimonios irrelevantes" y las "disputas domésticas" de Scarlett, en su mayoría superfluas, y la única razón de su la inclusión había sido "simplemente porque Margaret Mitchell lo escribió de esa manera". El guardián creía que si "la historia hubiera sido cortada y arreglada en el punto marcado por el intervalo, y si el drama personal se hubiera subordinado a un tratamiento cinematográfico del tema central: el colapso y la devastación del Viejo Sur", entonces Lo que el viento se llevó podría haber sido una gran película ". [54] Del mismo modo, Hoellering también encontró que la segunda mitad de la película era más débil que la primera mitad: identificando la Guerra Civil como la fuerza impulsora de la primera parte mientras los personajes dominan en la En la segunda parte, concluyó que aquí es donde radica la falla principal de la imagen, comentando que "los personajes por sí solos no son suficientes". A pesar de muchas escenas excelentes, consideró que el drama no era convincente y que se había descuidado el "desarrollo psicológico". [52]

Gran parte de los elogios se reservaron para el reparto, y Vivien Leigh en particular fue destacada por su interpretación de Scarlett. Nugent la describió como el "eje de la imagen" y creía que estaba "tan perfectamente diseñada para el papel por el arte y la naturaleza que cualquier otra actriz en el papel sería inconcebible". [51] De manera similar, Hoellering la encontró "perfecta" en "apariencia y movimientos", sintió que actuaba mejor cuando se le permitió "acentuar la personalidad dividida que retrata" y pensó que era particularmente efectiva en momentos de caracterización como la mañana siguiente. la escena de la violación marital. [52] Flinn también encontró que Leigh se adaptaba físicamente al papel y sintió que era la mejor en las escenas en las que muestra coraje y determinación, como la fuga de Atlanta y cuando Scarlett mata a un desertor yanqui. [53] Leigh ganó en la categoría de Mejor Actriz por su actuación en los Premios del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York de 1939. [55] De la interpretación de Clark Gable como Rhett Butler, Flinn sintió que la caracterización estaba "tan cerca de la concepción de la señorita Mitchell — y de la audiencia — como podría imaginarse", [53] una opinión con la que Nugent estaba de acuerdo, [51] aunque Hoellering sintió que Gable no convenció del todo en las escenas finales, ya que Rhett abandona a Scarlett con disgusto. [52] De los otros miembros principales del reparto, tanto Hoellering como Flinn encontraron que Leslie Howard era "convincente" como la débil voluntad Ashley, con Flinn identificando a Olivia de Havilland como una "destacada" como Melanie [52] [53] Nugent fue también especialmente cautivado por la interpretación de De Havilland, que la describe como una "gema de caracterización graciosa, digna y tierna". [51] La actuación de Hattie McDaniel como Mammy fue elogiada por muchos críticos: Nugent creía que dio la mejor actuación en la película después de Vivien Leigh, [51] con Flinn colocándola en tercer lugar después de las actuaciones de Leigh y Gable. [53]

Premios de la Academia Editar

En la duodécima entrega de los Premios de la Academia, Lo que el viento se llevó estableció un récord de premios de la Academia y nominaciones, ganando en ocho de las categorías competitivas en las que fue nominado, de un total de trece nominaciones. Ganó por Mejor Película, Mejor Actriz, Mejor Actriz de Reparto, Mejor Director, Mejor Guión, Mejor Fotografía, Mejor Dirección de Arte y Mejor Edición, y recibió dos premios honoríficos más por su uso de equipo y color (también se convirtió en el primer color película para ganar la Mejor Película). [56] [57]

El récord de la película de ocho victorias competitivas se mantuvo hasta Gigi (1958) ganó nueve, y su récord general de diez fue batido por Ben Hur (1959) que ganó once. [58] Lo que el viento se llevó también ostentaba el récord de la mayoría de las nominaciones hasta Todo sobre Eve (1950) consiguió catorce. [10] Fue la película sonora estadounidense más larga realizada hasta ese momento, y aún puede tener el récord del ganador más largo a la Mejor Película dependiendo de cómo se interprete. [59] El tiempo de ejecución de Lo que el viento se llevó es poco menos de 221 minutos, mientras que Lawrence de Arabia (1962) dura poco más de 222 minutos, sin embargo, incluida la obertura, el intermedio, la entrada y la música de salida, Lo que el viento se llevó dura 234 minutos (aunque algunas fuentes calculan su duración total en 238 minutos) mientras que Lawrence de Arabia viene en un poco más corto en 232 minutos con sus componentes adicionales. [60] [61]

Hattie McDaniel se convirtió en la primera afroamericana en ganar un Premio de la Academia, superando a su coprotagonista Olivia de Havilland, quien también fue nominada en la misma categoría, pero fue segregada racialmente de sus coprotagonistas en la ceremonia de premiación en Coconut Grove. ella y su acompañante fueron obligados a sentarse en una mesa separada al fondo de la habitación. [62] Mientras tanto, el guionista Sidney Howard se convirtió en el primer ganador póstumo del Oscar y Selznick recibió personalmente el Irving G. Thalberg Memorial Award por sus logros profesionales. [10] [56]

Premios de la Academia y nominaciones
Otorgar Destinatario (s) Resultado
Producción excepcional David O.Selznick (para Selznick International Pictures) Ganado
Mejor Director Victor Fleming Ganado
Mejor actor Clark Gable Nominado
Mejor actriz Vivien Leigh Ganado
Mejor actriz de soporte Olivia de Havilland Nominado
Hattie McDaniel Ganado
Mejor guion Sidney Howard Ganado
Mejor dirección de arte Lyle Wheeler Ganado
Mejor fotografía: color Ernest Haller y Ray Rennahan Ganado
Mejor montaje cinematográfico Hal C. Kern y James E. Newcom Ganado
Mejor puntaje original Max Steiner Nominado
Mejor grabación de sonido Thomas T. Moulton (Departamento de sonido de Samuel Goldwyn Studio) Nominado
Mejores efectos visuales Jack Cosgrove, Fred Albin y Arthur Johns Nominado
Premio especial William Cameron Menzies
Por logros sobresalientes en el uso del color para mejorar el estado de ánimo dramático en la producción de Lo que el viento se llevó.
Honorario
Premio al logro técnico Fotos de Don Musgrave and Selznick International
Por ser pioneros en el uso de equipos coordinados en la producción Lo que el viento se llevó.
Honorario

Reacciones de afroamericanos Editar

Algunos comentaristas negros criticaron la película por su descripción de los negros y el "blanqueo" del tema de la esclavitud que lo han hecho desde el lanzamiento de la película, pero inicialmente, los periódicos controlados por estadounidenses blancos no informaron sobre estas críticas. [63] Carlton Moss, un dramaturgo negro, observó en una carta abierta que mientras El nacimiento de una nación fue un "ataque frontal a la historia estadounidense y al pueblo negro", Lo que el viento se llevó Fue un "ataque por la espalda al mismo". Continuó caracterizándolo como una "petición nostálgica de simpatía por una causa aún viva de la reacción sureña". Moss también mencionó las caracterizaciones negras estereotipadas, como el "cerdo indolente y torpe", la "Prissy indolente y completamente irresponsable", la "aceptación radiante de la esclavitud" de Big Sam y Mammy con su "constante arenga y cariño en cada deseo de Scarlett ". [64]

Después de la victoria de Hattie McDaniel en el Oscar, Walter Francis White, líder de la Asociación Nacional para el Progreso de la Gente de Color, la acusó de ser un tío Tom. McDaniel respondió que "preferiría ganar setecientos dólares a la semana haciendo de sirvienta que siete dólares siendo uno", cuestionó aún más la calificación de White para hablar en nombre de los negros, ya que era de piel clara y solo un octavo de negro. [62]

La opinión en la comunidad negra fue generalmente dividida después del lanzamiento, y algunos llamaron a la película un "arma de terror contra la América negra" y un insulto a las audiencias negras, y se llevaron a cabo manifestaciones en varias ciudades. [62] Aun así, algunos sectores de la comunidad negra reconocieron que los logros de McDaniel eran representativos de la progresión: algunos afroamericanos cruzaron las líneas de piquete y elogiaron la caracterización cálida e ingeniosa de McDaniel, y otros esperaban que el reconocimiento de la industria por su trabajo condujera a un aumento visibilidad en pantalla para otros actores negros. En su editorial de felicitación a McDaniel por ganar su Premio de la Academia, Oportunidad: un diario de la vida negra Usó la película como un recordatorio del "límite" impuesto a la aspiración negra por los viejos prejuicios. [62] [64] Malcolm X más tarde recordó que "cuando Butterfly McQueen entró en su acto, sentí ganas de arrastrarme debajo de la alfombra". [sesenta y cinco]

Respuesta de la audiencia Editar

Tras su lanzamiento, Lo que el viento se llevó batió récords de asistencia en todas partes. Solo en el Capitol Theatre de Nueva York, tuvo un promedio de once mil entradas por día a fines de diciembre, [37] y en los cuatro años posteriores a su lanzamiento había vendido aproximadamente sesenta millones de boletos en todo Estados Unidos, ventas equivalentes a poco menos de la mitad de la población. en el momento. [66] [67] Repitió su éxito en el extranjero y fue un éxito sensacional durante el Blitz en Londres, inaugurado en abril de 1940 y jugando durante cuatro años. [68] Cuando MGM la retiró de la circulación, a fines de 1943, su distribución mundial había arrojado un alquiler bruto (la participación del estudio en la taquilla bruta) de 32 millones de dólares, lo que la convierte en la película más rentable jamás realizada. ese punto. [10] [19] Finalmente se estrenó en Japón en septiembre de 1952 y se convirtió en la película extranjera más taquillera allí. [69] [70]

A pesar de que ganó a sus inversores aproximadamente el doble que el poseedor del récord anterior, El nacimiento de una nación, [71] [72] las actuaciones de taquilla de las dos películas fueron probablemente mucho más cercanas. La mayor parte de las ganancias de Lo que el viento se llevó provino de su gira y compromisos de primera ejecución, donde el distribuidor recibió el 70 por ciento y el 50 por ciento de la taquilla bruta respectivamente, en lugar de su lanzamiento general, que en ese momento generalmente veía la participación del distribuidor establecida en 30-35 por ciento de la bruto. [37] En el caso de El nacimiento de una nación, su distribuidor, Epoch, vendió muchos de sus territorios de distribución sobre la base de "derechos estatales", que por lo general equivalían al 10 por ciento de la taquilla bruta, y las cuentas de Epoch son solo indicativas de sus propias ganancias de la película, y no los distribuidores locales. Carl E. Milliken, secretario de la Asociación de Productores y Distribuidores de Películas, estimó que El nacimiento de una nación había sido visto por cincuenta millones de personas en 1930. [73] [74]

Cuando fue relanzado en 1947, ganó un impresionante alquiler de $ 5 millones en los Estados Unidos y Canadá, y fue uno de los diez mejores lanzamientos del año. [38] [71] Los relanzamientos exitosos en 1954 y 1961 le permitieron mantener su posición como la principal fuente de ingresos de la industria, a pesar de los fuertes desafíos de películas más recientes como Ben Hur, [75] pero finalmente fue superado por El sonido de la musica en 1966. [76]

La reedición de 1967 fue inusual en el sentido de que MGM optó por mostrarlo en una gira, una decisión que lo convirtió en el relanzamiento más exitoso en la historia de la industria. Generó una taquilla bruta de $ 68 millones, lo que la convierte en la película más lucrativa de MGM después Doctor Zhivago de la segunda mitad de la década. [77] MGM ganó un alquiler de $ 41 millones a partir del lanzamiento, [78] con la participación de EE.UU. y Canadá que asciende a más de $ 30 millones, colocándola en segundo lugar sólo después de El graduado para ese año. [71] [78] Incluyendo su alquiler de 6,7 millones de dólares de la reedición de 1961, [79] fue la cuarta fuente de ingresos más alta de la década en el mercado norteamericano, con solo El sonido de la musica, El graduado y Doctor Zhivago haciendo más para sus distribuidores. [71] Una nueva publicación en 1971 le permitió recuperar brevemente el registro de El sonido de la musica, lo que elevó su alquiler bruto total en todo el mundo a alrededor de $ 116 millones a fines de 1971, más que triplicando sus ganancias desde su lanzamiento inicial, antes de perder el récord nuevamente el año siguiente a El Padrino. [43] [80]

En todos los lanzamientos, se estima que Lo que el viento se llevó ha vendido más de 200 millones de entradas en los Estados Unidos y Canadá, [66] generando más entradas al teatro en ese territorio que cualquier otra película. [81] La película también tuvo un éxito fenomenal en Europa Occidental, generando aproximadamente 35 millones de boletos en el Reino Unido y más de 16 millones en Francia, convirtiéndose respectivamente en el mayor y el sexto mayor vendedor de boletos en esos mercados. [82] [83] [84] En total, Lo que el viento se llevó ha recaudado más de $ 390 millones a nivel mundial en taquilla [85] en 2007 Turner Entertainment estimó que el monto bruto es equivalente a aproximadamente $ 3.3 mil millones cuando se ajusta por inflación a los precios actuales, [10] mientras Records Mundiales Guinness llegó a una cifra de $ 3.44 mil millones en 2014, lo que la convierte en la película más exitosa en la historia del cine. [86]

La película sigue siendo inmensamente popular entre el público en el siglo XXI, después de haber sido votada como la película más popular en dos encuestas nacionales de estadounidenses realizadas por Harris Interactive en 2008, y nuevamente en 2014. La firma de investigación de mercado encuestó a más de dos mil estadounidenses.adultos, con los resultados ponderados por edad, sexo, raza / etnia, educación, región e ingresos familiares, de modo que sus proporciones coincidieran con la composición de la población adulta. [87] [88]

Reevaluación crítica Editar

    – #2
    • Rhett Butler, Hero - Nominado
    • Scarlett O'Hara, Hero - Nominada
    • "Francamente, querida, me importa un carajo." - # 1
    • "¡Después de todo mañana es otro día!" - # 31
    • "Como Dios es mi testigo, nunca más volveré a tener hambre". - # 59
    • "Fiddle-dee-dee". - Nominado
    • "No sé nada sobre el nacimiento de bebés". - Nominado

    Al volver a visitar la película en la década de 1970, Arthur Schlesinger creía que las películas de Hollywood generalmente envejecen bien, revelando una profundidad o integridad inesperadas, pero en el caso de Lo que el viento se llevó el tiempo no lo ha tratado bien. [90] Richard Schickel argumentó que una medida de la calidad de una película es preguntar qué puede recordar el espectador de ella, y la película fracasa en este sentido: las imágenes y los diálogos inolvidables simplemente no están presentes. [91] Stanley Kauffmann, del mismo modo, también encontró que la película era una experiencia en gran parte olvidable, afirmando que solo podía recordar dos escenas vívidamente. [92] Tanto Schickel como Schlesinger atribuyeron esto a que estaba "mal escrito", describiendo a su vez el diálogo como "florido" y con una sensibilidad de "postal". [90] [91] Schickel también cree que la película fracasa como arte popular, ya que tiene un valor de repetición limitado, un sentimiento con el que Kauffmann también está de acuerdo, afirmando que después de haberla visto dos veces espera "no volver a verla nunca: dos veces es dos veces tanto como las necesidades de toda la vida ". [91] [92] Tanto Schickel como Andrew Sarris identifican que el principal defecto de la película es poseer la sensibilidad de un productor más que una artística: habiendo pasado por tantos directores y escritores, la película no tiene la sensación de haber sido "creada" o " dirigida ", sino que ha emergido" humeante de la cocina abarrotada ", donde la principal fuerza creativa era la obsesión del productor por hacer que la película fuera lo más literalmente fiel posible a la novela. [91] [93]

    Sarris admite que, a pesar de sus defectos artísticos, la película tiene un mandato en todo el mundo como el "entretenimiento más querido jamás producido". [93] Judith Crist observa que, dejando de lado el kitsch, la película "sin duda sigue siendo la mejor y más duradera pieza de entretenimiento popular que ha salido de las líneas de montaje de Hollywood", producto de un showman con "gusto e inteligencia". [94] Schlesinger señala que la primera mitad de la película tiene un "barrido y vigor" que aspira a su tema épico, pero, al encontrar un acuerdo con las críticas contemporáneas de la película, las vidas personales se apoderan de la segunda mitad, y termina. perdiendo su tema en un sentimentalismo poco convincente. [90] Kauffmann también encuentra interesantes paralelos con El Padrino, que acababa de reemplazar Lo que el viento se llevó como la más grosera en ese momento: ambas fueron producidas a partir de novelas más vendidas "ultraamericanas", ambas viven dentro de códigos de honor que están romantizados, y ambas en esencia ofrecen fabricación cultural o revisionismo. [92]

    La percepción crítica de la película ha cambiado en los años intermedios, lo que resultó en que ocupara el puesto 235 en Vista y sonido de amplificador en la prestigiosa encuesta de críticos decenal de 2012, [95] y en 2015, sesenta y dos críticos de cine internacionales encuestados por la BBC la votaron como la 97ª mejor película estadounidense. [96]

    Reconocimiento de la industria Editar

    La película ha aparecido en varias encuestas de la industria de alto perfil: en 1977 fue votada como la película más popular por el American Film Institute (AFI), en una encuesta de los miembros de la organización [9] la AFI también clasificó la película en cuarto lugar en su " Lista de las 100 mejores películas "en 1998, [97] y descendió al sexto lugar en la edición del décimo aniversario en 2007. [98] Los directores de cine la clasificaron en el puesto 322 en la edición de 2012 del decenio. Vista y sonido de amplificador encuesta, [95] y en 2016 fue seleccionado como el noveno mejor "logro como director" en una encuesta de miembros del Gremio de Directores de América. [99] En 2014, ocupó el decimoquinto lugar en una amplia encuesta realizada por El reportero de Hollywood, que votó por todos los estudios, agencias, empresas de publicidad y productoras de la región de Hollywood. [100] Lo que el viento se llevó fue una de las primeras veinticinco películas seleccionadas para su conservación en el Registro Nacional de Películas por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos en 1989 por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa". [101] [102]

    Representación histórica Editar

    Lo que el viento se llevó ha sido criticado por haber perpetuado los mitos de la Guerra Civil y los estereotipos negros. [103] David Reynolds escribió que "las mujeres blancas son elegantes, sus hombres son nobles o al menos apuestos. Y, en el fondo, los esclavos negros son en su mayoría obedientes y contentos, claramente incapaces de una existencia independiente". Reynolds comparó Lo que el viento se llevó para El nacimiento de una nación y otras re-imaginaciones del Sur durante la era de la segregación, en la que se retrata a los sureños blancos como defensores de los valores tradicionales, y se ignora en gran medida el tema de la esclavitud. [65] La película ha sido descrita como una "regresión" que promueve tanto el mito del violador negro como el papel honorable y defensivo del Ku Klux Klan durante la Reconstrucción, [104] y como una película de "propaganda social" que ofrece una " supremacista blanco "visión del pasado. [103]

    De 1972 a 1996, la Sociedad Histórica de Atlanta celebró una serie de Lo que el viento se llevó exhibe, entre ellos una exhibición de 1994 que se tituló, "Territorios en disputa: Lo que el viento se llevó y los mitos del sur ". Una de las preguntas que se exploró en la exposición fue" ¿Cuán fieles a la vida eran los esclavos en GWTW? "Esta sección mostró que las experiencias de los esclavos eran diversas y, como resultado, concluyó que la" oscuridad feliz "era un mito, como lo era la creencia de que todos los esclavos experimentaban violencia y brutalidad. [105]

    W. Bryan Rommel Ruiz ha argumentado que a pesar de las inexactitudes fácticas en su descripción del período de la Reconstrucción, Lo que el viento se llevó refleja las interpretaciones contemporáneas de la misma que eran comunes a principios del siglo XX. Uno de esos puntos de vista se refleja en una breve escena en la que Mammy se defiende de un liberto lascivo: se puede escuchar a un político ofreciendo cuarenta acres y una mula a los esclavos emancipados a cambio de sus votos. Se considera que la inferencia significa que los libertos ignoran la política y no están preparados para la libertad, convirtiéndose sin saberlo en las herramientas de los funcionarios corruptos de la Reconstrucción. Mientras perpetúa algunos mitos de Lost Cause, la película hace concesiones con respecto a otros. Después del ataque a Scarlett en el barrio de chabolas, un grupo de hombres, incluido el marido de Scarlett, Frank, Rhett Butler y Ashley, asaltan la ciudad en la novela que pertenecen al Ku Klux Klan, que representa el tropo común de proteger la virtud de la mujer blanca, pero los realizadores neutralizan conscientemente la presencia del Klan en la película simplemente refiriéndose a ella como una "reunión política". [106]

    Thomas Cripps razona que, en algunos aspectos, la película socava los estereotipos raciales [107] en particular, la película creó un mayor compromiso entre Hollywood y el público negro, [107] con docenas de películas haciendo pequeños gestos en reconocimiento de la tendencia emergente. [64] Solo unas pocas semanas después de su ejecución inicial, un editor de la historia de Warner escribió un memorando a Walter Wanger sobre Mississippi Belle, un guión que contenía los peores excesos de las películas de plantaciones, sugiriendo que Lo que el viento se llevó había hecho que la película fuera "improducible". Más que cualquier película desde El nacimiento de una nación, desató una variedad de fuerzas sociales que presagiaron una alianza de liberales blancos y negros que alentaron la expectativa de que los negros algún día alcanzarían la igualdad. Según Cripps, la película finalmente se convirtió en un modelo para medir el cambio social. [64]

    Reevaluación del siglo XXI Editar

    En el siglo XXI, las críticas a las descripciones de raza y esclavitud de la película llevaron a que se redujera su disponibilidad. En 2017, Lo que el viento se llevó fue retirado del programa en el Orpheum Theatre en Memphis, Tennessee, después de una serie de exhibiciones anuales de 34 años. [108] [109] En un mitin político en febrero de 2020, el presidente Donald Trump criticó la 92a ceremonia de los Premios de la Academia, afirmando que Lo que el viento se llevó y Sunset Boulevard (1950) merecían más el premio a la Mejor Película que la ganadora de ese año, la película surcoreana Parásito. Sus comentarios provocaron comentarios de los críticos y una reacción violenta de los expertos de todo el espectro político en las redes sociales. [110]

    El 9 de junio de 2020, la película fue eliminada de HBO Max en medio de las protestas de George Floyd, así como en respuesta a un artículo de opinión escrito por el guionista John Ridley que se publicó en la edición de ese día de la Los Angeles Times, que pidió al servicio de transmisión que elimine temporalmente la película de su biblioteca de contenido. Escribió que "sigue dando cobertura a quienes afirman falsamente que aferrarse a la iconografía de la era de las plantaciones es una cuestión de 'herencia, no de odio'". [111] [112] [113] Un portavoz de HBO Max dijo que la película era "un producto de su época" y, como resultado, mostraba "prejuicios étnicos y raciales" que "estaban mal entonces y hoy". También se anunció que la película volvería al servicio de streaming en una fecha posterior, aunque incorporaría "una discusión de su contexto histórico y una denuncia de esas mismas representaciones, pero se presentará tal como se creó originalmente, porque para hacer de lo contrario, sería lo mismo que afirmar que estos prejuicios nunca existieron. Si queremos crear un futuro más justo, equitativo e inclusivo, primero debemos reconocer y comprender nuestra historia ". [114] La eliminación de la película provocó un debate sobre la corrección política yendo demasiado lejos, con críticos de cine e historiadores que criticaron a HBO por la posible censura. [115] Después de la eliminación de la película, alcanzó la cima de la lista de ventas de películas y televisión más vendidos de Amazon, y el quinto lugar en la lista de películas de iTunes Store de Apple. [116]

    HBO Max volvió a poner la película a su servicio a finales de ese mes, con una nueva presentación de Jacqueline Stewart. [117] Stewart describió la película, en un artículo de opinión para CNN, como "un texto principal para examinar las expresiones de la supremacía blanca en la cultura popular", y dijo que "se debe precisamente a los patrones dolorosos y continuos de la injusticia racial y desprecio por las vidas negras que "Lo que el viento se llevó" debería permanecer en circulación y estar disponible para su visualización, análisis y discusión ". Describió la controversia como "una oportunidad para pensar en lo que pueden enseñarnos las películas clásicas". [118]

    Representación de una violación conyugal Editar

    Una de las escenas más notorias y más condenadas de Lo que el viento se llevó describe lo que ahora se define legalmente como "violación marital". [119] [120] La escena comienza con Scarlett y Rhett al pie de la escalera, donde él comienza a besarla, negándose a que Scarlett le diga "no". [121] [122] Rhett supera su resistencia y lleva ella sube las escaleras hasta el dormitorio, [121] [122] donde el público no tiene ninguna duda de que "obtendrá lo que se le viene". [123] La siguiente escena, a la mañana siguiente, muestra a Scarlett brillando con una satisfacción sexual apenas reprimida [121] [122] [123] Rhett se disculpa por su comportamiento, culpándolo a su forma de beber. [121] La escena ha sido acusada de combinar romance y violación haciéndolos indistinguibles entre sí, [121] y de reforzar una noción sobre el sexo forzado: que las mujeres lo disfrutan en secreto, y es una forma aceptable para que un hombre trate su esposa. [123]

    Molly Haskell ha argumentado que, sin embargo, las mujeres son en su mayoría acríticas de la escena y que, en general, es consistente con lo que las mujeres tienen en mente si fantasean con ser violadas. Sus fantasías giran en torno al amor y el romance en lugar del sexo forzado. Asumirán que Scarlett no era una pareja sexual renuente y quería que Rhett tomara la iniciativa e insistiera en tener relaciones sexuales. [124]

    En cultura popular Editar

    Lo que el viento se llevó y su producción ha sido explícitamente referenciada, satirizada, dramatizada y analizada en numerosas ocasiones a través de una variedad de medios, a partir de obras contemporáneas como Segundo violín—Una película de 1939 que simula la "búsqueda de Scarlett" - con programas de televisión actuales, como Los Simpsons. [103] [125] [126] La guerra de Scarlett O'Hara (una dramatización televisiva de 1980 del casting de Scarlett), [127] Luz de luna y magnolias (una obra de 2007 de Ron Hutchinson que dramatiza la reescritura del guión de cinco días de Ben Hecht), [128] y "Went with the Wind!" (un boceto en El show de Carol Burnett que parodió la película después de su debut televisivo en 1976) se encuentran entre los ejemplos más notables de su presencia perdurable en la cultura popular. [19] También fue tema de un documental de 1988, La creación de una leyenda: Lo que el viento se llevó, detallando la difícil historia de producción de la película. [129] En 1990, el Servicio Postal de los Estados Unidos emitió un sello que mostraba a Clark Gable y Vivien Leigh abrazados en una escena de la película. [130] En 2003, Leigh y Gable (como Scarlett y Rhett) ocuparon el puesto 95 en la lista de VH1 de los "200 íconos más grandes de la cultura pop de todos los tiempos". [131]

    Secuela Editar

    Después de la publicación de su novela, Margaret Mitchell se vio inundada de solicitudes para una secuela, pero afirmó no tener una idea de lo que les sucedió a Scarlett y Rhett y, como resultado, los había "abandonado a su destino final". Hasta su muerte en 1949, Mitchell continuó resistiendo la presión de escribir una secuela de Selznick y MGM. En 1975, su hermano, Stephens Mitchell (quien asumió el control de su patrimonio), autorizó una secuela que sería producida conjuntamente por MGM y Universal Studios con un presupuesto de $ 12 millones. Anne Edwards recibió el encargo de escribir la secuela como una novela que luego se adaptaría a un guión y se publicaría junto con el estreno de la película. Edwards envió un manuscrito de 775 páginas que se tituló Tara, la continuación de Lo que el viento se llevó, ambientada entre 1872 y 1882 y centrada en el divorcio de Scarlett de Rhett MGM no estaba satisfecho con la historia y el trato colapsó. [19]

    La idea revivió en la década de 1990, cuando finalmente se produjo una secuela en 1994, en forma de miniserie de televisión. Scarlett se basó en la novela de Alexandra Ripley, en sí misma una secuela del libro de Mitchell. Los actores británicos Joanne Whalley y Timothy Dalton fueron elegidos como Scarlett y Rhett, y la serie sigue la reubicación de Scarlett en Irlanda después de que Rhett volviera a quedar embarazada. [132]

    Notas explicativas Editar

    1. ^ Loews era la empresa matriz de MGM. [2]
    2. ^ aB Los créditos al comienzo de la película contienen un error: George Reeves aparece "como Brent Tarleton", pero interpreta a Stuart, mientras que Fred Crane aparece "como Stuart Tarleton", pero interpreta a Brent. [1]
    3. ^ De una carta privada de la periodista y asesora técnica en el set Susan Myrick a Margaret Mitchell en febrero de 1939:

    George [Cukor] finalmente me lo contó todo. Odiaba [dejar la producción] mucho, dijo, pero no podía hacer otra cosa. En efecto, dijo que es un artesano honesto y que no puede hacer un trabajo a menos que sepa que es un buen trabajo y siente que el trabajo actual no es el correcto. Durante días, me dijo que había visto los juncos y sentía que estaba fallando. la cosa no hizo clic como debería. Poco a poco se fue convenciendo de que el guión era el problema. David [Selznick], él mismo, cree que ÉL está escribiendo el guión. Y George ha tomado el guión continuamente día a día, comparó la versión de [Oliver] Garrett-Selznick con la de [Sidney] Howard, gimió y trató de cambiar algunas partes de nuevo al guión de Howard. Pero rara vez podía hacer mucho con la escena. Así que George le dijo a David que no trabajaría más si el guión no era mejor y que quería recuperar el guión de Howard. David le dijo a George que era un director, no un autor y que él (David) era el productor y el juez de lo que es un buen guión. George dijo que era un director y muy bueno y que no dejaría que su nombre saliera sobre una película pésima. Y David, con cabeza de toro, dijo: "¡Está bien, lárgate!" [22]

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    Esta guía de grupo de lectura para Lo que el viento se llevó incluye una introducción, preguntas para debatir e ideas para mejorar su club de lectura. Las preguntas sugeridas están destinadas a ayudar a su grupo de lectura a encontrar ángulos y temas nuevos e interesantes para su discusión. Esperamos que estas ideas enriquezcan su conversación y aumenten su disfrute del libro.

    Introducción

    Ampliamente considerada La gran novela estadounidense, y a menudo recordada por su versión cinematográfica épica, Lo que el viento se llevó explora la profundidad de las pasiones humanas con una intensidad tan audaz como su entorno en las colinas rojas de Georgia. Es una excelente pieza de narración que describe vívidamente el drama de la Guerra Civil y la Reconstrucción.

    Esta historia ganadora del premio Pulitzer es la historia de Scarlett O’Hara, la hija malcriada y manipuladora de un rico propietario de una plantación, que llega a la juventud justo a tiempo para ver cómo la Guerra Civil cambia para siempre su forma de vida. Una historia arrolladora de pasión y coraje enredados, en las páginas de Lo que el viento se llevó, Margaret Mitchell da vida a los inolvidables personajes que han cautivado a los lectores durante más de setenta años.

    Temas y preguntas para discusión
    1. Gerald O’Hara se describe como "vital, terrenal y tosco" (pág. 50). ¿Por qué crees que la sociedad todavía lo considera un caballero? ¿Es simplemente porque se casó con Ellen? ¿Su hija Scarlett posee estos mismos rasgos? ¿Qué pasa con sus hermanas, Suellen y Careen?

    2. Discuta la actitud general hacia la educación en Lo que el viento se llevó. Gerald, Scarlett y otros se refieren a los estudios de Ashley Wilkes como "tontería". ¿Esto te sorprende? Si el arte y la literatura no son importantes para tantos, ¿qué cualidades se admiran?

    3. "Para la indignación de Mammy, las compañeras de juegos preferidas [de Scarlett] no eran sus recatadas hermanas o las bien educadas chicas Wilkes, sino los niños negros de la plantación y los chicos del vecindario ..." (pág. 75). ¿Por qué Scarlett no se hace amiga de otras chicas? De joven, ¿a quién muestra afecto en general y por qué?

    4. “Por sacrílega que sea, Scarlett siempre veía con los ojos cerrados el rostro vuelto hacia arriba de Ellen y no la Santísima Virgen, como se repetían las antiguas frases” (pág. 87). ¿Scarlett tiene estas emociones porque Ellen es su madre o porque la admira como persona? ¿Por qué Ellen es tan especial para Scarlett? ¿Hay alguien más a quien Scarlett admire en el mismo grado?

    5. Mientras se prepara para la fiesta en Twelve Oaks, Scarlett le pregunta a Mammy: "¿Por qué una chica tiene que ser tan tonta para atrapar a un marido?" (pág. 95). Teniendo en cuenta los tiempos, ¿cree que esta afirmación es correcta? ¿Scarlett sigue estas reglas ella misma? ¿Hay mujeres en la novela que no actúen como "tontas" en presencia de hombres?

    6. Varias de las familias se refieren con frecuencia a los Slatterys y a otros como "basura blanca". ¿Se trata simplemente de que tengan menos dinero? Durante el período de tiempo, ¿qué rasgos debe poseer uno para ser considerado miembro de una sociedad refinada? ¿Se hacen alguna vez excepciones?

    7. Después de escuchar su declaración de amor a Ashley, Rhett Butler le dice a Scarlett “usted, señorita, no es una dama” (pág. 131). ¿Es esta la razón por la que se siente atraído por ella? ¿Qué tiene Scarlett que atrae instantáneamente la mirada de Rhett? Por el contrario, la tía Pitty cree que Rhett podría ser un caballero si solo respetara a las mujeres. ¿Estás de acuerdo? ¿Hay alguna mujer a la que respete? ¿Por qué ellos frente a otros?

    8. Hay muy poca discusión sobre el primer marido de Scarlett, Charles Hamilton: “En dos semanas, Scarlett se había convertido en esposa y en dos meses más era viuda” (pág. 139). ¿Por qué hay un salto en el tiempo desde la presentación de Charles hasta su muerte? ¿Le sorprendió la reacción de Scarlett ante la viudez?

    9. Discuta las muchas cuestiones complicadas de la raza en esta novela. Mammy y Pork se consideran a sí mismos un estatus más alto que aquellos que trabajan en el campo. ¿Por qué creen esto? ¿También se consideran mejores que los “blancos po” como los Slatterys? ¿Cómo describiría las diferentes relaciones de Scarlett con Mammy, Pork, Dilcey y Prissy?

    10. Cuando Scarlett llega por primera vez a Atlanta, nota que la ciudad es “tan testaruda e impetuosa como ella misma” (pág. 149). Tanto durante la guerra como después, ¿qué otras similitudes existen entre Scarlett y su hogar adoptivo?

    11. La mayoría de sus compañeros sureños harán cualquier cosa por "La Causa" y, sin embargo, Scarlett se admite a sí misma que "no significa nada en absoluto para ella" (pág. 177). ¿Está siendo egoísta o simplemente honesta? ¿Por qué crees que se siente así? ¿Cambia su opinión a lo largo de la novela? Y si a ella no le importa La Causa, ¿por qué todavía odia tanto a los "Yankees"?

    12. Rhett advierte a Scarlett que "siempre le pagan" (pág. 242). Discuta los momentos en que esto es cierto. ¿Por qué tiene esta actitud? ¿Es Rhett alguna vez puramente generoso?

    13. Teniendo en cuenta que él sabe de su amor, ¿por qué Ashley le pide a Scarlett que cuide de su esposa, Melanie, mientras él está en guerra? ¿Es un favor justo pedir? ¿Scarlett está de acuerdo solo porque está enamorada de él, o también ha aprendido a amar a Melanie?

    14. “¡Oh, qué divertido! Si tan solo dijera que la ama, cómo ella lo atormentaría y se vengaría… ”(pág. 327). ¿Por qué Scarlett y Rhett sienten la necesidad de engañarse mutuamente? ¿Alguna vez hay momentos en los que se permiten ser vulnerables entre ellos? ¿Por qué la honestidad es un problema para ellos?

    15. Cuando los Yankees llegan a Atlanta, Rhett deja a Scarlett en el carro para cuidar de Melanie y los demás. ¿Por qué los deja atrás, además de una vida de comodidad, para unirse al ejército que dice que le disgusta tanto?

    16. En su lecho de muerte, Ellen clama por su amor perdido, Philippe. ¿Por qué Margaret Mitchell incluye esta historia de fondo aparentemente insignificante? ¿Esta relación es paralela a otras en la novela?

    17. Cuando regresa a Tara y descubre que los Yankees han destruido toda su comida y algodón, Scarlett pronuncia una de las líneas más conocidas de Lo que el viento se llevó: “Como Dios es mi testigo, nunca más volveré a tener hambre” (pág. 408). ¿Este momento cambia a Scarlett? ¿De dónde encuentra su fuerza?

    18. A Scarlett le molesta a menudo que su hijo, Wade Hampton, parezca preferir a la tía Melly. ¿Cómo describiría su relación con Wade? Al igual que su padre Charles, ¿por qué se le menciona con tanta poca frecuencia? ¿Juzgas a Scarlett cuando le grita?

    19. Después de que Scarlett mata al soldado yanqui, Melanie la ayuda de inmediato a deshacerse del cuerpo, lo que hace que Scarlett admire a regañadientes su “hoja delgada y brillante de acero irrompible” (pág. 420). ¿Cómo describiría a Melanie, como débil o fuerte? ¿Conoce los sentimientos de Scarlett por Ashley? Si es así, ¿por qué sigue siendo tan leal a ella?

    20. Describe Atlanta una vez que termine la guerra. Además de los daños físicos, ¿cuáles son los cambios más importantes? ¿Por qué cree que algunos de los hombres recién libres siguen siendo leales a sus familias blancas, mientras que otros intentan comenzar una nueva vida? ¿Alguno de los antiguos esclavos parece ahora "exitoso"?

    21. Cuando Ashley regresa a Tara, le confía a Scarlett que a pesar de sus actos heroicos durante la guerra, se considera un cobarde. ¿Qué quiere decir con esta declaración? ¿Estás de acuerdo con él? ¿Scarlett está de acuerdo?

    22. Después de finalmente encontrar un momento a solas, Scarlett y Ashley declaran su amor, pero ella admite que “eran como dos personas hablando en diferentes idiomas” (pág. 499). ¿Alguna vez estuvieron realmente enamorados o simplemente se admiran mucho el uno al otro? Y si la ama, ¿por qué no le impide ofrecerse a Rhett a cambio del dinero para pagar los impuestos?

    23. Cuando la guerra los deja a todos en la pobreza, Scarlett no puede creer que tantas familias respetables “sigan pensando, a pesar de todo, que nada realmente terrible les puede pasar a ninguno de ellos porque son quienes son…” (pág. 517). ¿Está de acuerdo en que los antiguos aristócratas siguen siendo los mismos, o como Ashley lo describe, están en un “estado de animación suspendida” (pág. 677)? Si es así, ¿por qué cree que es así? ¿Qué hace a Scarlett diferente? ¿Todavía le importa lo que piensen de ella?

    24. Una vez que Tara está a salvo, ¿por qué Scarlett sigue tan involucrada con el molino? ¿Le gusta trabajar a pesar de que se considera poco femenino? ¿Dónde aprendió sus habilidades comerciales? ¿Por qué tiene éxito cuando muchos de los hombres no lo tienen? ¿Y por qué decide hacer negocios con los Yankees, a quienes sigue odiando?

    25. ¿Por qué tantos hombres blancos del sur se unen al Klan? ¿Es una cuestión de raza, política o desagrado por los Yankees? ¿Quieren algo de sentido de control después de perder la guerra y de que los "alfombras" dirijan su gobierno local? ¿Por qué Scarlett es una de las pocas que habla en contra del Klan? ¿Y por qué Rhett intenta rescatar a Ashley y Frank de la reunión cuando se entera de la trampa de los soldados yanquis?

    26. Analice la importancia de la religión en la novela. ¿Qué importancia tiene Dios para Scarlett? Durante los tiempos difíciles, a menudo afirma que no le importa lo que él piense. ¿Crees que es verdad? ¿Y después de la muerte de su segundo marido, Frank Kennedy? ¿Se siente culpable? Cuando le dice a Rhett que tiene miedo de ir al infierno y que se arrepiente mucho, ¿le cree (pág. 768)?

    27. “No, querida, no estoy enamorado de ti, no más que tú de mí, y si lo estuviera, serías la última persona a la que se lo diría” (pág. 778). Si lo que dice Rhett es cierto, ¿por qué le propone matrimonio a Scarlett, especialmente después de afirmar repetidamente que no es un hombre casado? ¿Y por qué decide proponerle matrimonio tan poco después de la muerte de Frank? ¿Es un buen marido?

    28. Scarlett tiene un hijo con cada uno de sus maridos. ¿Ella los trata de manera diferente? ¿La paternidad cambia a Rhett? Si es así, ¿cree que su comportamiento sería diferente si tuviera un hijo en lugar de una hija? ¿Cómo se ven afectados Scarlett y Rhett por la muerte de Bonnie, tanto individualmente como en pareja?

    29. La novela termina con Rhett rechazando el amor de Scarlett y su pensamiento "mañana es otro día" (pág. 959). ¿Es este otro ejemplo de Scarlett que se niega a renunciar, o realmente cree que lo recuperará? ¿Crees que realmente se ha enamorado o volverá Rhett con Scarlett "otro día"?

    30. Al comienzo de la novela, Gerald le dice a Scarlett que la tierra es “lo único que perdura en el mundo…” (pág. 55). ¿Es esto cierto en el mundo de Scarlett? En última instancia, ¿ama a Ashley, a Rhett oa sus propios hijos tanto como a Tara?

    Mejore su club de lectura

    1. Después de la discusión en el club de lectura, mire la versión cinematográfica de Lo que el viento se llevó. Analice las diferencias y similitudes entre la novela y la película ganadora del Oscar. ¿Hay alguno que prefieras? Si ya habías visto la película, ¿imaginabas a los actores como los personajes del libro? ¿Crees que esto cambió tu perspectiva mientras lees?

    2. La moda es muy importante para la sociedad sureña durante este período de tiempo. Investigue sobre la ropa de la década de 1860 y traiga fotografías o bocetos para compartir con el grupo. Decide qué atuendos Scarlett, Melanie y las otras mujeres pueden elegir para ellas y por qué.

    3. Lo que el viento se llevó entra en gran detalle para describir el impacto de la Guerra Civil en la sociedad. Ahora investiga los aspectos históricos de la guerra. Haga que cada miembro escriba un breve resumen de las principales batallas de la guerra y luego compártala con el grupo. ¿La novela retrata estas batallas con precisión?

    4. Si estás en el área de Atlanta, haz un viaje a Margaret Mitchell House, donde podrás recorrer las habitaciones en las que la famosa autora escribió su novela. Si este viaje no es conveniente para su grupo, puede visitar el sitio web en: http://www.gwtw.org/.

    5. Al final de la novela, Rhett deja a Scarlett, pero los dos nunca parecen estar separados por mucho tiempo. ¿Te imaginas que Rhett volverá alguna vez con ella? Escribe un epílogo de la historia detallando lo que crees que le sucede a Scarlett, Rhett y los demás.


    La larga batalla por "Lo que el viento se llevó"

    El éxito de taquilla de 1939 una vez simbolizó lo último en entretenimiento de masas. Pero los afroamericanos han protestado contra esto desde el principio, incluso si los estadounidenses blancos no quisieron escucharlo.

    Cuando HBO Max anunció el martes que eliminaría temporalmente "Lo que el viento se llevó" de su servicio de transmisión, parecía como si otro monumento confederado estuviera cayendo.

    "Lo que el viento se llevó" puede registrarse hoy en día entre los más jóvenes solo como la película favorita de su abuela (o tal vez, la fuente de una broma desgarradora que abre "BlacKkKlansman" de Spike Lee). Y por cada conservador prominente que acusaba a HBO Max de censura, había muchos en las redes sociales llamando a la película, bueno, aburrida.

    Pero el clásico de 1939, que sigue siendo la película más taquillera de todos los tiempos, ajustada a la inflación, ha moldeado de manera duradera la comprensión popular de la Guerra Civil y la Reconstrucción, quizás más que cualquier otro artefacto cultural.

    "Quieres tener una boda en el sur antes de la guerra, ¿de dónde viene eso?" dijo Kellie Carter Jackson, historiadora del Wellesley College que imparte un curso sobre esclavitud y cine. “La gente dirá que no ha visto la película. Pero lo han visto, pero no en su forma original ".

    La decisión de HBO Max se produjo un día después de que The Los Angeles Times publicara un artículo de opinión de John Ridley, el guionista de "Doce años de esclavitud", en el que criticaba "Lo que el viento se llevó" por sus estereotipos racistas y el blanqueo de los horrores de la esclavitud, y llamaba para que se presente sólo con contexto histórico añadido. (Unos días después, la académica de cine afroamericana Jacqueline Stewart anunció en un artículo de opinión para CNN.com que proporcionará la introducción cuando la película regrese al servicio de transmisión).

    Pero también representa un ajuste de cuentas tardío con la crítica afroamericana que comenzó inmediatamente después de la publicación en 1936 de la novela de Margaret Mitchell, incluso si apenas se notó en la prensa blanca convencional.

    "Lo que el viento se llevó" es uno de los relámpagos míticos de la historia cultural estadounidense. Mitchell, una ex periodista que escribió la novela (la primera y única) mientras se recuperaba de una lesión, esperaba que se vendieran 5.000 copias. En cambio, se convirtió en una sensación, vendió casi un millón de copias en seis meses y le valió el Premio Pulitzer y el Premio Nacional del Libro.

    La producción de la versión cinematográfica, incluido el casting de Scarlett O’Hara y Rhett Butler, fue cubierta sin aliento por la prensa. Y para la noche del estreno, en 1939, se habían vendido siete millones de copias del libro.

    El frenesí en torno a la novela y la película también desató una locura nacional por todo lo relacionado con Dixie. Mitchell se vio inundado de solicitudes para autorizar bolígrafos, sombreros, muñecos e incluso telas de chintz con el tema de “Lo que el viento se llevó”. En 1939, Macy's dedicó varios pisos de su tienda insignia a productos asociados con la película, bajo el tema "El viejo sur llega al norte".

    "La gente simplemente se lo comió", dijo Karen L. Cox, historiadora de la Universidad de Carolina del Norte, Charlotte, y autora de "Dreaming of Dixie: Cómo se creó el sur en la cultura popular estadounidense". Y el abrazo norteño de la nostalgia de las plantaciones de Mitchell, con su representación de esclavos felices y obedientes, no fue solo un consumismo inofensivo en el estilo de vida.

    "Hubo una incipiente actividad de derechos civiles en la década de 1930, pero si todos están viendo esta película o leyendo este libro, se dan cuenta de que así es como eran las cosas", dijo Cox. "A los norteños blancos les resultó más fácil mirar a los inmigrantes afroamericanos que llegaban a lugares como Chicago y decir: '¿Por qué no puedes actuar como estos negros?'"

    Pero incluso cuando los estadounidenses blancos abrazaron la luz de la luna y las magnolias, los afroamericanos registraron objeciones. Poco después de que el productor David O. Selznick comprara los derechos, hubo quejas de que una versión cinematográfica incitaría a la violencia, difundiría el fanatismo e incluso descarrilaría un proyecto de ley federal contra los linchamientos.

    Margaret Mitchell reaccionó con desdén a las críticas. “No tengo la intención de permitir que ningún negro profesional problemático cambie mis sentimientos hacia la raza con la que mis relaciones siempre han sido de afecto y respeto mutuo”, le escribió a una amiga.

    Selznick hizo un baile más complicado. "Yo, por mi parte, no tengo ningún deseo de producir ninguna película anti-negros", escribió en un memorando al guionista Sidney Howard. "En nuestra foto, creo que debemos tener mucho cuidado de que los negros salgan decididamente del lado derecho del libro mayor".

    En 1936, Walter White, el secretario de la NAACP, le escribió expresándole su preocupación y sugiriéndole que contratara a alguien, preferiblemente un afroamericano, para verificar "posibles errores" de hechos e interpretación. “La escritura de la historia del período de la Reconstrucción ha estado tan completamente confederada durante las últimas dos o tres generaciones que, naturalmente, estamos algo ansiosos”, escribió.

    Selznick inicialmente mencionó el nombre de un posible asesor afroamericano, pero finalmente contrató a dos blancos, incluido un periodista amigo de Mitchell, encargado de mantener auténtico el discurso sureño (un asunto de gran preocupación para algunos fanáticos blancos de la novela que le escribieron a Selznick ) y evitar errores en detalles como la idoneidad del tocado de Scarlett en una fiesta nocturna.

    Únase al reportero de teatro del Times Michael Paulson en una conversación con Lin-Manuel Miranda, vea una actuación de Shakespeare in the Park y más mientras exploramos signos de esperanza en una ciudad cambiada. Durante un año, la serie "Offstage" ha seguido al teatro hasta el cierre. Ahora estamos viendo su rebote.

    La película intentó desinfectar algunos de los elementos racistas de la novela. Se omitieron las referencias al Ku Klux Klan, que la novela llama "una necesidad trágica". A regañadientes, Selznick también cortó del guión un insulto racial común pero notorio ("la palabra de odio", como dijo un periodista afroamericano que intervino).

    La película también perfeccionó una escena del libro en la que Scarlett, mientras viajaba sola por un barrio de chabolas, casi es violada por un hombre negro, lo que provoca una redada de represalia por parte del Klan. En cambio, el atacante es un hombre blanco pobre, y no se especifica la naturaleza de la pandilla que cabalga para vengar su honor.

    "Un grupo de hombres puede salir y 'atrapar' a los perpetradores de un intento de violación sin tener que cubrirlos con largas sábanas blancas", escribió Selznick en un memorando.

    Pero la película puso la nostálgica mitología de la Causa Perdida, en ese punto, la visión nacional dominante de la Guerra Civil, al frente y al centro, comenzando con las tarjetas de título de apertura que rinden homenaje a "una tierra de caballeros y campos de algodón", un "mundo bonito donde Gallantry hizo su última reverencia ".

    Incluso durante la producción, hubo llamadas a un boicot afroamericano. Posteriormente, hubo protestas frente a los cines de Chicago, Washington y otras ciudades.

    Si bien las respuestas a la película terminada en la prensa negra fueron mixtas, las críticas fueron duras. El Chicago Defender publicó inicialmente una columna calificándola de inofensiva y las actuaciones de Hattie McDaniel (Mammy) y Butterfly McQueen (Prissy) son ejemplos de "arte negro". Pero una semana después, publicó una crítica mordaz que lo calificó como "un arma de terror contra la América negra", un sentimiento que se hizo eco en otros periódicos negros como el Pittsburgh Courier, que denunciaba la descripción de todos los negros como "sirvientes felices e irreflexivos e indefensos". terrones ".

    Entre los que lo vieron en esta época se encontraba un adolescente Malcolm X. “Yo era el único negro en el teatro, y cuando Butterfly McQueen entró en su acto, sentí ganas de arrastrarme bajo la alfombra”, escribió en su autobiografía.

    Mientras tanto, el público blanco se entusiasmó en gran medida con la celebración de la épica Technicolor de casi cuatro horas, con sus cientos de extras, lujosos disfraces y temas de determinación y supervivencia que resonaron con un país que emerge de la Depresión.

    Los periódicos blancos, incluido The New York Times, llevaron una cobertura entusiasta de los estrenos de la película en Nueva York y Atlanta, donde los cuatro días de festividades incluyeron el coro de la Iglesia Bautista Ebenezer (incluido, como señaló un estudioso del cine, un Martin de 10 años de edad). Luther King Jr.) cantando frente a una maqueta de Tara, la plantación de la película. Pero pocos notaron las protestas afroamericanas, o alguna crítica negra en absoluto.

    Incluso después de la década de 1960, la película perduró para muchos estadounidenses blancos como una piedra de toque cultural querida, un símbolo de la época dorada de Hollywood, e incluso de la identidad estadounidense.

    En 1974, NBC pagó un récord de $ 5 millones de dólares (más de $ 26 millones en la actualidad) por el derecho a mostrar la película una vez, como parte de su programación del Bicentenario. Emitido durante dos noches, fue visto por el 47 por ciento de todos los hogares estadounidenses.

    Algunos artistas afroamericanos han desafiado directamente su nostalgia blanqueada. En 2001, la propiedad de Mitchell libró una batalla perdida por los derechos de autor contra "The Wind Done Gone", la parodia de la novelista Alice Randall desde el punto de vista de los esclavizados. Mientras tanto, las secuelas autorizadas han intentado, a veces torpemente, actualizar la política racial del libro, manteniendo intacto el romance centrado en los blancos.

    En "Scarlett" de Alexandra Ripley, de 1991, Scarlett atiende con amor a la moribunda Mammy, a la que se lleva fuera del escenario (junto con la mayoría de los personajes negros) desde el principio. "Rhett Butler's People", de Donald McCaig, de 2007, se centró en la lucha posterior a la Guerra Civil por el restablecimiento de la supremacía blanca, pero pasó por alto el tema del Klan (y la posible membresía de Rhett).

    Otras instituciones han cambiado sus enfoques. Desde que el Centro de Historia de Atlanta se hizo cargo de la Casa Margaret Mitchell de un grupo privado en 2006, el enfoque ha cambiado de una visión literaria que minimizó la controversia racial a un énfasis en los tropos racistas de la historia y la historia distorsionada, y el hecho de que los afroamericanos se opusieron. desde el principio.

    Jessica VanLanDuyt, vicepresidenta del centro para la experiencia de los huéspedes, dijo que la casa ha experimentado una disminución en el número de visitantes en los últimos años, aunque sigue habiendo un fuerte contingente de otros países donde "Lo que el viento se llevó" es popular.

    Pero incluso en Estados Unidos, conserva su atractivo, incluso entre el público "que sabe más", como lo expresó el crítico del New York Times Vincent Canby en una reevaluación de la película en su mayoría entusiasta en 1998.

    Jackson, la historiadora de Wellesley, dijo que los estudiantes por lo general vienen a su clase sin haber visto la película. Pero acaba siendo una de las ofertas a las que más responden.

    “Los estudiantes dirán: 'Me encanta' Lo que el viento se llevó 'y' Odio 'Lo que el viento se llevó'”, dijo. “Les encanta la estética, que es tan exagerada que es como un caramelo. Pero saben que voy a hacer que profundicen más. Y cuando lo hacen, dicen: 'Esto es horrible' ".


    Publicado "Lo que el viento se llevó" - HISTORIA

    ATLANTA, 16 de agosto - Margaret Mitchell, autora de "Lo que el viento se llevó", murió hoy en el Hospital Grady por las lesiones recibidas cuando fue atropellada por un automóvil a alta velocidad en la calle Peachtree el jueves pasado.

    Ni una sola vez desde el accidente, la señorita Mitchell, de 49 años, recuperó por completo el conocimiento, según los agregados del hospital. A intervalos poco frecuentes, había murmurado respuestas vagas e incoherentes a las preguntas habladas.

    Poco después de la muerte de la señorita Mitchell, el conductor del automóvil que la golpeó se entregó voluntariamente a la policía y el jefe de policía de Atlanta, Herbert Jenkins, dijo que se buscaría una "acusación de asesinato inmediata". Hugh D. Gravitt, de 29 años, el conductor, había salido con una fianza de $ 5,450, luego de haber sido arrestado en el lugar del accidente y acusado de conducir ebrio, exceso de velocidad y conducir en el lado equivocado de la calle.

    Gravitt, un taxista de Atlanta, estaba fuera de servicio y conducía un automóvil privado cuando la señorita Mitchell fue atropellada cuando ella y su esposo, John R. Marsh, cruzaban Peachtree en Thirteenth Street de camino a una película del vecindario. Marsh fue el & quotJ.R.M. & Quot; a quien se dedicó & quot; Lo que el viento se llevó & quot.

    Cráneo y pelvis fracturados

    Los médicos dijeron que las radiografías revelaron que el cráneo de Miss Mitchell & aposs estaba fracturado desde la parte superior de la cabeza hasta la parte superior de la columna vertebral y que su pelvis estaba fracturada en dos lugares.

    La señorita Mitchell sufrió un repentino hundimiento poco después de las 11 de la mañana de hoy. Tres médicos estaban presentes cuando se produjo la muerte a las 11:59.

    El gobernador Herman Talmadge ordenó que la bandera sobre el Capitolio del estado bajara a media asta hasta después del funeral.

    El gobernador también anunció que el estado actuaría para endurecer las regulaciones en la concesión de licencias a los taxistas. El conductor del coche que mató a la señorita Mitchell tenía veintitrés infracciones de tráfico anteriores en los registros policiales.

    Se llevará a cabo un funeral privado a las 10 A. M. el jueves en Spring Hill, la funeraria de Atlanta, con Dean Raimundo de Ovies de St. Philip & Aposs Cathedral, Atlanta, oficiando. El entierro será en el cementerio de Oakland aquí.

    Además de su marido, la señorita Mitchell deja un hermano, Stephens Mitchell, y dos sobrinos, Eugene y Joseph Mitchell de Atlanta.

    Una ama de casa en Atlanta

    Margaret Mitchell era ama de casa de Atlanta, una ex periodista, cuando mostró una maleta llena de manuscritos a un cazatalentos de la Compañía Macmillan en 1935. La publicación, el próximo junio, de su novela de 1.037 páginas del Sur en días de reconstrucción "Lo que el viento se llevó", la convirtió en un personaje internacional.

    La fama que vino con su libro le valió un estimado de $ 1,000,000 en regalías de libros, pagos de películas y otros rendimientos aliados en menos de cuatro años, pero interrumpió su forma de vida. Dijo un día, en un ataque de exasperación mientras se dirigía a un escondite en la montaña lejos de las multitudes que la asediaban por teléfono, telégrafo y en persona, que había decidido no escribir una palabra más mientras viviera.

    La novela, la primera, fue un éxito tan fenomenal, sus personajes cautivaron tanto la imaginación de los lectores del libro y de los apóstoles, que casi podría ser etiquetada como un Frankenstein que abrumaba a su creador. Casi se perdió en la confusión que recibió el estreno de la película de su libro en Atlanta el 15 de diciembre de 1939.

    La señorita Mitchell en la vida privada era la señora John R. Marsh, esposa del gerente de publicidad jubilado de Georgia Power Company. Nació en Atlanta poco después del cambio de siglo, hija de un abogado. La familia descendía de los colonos hugonotes de Carolina del Sur.

    Grupo de bar encabezado por el padre

    Su padre, el difunto Eugene M. Mitchell, fue abogado y ex presidente de la Asociación de Abogados de Atlanta, ex presidente de la Sociedad Histórica de Atlanta y una autoridad reconocida en la historia de Atlanta y Georgia.

    Su madre era la fallecida Maybelle Stephens Mitchell. Tenía un hermano, Stephens Mitchell, también abogado, editor del Atlanta Historical Society Bulletin, ex presidente del Atlanta Bar Association y del Atlanta Lawyers Club. Su familia ha estado viviendo en Atlanta o cerca de ella desde antes de que se originara la ciudad.

    Asistió a las escuelas públicas de Atlanta, se graduó del Washington Seminary, una escuela preparatoria de Atlanta, y asistió a Smith College en Northampton, Mass., Durante aproximadamente un año, y se fue debido a la muerte de su madre. Hizo su debut social en Atlanta.

    La señorita Mitchell se convirtió en miembro del personal de The Atlanta Journal Sunday Magazine en 1922 y trabajó allí hasta 1926, escribiendo bajo el nombre de Peggy Mitchell. Sin embargo, se vio obligada a abandonar esta posición debido a una lesión en el tobillo. Fue entonces cuando comenzó a escribir su famosa novela, "Lo que el viento se llevó". Se había casado el año anterior.

    La señorita Mitchell estaba familiarizada con las historias del Viejo Sur, del incendio de Atlanta por Sherman en su marcha hacia el mar, de los tristes días de la reconstrucción. Una vez dijo que tenía 10 años antes de enterarse de que Robert E. Lee no ganó la Guerra Civil.

    Las historias que contaba su padre, las que oía de los sirvientes negros, de los parientes y de los amigos, finalmente comenzaron a formarse en una novela en su mente. Con su matrimonio y su tobillo lesionado haciendo su vida sedentaria, comenzó a escribir.

    Cuando era reportera en The Journal, dijo, siempre tenía problemas para enmarcar los párrafos iniciales de sus historias, por lo que siempre escribía la última parte primero.

    "Puedes imaginar cómo me amaba el editor de mi ciudad", explicó.

    Entonces, cuando comenzó su libro, escribió el último capítulo y luego comenzó a trabajar desde allí.

    En su apartamento de Atlanta, el manuscrito se acumuló durante nueve años. Parte de ella estaba escrita a máquina, parte de ella estaba garabateada en el reverso de las listas de lavandería. Estaba en escritorios, cajones de la cómoda y en los estantes de los armarios. Sus amigos habían leído partes de él, pero ella nunca se lo había mostrado a un editor.

    En el otoño de 1935, H. S. Latham, vicepresidente de Macmillan Company, hizo un viaje por el sur en busca de nuevos autores. Almorzó en Atlanta con la señorita Mitchell y la señora Medora Perkerson, quienes también habían trabajado en The Journal. Le estaban sugiriendo escritores que debería ver. Finalmente, recordó más tarde, la Sra. Perkerson le dijo: "Peggy ha escrito un libro".

    La señorita Mitchell se mostró tímida al respecto, hizo a un lado la sugerencia y dijo que el libro no estaba terminado. Fueron en coche a mirar el cornejo.

    Esa noche, después de haber regresado a su hotel, la señorita Mitchell fue a verlo. Había cambiado de opinión después de irse a casa, había reunido su manuscrito y se lo había llevado. Tuvo que comprar una maleta nueva para sostenerlo.

    Unos días después, le envió un telegrama a la señorita Mitchell diciéndole que su empresa había aceptado el libro para su publicación, sujeto a alguna revisión. Durante seis meses trabajó en el trabajo de reescribir, editar, unir los hilos de la historia.

    "Lo que el viento se llevó" salió a los estantes de libros el 30 de junio de 1936. Ella esperaba una venta de 5.000 ejemplares. Un día de ese verano vendió 50.000.

    Scarlett O & aposHara y Rhett Butler se convirtieron en personajes nacionales y luego internacionales. En dos años, el libro se tradujo e imprimió en dieciséis idiomas extranjeros. Las ventas pasaron de 500.000, luego un millón, luego un millón y medio, y así sucesivamente. David O. Selznick le pagó $ 50,000 por los derechos de la película y gastó varios millones en hacer la película. La cuestión de quién interpretaría a Scarlett y Rhett y los otros personajes se discutió en todo el mundo.

    A principios de 1949 se anunció que se habían vendido 8.000.000 de copias del libro en treinta idiomas en cuarenta países y que todavía se vendían 50.000 copias al año en los Estados Unidos. La versión cinematográfica, con Vivien Leigh y Clark Gable, se convirtió en la película más popular de America & aposs y se mostró en todo el país a grandes audiencias en 1947 por cuarta vez.

    Ganó el premio Pulitzer en 1937

    El libro ganó el premio Pulitzer en 1937. La señorita Mitchell recibió un título honorífico del Smith College, medallas y condecoraciones, y fue asediada por su autógrafo y la historia de su vida. Dos años después de la publicación del libro, cuando concedió su primera entrevista formal a los reporteros de Nueva York, se le preguntó si estaba escribiendo algo más, o tenía la intención de hacerlo. Dijo que había estado tan ocupada contestando el teléfono, el timbre de la puerta y la correspondencia de sus fans que no había tenido tiempo. Un librero danés regaló un viaje a Atlanta al ganador de un sorteo. Ella fue suplantada en todo el país y en Europa. Los rumores sobre ella y su modo de vida eran tan espesos e impredecibles como las abejas en un parche de trébol.

    Cuando, en 1943, el gobernador.Ellis Arnall de Georgia quería nombrarla para la Junta Estatal de Educación, la señorita Mitchell declinó el nombramiento en una carta en la que escribió: "Mi tiempo no es mío. No ha sido mío desde que se publicó & aposGone With the Wind & apos. El mero hecho de que desde 1936 nunca haya tenido tiempo de sentarme a la máquina de escribir y escribir, o intentar escribir, otro libro le dará una idea de lo que quiero decir.

    Añadió que & quot; ser el autor de & aposGone With the Wind & apos & apos es un trabajo de tiempo completo, y la mayoría de los días es un trabajo de horas extra para llenar compromisos y conocer visitantes. Además, estoy dedicando todo el tiempo que puedo a actividades bélicas y compromisos futuros en este campo que me sacarán de la ciudad ''.

    Cuando se le preguntó acerca de sus ambiciones en el apogeo de la fama de "Lo que el viento se llevó", dijo que esperaba ganar peso, volverse "gorda y amable", envejecer con gracia.

    La crítica que recibió su libro no fue todo en elogios, aunque gran parte de ella fue generosa. Independientemente de lo que decida la posteridad en cuanto a sus méritos, la señorita Mitchell escribió un libro que fue el best seller más fenomenal jamás escrito por un autor desconocido de una primera novela.


    HBO Max tira "Lo que el viento se llevó", citando representaciones racistas

    HBO Max ha eliminado de su catálogo “Lo que el viento se llevó”, la película de 1939 considerada durante mucho tiempo un triunfo del cine estadounidense, pero que romantiza el sur de la era de la Guerra Civil mientras pasa por alto sus pecados raciales.

    El servicio de transmisión se comprometió a eventualmente traer de regreso la película "con una discusión de su contexto histórico" mientras denunciaba sus errores raciales, dijo un portavoz en un comunicado el martes.

    Ambientada en una plantación y en Atlanta, la película ganó varios premios de la Academia, incluida la mejor película y la mejor actriz de reparto para Hattie McDaniel, la primera afroamericana en ganar un Oscar, y sigue siendo una de las películas más famosas de la historia del cine. Pero su descripción teñida de rosa del sur anterior a la guerra y su ceguera ante los horrores de la esclavitud han sido criticadas durante mucho tiempo, y ese escrutinio se renovó esta semana a medida que las protestas por la brutalidad policial y la muerte de George Floyd continuaron empujando a los Estados Unidos a un amplio abismo. -Disponible conversación sobre raza.

    "'Lo que el viento se llevó' es un producto de su época y describe algunos de los prejuicios étnicos y raciales que, lamentablemente, han sido un lugar común en la sociedad estadounidense", dijo un portavoz de HBO Max en un comunicado. "Estas representaciones racistas estaban equivocadas entonces y lo están hoy, y sentimos que mantener este título sin una explicación y una denuncia de esas representaciones sería irresponsable".

    HBO Max, propiedad de AT & ampT, retiró la película el martes, un día después de que John Ridley, el guionista de "12 Years a Slave", escribiera un artículo de opinión en The Los Angeles Times pidiendo su eliminación. Ridley dijo que entendía que las películas eran instantáneas de su momento en la historia, pero que "Lo que el viento se llevó" todavía se usaba para "dar cobertura a quienes afirman falsamente que aferrarse a la iconografía de la era de las plantaciones es una cuestión de" herencia, no odio '”.

    “Es una película que, cuando no ignora los horrores de la esclavitud, se detiene solo para perpetuar algunos de los estereotipos más dolorosos de las personas de color”, escribió.

    En varias medidas, la película fue una de las más exitosas en la historia de Estados Unidos. Recibió ocho premios de la Academia competitivos y sigue siendo la película más taquillera de la historia cuando se ajusta a la inflación. En 2007, ocupó el sexto lugar en la lista del American Film Institute de las mejores películas de todos los tiempos.

    Hubo pocas críticas a la película cuando se estrenó, aunque en 1939 un miembro de la junta editorial de The Daily Worker, un periódico publicado por el Partido Comunista de EE. UU., Lo llamó "una glorificación insidiosa del mercado de esclavos" y el Ku Klux Klan.

    Pero el mundo en el que se ve ha cambiado, y con cada década ha aumentado la incomodidad a medida que la gente vuelve a visitar sus temas raciales y lo que se omitió. En 2017, el teatro Orpheum en Memphis dijo que dejaría de proyectar la película, como lo había hecho cada año durante 34 años, después de recibir quejas de clientes y otros comentaristas. El presidente del teatro dijo que no podría proyectar una película "que sea insensible a un gran segmento de su población local".

    Basada en un libro de 1936 de Margaret Mitchell, la película narra la historia de amor de Scarlett O’Hara, la hija del dueño de una plantación, y Rhett Butler, un jugador encantador. Los críticos han dicho durante mucho tiempo que los esclavos son representados como bien tratados, contentos y leales a sus amos, un tropo que reescribe la realidad de cómo las personas esclavizadas fueron obligadas a vivir. La Sra. McDaniel ganó un Oscar por su interpretación de Mammy, una esclava afable cercana a Scarlett O’Hara.

    Las protestas a nivel nacional de las últimas semanas han provocado que otras empresas de entretenimiento reconsideren cómo se ve su contenido en el clima actual. Paramount Network dijo el martes que había eliminado "Cops", el programa de telerrealidad de larga duración que glorificaba a los oficiales de policía, de su agenda antes de su temporada 33.

    También ha habido movimientos similares en Gran Bretaña. El lunes, la BBC eliminó episodios de la serie de comedia "Little Britain", que presentaba a un personaje con la cara negra, de su servicio de transmisión.

    "Los tiempos han cambiado desde que 'Little Britain' se emitió por primera vez, por lo que actualmente no está disponible en BBC iPlayer", dijo un portavoz de la BBC. El programa ya se había eliminado de Netflix y también se eliminó del servicio de transmisión BritBox.

    "Little Britain", que se mostró a principios de la década de 2000, fue creada por David Walliams y Matt Lucas. El Sr. Lucas, quien recientemente fue nombrado nuevo presentador de "The Great British Baking Show", ha dicho en entrevistas que no haría "Little Britain" hoy.


    Contenido

    Dicen que la historia la escriben los vencedores, pero la Guerra Civil ha sido una rara excepción. Quizás la necesidad de que el país permaneciera unido hizo necesario que el Norte se sentara en silencio y aceptara la concepción del conflicto del Sur. En cualquier caso, durante la mayor parte de los últimos 150 años, la versión del Sur de la guerra y la Reconstrucción ha dominado nuestras escuelas, nuestra literatura y, desde los albores de los largometrajes, nuestras películas.

    Aunque la idea de la Causa Perdida tiene más de un origen, principalmente argumenta que la esclavitud no fue la causa principal de la Guerra Civil. [13] Esto ignora las declaraciones de secesión de los estados confederados, las declaraciones de los congresistas que dejaron el Congreso de los Estados Unidos para unirse a la Confederación y el tratamiento de la esclavitud en la Constitución Confederada. [14] También niega o minimiza los escritos y discursos de los líderes confederados en tiempos de guerra, como el Discurso de piedra angular del vicepresidente de la CSA, Alexander Stephens, en lugar de favorecer los puntos de vista de los líderes de la posguerra. [15] Destaca la idea de la secesión como defensa contra una amenaza del Norte a la forma de vida del Sur y dice que la amenaza violó los derechos de los estados garantizados por la Constitución. Dice que cualquier estado tenía derecho a separarse, un punto que el Norte niega enérgicamente. La Causa Perdida retrata al Sur como más adherente a los valores cristianos que el supuestamente codicioso Norte. Presenta la esclavitud como más benevolente que cruel, alegando que enseñó el cristianismo y la "civilización". Las historias de esclavos felices se utilizan a menudo como propaganda en un esfuerzo por defender la esclavitud. Las Hijas Unidas de la Confederación tenían un "Comité Conmemorativo de los Esclavos Fieles" y erigieron el monumento Heyward Shepherd en Harpers Ferry, Virginia Occidental. Estas historias se utilizarían para explicar la esclavitud a los norteños. The Lost Cause retrata a los dueños de esclavos siendo amables con sus esclavos. Al explicar la derrota confederada, dice que el factor principal no fue la inferioridad cualitativa en el liderazgo o la capacidad de lucha, sino la enorme superioridad cuantitativa de la maquinaria industrial yanqui. [16] En el pico de la fuerza de las tropas en 1863, los soldados de la Unión superaban en número a los soldados confederados en más de dos a uno, y financieramente la Unión tenía tres veces los depósitos bancarios de la Confederación. [17]

    Siglo XIX Editar

    La derrota de la Confederación devastó a muchos sureños económica, emocional y psicológicamente. Antes de la guerra, muchos sureños blancos sintieron con orgullo que su rica tradición militar les permitiría prevalecer en el próximo conflicto. Cuando eso no sucedió, muchos sureños blancos buscaron consuelo atribuyendo su pérdida a factores fuera de su control, como el tamaño físico y la abrumadora fuerza bruta. [8]

    Los arquitectos de la Causa Perdida actuaron por varios motivos. Colectivamente buscaron justificar sus propias acciones y permitirse a sí mismos y a otros ex Confederados encontrar algo positivo en un fracaso total. También querían proporcionar a sus hijos y futuras generaciones de sureños blancos una narrativa "correcta" de la guerra. [8]

    La Causa Perdida se convirtió en una parte clave del proceso de reconciliación entre el Norte y el Sur alrededor de 1900 [ se necesita más explicación ] y formó la base de las conmemoraciones de la guerra postbellum de muchos sureños blancos. Las Hijas Unidas de la Confederación, una organización importante, se han asociado con la Causa Perdida durante más de un siglo. [18] El profesor de historia de la Universidad de Yale, Rollin G. Osterweis, resume el contenido que impregnó los escritos de "Causa perdida":

    La leyenda de la causa perdida comenzó principalmente como una expresión literaria de la desesperación de un pueblo amargado y derrotado por una identidad perdida. Era un paisaje salpicado de figuras extraídas principalmente del pasado: la jardinera caballeresca, la bella sureña con olor a magnolia, la buena, gris veterano confederado, que alguna vez fue un caballero del campo y una silla de montar y el servicial tío Remus. Todos estos, aunque rápidamente envueltos en una neblina dorada, se volvieron muy reales para la gente del Sur, quienes encontraron los símbolos útiles en la reconstitución de su civilización destrozada. Perpetuaron los ideales del Viejo Sur y trajeron una sensación de comodidad al Nuevo. [19]

    El profesor de historia de la Universidad Estatal de Louisiana, Gaines Foster, escribió en 2013:

    Los eruditos han llegado a un gran acuerdo sobre el papel que jugó la Causa Perdida en esos años, aunque la erudición sobre la Causa Perdida, como la memoria misma, sigue siendo cuestionada. El sur blanco, según la mayoría, dedicó un enorme esfuerzo a celebrar a los líderes y soldados comunes de la Confederación, enfatizando que habían preservado su honor y el del sur. [20]

    El término Causa perdida apareció por primera vez en el título de un libro de 1866 del autor y periodista virginiano Edward A. Pollard, La causa perdida: una nueva historia sureña de la guerra de los confederados. [21] Promovió muchos de los temas antes mencionados de la Causa Perdida. En particular, descartó el papel de la esclavitud en el inicio de la guerra y subestima la crueldad de la esclavitud estadounidense, incluso promoviéndola como una forma de mejorar la vida de los africanos:

    No entraremos en la discusión de la cuestión moral de la esclavitud. Pero podemos sugerir aquí una duda de si ese odioso término "esclavitud" que durante tanto tiempo ha sido impuesto, por la exageración de los escritores del Norte, al juicio y las simpatías del mundo, se aplica correctamente a ese sistema de servidumbre en el Sur, que fue realmente el más suave del mundo que no se basaba en actos de degradación y privación de derechos, sino que elevaba al africano, y estaba en el interés del mejoramiento humano y que, por la ley del país, protegía al negro en la vida y la integridad física, y en muchos derechos personales, y, por la práctica del sistema, le otorgó una suma de indulgencias individuales, lo que lo convirtió en el tipo más sorprendente en el mundo de alegría y satisfacción. [22] [ se necesita una cita completa ]

    Sin embargo, fueron los artículos escritos por el general Jubal A. A principios de la década de 1870 para la Sociedad Histórica del Sur los que establecieron firmemente la Causa Perdida como un fenómeno literario y cultural duradero. La publicación de 1881 de El ascenso y la caída del gobierno confederado de Jefferson Davis, una defensa en dos volúmenes de la causa sureña, proporcionó otro texto importante en la historia de la Causa Perdida. Davis culpó al enemigo de "cualquier derramamiento de sangre, devastación o conmoción al gobierno republicano que haya resultado de la guerra". Denunció que los yanquis lucharon "con una ferocidad que desobedeció todas las leyes de la guerra civilizada". El libro permaneció impreso y, a menudo, sirvió para justificar la posición sureña y distanciarla de la esclavitud. [23]

    La inspiración original de Early para sus puntos de vista puede haber venido del general Robert E. Lee. Cuando Lee publicó su orden de despedida del ejército de Virginia del Norte, consoló a sus soldados hablando de los "recursos y números abrumadores" contra los que había luchado el ejército confederado. En una carta a Early, Lee solicitó información sobre las fuerzas enemigas desde mayo de 1864 hasta abril de 1865, el período en el que su ejército se enfrentó al teniente general Ulysses S. Grant (la campaña por tierra y el asedio de Petersburgo). Lee escribió: "Mi único objetivo es transmitir, si es posible, la verdad a la posteridad y hacer justicia a nuestros valientes soldados". [24] En otra carta, Lee quería todas las "estadísticas en cuanto a números, destrucción de propiedad privada por parte de las tropas federales, etc.". porque tenía la intención de demostrar la discrepancia de fuerzas entre los dos ejércitos y creía que "sería difícil hacer que el mundo entendiera las probabilidades contra las que luchamos". Refiriéndose a los relatos de los periódicos que lo acusaban de culpabilidad en la pérdida, escribió: "No he creído apropiado darme cuenta, o incluso corregir, las tergiversaciones de mis palabras y actos. Tendremos que ser pacientes y sufrir por lo menos por un tiempo. En la actualidad, la mente pública no está preparada para recibir la verdad ". [24] Todos los temas fueron destacados por los escritores de Early y The Lost Cause en el siglo XIX y continuaron desempeñando un papel importante a lo largo del XX. [25]

    En un informe de noviembre de 1868, el general del ejército de los EE. UU. George Henry Thomas, un virginiano que había luchado por la Unión en la guerra, señaló los esfuerzos realizados por los ex confederados para pintar la Confederación en una luz positiva:

    [E] l mayor esfuerzo realizado por los insurgentes derrotados desde el fin de la guerra ha sido promulgar la idea de que la causa de la libertad, la justicia, la humanidad, la igualdad y todo el calendario de las virtudes de la libertad, sufrió violencia y agravio cuando el esfuerzo por la independencia del sur fracasó. Esto, por supuesto, tiene la intención de ser una especie de canto político, mediante el cual el crimen de traición podría cubrirse con un barniz falso de patriotismo, de modo que los precipitadores de la rebelión puedan pasar a la historia de la mano de los defensores del gobierno. , así borrando con sus propias manos sus propias manchas una especie de perdón a sí mismo asombroso en su desfachatez, cuando se considera que la vida y la propiedad, justamente confiscadas por las leyes del país, de la guerra y de las naciones, por la magnanimidad del gobierno y del pueblo — no se les exigió.

    Asociaciones conmemorativas como United Confederate Veterans, United Daughters of the Confederacy y Ladies Memorial Associations integraron temas de Causa Perdida para ayudar a los sureños blancos que simpatizan con la Confederación a enfrentar los muchos cambios durante la era, más significativamente la Reconstrucción. [27] [28] Las instituciones han perdurado hasta el presente y los descendientes de soldados del sur continúan asistiendo a sus reuniones.

    En 1879, John McElroy publicó Andersonville: una historia de prisiones militares rebeldes, que criticaba enérgicamente el trato de los confederados a los prisioneros e implicaba en el prefacio que la mitología de la Confederación estaba bien establecida y que las críticas a los confederados, de otro modo enaltecidos, fueron recibidas con desdén:

    Sé que lo que aquí está contenido será negado amargamente. Estoy preparado para esto. En mi niñez fui testigo del salvajismo de la agitación de la esclavitud; en mi juventud sentí la ferocidad del odio dirigido contra todos los que estaban al lado de la Nación. Sé que el infierno no tiene una furia como la venganza de aquellos que son heridos por la verdad que se les dice. [29]

    En 1907, Hunter Holmes McGuire, médico de Stonewall Jackson, publicó en un libro artículos patrocinados por el Gran Campamento de Veteranos Confederados de Virginia, apoyando los principios de la Causa Perdida de que "la esclavitud [no fue] la causa de la guerra" y que "el North [fue] el agresor en provocar la guerra ". El libro se agotó rápidamente y requirió una segunda edición. [30]

    Reunificación del Norte y del Sur Editar

    Nolan afirma que la Causa Perdida "facilitó la reunificación del Norte y el Sur". [32] Cita a Foster, quien escribió que "las señales de respeto de los antiguos enemigos y los editores del norte facilitaron la aceptación de la reunión. A mediados de los años ochenta, la mayoría de los sureños habían decidido construir un futuro dentro de una nación reunificada. Algunos permanecían irreconciliables, pero su influencia en la sociedad sureña declinó rápidamente ". [33] Nolan mencionó un segundo aspecto: "La reunión fue exclusivamente un fenómeno de hombres blancos y el precio de la reunión fue el sacrificio de los afroamericanos". [34]

    La historiadora Caroline Janney declaró:

    Proporcionando una sensación de alivio a los sureños blancos que temían ser deshonrados por la derrota, la Causa Perdida fue ampliamente aceptada en los años posteriores a la guerra por los estadounidenses blancos que la encontraron como una herramienta útil para reconciliar el Norte y el Sur. [35]

    El historiador de Yale David W. Blight escribió:

    La Causa Perdida se convirtió en una parte integral de la reconciliación nacional a fuerza de puro sentimentalismo, por argumentos políticos y por celebraciones y rituales recurrentes. Para la mayoría de los sureños blancos, la Causa Perdida se convirtió en un lenguaje de reivindicación y renovación, así como en una variedad de prácticas y monumentos públicos a través de los cuales podían solidificar tanto su orgullo sureño como su americanidad. En la década de 1890, los recuerdos confederados ya no se basaban tanto en el duelo o en la explicación de la derrota; ofrecían un conjunto de tradiciones conservadoras mediante las cuales todo el país podía prepararse contra el desorden racial, político e industrial. Y por la pura virtud de perder heroicamente, el soldado confederado proporcionó un modelo de devoción y coraje masculinos en una era de ansiedades de género y despiadado esfuerzo material. [36]

    Al explorar la literatura sobre la reconciliación, el historiador William Tynes Cowa escribió: "El culto a la Causa Perdida fue parte de un proyecto cultural más amplio: la reconciliación del Norte y el Sur después de la Guerra Civil". Identificó una imagen típica de la ficción de posguerra: un yanqui rico y materialista que se casa con una novia sureña espiritual empobrecida como símbolo de una feliz reunión nacional. [37] Examinando películas y arte visual, Gallagher identificó el tema de "los blancos del Norte y del Sur [que] ensalzan la americano virtudes que ambos bandos manifestaron durante la guerra, para exaltar a la nación restaurada que emergió del conflicto y silenciar el papel de los afroamericanos ". [38]

    Bruce Catton argumentó que el mito o la leyenda ayudó a lograr la reconciliación nacional entre el Norte y el Sur. Concluyó que "la leyenda de la causa perdida le ha servido muy bien a todo el país", y continuó diciendo: [39]

    Las cosas que se hicieron durante la Guerra Civil no se han olvidado, por supuesto, pero ahora las vemos a través de un velo. Hemos elevado todo el conflicto al ámbito en el que ya no es explosivo. Es parte de la leyenda estadounidense, una parte de la historia estadounidense, una parte, por así decirlo, del romance estadounidense. Mueve a los hombres poderosamente, hasta el día de hoy, pero no los mueve en la dirección de tomar sus armas y atacar de nuevo. Hemos tenido paz nacional desde que terminó la guerra, y siempre la tendremos, y creo que la forma en que Lee y sus soldados se comportaron en las horas de rendición tiene mucho que ver con eso.

    Nuevo sur Editar

    Los historiadores han declarado que el tema de la "Causa Perdida" ayudó a los sureños blancos a adaptarse a su nuevo estatus y avanzar hacia lo que se conoció como "el Nuevo Sur". Hillyer afirma que la Confederate Memorial Literary Society (CMLS), fundada por mujeres blancas de élite en Richmond, Virginia, en la década de 1890, ejemplifica esa solución. El CMLS fundó el Museo Confederado para documentar y defender la causa confederada y recordar las costumbres anteriores a la guerra que se pensaba que estaba desplazando el espíritu empresarial del nuevo sur. Al centrarse en el sacrificio militar, en lugar de las quejas con respecto al Norte, el Museo Confederado ayudó al proceso de reconciliación seccional, según Hillyer. Al describir la esclavitud como benevolente, las exhibiciones del museo reforzaron la noción de que las leyes de Jim Crow eran una solución adecuada a las tensiones raciales que se habían intensificado durante la Reconstrucción. Por último, al glorificar al soldado raso y presentar al Sur como "sólido", el museo promovió la aceptación del capitalismo industrial. Así, el Museo Confederado criticó y facilitó las transformaciones económicas del Nuevo Sur y permitió a Richmond reconciliar su memoria del pasado con sus esperanzas para el futuro y dejar atrás el pasado mientras desarrollaba nuevos roles industriales y financieros. [40]

    La historiadora Jacquelyn Dowd Hall afirmó que el tema de la Causa Perdida se desarrolló por completo alrededor de 1900 en un ambiente no de desesperación sino de triunfalismo para el Nuevo Sur. Mucho quedó fuera de la Causa Perdida:

    [N] ni el trauma de la esclavitud para los afroamericanos ni su heroica y desgarradora lucha por la libertad encontraron un lugar en esa historia. Pero la narrativa de Lost Cause también suprimió los recuerdos de muchos sureños blancos. Recuerdos de cómo, bajo la esclavitud, el poder engendró crueldad. Recuerdos de las sangrientas e insoportables realidades de la guerra. También se escribieron los recuerdos e identidades en competencia que enfrentaron a los sureños blancos entre sí, enfrentando a los plantadores contra el interior del país, a los unionistas contra los confederados, a los populistas y a los trabajadores de las fábricas contra las corporaciones, a las mujeres del frente interno contra los hombres destrozados y atormentados por la guerra. [41]

    Estatuas de Moisés Jacob Ezequiel Editar

    El virginiano Moses Jacob Ezekiel, el expatriado confederado más prominente, fue el único escultor que vio acción durante la Guerra Civil. Desde su estudio en Roma, donde colgaba con orgullo una bandera confederada, creó una serie de estatuas de "héroes" confederados que celebraron la Causa Perdida en la que él era un "verdadero creyente", [42] y establecieron un modelo muy visible para Monumento confederado a principios del siglo XX.

    "El trabajo de Ezekiel es parte integral de esta visión comprensiva de la Guerra Civil". [42] Sus estatuas confederadas incluyen:

    • Virginia de luto por su muerte (1903), por el cual Ezequiel rechazó el pago, pero otra fuente dice que cobró la mitad de su tarifa habitual. [43]: 83 El original está en su alma mater, Virginia Military Institute, en honor a los 10 cadetes (estudiantes) que murieron, uno (Thomas G. Jefferson, el sobrino nieto del presidente) en los brazos de Ezequiel, en la Batalla de Nuevo mercado. [44]: 109-111 Se encuentra junto a las tumbas de seis de los cadetes. [43]: 83 En 1914, Ezekiel regaló una réplica de 3/4 al Museo de la Confederación (desde 2014 forma parte del Museo de la Guerra Civil Estadounidense) en su Richmond natal. [43]: 84
    • Estatua de Stonewall Jackson (1910), Capitolio del Estado de Virginia Occidental, Charleston, Virginia Occidental. [45] Una réplica se encuentra en el Instituto Militar de Virginia.
    • Del Sur, también llamado El puesto de observación (1910), Cementerio Confederado, Johnson's Island, Ohio. Encargado por las Hijas Unidas de la Confederación, Ezequiel solo pidió que se le reembolsara el costo del casting. [43]: 94
    • Tyler Confederate Memorial Gateway (1913), Cementerio de la ciudad, Hickman, Kentucky. Encargado por las Hijas Unidas de la Confederación. [43]: 120
    • Estatua de John Warwick Daniel (c. 1913), Lynchburg, Virginia. (1914), Cementerio Nacional de Arlington, Arlington, Virginia, que Ezekiel llamó Nuevo Sur. [46] "Pero ningún monumento ejemplifica mejor la narrativa de la Causa Perdida que el Confederate Memorial de Ezekiel en Arlington, donde la mujer que representa al Sur parece estar protegiendo las figuras negras de abajo". Ezequiel incluyó a los "esclavos fieles" porque quería socavar lo que él llamaba las "mentiras" que se contaban sobre el sur y la esclavitud en. La cabaña del tío Tom, y deseaba reescribir la historia "correctamente" (su palabra) para representar el apoyo de los esclavos negros a la causa confederada. [47] Según su descendiente Judith Ezekiel, quien ha encabezado un grupo de sus descendientes pidiendo su remoción, "esta estatua fue una parte muy, muy deliberada de la historia revisionista de la América racista". Según el historiador Gabriel Reich, "la estatua funciona como propaganda de la Causa Perdida ... No podría ser peor". [42]

    Kali Holloway, director del proyecto Make It Right, dedicado a la remoción de monumentos confederados, señala la influencia de Ezequiel:

    Lo que más se destaca es el impacto duradero de los tributos de Ezequiel a la Confederación: su homenaje a 'Stonewall' Jackson en Virginia Occidental, su monumento a la 'esclava leal' en Arlington, su personificación del duelo de Virginia por sus soldados que murieron luchando por una nación traidora creada en defensa de la esclavitud mobiliaria negra. Los monumentos confederados, incluidas las esculturas altamente visibles de Ezequiel, formaban parte de una campaña para aterrorizar a los estadounidenses negros, idealizar la esclavitud, promover una mentira ahistórica sobre el honor de la causa confederada y plasmar en granito lo que Jim Crow codificó en la ley. Las consecuencias de todas esas cosas permanecen con nosotros. [48]

    Obras de Thomas Dixon Jr.

    Ningún escritor hizo más para establecer la Causa Perdida que Thomas Dixon Jr. (1864-1946), un conferencista, novelista, dramaturgo y cineasta sureño y ministro bautista. [ cita necesaria ]

    Dixon, un caroliniano del norte, ha sido descrito como

    un racista profesional que se ganaba la vida escribiendo libros y obras de teatro atacando la presencia de afroamericanos en los Estados Unidos. Un firme creyente no sólo en la supremacía blanca, sino también en la "degeneración" de los negros después de que terminó la esclavitud, Dixon pensó que la solución ideal a los problemas raciales de Estados Unidos era deportar a todos los negros a África. [49]: 510

    Dixon predijo una "guerra racial" si las tendencias actuales continuaban sin control que él creía que los blancos seguramente ganarían, teniendo "3.000 años de civilización a su favor". [50] También consideró que los esfuerzos para educar y civilizar a los afroamericanos eran inútiles, incluso peligrosos, y dijo que un afroamericano estaba "bien" como esclavo o trabajador "pero como hombre educado es una monstruosidad". [51] A corto plazo, Dixon vio el prejuicio racial blanco como "autopreservación", [52] y trabajó para propagar una visión pro-sureña del reciente período de Reconstrucción y difundirla por todo el país. Condenó las representaciones de los sureños como crueles y villanos en obras populares como La cabaña del tío Tom (1852), buscando contrarrestar estos retratos con su propia obra. [49]: 510

    Era un conferenciante famoso, y a menudo recibía muchas más invitaciones para hablar de las que era capaz de aceptar. [53] Además, atraía regularmente multitudes muy grandes, más grandes que cualquier otro predicador protestante en los Estados Unidos en ese momento, y los periódicos informaban con frecuencia sobre sus sermones y discursos. [54]: 389 [55]: 18 Renunció a su puesto de ministro para dedicarse a dar conferencias a tiempo completo y mantener a su familia de esa manera. Tenía una gran cantidad de seguidores y "su nombre se había convertido en una palabra familiar". [55]: 30 En una reseña típica, su charla fue "decididamente entretenida e instructiva. Había grandes lechos de pensamiento sólido e instrucción oportuna al final". [56]

    Entre 1899 y 1903, fue escuchado por más de 5.000.000 de personas su obra El miembro del clan fue visto por más de 4.000.000. [57] Se le conocía comúnmente como el mejor conferencista del país. [58]: 50-51 Disfrutó de un "buen ingreso" de conferencias y regalías sobre sus novelas, [53] especialmente de su parte de El nacimiento de una nación. Compró un "yate de vapor" y lo llamó Dixie. [53]

    Después de ver una versión teatral de La cabaña del tío Tom, "se obsesionó con escribir una trilogía de novelas sobre el período de la Reconstrucción". [58]: 64 La trilogía comprendía Las manchas del leopardo. Un romance de la carga del hombre blanco, 1865-1900 (1902), El miembro del clan: un romance histórico del Ku Klux Klan (1905) y El traidor: una historia de la caída del imperio invisible (1907). "Cada una de sus novelas de trilogía había desarrollado esa batalla en blanco y negro a través de escenarios de violación / linchamiento que siempre se representan como prefigurando una guerra racial total, en caso de que los hombres blancos de élite no lograran resolver el 'Problema de los negros' de la nación". [59] Dixon también escribió una novela sobre Abraham Lincoln: El sureño (1913), "la historia de lo que Davis llamó 'el Lincoln real'", [58]: 80 otro, El hombre de gris (1921), sobre Robert E. Lee, y uno sobre Jefferson Davis, La víctima (1914).

    El método de Dixon es contundente, sensacional e intransigente: resulta fácil comprender las razones de la gran popularidad de estas historias conmovedoras que tratan sobre problemas muy cercanos a personas que habían experimentado la Guerra Civil y la Reconstrucción y miles de personas que habían experimentado La reconstrucción aún estaba viva cuando se publicó la trilogía de novelas. La habilidad literaria de Dixon para evocar viejos recuerdos y prejuicios profundamente arraigados convirtió al novelista en un portavoz respetado, un defensor de las personas que tenían amargos resentimientos "[58]: 75.

    Las novelas más famosas de Dixon, Las manchas del leopardo y El miembro del clan, y su producto aún más famoso e influyente, El nacimiento de una nación [ 64] se analizan a continuación.

    Desde el siglo XX hasta la actualidad Editar

    Los supuestos básicos de la Causa Perdida han resultado duraderos para muchos en el sur moderno. Los principios de la Causa Perdida surgen con frecuencia durante las controversias que rodean la exhibición pública de la bandera confederada y varias banderas estatales. El historiador John Coski señaló que los Hijos de los Veteranos Confederados (SCV), el "defensor más visible, activo y eficaz de la bandera" "llevaron al siglo XXI, prácticamente sin cambios, las interpretaciones históricas y la visión ideológica de la Causa Perdida. formulado a finales del siglo XX ". [65] Coski escribió sobre "las guerras de banderas de finales del siglo XX":

    Desde el . A principios de la década de 1950, los funcionarios del SCV defendieron la integridad de la bandera de batalla contra la banalización y contra quienes insistían en que su exhibición era antipatriótica o racista. Los portavoces del SCV reiteraron el argumento consistente de que el Sur libró una guerra legítima por la independencia, no una guerra para defender la esclavitud, y que la visión ascendente "yanqui" de la historia vilipendió falsamente al Sur y llevó a la gente a malinterpretar la bandera de batalla. [66]

    Los Estados Confederados utilizaron varias banderas durante su existencia desde 1861 hasta 1865. Desde el final de la Guerra Civil Estadounidense, el uso personal y oficial de las banderas confederadas y las banderas derivadas de ellas ha continuado bajo una considerable controversia. La segunda bandera estatal de Mississippi, adoptada en 1894 después de la llamada "Redención" del estado y renunciada en 2020 durante las protestas de George Floyd, incluía la bandera de batalla confederada. La bandera de la ciudad de Trenton, Georgia, que incorpora la bandera de batalla confederada, fue adoptada en 2001 como protesta contra la votación de la Asamblea General de Georgia para reducir significativamente el tamaño de la bandera de batalla confederada en su bandera estatal. [67] La ​​bandera de la ciudad de Trenton se parece mucho a la bandera del estado anterior de Georgia. [68] [69]

    El 23 de marzo de 2015, un caso relacionado con la bandera confederada llegó a la Corte Suprema de los Estados Unidos. Walker v. División de Texas, Hijos de Veteranos Confederados centrado en si el estado de Texas podría denegar o no una solicitud de la SCV de placas decorativas que incorporen una bandera de batalla confederada. La Corte escuchó el caso el 23 de marzo de 2015. [70] El 18 de junio de 2015, la Corte Suprema, en una votación de 5 a 4, sostuvo que Texas tenía derecho a rechazar la propuesta del SCV. [70]

    En octubre de 2015, la indignación estalló en línea tras el descubrimiento de un libro de texto de geografía de una escuela de Texas, que describía a los esclavos como "inmigrantes" y "trabajadores". [71] [72] El editor, McGraw-Hill, anunció que cambiaría la redacción.

    Charles Wilson sostiene que muchos sureños blancos, la mayoría de los cuales eran protestantes evangélicos conservadores y piadosos, buscaron razones para la derrota de la Confederación en religión. Sintieron que la derrota de la Confederación en la guerra era el castigo de Dios por sus pecados y, motivados por esta creencia, recurrieron cada vez más a la religión como fuente de consuelo. La era de la posguerra vio el nacimiento de una "religión civil" regional que estaba muy cargada de simbolismo y los clérigos rituales eran los principales celebrantes de esta nueva religión. Wilson dice que los ministros construyeron

    Formas ritualistas de Causa Perdida que celebraban sus creencias mitológicas y teológicas regionales. Utilizaron la Causa Perdida para advertir a los sureños de su declive de las virtudes pasadas, para promover la reforma moral, para alentar la conversión al cristianismo y para educar a los jóvenes en las tradiciones del sur en la plenitud de los tiempos, ellos se relacionaron con los valores estadounidenses. [73]

    Tanto a nivel cultural como religioso, los sureños blancos intentaron defender lo que su derrota en 1865 les imposibilitó defender a nivel político. La Causa Perdida, la derrota del Sur en una guerra santa, dejó a los sureños enfrentados a la culpa, la duda y el triunfo del mal y los enfrentaron formando lo que C. Vann Woodward llamó un sentido exclusivamente sureño de la tragedia de la historia. [74]

    Poole declaró que al luchar para derrotar al gobierno de Reconstrucción Republicana en Carolina del Sur en 1876, los demócratas blancos retrataron el escenario de la Causa Perdida a través de las celebraciones de los "Días de Hampton" y gritaron: "¡Hampton o el infierno!" Organizaron la contienda entre el oponente de la Reconstrucción y el candidato demócrata Wade Hampton y el gobernador titular Daniel H. Chamberlain como una lucha religiosa entre el bien y el mal y pidieron la "redención". [75] De hecho, en todo el Sur, los conservadores que derrocaron la Reconstrucción fueron llamados con frecuencia "Redentores", haciéndose eco de la teología cristiana. [76]

    Entre los escritores de la Causa Perdida, los roles de género fueron un dominio controvertido. Por lo general, los hombres honraron el papel que desempeñaron las mujeres durante la guerra al señalar su total lealtad a la causa. Las mujeres, sin embargo, desarrollaron un enfoque muy diferente de la causa al enfatizar el activismo, la iniciativa y el liderazgo femeninos. Explicaron que cuando todos los hombres se fueron, las mujeres tomaron el mando, encontraron alimentos sustitutos, redescubrieron sus antiguas habilidades tradicionales con la rueca cuando la tela de la fábrica no estaba disponible, y dirigieron todas las operaciones de la granja o plantación. Se enfrentaron a un peligro aparente sin que los hombres desempeñaran el papel tradicional de ser sus protectores. [77]

    La popularización de la interpretación de la Causa Perdida y la erección de monumentos fue principalmente obra de mujeres del sur, cuyo centro era las Hijas Unidas de la Confederación (UDC). [78]: 198

    Los líderes de la UDC estaban decididos a hacer valer la autoridad cultural de las mujeres sobre prácticamente todas las representaciones del pasado de la región. Lo hicieron presionando para la creación de archivos estatales y la construcción de museos estatales, la preservación de sitios históricos nacionales y la construcción de carreteras históricas que compilan genealogías que entrevistan a ex soldados que escriben libros de texto de historia y erigen monumentos, que ahora se trasladaron triunfalmente de los cementerios a centros de la ciudad. Más de medio siglo antes de que la historia de las mujeres y la historia pública surgieran como campos de investigación y acción, la UDC, junto con otras asociaciones de mujeres, se esforzó por grabar los logros de las mujeres en el registro histórico y llevar la historia a la gente, desde la guardería y la chimenea. a la escuela y la plaza pública.

    El deber de conmemorar a los muertos confederados era una actividad importante para los sureños que estaban dedicados a la Causa Perdida, y los capítulos de la UDC desempeñaron un papel central en su realización. [80] La UDC fue especialmente influyente en todo el sur a principios del siglo XX, donde su función principal era preservar y defender la memoria de los veteranos confederados, especialmente los maridos, hijos, padres y hermanos que murieron en la guerra. Su impacto a largo plazo fue promover la imagen de Causa Perdida de la plantación del Sur antes de la guerra como una sociedad idealizada que fue aplastada por las fuerzas de la modernización yanqui, que también socavó los roles tradicionales de género. [81] En Missouri, un estado fronterizo, la UDC participó activamente en la creación de su propio sistema de memoriales. [82]

    Los estados del Sur establecieron sus propios sistemas de pensiones para los veteranos y sus dependientes, especialmente para las viudas, ya que ninguno de ellos era elegible para recibir pensiones bajo el sistema federal de pensiones. Las pensiones fueron diseñadas para honrar la Causa Perdida y reducir la pobreza severa que prevalecía en la región. Los varones solicitantes de pensiones tenían que demostrar su continua lealtad a la "causa perdida". Las mujeres que solicitan pensiones son rechazadas si se cuestiona su reputación moral. [83]

    En Natchez, Mississippi, los periódicos locales y los veteranos jugaron un papel en el mantenimiento de la Causa Perdida. Sin embargo, las mujeres blancas de élite fueron fundamentales en el establecimiento de monumentos como el Monumento a la Guerra Civil que se dedicó el Día de los Caídos en 1890. La Causa Perdida permitió a las mujeres no combatientes reclamar el evento central en su redefinición de la historia del Sur. [84]

    La UDC era bastante prominente, pero no única en su atractivo para las mujeres blancas sureñas de alto nivel. "El número de clubes de mujeres dedicados al filiopietismo y la historia fue asombroso", afirmó el historiador W. Fitzhugh Brundage. Se refirió a dos típicas mujeres de club en Texas y Mississippi que entre ellas pertenecían a las Hijas Unidas de la Confederación, las Hijas de la Revolución Americana, la Asociación para la Preservación de Antigüedades de Virginia, las Hijas de los Peregrinos, las Hijas de la Guerra de 1812, las Hijas de Gobernadores Coloniales y las Hijas de los Fundadores y Patriotas de América, la Orden de las Primeras Familias de Virginia y las Damas Coloniales de América, así como algunas otras sociedades de orientación histórica. Hombres comparables, por otro lado, estaban mucho menos interesados ​​en pertenecer a organizaciones históricas, en cambio, se dedicaron a sociedades fraternales secretas y enfatizaron las hazañas atléticas, políticas y financieras para demostrar su hombría. Brundage señala que después de la llegada del sufragio femenino en 1920, el papel histórico de las organizaciones de mujeres se erosionó. [85]

    En su apogeo en las dos primeras décadas del siglo XX, Brundage concluyó:

    Estas mujeres arquitectas de la memoria histórica de los blancos, al explicar y desconcertar las raíces históricas de la supremacía blanca y el poder de la élite en el Sur, desempeñaron una función cívica conspicua en un momento de mayor preocupación por la perpetuación de las jerarquías sociales y políticas. Aunque se les negó el derecho al voto, las mujeres blancas organizadas jugaron un papel dominante en la elaboración de la memoria histórica que informaría y respaldaría la política y la vida pública del sur. [86]

    [W. H. F. Lee] objetó la frase que se usa con demasiada frecuencia, tanto del sur como del norte, de que los confederados lucharon por lo que pensaban que era correcto. Lucharon por lo que sabían que era correcto. Ellos, como los griegos, lucharon por su hogar, las tumbas de sus padres y su tierra natal.

    Los instintos serviles [de los negros] los hicieron contentos con su suerte, y su paciente trabajo bendijo la tierra de su morada con riquezas inconmensurables. Su fuerte apego local y personal aseguró un servicio fiel. Nunca hubo una dependencia más feliz entre el trabajo y el capital. El tentador vino, como la serpiente del Edén, y los atrajo con la palabra mágica de "libertad". Él puso las armas en sus manos y entrenó su naturaleza humilde pero emocional para actos de violencia y derramamiento de sangre, y los envió a devastar a sus benefactores.

    Los principios del movimiento Causa Perdida incluyen: [89] [ se necesita una cita completa ] [90]

    • Así como los estados habían optado por unirse a la unión federal, también pueden optar por retirarse.
    • La defensa de los derechos de los estados, más que la preservación de la esclavitud, fue la causa principal que llevó a once estados del Sur a separarse de la Unión, precipitando así la Guerra.
    • La secesión fue una respuesta justificable y constitucional a la agresión cultural y económica del Norte contra la forma de vida superior y caballeresca del Sur, que incluía la esclavitud. El Sur luchaba por su independencia. Muchos todavía lo quieren.
    • El Norte no estaba atacando al Sur por un motivo puro, aunque equivocado: acabar con la esclavitud. Sus motivos eran económicos y venales.
    • La esclavitud no es sólo una institución benigna, sino un "bien positivo". No se basaba en la codicia económica, y los esclavos eran felices y leales a sus amables amos (ver: Heyward Shepherd). La esclavitud era buena para los esclavos, cuyas vidas eran mucho mejores de lo que serían en África, o de lo que tendrían como negros libres en el norte, donde hubo numerosos disturbios contra los negros. (Los negros eran percibidos como extranjeros, inmigrantes que les quitaban el trabajo a los blancos trabajando por menos, y también como peligrosamente sexuales). No se caracterizó por el racismo, la violación, las condiciones de trabajo bárbaras, la brutalidad, los azotes, la separación forzada de familias y la humillación. [91]
    • Allgood identifica un ideal caballeresco aristocrático del sur, típicamente llamado "el ideal del caballero del sur", en la Causa Perdida. Apareció especialmente en estudios de partisanos confederados que lucharon detrás de las líneas de la Unión, como Nathan Bedford Forrest, Turner Ashby, John Singleton Mosby y John Hunt Morgan. Los escritores enfatizaron cómo encarnaron el coraje frente a las grandes dificultades, así como la equitación, la virilidad y el espíritu marcial. [92]
    • Generales confederados como Robert E. Lee, Albert Sidney Johnston y Stonewall Jackson representaron las virtudes de la nobleza sureña y lucharon con valentía y justicia. Por otro lado, la mayoría de los generales del Norte se caracterizaron por poseer estándares morales bajos, porque sometieron a la población civil del Sur a indignidades como la Marcha al mar de Sherman y la quema del Valle de Shenandoah en el Valle de Philip Sheridan en 1864. General de la Unión Ulysses S Grant es a menudo retratado como un alcohólico. [93]
    • Las pérdidas en el campo de batalla eran inevitables, dada la superioridad del Norte en recursos y mano de obra. Las pérdidas en el campo de batalla también fueron a veces el resultado de la traición y la incompetencia por parte de ciertos subordinados del general Lee, como el general James Longstreet, quien fue vilipendiado por dudar de Lee en Gettysburg.
    • The Lost Cause se centra principalmente en Lee y el Teatro de operaciones del Este, en el norte de Virginia, Maryland y Pensilvania. Por lo general, se toma a Gettysburg como el punto de inflexión de la guerra, ignorando las victorias de la Unión en Tennessee y Mississippi, y que nada podría detener el humillante avance del ejército de la Unión a través de Georgia, Carolina del Sur y Carolina del Norte, que terminó con la rendición del Ejército de Virginia del Norte en Appomattox.
    • El general Sherman destruyó propiedades por mezquindad. Quemar Columbia, Carolina del Sur, antes de la guerra un semillero de secesión, no sirvió para ningún propósito militar. Solo tenía la intención de humillar y empobrecer. fue un desastre político. Eran incapaces de votar inteligentemente y fácilmente se les sobornaba o engañaba. La reconstrucción fue un desastre, que solo benefició a los sinvergüenzas del Norte (bribones). Fue necesario un gran esfuerzo por parte de caballeros sureños para restablecer el dominio blanco, que era, entre otras cosas, lo que Dios quería.

    Generales confederados Editar

    Las imágenes y símbolos más poderosos de la Causa Perdida fueron Robert E. Lee, Albert Sidney Johnston y Pickett's Charge. David Ulbrich escribió: "Ya reverenciado durante la guerra, Robert E. Lee adquirió una mística divina dentro de la cultura sureña después de ella. Recordado como un líder cuyos soldados lo seguirían lealmente en cada pelea sin importar cuán desesperado fuera, Lee emergió del conflicto para convertirse en un ícono de la Causa Perdida y el ideal del caballero sureño anterior a la guerra, un hombre honorable y piadoso que sirvió desinteresadamente a Virginia y a la Confederación. La brillantez táctica de Lee en Second Bull Run y ​​Chancellorsville adquirió un estatus legendario, y a pesar de aceptar la responsabilidad total de la derrota en Gettysburg, Lee permaneció en gran parte infalible para los sureños y se salvó de las críticas incluso de los historiadores hasta tiempos recientes ". Victor Davis Hansen señala que Albert Sidney Johnston fue el primer oficial en ser nombrado general de pleno derecho por Jefferson Davis y en liderar las fuerzas confederadas en el Teatro Occidental. Su muerte durante el primer día de la batalla en Shiloh posiblemente llevó a la derrota de la Confederación en ese conflicto. [27]

    En cuanto a los subordinados de Lee, el villano clave en opinión de Jubal Early era el general Longstreet. Aunque Lee asumió toda la responsabilidad por las derrotas (particularmente la de Gettysburg), los escritos de Early colocan la derrota confederada en Gettysburg directamente sobre los hombros de Longstreet al acusarlo de no atacar temprano en la mañana del 2 de julio de 1863, según las instrucciones de Lee. De hecho, sin embargo, Lee nunca expresó su descontento con las acciones del segundo día de su "Viejo Caballo de Guerra". Longstreet fue ampliamente menospreciado por los veteranos sureños debido a su cooperación de posguerra con el presidente de los Estados Unidos, Ulysses S. Grant, con quien había compartido una estrecha amistad antes de la guerra y por unirse al Partido Republicano. Grant, al rechazar los argumentos de la Causa Perdida, dijo en una entrevista de 1878 que rechazaba la idea de que el Sur simplemente se había visto abrumado por los números. Grant escribió: "Esta es la forma en que se formó la opinión pública durante la guerra y esta es la forma en que se hace la historia ahora. Nunca abrumamos al Sur. Lo que ganamos del Sur lo ganamos mediante una dura lucha". Grant señaló además que al comparar recursos, los "4.000.000 de negros" que "mantenían las granjas, protegían a las familias, apoyaban a los ejércitos y eran realmente una fuerza de reserva" no eran tratados como un activo del sur. [94]

    "Guerra de Agresión del Norte" Editar

    Un elemento esencial del movimiento Causa Perdida fue que el acto de secesión en sí mismo había sido legítimo, de lo contrario, todas las figuras principales de la Confederación se habrían convertido en traidores a los Estados Unidos. Para legitimar la rebelión de la Confederación, los intelectuales de la Causa Perdida desafiaron la legitimidad del gobierno federal y las acciones de Abraham Lincoln como presidente de Estados Unidos. Eso fue ejemplificado en "Force or Consent as the Basis of American Government" de Mary Scrugham en el que presentó argumentos frívolos contra la legalidad de la presidencia de Lincoln. [95] Incluyen que recibió una minoría y una pluralidad no mencionada del voto popular en las elecciones de 1860 y la falsa afirmación de que hizo ambigua su posición sobre la esclavitud. Las acusaciones, aunque completamente refutadas, dieron lugar a la creencia de que el Norte inició la Guerra Civil, haciendo posible la designación de "La Guerra de Agresión del Norte" como uno de los nombres de la Guerra Civil estadounidense. [ cita necesaria ]

    Novelas de Thomas Dixon Jr.

    Las manchas del leopardo Editar

    En la portada, Dixon citó Jeremías 13:23: "¿Puede el etíope cambiar su color, o el leopardo sus manchas?" Argumentó que así como el leopardo no puede cambiar sus manchas, el negro no puede cambiar su naturaleza. La novela tenía como objetivo reforzar la superioridad de la raza "anglosajona" y abogar por el dominio blanco de los negros o por la separación de las dos razas. [58]: 68 Según el historiador y biógrafo de Dixon Richard Allen Cook, "el negro, según Dixon, es un bruto, no un ciudadano: un hijo de una raza degenerada traído de África". [58]: 68 Dixon expuso las opiniones en Los tiempos de Filadelfia mientras hablaba de la novela en 1902: "El negro es un burro humano. Puedes entrenarlo, pero no puedes convertirlo en un caballo". [96] Dixon describió la "imponente figura del negro liberado" como "cada vez más ominosa, hasta que su amenaza eclipsa la pobreza, el hambre, los dolores y la devastación del Sur, arrojando la plaga de su sombra sobre las generaciones futuras. , una verdadera muerte negra para la tierra y su gente ". [96] Utilizando caracteres de La cabaña del tío Tom, muestra al "esclavo feliz" que es ahora, libre y manipulado por los mocosos, improductivo e irrespetuoso, y creía que los libertos buscaban constantemente relaciones sexuales con mujeres blancas. [58]: 68 En el trabajo de Dixon, el heroico Ku Klux Klan protege a las mujeres estadounidenses. "Es enfáticamente un libro de hombres", dijo Dixon a Los tiempos. [96]

    La novela, que "resplandece con fuegos artificiales de oratoria", [96] "llamó la atención en cuanto salió de la prensa", y rápidamente se vendieron más de 100.000 ejemplares. [53] "Las ventas pasaron finalmente la marca del millón, aparecieron numerosas traducciones extranjeras de la obra y la fama de Dixon fue internacional". [58]: 70

    Dixon insistió en que la novela se basó en la realidad:

    En una nota del autor. El Sr. Dixon dice: "En respuesta a cientos de cartas, deseo declarar que todos los incidentes usados ​​en el Libro 1, que es propiamente el prólogo de mi historia, fueron seleccionados de registros auténticos o llegaron a mi conocimiento personal. El único La seria libertad que me he tomado con la historia es atenuar los hechos, hacerlos creíbles en la ficción. [53]

    El miembro del clan Editar

    En El miembro del clan, la más conocida de las tres novelas, Dixon afirmó de manera similar: "He tratado de preservar en este romance tanto la letra como el espíritu de este notable período. El miembro del clan desarrolla la verdadera historia de la 'Conspiración del Ku Klux Klan', que derrocó el régimen de Reconstrucción ". [97]

    "Lincoln es retratado como un hombre amable y comprensivo que intenta valientemente sostener sus políticas a pesar de las presiones sobre él para tener una actitud más vengativa hacia los estados del sur". [58]: 71 La reconstrucción fue un intento de Augustus Stoneman, una referencia apenas velada al representante estadounidense Thaddeus Stevens de Pensilvania, "el hombre más grande y vil que jamás pisó los pasillos del Congreso estadounidense", [58]: 71 para asegurar que el Partido Republicano se mantendría en el poder asegurando el voto negro del Sur. El odio de Stoneman por el presidente de Estados Unidos, Andrew Johnson, se debe a la negativa de Johnson a privar de sus derechos a los blancos del sur. La ira de Stoneman hacia los antiguos propietarios de esclavos se intensifica después del asesinato de Abraham Lincoln, y Stoneman jura vengarse del Sur. Sus programas despojan de la tierra propiedad de los blancos y se la dan a antiguos esclavos, como con la idea tradicional de "cuarenta acres y una mula". Hombres que dicen representar al gobierno confiscan la riqueza material del Sur y destruyen a las familias propietarias de plantaciones. Finalmente, a los antiguos esclavos se les enseña que son superiores a sus antiguos dueños y que deben levantarse contra ellos. Estas supuestas injusticias fueron el impulso para la creación del Ku Klux Klan. "El propósito del Sr. Dixon aquí es mostrar que los formadores originales del Ku Klux Klan eran modernos caballeros andantes, tomando el único medio a mano para corregir los errores". [98] El padre de Dixon pertenecía al Klan, y su tío materno e ídolo de la infancia, [60]: 21 el coronel Leroy McAfee, a quien El miembro del clan está dedicado, fue un líder regional o, en palabras de la dedicatoria, "Gran Titán del Imperio invisible del Ku Klux Klan".

    La representación de la quema de cruces del Klan, como se muestra en las ilustraciones de la primera edición, es una innovación de Dixon. No había sido utilizado anteriormente por el Klan, pero luego lo retomaron.

    "En la apasionada prosa de Dixon, el libro también trata con considerable extensión la pobreza, la vergüenza y la degradación sufridas por los sureños a manos de los negros y los norteños sin escrúpulos". [58]: 72 Se declara la ley marcial, se envían tropas estadounidenses, como lo fueron durante la Reconstrucción. "La victoria del Sur fue completa cuando el Klan derrotó a las tropas federales en todo el estado". [58]: 72

    Para dar más publicidad a sus puntos de vista, Dixon reescribió El miembro del clan como una obra de teatro. Al igual que la novela, fue un gran éxito comercial, había varias compañías en gira presentando la obra simultáneamente en diferentes ciudades. A veces, estaba prohibido. Nacimiento de una nación en realidad se basa en la obra, que no se publicó hasta 2007, [ aclaración necesaria ] en lugar de directamente en la novela.

    El nacimiento de una nación Editar

    Otro divulgador prominente e influyente de la perspectiva de la Causa Perdida fue la exitosa obra de D. W. Griffith El nacimiento de una nación (1915), que se basó en la novela de Dixon. Observando que Dixon y Griffith colaboraron en Nacimiento de una nación, Blight escribió:

    La versión viciosa de Dixon de la idea de que los negros habían causado la Guerra Civil por su sola presencia, y que el radicalismo del Norte durante la Reconstrucción no entendió que la libertad había llevado a los negros como raza a la barbarie, enmarcó claramente la historia del surgimiento del heroico vigilantismo en el Sur. A regañadientes, los miembros del Klan (hombres blancos) tuvieron que tomarse la justicia por su mano para salvar la feminidad blanca sureña de la brutalidad sexual de los hombres negros. La visión de Dixon capturó la actitud de miles y forjó en forma de historia una memoria colectiva de cómo la guerra pudo haberse perdido pero la Reconstrucción fue ganada por el Sur y una nación reconciliada. Montado como caballería enmascarada, el Klan detuvo el gobierno corrupto, evitó la anarquía del "gobierno negro" y, sobre todo, salvó la supremacía blanca. [99]

    En ambos El miembro del clan y la película, el Klan es retratado como continuando las tradiciones nobles del Sur anterior a la guerra y el heroico soldado confederado defendiendo la cultura sureña en general y la feminidad sureña en particular contra las violaciones y depredaciones a manos de los libertos y los yanquis durante la Reconstrucción. La narrativa de Dixon se adoptó tan fácilmente que a la película se le atribuye el resurgimiento del Klan en las décadas de 1910 y 1920. El segundo Klan, que Dixon denunció, alcanzó una membresía máxima de 2-5 millones de miembros. [100] El legado de la película es de gran alcance en la historia del racismo estadounidense, e incluso las ahora icónicas quemaduras cruzadas del KKK se basaron en la novela de Dixon y la película que se hizo a partir de ella. (El primer KKK no quemó cruces, que originalmente era una tradición escocesa, "Crann Tara", diseñada para reunir clanes para la guerra. [101])

    Literatura y cine posteriores Editar

    La romantización de la Causa Perdida se captura en películas, como El nacimiento de una nación, Lo que el viento se llevó, Canción del Sur, y Tennessee Johnson—El último de los cuales el Crónica de San Francisco llamado "el apogeo de la creación de mitos del Sur". Dioses y generales según los informes, alaba a Jackson y Lee. [12] CNN informó que estas películas "reformularon el sur anterior a la guerra como un paraíso de luz de luna y magnolia de esclavos felices, afectuosos dueños de esclavos y yanquis malvados". [102]

    Literatura posterior a la década de 1920 Editar

    En sus novelas sobre la familia Sartoris, William Faulkner hizo referencia a quienes apoyaban el ideal de la Causa Perdida, pero sugirió que el ideal en sí estaba equivocado y desactualizado. [103]

    los Veterano confederado, una revista mensual publicada en Nashville, Tennessee, de 1893 a 1932, convirtió a su editor, Sumner Archibald Cunningham, en líder del movimiento Causa Perdida. [104]

    Lo que el viento se llevó Editar

    La visión de la causa perdida llegó a decenas de millones de estadounidenses en la novela más vendida de 1936 Lo que el viento se llevó de Margaret Mitchell y la película ganadora del Oscar de 1939. Helen Taylor escribió:

    Lo que el viento se llevó Es casi seguro que ha realizado su trabajo ideológico. Ha sellado en la imaginación popular una nostalgia fascinada por la glamorosa casa de las plantaciones del sur y una sociedad jerárquica ordenada en la que los esclavos son 'familia', y existe un vínculo místico entre el terrateniente y la tierra rica que esos esclavos trabajan para él. Ha hablado con elocuencia, aunque desde una perspectiva elitista, de los grandes temas (guerra, amor, muerte, conflictos de raza, clase, género y generación) que han atravesado continentes y culturas. [105]

    De esta combinación de voces de Causa Perdida, una América reunificada surgió pura, sin culpa y con la seguridad de que los profundos conflictos de su pasado le habían sido impuestos por fuerzas de otro mundo.El bando que perdió estaba especialmente seguro de que su causa era verdadera y buena. Una de las ideas que la Causa Perdida reconciliacionista inculcó profundamente en la cultura nacional es que incluso cuando los estadounidenses pierden, ganan. Tal fue el mensaje, el espíritu indomable, que Margaret Mitchell infundió en su personaje Scarlett O'Hara en Lo que el viento se llevó . [106]

    Los sureños fueron retratados como figuras nobles y heroicas, que vivían en una sociedad romántica condenada al fracaso que rechazaba los consejos realistas ofrecidos por el personaje de Rhett Butler y nunca entendió el riesgo que corrían al ir a la guerra.

    Canción del Sur Editar

    La película de Disney de 1946 Canción del Sur es el primero en haber combinado actores en vivo con cortos animados. [107] En la historia de encuadre, el actor James Baskett interpretó al tío Remus, un ex esclavo que aparentemente está lleno de alegría y sabiduría a pesar de haber vivido parte de su vida en la esclavitud. Existe la idea errónea de que la historia tiene lugar en el período anterior a la guerra y que los personajes afroamericanos son esclavos. [108] [109] Un crítico dijo: "Al igual que otras películas similares del período que también tratan sobre el sur antes de la guerra, los esclavos en la película son todos bondadosos, serviles, molestamente alegres, contentos y siempre dispuestos a ayudar a una persona blanca. necesitados con una valiosa lección de vida en el camino. De hecho, nunca se les llama esclavos, pero se parecen más a los trabajadores del vecindario que ayudan a los dueños de plantaciones amables y benevolentes ". [107] [12] [102] Disney nunca la ha lanzado en DVD [107] y la película ha sido retenida de Disney +. [110] Fue lanzado en VHS en el Reino Unido varias veces, la más reciente en 2000. [110]

    Dioses y generales Editar

    La película de la Guerra Civil de 2003 Dioses y generales, basada en la novela de Jeff Shaara de 1996 del mismo nombre, es ampliamente considerada como defensora de la ideología de la Causa Perdida al crear una presentación que fue favorable a la Confederación [111] [112] [113] y enaltece a los Generales Jackson y Lee. [12]

    Escribiendo en el Revista de historia americana, el historiador Steven E. Woodworth se burló de la película como una narración moderna de la mitología de la Causa Perdida. [111] Woodworth llamó a la película "la película más pro-confederada desde Nacimiento de una nación, una auténtica celebración celuloide de la esclavitud y la traición ". Resumió sus razones para no gustarle la película:

    Dioses y generales trae a la pantalla grande los temas principales de la mitología de la Causa Perdida que los historiadores profesionales han estado trabajando durante medio siglo para combatir. En el mundo de Dioses y Generales, la esclavitud no tiene nada que ver con la causa Confederada. En cambio, los confederados luchan noblemente por la libertad, en lugar de contra ella, ya que los espectadores recuerdan una y otra vez un personaje sureño blanco tras otro. [111]

    Woodworth criticó la descripción de los esclavos como "generalmente felices" con su condición. También criticó la relativa falta de atención prestada a las motivaciones de los soldados de la Unión que luchan en la guerra. Él reprocha la película por supuestamente implicar, de acuerdo con la mitología de la Causa Perdida, que el Sur era más "sinceramente cristiano". Woodworth concluyó que la película por "omisión judicial" presenta "una visión distorsionada de la Guerra Civil". [111]

    El historiador William B. Feis criticó de manera similar la decisión del director "de defender las interpretaciones más simplistas y saneadas que se encuentran en la mitología de la" Causa Perdida "de la posguerra. [112] El crítico de cine Roger Ebert describió la película como "una película de la Guerra Civil que Trent Lott podría disfrutar" y dijo sobre sus temas de Causa Perdida: "Si la Segunda Guerra Mundial se manejara de esta manera, habría un infierno que pagar". [114]

    El consenso de los críticos de cine para la película fue que tenía un firme "sesgo pro-confederado". [113]

    El profesor Gallagher sostuvo que la biografía definitiva de Lee de Douglas Southall Freeman en cuatro volúmenes, publicada en 1934, "cimentó en letras estadounidenses una interpretación de Lee muy cercana a la figura absolutamente heroica de Early". [115] En ese trabajo, los subordinados de Lee fueron los principales culpables de los errores que perdieron batallas. Si bien Longstreet fue el objetivo más común de tales ataques, otros también fueron atacados. Richard Ewell, Jubal Early, J. E. B. Stuart, A. P. Hill, George Pickett y muchos otros fueron frecuentemente atacados y culpados por los sureños en un intento de desviar las críticas de Lee.

    Hudson Strode escribió una biografía académica de tres volúmenes ampliamente leída del presidente confederado Jefferson Davis. Una revista académica líder que lo revisó enfatizó los prejuicios políticos de Strode:

    Sus enemigos [de Jefferson Davis] son ​​demonios, y sus amigos, como el mismo Davis, han sido canonizados. Strode no solo intenta santificar a Davis, sino también el punto de vista confederado, y este estudio debe ser disfrutado por aquellos que simpatizan vigorosamente con la Causa Perdida. [116]

    Un editorial de un periódico de Dallas en 2018 se refirió al Museo de la Guerra Civil de Texas como "un fragmento encantador de propaganda de la 'Causa Perdida'". [117]

    Si bien no se limita específicamente al sur de Estados Unidos, el movimiento Stop the Steal a raíz de las elecciones presidenciales estadounidenses de 2020 se ha interpretado como un resurgimiento de la idea de la Causa Perdida y una manifestación de la reacción de los blancos. [118] [119] [120] [121]

    Los historiadores contemporáneos coinciden abrumadoramente en que la secesión fue motivada por la esclavitud. Hubo numerosas causas para la secesión, pero la preservación y expansión de la esclavitud fue sin duda la más importante de ellas. La confusión puede provenir de combinar las causas de la secesión con las causas de la guerra, que fueron temas separados pero relacionados. (Lincoln entró en un conflicto militar no para liberar a los esclavos sino para sofocar una rebelión o, como él mismo dijo, para preservar la Unión). Según el historiador Kenneth M. Stampp, cada lado apoyaba los derechos de los estados o el poder federal solo cuando le convenía hacerlo. [122] Stampp también citó al vicepresidente confederado Alexander Stephens Una visión constitucional de la última guerra entre los estados como un ejemplo de un líder sureño que dijo que la esclavitud era la "piedra angular de la Confederación" cuando comenzó la guerra y luego dijo después de su derrota que la guerra no había sido por la esclavitud sino por los derechos de los estados. Según Stampp, Stephens se convirtió en uno de los defensores más fervientes del mito de la "Causa Perdida". [123]

    De manera similar, el historiador William C. Davis explicó la protección de la esclavitud de la Constitución Confederada a nivel nacional:

    A la antigua Unión le habían dicho que el poder federal no tenía autoridad para interferir con los problemas de esclavitud en un estado. A su nueva nación le declararían que el estado no tenía poder para interferir con la protección federal de la esclavitud. De todos los muchos testimonios sobre el hecho de que la esclavitud, y no los derechos de los estados, es realmente el centro de su movimiento, este fue el más elocuente de todos. [124]

    Davis señaló además, "Las causas y los efectos de la guerra se han manipulado y mitificado para adaptarse a las agendas políticas y sociales, pasadas y presentes". [125] El historiador David Blight dijo que "su uso de la supremacía blanca como medios y fines" ha sido una característica clave de la Causa Perdida. [9] El historiador Allan Nolan escribió:

    . el legado de la Causa Perdida a la historia es una caricatura de la verdad. La caricatura tergiversa y distorsiona por completo los hechos del asunto. Seguramente ha llegado el momento de empezar de nuevo en nuestra comprensión de este elemento decisivo de nuestro pasado y hacerlo desde las premisas de la historia no adulteradas por las distorsiones, falsedades y sentimentalismos románticos del Mito de la Causa Perdida. [126]

    El historiador William C. Davis calificó muchos de los mitos que rodean la guerra como "frívolos" y estos mitos incluyen intentos de cambiar el nombre de la guerra por "partisanos confederados". También afirmó que nombres como la Guerra de Agresión del Norte y la Guerra entre los Estados, la expresión que fue acuñada por Alexander Stephens, eran solo intentos de negar el hecho de que la Guerra Civil estadounidense fue una guerra civil real. [127]

    El historiador A. Cash Koiniger teorizó que Gary Gallagher ha caracterizado erróneamente las películas que describen la Causa Perdida. Escribió que Gallagher


    Controversia

    Publicado en 1936, Margaret Mitchell's Lo que el viento se llevó ha sido prohibido por motivos sociales. El libro ha sido calificado de "ofensivo" y "vulgar" por el lenguaje y las caracterizaciones. Palabras como "maldita" y "puta" eran escandalosas en ese momento. Además, la Sociedad de Nueva York para la Supresión del Vicio desaprobó los múltiples matrimonios de Scarlett. El término utilizado para describir a las personas esclavizadas también resultaba ofensivo para los lectores. En tiempos más recientes, la membresía de personajes principales en el Ku Klux Klan también es problemática.

    El libro se une a las filas de otros libros que abordaron polémicamente cuestiones raciales, incluido el de Joseph Conrad. El negro de Narciso, Harper Lee's Matar a un ruiseñor, De Harriet Beecher Stowe La cabaña del tío Tom y Mark Twain Las aventuras de Huckleberry Finn.


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