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Vaison-La-Romaine susurra la historia en cada rincón antiguo

Vaison-La-Romaine susurra la historia en cada rincón antiguo

La histórica región francesa de Provenza es famosa por su belleza, cultura y estilo de vida relajado. Uno de los pueblos más bellos y antiguos es Vaison-la-Romaine, con herencia romana y medieval.

La larga historia de Vaison-la-Romaine

Las excavaciones han demostrado que hubo un asentamiento en el sitio desde al menos la Edad del Bronce. En el 2 Dakota del Norte y 1 S t siglo antes de Cristo la ciudad era un asentamiento celta fortificado y fue una de las capitales de la tribu Vocontii. Aunque finalmente fueron subyugados por los romanos, conservaron una gran autonomía.

Desde el 1 S t En el siglo a. C., la Galia disfrutó de una larga era de paz y prosperidad. Cuando Vaison se romanizó, la élite local adoptó la práctica cultural de sus gobernantes con muchos miembros de la élite Vocontii construyendo villas y casas de estilo romano. Dos acueductos proporcionaron agua. La ciudad fue una de las más importantes de la provincia de Gallia Narbonese, la antigua provincia romana, que ahora es Languedoc y Provenza, en el sur de Francia.

Ruinas romanas en la ciudad de Vaison-la-Romaine, Provenza, Francia ( lic0001 / Adobe Stock)

Durante la crisis del siglo III, el período en el que el imperio romano estuvo a punto de colapsar, la ciudad que había crecido a un área de 75 acres fue saqueada por invasores germánicos. Nunca se recuperó por completo.

Después de la caída del Imperio Romano, la ciudad se convirtió en un importante centro eclesiástico. Vaison estaba controlado por los borgoñones, una de las primeras tribus germánicas, que más tarde utilizaron muchos de los asientos del anfiteatro como lápidas.

Los ostrogodos bajo Teodorico el Grande, tomaron la ciudad en 527 d.C. Más tarde se agregó al reino franco y finalmente quedó bajo el control de los Condes de Provenza. La época medieval fue violenta, ya que catalanes, borgoñones y otros buscaban controlar la rica tierra. Muchos de los habitantes de Vaison se trasladaron a terrenos más altos en busca de una posición defendible, que fue el comienzo de la ciudad medieval.

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El puente romano de Vaison la Romaine con la ciudad medieval a la derecha ( Laurent / Adobe Stock)

En el 13 th siglo, la ciudad se dividió entre los condes de Provenza y el obispo local. La violencia resultante llevó al declive de Vaison. Provenza pasó a formar parte del Reino de Francia 200 años después, y en el 18 th En el siglo XX los habitantes se trasladaron a las tierras bajas y construyeron casas donde antes había estado la ciudad romana.

En 1992, partes de la ciudad moderna fueron devastadas por una inundación repentina y, lamentablemente, hubo una gran pérdida de vidas.

Ruinas de la época romana en Vaison-la-Romaine.

El puente romano que data del 1 S t siglo d.C. se erige con orgullo en el centro de la ciudad.

Las ruinas romanas se encuentran en dos áreas separadas de Vaison-la-Romaine. La Villasse contiene el foro que servía como principal espacio público de la ciudad. Se han descubierto varios otros edificios romanos, como la Oficina de Gremios Profesionales, así como tiendas, baños y fuentes. Las ruinas romanas más famosas de Vaison-la-Romaine son la Casa del Delfín, que una vez fue una lujosa villa con habitaciones y jardines ornamentados.

El antiguo teatro de Vaison La Romaine ( Olivier-Tuffé / Adobe Stock)

El segundo yacimiento romano, conocido como Puymin, es donde se encuentran los restos de grandes residencias que pertenecieron a la élite local. Se han identificado varios complejos de viviendas, incluida la Casa del Apolo Laurellado, la Casa del Cenador y la Casa del Pavo Real. El teatro romano con capacidad para 7000 personas fue descubierto en 1912.

Muchas de las esculturas de mármol que se desenterraron en Vaison se encuentran ahora en museos en América del Norte y en otras partes de Europa.

Castillo de la ciudad medieval, catedrales y más

La mayor parte del casco antiguo medieval se encuentra en las alturas que dominan la antigua ciudad romana y las vistas son inspiradoras.

Posiblemente la estructura más impresionante es la 11 th castillo del siglo XXI que perteneció al Conde de Toulouse, aunque la mayoría fue añadido en el siglo XIII. th siglo. En realidad, es un edificio fortificado más que un verdadero castillo y consta de una torre del homenaje y un patio.

Calle angosta en el casco antiguo de Vaison-la-Romaine en Francia ( dudlajzov / Adobe Stock)

Otro edificio medieval importante en Vaison es la Iglesia de San Quintín con un ábside que se cree que data del año 700 d.C. La mayor parte de la iglesia actual data del 15 th siglo y contiene muchos buenos ejemplos de arte religioso. La iglesia ya no se usa para celebrar servicios religiosos, pero debajo se encuentra una iglesia románica que también data de la Edad Media, y este sigue siendo un lugar de culto.

El pueblo tiene muchas calles medievales pintorescas y sinuosas, bordeadas por edificios característicos construidos con piedras locales. También hay hermosos pasillos abovedados en el casco antiguo. La plaza del antiguo mercado data del 15 th siglo y contiene una fuente muy impresionante.

Visitando Vaison-la-Romaine en Francia

La ciudad es un popular centro turístico con un famoso mercado al aire libre y, por supuesto, la comida es excelente. Hay transporte público a la ciudad y muchos alojamientos. Se cobra una tarifa para visitar las ruinas romanas y hay mucho que ver.

El paisaje natural alrededor de Vaison es espectacular y el castillo ofrece una gran vista del paisaje provenzal.


Sigiriya

Sigiriya o Sinhagiri (Lion Rock Sinhala: සීගිරිය, Tamil: சிகிரியா / சிங்ககிரி, pronunciado see-gi-ri-yə) es una antigua fortaleza rocosa ubicada en el distrito norte de Matale cerca de la ciudad de Dambulla en la provincia central de Sri Lanka. El nombre se refiere a un sitio de importancia histórica y arqueológica que está dominado por una enorme columna de roca de casi 200 metros (660 pies) de altura. [ cita necesaria ]

Según la antigua crónica de Sri Lanka, el Culavamsa, este sitio fue seleccionado por el rey Kashyapa (477 - 495 d.C.) para su nueva capital. Construyó su palacio en la cima de esta roca y decoró sus lados con coloridos frescos. En una pequeña meseta aproximadamente a la mitad de la ladera de esta roca, construyó una puerta de entrada en forma de un enorme león. El nombre de este lugar se deriva de esta estructura: Sīnhāgiri, la Roca del León (una etimología similar a Sinhapura, el nombre sánscrito de Singapur, la Ciudad León).

La capital y el palacio real fueron abandonados tras la muerte del rey. Fue utilizado como monasterio budista hasta el siglo XIV. [2] Sigiriya hoy es un sitio del Patrimonio Mundial de la UNESCO. Es uno de los ejemplos mejor conservados de urbanismo antiguo. [3]


Los orígenes del tour subterráneo de Norwich

Ahora es posible explorar uno de los subterráneos a través de una visita guiada. Este recorrido, también conocido como recorrido por las "calles escondidas", está a cargo de Missing Kind Charity, ubicado en KindaKafe en Castle Meadow.

KindaKafe se encuentra en la calle Castle Meadow de Norwich.

Sobre KindaKafe

Esta empresa social tiene como objetivo abordar la exclusión y la soledad dentro de la comunidad local. Tienen un café que opera con un esquema de "pago por adelantado" en el que puedes donar una comida o una bebida a alguien que lo necesite.

El lugar es propiedad de Missing Kind Charity y facilitan reuniones para grupos locales. Algunas de estas comunidades son tan populares que hay listas de espera, así que asegúrese de llegar temprano si está interesado en un grupo o evento.

KindaKafe es una empresa social que facilita las reuniones locales.

Como se mencionó anteriormente, antes de convertirse en el hogar de esta empresa social, el edificio que alberga a Missing Kind y KindaKafe fue el hogar de la zapatería, Ponds. Cuando asumieron el edificio, la cripta debajo de la calle también vino con él.

KindaKafe abrió su piso subterráneo al público a mediados de 2018. Sin embargo, la gira subterránea de Norwich generó tanto interés que ahora organizan giras con regularidad para mantenerse al día con la demanda.

¿Qué debo esperar de un tour subterráneo de Norwich?

Después de reunirse con su grupo en KindaKafe, la historiadora local Sarah Walker lo llevará a visitar la calle escondida de la tienda. Se cree que parte del sótano fue un taller y una casa familiar. Esto fue una vez al nivel de la calle, antes de que se llenaran las zanjas que rodean el castillo de Norwich.

El recorrido está lleno de datos interesantes sobre Norwich y la vida medieval. Sarah explica todo sobre las ejecuciones que solían tener lugar en las cercanías y cómo se utilizó este sótano en particular durante la guerra.

¡Sarah es una guía turística muy bien informada!

Sarah no solo es una historiadora, sino que también es una narradora profesional, ¡así que espere sorprenderse con sus historias de músicos desaparecidos en los túneles! Si está interesado en la narración de historias de Sarah, consulte su página de Facebook.

Además de contar con mucha historia interesante sobre el área, Sarah también aborda los rumores. Hace tiempo que se rumorea que algunos de los túneles subterráneos de Norwich son caminos secretos que conducen al castillo, ¡pero tendrás que hacer el recorrido para descubrir si esto es cierto!

¡La cripta ha cumplido muchos propósitos desde que se construyó por primera vez!

Incluso como local, aprendí mucho sobre Norwich en el recorrido subterráneo y se lo recomendaría a cualquiera que busque hacer algo un poco peculiar o descubrir más sobre la historia de la ciudad.

¡La historia oculta de Norwich se expande!

El éxito de la gira "Hidden Street" que ofrece el Kindacafé ha despertado el interés por la historia local de la zona. Desde que presentó su primera gira, KindaKafe también ha lanzado otra experiencia Hidden History Norwich, que lleva a los visitantes por Tombland.

Si disfruta de su recorrido subterráneo por Norwich, ¡puede embarcarse en el recorrido más reciente de Hidden History!


Gremios

Los gremios de Tyria han crecido y se han expandido, a pesar de la destrucción de Battle Isles. Balthazar ayudó a levantar un nuevo templo en Arco del León, pisó la piedra del hogar de la construcción y abrió una puerta a la Niebla, para que los héroes de cada mundo pudieran competir en el concurso. Pero estos gremios no están alineados racialmente como lo estaban en el pasado, ya no se limitan meramente a los humanos, aceptan héroes de todas las sociedades en sus pasillos.

Los Asura encajan fácilmente en el sistema de gremios, utilizando gremios como lo harían con cualquier otro krewe diseñado para una tarea. Para los Charr, los gremios son como bandas de guerreros. No reemplazan la lealtad que los Charr tienen hacia su legión, sino que les brindan oportunidades únicas para mostrar la fuerza de su raza y aumentar su reputación personal como combatientes feroces. Los norn siempre están ansiosos por pelear, y su lealtad hacia los amigos los convierte en una bendición para cualquier fuerza de combate. Los Sylvari aportan fortalezas únicas e impredecibles a un gremio, y están ansiosos por entrar en cualquier peligro simplemente por experimentarlo.

Los gremios son una fuerza destacada en Tyria, que enfrentan desafíos que los aventureros individuales temen enfrentar y desafían incluso a los oponentes más peligrosos. Se dice que si hay alguna esperanza para que las razas de Tyria encuentren la paz, vendrá de los gremios y su atmósfera de cooperación y unidad.


Vaucluse: el corazón palpitante de la Provenza

El Vaucluse está repleto de bonitos pueblos, como Aurel, con vistas a sus exquisitos afloramientos rocosos y campos de lavanda. Crédito de la foto © Shutterstock

El encanto perdurable del departamento sur de Vaucluse hará que regreses una y otra vez, escribe Jennifer Ladonne. sobre este rincón favorito de la Provenza

El Vaucluse abarca todo lo que los viajeros han llegado a amar de esta tierra encantadora. En el momento en que las puertas del tren se abren en Aviñón al aire provenzal brisa, suave y luminoso, sabes que has aterrizado en un mundo más suave. Desde Aviñón, a solo tres horas en el TGV de París, los viajeros pueden tomar un automóvil de una de las media docena de compañías de alquiler que se encuentran frente a la estación y elegir entre una vergüenza de riquezas a menos de 90 minutos: Arles, 45 minutos hacia el sur de Aix. -en-Provence, una hora al sureste de Marsella, 30 minutos al sur de Aix y los perezosos pueblos pesqueros de colores pastel que bordean la costa mediterránea al este de Marsella.

El mundialmente famoso Pont d'Avignon. Crédito de la foto © Shutterstock

Aviñón es también la puerta de entrada al Vaucluse, una tierra de vivos contrastes y, en mi opinión, el corazón palpitante de la Provenza. Extendiéndose desde el valle del Ródano en el oeste y el Luberon macizo en el este, todo el camino hacia el norte hasta los vertiginosos Altos Alpes, un límite natural entre el Vaucluse y la Drôme provenzal más salvaje, esta hermosa y generosa tierra es un mosaico de huertos, olivares y viñedos ondulados intercalados con montañas irregulares e increíblemente pintoresco pueblos encaramados en las colinas.

En primavera, una época gloriosa para estar aquí, las flores de almendro, cerezo y albaricoque revolotean como nieve en las ráfagas de Mistral, y a principios del verano, los campos se iluminan con lavanda azul eléctrico, girasoles deslumbrantes y amapolas escarlatas. En otoño, cuando los viñedos se vuelven dorados, el sol permanece lo suficientemente cálido como para descansar en las terrazas de los cafés en las plazas de los pueblos hasta bien entrado noviembre.

Saltar de aldea es simple ya que las distancias son cortas y las ciudades lo suficientemente pequeñas como para pasear en una o dos horas. Tomados en grupos, puede ver fácilmente una docena en un fin de semana largo, o tal vez seguir los días de mercado, que se escalonan entre los pueblos.

Los amantes del vino descubrirán una de las regiones vinícolas más prometedoras de Francia. Entre las conocidas denominaciones Côtes du Rhône cru del sur de Gigondas, Beaumes-de-Venise, Vacqueyras y Châteauneuf-du-Pape, viñedos más pequeños en Côtes du Luberon y Ventoux están produciendo vinos emocionantes, muchos de ellos naturales, que están listos para ser descubiertos. . Cada vez son más los viñedos que reciben a los visitantes y las rutas del vino están bien señalizadas.

Fresas frescas en el mercado. Crédito de la foto © Shutterstock

Para los amantes de la comida, la Vaucluse Route des Saveurs indica dónde encontrar las delicias de la región, desde fragantes fresas Carpentras, cerezas Venasque e higos negros Caromb, hasta turrones, miel, quesos y azafrán. Los mercados de las ciudades y pueblos más grandes (Apt y Carpentras los sábados por la mañana y Vaison-La-Romaine los martes por la mañana) ofrecen una gran variedad, pero encontrará productores más pequeños en los pueblos más pequeños.

Una red de senderos lleva a los caminantes a través de bosques, alrededor de viñedos y tierras de cultivo, por montañas boscosas y por hierbas sembradas. garriga todo terminando con un bien merecido repas. Hay excelentes cenas en todas partes. Busque la designación Bib Gourmand (con precio fijo menús de 32 € o menos, enumerados por ciudad en el sitio Michelin) o siga las estrellas Michelin para una comida increíble.

Aquellos que quieran toda la experiencia de lujo en vino, comida y alojamiento en un paquete de lujo pueden estacionar el auto en un hotel vinícola y dejar el resto a ellos. Aunque los precios pueden ser elevados, son una fracción de lo que pagaría en París y con todo a su alcance: senderos para caminar y andar en bicicleta, catas de vino y clases de cocina, cenas gourmet, tratamientos de spa y hermosas habitaciones y vistas.

Ménerbes es un Plus Beau Village de France. Crédito de la foto © Shutterstock

Se necesita un pueblo

Culminando a una altura de 1.125 m, el Luberon MacizoEspectaculares paisajes de paredes de roca escarpada y cañones, bosques, campos llenos de flores y matorrales garriga son amados por los excursionistas, escaladores y observadores de aves (sus acantilados albergan al menos seis especies de aves en peligro de extinción, incluidas varias aves rapaces y el diminuto banderín de Ortolan, un manjar culinario cazado hasta casi la extinción por los epicúreos). El accidentado macizo también alberga dos hileras de pueblos increíblemente pintorescos en la cima de una colina en sus lados norte y sur, todos a unas pocas millas el uno del otro.

En el lado norte de la cordillera, comience con la minúscula ciudad de Oppède-le-Vieux, una vez abandonada, cuyos jardines, iglesias del siglo XII y ruinas de castillos fueron restaurados después de la Segunda Guerra Mundial. A una milla de distancia Además de Beau Village Ménerbes, donde la fotógrafa Dora Maar pasó las últimas décadas de su vida después de su desastrosa historia de amor con Picasso, rezuma elegancia. En verano, los visitantes pueden disfrutar de las vistas desde su casa de pueblo. En lo alto del pueblo, en la Maison de la Truffe et du Vin du Luberon, puede probar y comprar las delicias y cosechas locales mientras disfruta de las vistas panorámicas desde el jardín de la cima.

Maravíllate con la belleza medieval de Ménerbes. Crédito de la foto © Shutterstock

Lacoste, todavía dominada por las ruinas del castillo familiar del marqués de Sade, alberga un popular festival de teatro de verano fundado por el diseñador Pierre Cardin. A cinco minutos en coche, las hermosas murallas bien conservadas de Bonnieux, las torres del siglo XII y la iglesia en la cima de una colina ofrecen hermosas vistas. Pero para obtener vistas panorámicas de prácticamente todo el Luberon y más allá, diríjase a Forêt des Cèdres, a pocos minutos en coche por encima del pueblo.

Los 750 acres de cedros del Atlas de 150 años de antigüedad del parque brindan millas de senderos y sombra para una refrescante caminata o picnic. Para una cena gastronómica, el restaurante homónimo del chef Édouard Loubet, dos estrellas Michelin, una parada importante en el circuito gastronómico, ofrece un entorno de ensueño con vistas al Luberon. macizo.

Con menos de 100 residentes, el adorable Buoux es mejor conocido por los restos poéticos de su fuerte del siglo XIII, mientras que las dos iglesias medievales bien conservadas de Saignon, las ruinas del castillo y las bonitas plazas sombreadas lo convierten en la parada perfecta para un almuerzo rápido o una pausa para el café. mientras disfruta de las vistas sobre Apt.

Asegúrese de pasar al menos un par de días en Aviñón, sede de los Papas en el siglo XIV. Crédito de la foto © Shutterstock

Considerada la capital moderna del Luberon, la bulliciosa Apt es en realidad una de las ciudades más antiguas de Vaucluse, fundada por los romanos en el 45 a. C. El animado mercado de los sábados por la mañana de Apt se encuentra entre los mejores de la Provenza. Vaya temprano para aparcar alrededor de las murallas medievales de la ciudad y siga las calles sinuosas llenas de puestos que exhiben especialidades locales, como la fruta confitada Apt, un manjar reservado para los papas de Aviñón, elaborado con las abundantes frutas de hueso de la región.

Apt también es conocida por sus destilerías de lavanda y otros aceites esenciales de hierbas y flores. La ciudad también es famosa por su mármol loza, una hermosa cerámica hecha de arcillas locales de ricos colores, elaborada aquí desde el siglo XVIII.

Si le gusta un mercado de agricultores más íntimo, el asunto de los martes por la mañana en Saint-Saturnin-lès-Apt reúne a varios agricultores locales, y la pintoresca ciudad tiene mucho que ver, incluidos dos molinos de viento del siglo XVII y vistas panorámicas desde el antiguo castillo. restos.

Pasee por el íntimo mercado local en la bonita Saint-Saturnin-lès-Apt, Ménerbes. Crédito de la foto © Shutterstock

Comer, quedarse, amar

Un pintoresco paseo de 20 minutos desde el pintoresco Saint-Saturnin, el hotel y finca vinícola Domaine des Andéols, la lánguida extensión de césped bien cuidado, viñedos y olivares reinados por elegantes cipreses no podría ser más un contraste. Si así lo desean, los huéspedes pueden arrojar las llaves de su auto de una manera elegante. armario durante su estadía en una casa de vacaciones llena de arte o en una suite moderna y elegante, ya que todo lo que necesitan (nadar, caminar, andar en bicicleta, cenas de primer nivel y, sobre todo, privacidad) se puede encontrar en las instalaciones. Los productos orgánicos para el bistró interior y exterior, encabezado por Maurice Alexis, chef de dos presidentes franceses recientes, provienen de los extensos jardines y viñedos del dominio. Mientras tanto, el sofisticado comedor gastronómico está presidido por la estrella emergente Julien Bontus.

Otro idilio rural autosuficiente, La Bastide de Marie se ha ganado una clientela ferozmente leal por su entorno pintoresco entre 57 acres de viñedos en funcionamiento, su elegante decoración de granja provenzal (Picassos originales incluidos) y una mesa tan excepcional que los gastrónomos locales dependen de ella. . Si puede alejarse, es una base ideal desde la que explorar los pueblos de la zona y está a poca distancia a pie o en bicicleta de Ménerbes.

El valle de Luberon. Crédito de la foto © Shutterstock

El Domaine de Fontenille, cerca de Lauris, es también una base ideal para explorar la cadena de pueblos a lo largo del lado sur del Luberon: Lauris, Lourmarin, Cadenet, Ansouis y Cucuron. Fontenille cumple todos los requisitos de la finca provenzal por excelencia: cedros centenarios y plátanos que se elevan sobre amplias terrazas al aire libre, un césped ondulado, jardines de rosas, una fuente gorgoteante y una gruta pintoresca, todo entre acres de viñedos. Su elegante decoración es obra de dos marchantes de arte parisinos amantes de la fotografía contemporánea. Los vinos galardonados y los restaurantes con estrellas Michelin brindan una experiencia sofisticada y completa que incluye una hermosa piscina junto al césped y tratamientos de spa a pedido. Los amantes del vino pueden recorrer la bodega y degustar las cosechas en una sala de degustación simplificada.

En el Auberge La Fenière, cerca de Lourmarin, prevalece un ambiente rural más modesto, excepto en el comedor, donde la chef Nadia Sammut, galardonada con una estrella Michelin, eleva la gastronomía sin lácteos ni gluten a un arte. No lo sabrías por sus exquisitos platos, pero aquellos a quienes les importa pueden comer sin ningún cuidado en el mundo. Aunque Sammut es muy solicitado en todo el mundo para enseñar sobre agricultura sostenible y cocina sin gluten y sin lácteos, nunca comerá una comida en La Fenière que no haya sido cocinada por la propia chef.

Las antigüedades siguen ocupando un lugar destacado en L'Isle-sur-la-Sorgue, pero además de sus 350 tiendas de antigüedades, "la Venecia de la Provenza" ofrece exposiciones de arte excelentes en el Campredon Arts Centre y la Fondation Villa Datris.

Desde 1808, el río Sorgue ha ayudado a Brun de Vian-Tiran a producir algunas de las mejores lanas de Francia. En el nuevo y elegante Filaventure (aventuras en hilo), los visitantes son llevados a través del fascinante proceso de hacer la empresa lujo productos en cachemira, alpaca, mohair y más, mientras que la boutique ofrece su hermosa ropa de cama, mantas y bufandas. Luego, diríjase a Pâtisserie Jouvaud para disfrutar de una asombrosa variedad de pasteles finos, chocolates y dulces especiales, que incluyen albaricoques y fresas locales en conserva. Si una copa de vino local es más de su gusto, 17 Place aux Vins es una delicia tanto en interiores como en exteriores.

Ruinas en el castillo de Buoux. Crédito de la foto © Shutterstock

Historia antigua

Desde L'Isle-sur-la-Sorgue, no pase por alto el grupo de pequeñas aldeas, encaramadas y de otro tipo, dentro de un radio de cinco millas. El encantador Venasque tiene una iglesia y un baptisterio sobresalientes que datan de la época romana. Saint-Didier tiene un animado mercado de los lunes por la mañana y turrón artesanal, una especialidad local y Pernes-Les-Fontaines, que cuenta con no menos de 40 fuentes. Si está buscando un hotel de lujo en la zona, el ambiente y la hospitalidad del Château la Roque boutique de cinco habitaciones, en La Roque-sur-Perne, es difícil de superar.

Los sitios antiguos para visitar en Vaucluse se remontan al Paleolítico. Entre ellos se encuentran L'Abri du Pont de la Combette en Bonnieux, donde se han encontrado rastros de ocupación neandertal que datan de hace 60.000 años, y Baume des Peyrards en Buoux, que comenzó como una parada de caza antes de convertirse en un hábitat permanente en el período Paleolítico Medio. .

El anfiteatro romano de Orange. Crédito de la foto © Shutterstock

Pero la zona es más conocida por sus extraordinarias ruinas romanas. El Théâtre Antique d'Orange, declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, uno de los teatros romanos mejor conservados del mundo en la antigua ciudad romana de Orange, es una visita obligada. Dependiendo de cuándo vaya, puede tener la suerte de ver una recreación. La extensa ciudad de Vaison-la-Romaine abarca 2.000 años de historia, con restos de las murallas galo-romanas, baños, elegantes casas y teatros, y el hermoso puente romano que conduce al casco antiguo.

Comenzar o terminar su viaje en Aviñón es imprescindible, ya sea que se quede durante un fin de semana largo, que recomendamos, o solo un día, hay mucho que explorar aquí. Escondido dentro de las murallas bellamente conservadas de Aviñón, el casco antiguo es un placer para recorrer y descubrir. Además del Palais des Papes, hogar de los papas franceses durante la mayor parte del siglo XIV, Aviñón es una capital de las artes por excelencia, con una docena de magníficos museos y centros de arte para explorar, incluida la Colección Lambert de clase mundial (y su fabuloso restaurante en la terraza). ) y el Musée Calvet, ubicado en el magnífico Hôtel de Villeneuve-Martignan.

Avignon. Crédito de la foto © Shutterstock

Aviñón también es un centro de excelente comida, vino y alojamiento, con dos de los mejores hoteles de Vaucluse, el elegante La Mirande, una mansión a dos pasos del Palais des Papes y la exquisita La Divine Comédie de cuatro habitaciones, ubicada en un acre. de exuberantes jardines, el jardín privado más grande de Aviñón.

En julio, el Festival d’Avignon y el Festival Off atraen a aficionados al teatro de todo el mundo para sus diversos programas de 1.000 representaciones al día. Los enófilos pueden disfrutar de clases de vino en l'École des Vins d'Inter-Rhône, que se pueden personalizar específicamente para usted, con profesores de L'Université du Vin en Suze-la-Rousse. Y en el Marché des Halles, que está abierto todos los días excepto los lunes, puede encontrar toda la generosidad de la Provenza en un solo mercado deslumbrante.

Los teléfonos inteligentes son excelentes, pero no se olvide de la oficina de turismo local, donde puede encontrar personal servicial que habla inglés y folletos en inglés incluso en las ciudades más pequeñas. Cuando esté en Aviñón, aproveche el excelente centro turístico, a solo tres minutos a pie de la Colección Lambert. Los entusiastas del vino obtendrán la mejor información actualizada sobre visitas a viñedos, catas y eventos en Inter Rhône, ubicado en una mansión del siglo XVIII en una de las secciones más hermosas de la ciudad vieja. Vale la pena levantar una copa por eso.

De la revista France Today

Notre-Dame d’Aubune en Beaumes-de-Venise. Crédito de la foto © Shutterstock


Quiet Corner Whispers: Los esfuerzos colectivos pueden salvar nuestros bosques

Antes del día de Navidad, todas las organizaciones sin fines de lucro que tienen mi nombre en sus archivos me enviaron una solicitud de una contribución especial para continuar el valioso trabajo de la organización en Quiet Corner.

Seguiré contribuyendo con lo que pueda, pero me pregunto si ese legendario forajido británico del siglo XIII, Robin Hood, de quien se dice que "robó a los ricos para dárselo a los pobres", podría ser más persuasivo a la hora de reunir los fondos necesarios.

Según un artículo de Associated Press hace una década, el académico Julian Luxford acababa de informar del descubrimiento de una nota en los márgenes de un libro de historia antigua escrito en latín por un monje medieval que data de alrededor de 1460. & # Xa0El monje escribió que un forajido llamado Robin Hood con sus cómplices estaban infestando el área del bosque de Sherwood en Inglaterra con "robos continuos".

Según Luxford, la nota respaldaba la historia de que Robin Hood era "un aliado de buenos caballeros y terratenientes, gente de la sal del mundo", pero su relación con el clero no era tan positiva y Robin Hood era un ladrón persistente. .

Luxford encontró la nota mientras buscaba en la biblioteca del prestigioso Eton College de Inglaterra. & # Xa0Eton fue fundada en 1440 por el rey Enrique VI.

Al igual que los bosques de Quiet Corner, el bosque de Sherwood de Robin tiene una historia de problemas. El bosque de Sherwood una vez cubrió aproximadamente 100,000 acres, pero en estos días su núcleo es de aproximadamente 450 acres con parches de bosque en todo el resto del condado de Nottinghamshire. A lo largo de los siglos, el bosque fue tallado para granjas, minas, pueblos y tala, y fue la madera de Sherwood la que se utilizó para construir barcos medievales e incluso parte de la famosa Catedral de San Pablo de Londres. Se dice que su colección de robles centenarios sigue siendo una de las más importantes de Europa.

El Major Oak, que se dice que es el favorito de Robin Hood y sus amigos, atrae a los visitantes al bosque. El árbol tiene una circunferencia de 33 pies y una extensión de 92 pies. Es el árbol más grande del bosque de Sherwood y se cree que tiene entre 800 y 1000 años, sin embargo, los estragos de la edad y el cambio climático están pasando factura. Robin no reconocería el lugar.


Los gigantes - Neumann & amp Nash

Si bien muchos colaboradores ocupan un lugar en la historia de la teoría de juegos, es ampliamente aceptado que el análisis moderno comenzó con John von Neumann y que John Nash proporcionó su marco metodológico.

Es probable que la teoría de juegos no existiera por su nombre hasta que John von Neumann publicó por primera vez el artículo. Sobre el Teoría de los juegos de estrategia (1928). Si bien no es su opus magnum, este artículo impulsó enormemente el campo; su importancia se comprende mejor al revisar la propuesta teorema fundamental de la teoría de juegos contenida dentro de:

El teorema fundamental de la teoría de juegos establece que en una categoría amplia de juegos de dos personas es siempre posible para encontrar un equilibrio del que ningún jugador debería desviarse unilateralmente. Tal equilibrio existe en cualquier juego de dos personas que satisfaga los siguientes criterios:

  1. El juego es finito
  2. El juego es uno de información completa
  3. Es un suma cero juego

Conocido hoy como el Teorema Minimax, sigue siendo enormemente relevante y una parte clave de cualquier curso de teoría de juegos 101. Sin embargo, la siguiente publicación de Neumann fue y sigue siendo el santo grial de la teoría de juegos.

Teoría de los juegos y comportamiento económico, publicado en 1944 por John von Neumann y el economista Oskar Morgenstern, se considera el texto innovador que estableció oficialmente la teoría de juegos como un campo de investigación interdisciplinario. De hecho, en la presentación de su 60 aniversario, Princeton University Press lo describió como "el trabajo clásico en el que se basa la teoría de juegos moderna".

El segundo colaborador pródigo no es otro que John Nash de A Beautiful Mind. Ganador del premio Nobel, el reclamo de John Nash a la fama de la teoría de juegos provino de la expansión de la previamente definida por Neumann dos personasequilibrio del juego. Conocido como equilibrio de Nash y aplicable a una variedad mucho más amplia de juegos, Nash demostró que cada n-player finito en una suma distinta de cero (no solo suma cero de 2 jugadores) tiene una estrategia óptima claramente definida.


Contenido

Fundación y expansión Editar

En 1186 d.C., Jayavarman VII se embarcó en un programa masivo de construcción y obras públicas. Rajavihara ("monasterio del rey"), hoy conocido como Ta Prohm ("antepasado Brahma"), fue uno de los primeros templos fundados de conformidad con ese programa. La estela que conmemora la fundación da una fecha de 1186 d.C. [4]

Jayavarman VII construyó Rajavihara en honor a su familia. La imagen principal del templo, que representa a Prajnaparamita, la personificación de la sabiduría, se inspiró en la madre del rey. Los templos satélites del norte y del sur en el tercer recinto estaban dedicados al gurú del rey, Jayamangalartha, [5]: 174 y su hermano mayor, respectivamente. Como tal, Ta Prohm formó una pareja complementaria con el monasterio del templo de Preah Khan, dedicado en 1191 d.C., cuya imagen principal representaba al Bodhisattva de la compasión Lokesvara y se inspiró en el padre del rey. [6]

La estela del templo registra que el sitio albergaba a más de 12.500 personas (incluidos 18 sumos sacerdotes y 615 bailarines), con 80.000 habitantes adicionales en las aldeas circundantes que trabajaban para proporcionar servicios y suministros. La estela también señala que el templo acumuló riquezas considerables, como oro, perlas y sedas. [7] Las expansiones y adiciones a Ta Prohm continuaron hasta el gobierno de Srindravarman a fines del siglo XV.

Abandono y restauración Editar

Después de la caída del Imperio Khmer en el siglo XV, el templo de Ta Prohm fue abandonado y descuidado durante siglos. Cuando el esfuerzo por conservar y restaurar los templos de Angkor comenzó a principios del siglo XXI, la École française d'Extrême-Orient decidió que Ta Prohm se dejaría en gran parte como se había encontrado, como una "concesión al gusto general por el pintoresco." Según el erudito pionero de Angkor Maurice Glaize, Ta Prohm fue señalado porque era "uno de los [templos] más imponentes y el que mejor se había fusionado con la jungla, pero aún no hasta el punto de convertirse en parte de ella". [8] Sin embargo, se ha trabajado mucho para estabilizar las ruinas, permitir el acceso y mantener "esta condición de aparente abandono". [6]

A partir de 2013, Archaeological Survey of India ha restaurado la mayor parte del complejo del templo, algunas de las cuales se han construido desde cero. [3] Se han colocado pasarelas de madera, plataformas y barandillas con cuerdas alrededor del sitio para proteger el monumento de daños adicionales debido a la gran afluencia de turistas.

Edición de diseño

El diseño de Ta Prohm es el de un típico templo jemer "plano" (en oposición a un templo-pirámide o templo-montaña, cuyos niveles interiores son más altos que los exteriores). Cinco muros de cerramiento rectangulares rodean un santuario central. Como la mayoría de los templos jemeres, Ta Prohm está orientado hacia el este, por lo que el templo propiamente dicho se sitúa hacia el oeste a lo largo de un eje alargado de este a oeste. El muro exterior de 1000 por 650 metros encierra un área de 650,000 metros cuadrados que en un momento habría sido el sitio de una ciudad importante, pero que ahora está en gran parte cubierta de bosques. Hay gopuras de entrada en cada uno de los puntos cardinales, aunque el acceso hoy en día solo es posible desde el este y el oeste. En el siglo XIII, se agregaron a las gopuras torres frontales similares a las encontradas en el Bayon. Algunas de las torres frontales se han derrumbado. Hubo un tiempo en que se podían encontrar fosos dentro y fuera del cuarto recinto. La presencia de dos fosos llevó a algunos historiadores a especular que los restos 12/13 de Ta Prohm son una expansión de un santuario budista más antiguo en el mismo sitio. [9]

Los tres recintos interiores del templo propiamente dicho tienen galerías, mientras que las torres de las esquinas del primer recinto forman un quincuncio con la torre del santuario central. Este plan básico es complicado para el visitante por el acceso tortuoso requerido por el estado parcialmente derrumbado del templo, así como por la gran cantidad de otros edificios que salpican el sitio, algunos de los cuales representan adiciones posteriores. El más importante de estos otros edificios son las bibliotecas en las esquinas sureste del primer y tercer recinto, los templos satélites en los lados norte y sur del tercer recinto, el Salón de los Danzantes entre la tercera y cuarta gopuras del este y una Casa del Fuego al este. de la cuarta gopura oriental.


Historia

Historia temprana

Los Amani fueron una de las tribus trol que surgieron para desafiar a los Zandalari por territorio y poder. & # 913 & # 93

Cuando un grupo de trolls despertó a Kith'ix, los C'Thrax vieron a las naciones trol con desprecio y, por lo tanto, trataron de destruirlas con el aqir. Al comienzo de la Guerra Aqir y Troll, numerosas tribus más pequeñas cayeron ante los aqir. Los Amani fueron una de las muchas tribus trol que se unieron al Imperio de Zul, en el que los Zandalari asumieron el papel de comandar los ejércitos trol. El Imperio de Zul obligó a los aqir a retirarse y Kith'ix sería gravemente herido por los trols y sus aliados loa. & # 913 & # 93

Buscando terminar permanentemente con la amenaza aqir, los Zandalari sabían que ningún rincón del continente podía quedar sin vigilancia, por lo que los Zandalari convencieron a las facciones de trolls más ávidos de poder para que establecieran fortalezas nuevas y permanentes en Kalimdor. A la vanguardia de estos grupos estaban las tribus Gurubashi, Amani y Drakkari. Una vez que hubieran derrotado por completo a los aqir en sus nuevas regiones, pudieron reclamar sin oposición las tierras fértiles vírgenes en las que ahora vivían. Las tribus ambiciosas escucharon a los Zandalari y aceptaron de inmediato.

La tribu Amani se había dirigido al noreste, su objetivo era perseguir y destruir al líder aqir, Kith'ix. Siguieron el rastro del C'Thrax hasta las profundidades de los bosques del noreste del continente, encontrando una resistencia cada vez más feroz a medida que se acercaban. Después de atravesar legiones de aqir, los Amani finalmente alcanzaron al general insectoide. En una batalla salvaje y legendaria, prácticamente toda la tribu se lanzó contra Kith'ix y sus fuerzas restantes en un asalto suicida. Los C'Thrax, aunque heridos por los conflictos anteriores de la guerra, asesinaron personalmente a innumerables trolls. Solo una pequeña fracción de la tribu sobrevivió al terrible enfrentamiento, pero Kith'ix finalmente sucumbió a sus incansables cazadores. Aunque le había costado caro a la tribu, la reputación de los Amani se volvió legendaria entre todas las tribus trol por su acto heroico. En lo alto del sitio donde habían matado a los C'Thrax, los Amani establecieron un nuevo asentamiento. Con el tiempo, se convertiría en la impresionante ciudad templo de Zul'Aman & # 914 & # 93 y con ella, nació el Imperio Amani.

Llegada de los Altos Elfos

Cuando los elfos nobles liderados por Dath'Remar Sunstrider fueron exiliados por primera vez y aterrizaron en Lordaeron, se encontraron con violentos enfrentamientos con los trols del bosque, que los veían como una profanación de su tierra natal. En el momento de la fundación de Quel'Thalas, el Imperio Amani era el imperio más poderoso de los Reinos del Este; todavía mantenían gran parte del norte de Lordaeron en su dominio territorial.

Mientras las fuerzas de Zul'Aman luchaban para mantener a estos extraños no deseados fuera de sus tierras, los elfos nobles desarrollaron un profundo odio por los viciosos trols y los mataron a la vista cada vez que los encontraban. Con el tiempo, los elfos nobles fundaron el Reino de Quel'Thalas y se comprometieron a crear un imperio poderoso que empequeñecería al de sus primos Kaldorei. Desafortunadamente, pronto se enteraron de que Quel'Thalas se fundó en una antigua ciudad trol que los trolls todavía consideraban sagrada. Casi de inmediato, los trols comenzaron a atacar los asentamientos elfos en masa.

Los obstinados elfos, que no estaban dispuestos a renunciar a su nueva tierra, utilizaron la magia que habían obtenido del Pozo de la Eternidad y mantuvieron a raya a los salvajes trols. Bajo el liderazgo de Dath'Remar, pudieron derrotar a las bandas de guerra Amani que los superaban en número diez a uno. Algunos elfos, desconfiados de las antiguas advertencias de Kaldorei, sintieron que su uso de la magia posiblemente podría llamar la atención de la desterrada Legión Ardiente. Por lo tanto, decidieron enmascarar sus tierras dentro de una barrera protectora que aún les permitiría trabajar sus encantamientos. Construyeron una serie de piedras rúnicas monolíticas en varios puntos alrededor de Quel'Thalas que marcaban los límites de la barrera mágica. Las Piedras Rúnicas no solo enmascararon la magia de los elfos de las amenazas extradimensionales, sino que también ayudaron a ahuyentar a las supersticiosas bandas de guerreros trol.

A medida que pasaba el tiempo, Quel'Thalas floreció en una brillante cantidad de esfuerzos y destrezas mágicas de los elfos nobles y durante casi cuatro mil años los elfos nobles vivieron pacíficamente dentro de la seguridad aislada de su reino. Sin embargo, los vengativos trolls de Zul'Aman no fueron derrotados tan fácilmente. Conspiraron y tramaron en las profundidades de los bosques y esperaron a que aumentara el número de sus bandas de guerreros. Finalmente, un poderoso ejército de trolls cargó desde los bosques sombríos y una vez más asedió las brillantes agujas de Quel'Thalas. & # 915 & # 93

Las Guerras Troll

Mientras los elfos nobles liderados por el Gran Rey Anasterian Sunstrider luchaban por sus vidas contra el feroz ataque de los trols, los humanos nómadas y dispersos de Lordaeron luchaban por consolidar sus propias tierras tribales. Las tribus de la humanidad primitiva asaltaron los asentamientos de las demás con poca atención a la unificación racial o al honor. Sin embargo, una tribu, conocida como Arathi, vio que los trols se estaban convirtiendo en una amenaza demasiado grande para ignorarlos. Los Arathi deseaban someter a todas las tribus a su dominio para que pudieran proporcionar un frente unificado contra las bandas de guerra trol.

Incluso mientras los Arathi superaban, luchaban contra tribus rivales y ofrecían paz e igualdad a aquellos que conquistaban, ganando así la lealtad de aquellos a los que habían derrotado, los Trolls del Bosque de Zul'Aman estaban demostrando ser muy exitosos contra los elfos nobles de Quel'Thalas. . En su desesperación, los cansados ​​embajadores de Quel'Thalas viajaron a Strom, la capital de la nación Arathi de Arathor, para hablar con el rey Thoradin.

Los elfos informaron a Thoradin que los ejércitos de trolls eran vastos y que una vez que los trols hubieran destruido Quel'Thalas, seguirían adelante para atacar las tierras del sur. Los elfos desesperados, en extrema necesidad de ayuda militar, acordaron apresuradamente enseñar a ciertos humanos selectos a manejar la magia a cambio de su ayuda contra las bandas de guerra. Thoradin, desconfiado de cualquier magia, accedió a ayudar a los elfos por necesidad. Casi de inmediato, los hechiceros elfos llegaron a Arathor y comenzaron a instruir a un grupo de humanos en los caminos de la magia.

Los elfos descubrieron que, aunque los humanos eran innatamente torpes en el manejo de la magia, poseían una asombrosa afinidad natural por ella. A cien hombres se les enseñó lo básico de los secretos mágicos de los elfos: no más de lo absolutamente necesario para combatir a los trolls. Convencidos de que sus estudiantes humanos estaban listos para ayudar en la lucha, los elfos abandonaron Strom y viajaron hacia el norte junto a los poderosos ejércitos del rey Thoradin.

Los ejércitos elfos y humanos unidos se enfrentaron contra las abrumadoras bandas de guerreros trol al pie de las montañas de Alterac. La batalla duró muchos días, pero los incansables ejércitos de Arathor nunca se cansaron ni cedieron ni una pulgada de terreno ante el ataque de los trols. Los señores elfos consideraron que había llegado el momento de liberar los poderes de su magia sobre el enemigo. Los cien magos humanos y una multitud de hechiceros elfos invocaron la furia de los cielos y prendieron fuego a los ejércitos de trolls. Los fuegos elementales impidieron que los trolls regeneraran sus heridas y quemaron sus formas torturadas de adentro hacia afuera.

Entre los trolls, los susurros se propagan de una espada hechizada conocida como & # 160 & # 91 Felo'melorn & # 93, potenciados por magia arcana no solo para matar al más formidable y astuto de sus enemigos, sino también para atravesar números superiores e irrigar los campos de batalla con su sangre. Los médicos brujos trol se dedicaron a lanzar maleficios y maldiciones contra el arma infame, pero la historia confirma que incluso el vudú más oscuro hizo poco para negar la eficacia de Felo'melorn durante las Guerras Troll. & # 916 & # 93 Se dijo que mil trols Amani cayeron ante la furia de Felo'melorn, & # 917 & # 93 derramando suficiente sangre Amani para rebosar los muros de Zul'Aman. & # 918 & # 93 Como tal, se hizo conocido como un legendario asesino de trolls y la perdición de los trolls. & # 916 & # 93

Cuando los ejércitos de trolls se dispersaron e intentaron huir, los ejércitos de Thoradin los atropellaron y masacraron a cada uno de sus soldados. Los trols nunca se recuperarían por completo de su derrota, y la historia nunca volvería a ver a los trols surgir como una sola nación. Asegurados de que Quel'Thalas se salvó de la destrucción, los elfos hicieron una promesa de lealtad y amistad a la nación de Arathor y al linaje de su rey, Thoradin. Los humanos y los elfos cultivarían relaciones pacíficas durante siglos. & # 919 & # 93


Contenido

    - Rey de Gran Bretaña
  • Conde de Gloucester
  • Conde de Kent, más tarde disfrazado de Cayo, el tonto de Lear
  • Edgar - El primogénito de Gloucester - El hijo ilegítimo de Gloucester - La hija mayor de Lear - La segunda hija de Lear - La hija menor de Lear
  • Duque de Albany - esposo de Goneril
  • Duque de Cornualles - marido de Regan
  • Caballero - asiste a Cordelia
  • Oswald - el mayordomo leal de Goneril
  • Rey de Francia - pretendiente y luego esposo de Cordelia
  • Duque de Borgoña - pretendiente de Cordelia
  • Anciano - inquilino de Gloucester
  • Curan - cortesano

Acto I Editar

El rey Lear de Gran Bretaña, anciano y con ganas de retirarse de los deberes de la monarquía, decide dividir su reino entre sus tres hijas y declara que ofrecerá la mayor parte a quien más lo quiera. El mayor, Goneril, habla primero, declarando su amor por su padre en términos exagerados. Conmovido por sus halagos, Lear procede a conceder a Goneril su parte tan pronto como termina su declaración, antes de que Regan y Cordelia tengan la oportunidad de hablar. Luego le otorga a Regan su parte tan pronto como ella ha hablado. Cuando finalmente le toca el turno a su hija menor y favorita, Cordelia, al principio ella se niega a decir nada ("Nada, mi Señor") y luego declara que no hay nada con que comparar su amor, no hay palabras para expresarlo adecuadamente, dice. honestamente, pero sin rodeos, que lo ama de acuerdo con su vínculo, ni más ni menos, y reservará la mitad de su amor para su futuro esposo. Enfurecida, Lear deshereda a Cordelia y divide su parte entre sus hermanas mayores.

El conde de Gloucester y el conde de Kent observan que, al dividir su reino entre Goneril y Regan, Lear ha otorgado su reino en partes iguales a los nobles del duque de Albany (el esposo de Goneril) y el duque de Cornualles (el esposo de Regan). . Kent se opone al trato injusto que Lear le dio a Cordelia. Enfurecido por las protestas de Kent, Lear lo expulsa del país. Lear luego convoca al duque de Borgoña y al rey de Francia, quienes le han propuesto matrimonio a Cordelia. Al enterarse de que Cordelia ha sido desheredada, el duque de Borgoña retira su traje, pero el rey de Francia está impresionado por su honestidad y no obstante se casa con ella. El rey de Francia está escandalizado por la decisión de Lear porque hasta este momento Lear sólo ha elogiado y favorecido a Cordelia (". La que aun pero ahora era tu mejor objeto, / El argumento de tu alabanza, bálsamo de tu época"). [1] Mientras tanto, Gloucester ha presentado a su hijo ilegítimo Edmund a Kent.

Lear anuncia que vivirá alternativamente con Goneril y Regan, y sus maridos. Se reserva un séquito de 100 caballeros, apoyado por sus hijas. Goneril y Regan hablan en privado, revelando que sus declaraciones de amor eran falsas y que ven a Lear como un viejo tonto.

El hijo bastardo de Gloucester, Edmund, resiente su estatus ilegítimo y conspira para deshacerse de su legítimo hermanastro mayor, Edgar. Engaña a su padre con una carta falsificada, haciéndole pensar que Edgar planea usurpar la propiedad. El conde de Kent regresa del exilio disfrazado (llamándose a sí mismo Caius), y Lear lo contrata como sirviente. En la casa de Albany y Goneril, Lear y Kent se pelean con Oswald, el mayordomo de Goneril. Lear descubre que ahora que Goneril tiene poder, ella ya no lo respeta. Ella le ordena que reduzca el número de su séquito desordenado. Enfurecido, Lear se marcha a casa de Regan. El Loco reprocha a Lear su necedad al dar todo a Regan y Goneril y predice que Regan no lo tratará mejor.

Acto II Editar

Edmund se entera de Curan, un cortesano, que es probable que haya una guerra entre Albany y Cornwall y que Regan y Cornwall llegarán a la casa de Gloucester esa noche. Aprovechando la llegada del duque y Regan, Edmund finge un ataque de Edgar, y Gloucester está completamente engañado. Deshereda a Edgar y lo proclama proscrito.

Llevando el mensaje de Lear a Regan, Kent se encuentra de nuevo con Oswald en la casa de Gloucester, se pelea con él nuevamente y Regan y su esposo Cornwall lo ponen en el cepo. Cuando llega Lear, se opone al maltrato de su mensajero, pero Regan es tan despectivo con su padre como Goneril. Lear está enfurecido pero impotente. Goneril llega y apoya el argumento de Regan en su contra. Lear se rinde completamente a su rabia. Se precipita hacia una tormenta para despotricar contra sus ingratas hijas, acompañado por el Loco burlón. Kent lo sigue más tarde para protegerlo. Gloucester protesta contra el maltrato de Lear. Con el séquito de Lear de cien caballeros disuelto, los únicos compañeros que le quedan son su Loco y Kent. Vagando por el páramo después de la tormenta, Edgar, disfrazado de un loco llamado Tom o 'Bedlam, conoce a Lear. Edgar balbucea locamente mientras Lear denuncia a sus hijas. Kent los lleva a todos al refugio.

Acto III Editar

Edmund traiciona a Gloucester a Cornwall, Regan y Goneril. Revela evidencia de que su padre sabe de una inminente invasión francesa diseñada para reinstaurar a Lear en el trono y, de hecho, un ejército francés ha aterrizado en Gran Bretaña. Una vez que Edmund se va con Goneril para advertir a Albany sobre la invasión, Gloucester es arrestado y Regan y Cornwall le arrancan los ojos a Gloucester. Mientras hacen esto, un sirviente se siente abrumado por la rabia por lo que está presenciando y ataca a Cornualles, hiriéndolo de muerte. Regan mata al sirviente y le dice a Gloucester que Edmund lo traicionó y luego ella lo deja vagar por los páramos también.

Acto IV Editar

Edgar, disfrazado de loco, se encuentra con su padre ciego en el páramo. Gloucester, ciego y sin reconocer la voz de Edgar, le ruega que lo lleve a un acantilado en Dover para que pueda saltar a la muerte. Goneril descubre que encuentra a Edmund más atractivo que su honesto esposo Albany, a quien considera cobarde. Albany ha desarrollado una conciencia (está disgustado por el trato que dan las hermanas a Lear y Gloucester) y denuncia a su esposa. Goneril envía a Edmund de regreso a Regan. Después de recibir la noticia de la muerte de Cornwall, teme que su hermana recién enviudada pueda robar a Edmund y le envíe una carta a través de Oswald. Ahora solo con Lear, Kent lo lleva al ejército francés, que está comandado por Cordelia. Pero Lear está medio loco y terriblemente avergonzado por sus locuras anteriores. A instancias de Regan, Albany une sus fuerzas con las de ella contra los franceses. Las sospechas de Goneril sobre los motivos de Regan se confirman y regresan, ya que Regan adivina correctamente el significado de su carta y le declara a Oswald que ella es una pareja más apropiada para Edmund. Edgar pretende llevar a Gloucester a un acantilado, luego cambia de voz y le dice a Gloucester que ha sobrevivido milagrosamente a una gran caída. Lear aparece, ahora completamente loco. Él despotrica que el mundo entero está corrupto y huye.

Aparece Oswald, todavía buscando a Edmund. Por orden de Regan, intenta matar a Gloucester, pero Edgar lo mata. En el bolsillo de Oswald, Edgar encuentra la carta de Goneril, en la que anima a Edmund a matar a su marido y tomarla como esposa. Kent y Cordelia se hacen cargo de Lear, cuya locura pasa rápidamente. Regan, Goneril, Albany y Edmund se encuentran con sus fuerzas. Albany insiste en que luchan contra los invasores franceses pero no dañan a Lear ni a Cordelia. Las dos hermanas desean a Edmund, quien les ha hecho promesas a ambos. Considera el dilema y trama las muertes de Albany, Lear y Cordelia. Edgar le da la carta de Goneril a Albany. Los ejércitos se encuentran en la batalla, los británicos derrotan a los franceses y Lear y Cordelia son capturados. Edmund envía a Lear y Cordelia con órdenes secretas conjuntas de él (que representa a Regan y sus fuerzas) y Goneril (que representa a las fuerzas de su ex marido, Albany) para la ejecución de Cordelia.

Acto V Editar

Los líderes británicos victoriosos se reúnen y Regan, que acaba de enviudar, declara que se casará con Edmund. Pero Albany expone las intrigas de Edmund y Goneril y proclama a Edmund traidor. Regan cae enferma, después de haber sido envenenada por Goneril, y es escoltada fuera del escenario, donde muere. Edmund desafía a Albany, que pide un juicio por combate. Edgar aparece enmascarado y con armadura y desafía a Edmund a un duelo. Nadie sabe quien es el. Edgar hiere a Edmund fatalmente, aunque Edmund no muere de inmediato. Albany se enfrenta a Goneril con la carta que estaba destinada a ser su sentencia de muerte y ella huye de la vergüenza y la rabia. Edgar se revela a sí mismo e informa que Gloucester murió fuera del escenario por la conmoción y la alegría de saber que Edgar está vivo, después de que Edgar se reveló a su padre.

Fuera del escenario, Goneril, con sus planes frustrados, se suicida. El moribundo Edmund decide, aunque admite que va en contra de su propio carácter, tratar de salvar a Lear y Cordelia, pero su confesión llega demasiado tarde. Poco después, Albany envía hombres para anular las órdenes de Edmund. Lear entra con el cadáver de Cordelia en sus brazos, habiendo sobrevivido matando al verdugo. Kent aparece y Lear ahora lo reconoce. Albany insta a Lear a recuperar su trono, pero al igual que con Gloucester, las pruebas por las que ha pasado Lear finalmente lo abruman y muere. Albany luego les pide a Kent y Edgar que se hagan cargo del trono. Kent se niega, explicando que su maestro lo está llamando a un viaje y que debe seguirlo. Finalmente, Albany (en la versión en cuarto) o Edgar (en la versión en folio) implica que ahora se convertirá en rey.

La obra de Shakespeare se basa en varios relatos de la semilegendaria figura Brythonic Leir de Gran Bretaña, cuyo nombre ha sido vinculado por algunos estudiosos [ ¿Quién? ] al dios Brythonic Lir / Llŷr, aunque en realidad los nombres no están relacionados etimológicamente. [2] [3] [4] La fuente más importante de Shakespeare es probablemente la segunda edición de Las crónicas de Inglaterra, Scotlande e Irelande por Raphael Holinshed, publicado en 1587. El propio Holinshed encontró la historia en la Historia Regum Britanniae por Geoffrey de Monmouth, que fue escrito en el siglo XII. De Edmund Spenser La reina de las hadas, publicado en 1590, también contiene un personaje llamado Cordelia, que también muere en la horca, como en Rey Lear. [5]

Otras posibles fuentes son el juego anónimo Rey Leir (publicado en 1605) El espejo para magistrados (1574), de John Higgins El descontento (1604), de John Marston El hijo pródigo de Londres (1605) Montaigne Ensayos, que fueron traducidos al inglés por John Florio en 1603 Una descripción histórica de la isla de Britaine (1577), de William Harrison Restos relativos a Bretaña (1606), de William Camden Inglaterra de Albion (1589), de William Warner y Una declaración de atroces imposturas papistas (1603), de Samuel Harsnett, que aportó parte del lenguaje que utiliza Edgar mientras finge la locura. [6] Rey Lear es también una variante literaria de un cuento popular común, Love Like Salt, Aarne-Thompson tipo 923, en el que un padre rechaza a su hija menor por una declaración de amor que no le agrada. [7] [8]

La fuente de la trama secundaria que involucra a Gloucester, Edgar y Edmund es un cuento de Philip Sidney Arcadia de la condesa de Pembroke (1580-1590), con un rey paflagoniano ciego y sus dos hijos, Leonatus y Plexitrus. [9]

Cambios del material de origen Editar

Además de la trama secundaria que involucra al conde de Gloucester y sus hijos, la principal innovación que hizo Shakespeare en esta historia fue la muerte de Cordelia y Lear al final del relato de Geoffrey de Monmouth, Cordelia restaura a Lear al trono y lo sucede como gobernante. Después de su muerte. Durante el siglo XVII, el trágico final de Shakespeare fue muy criticado y Nahum Tate escribió versiones alternativas, en las que los personajes principales sobrevivieron y Edgar y Cordelia se casaron (a pesar de que Cordelia estaba previamente comprometida con el rey de Francia). Como dice Harold Bloom: "La versión de Tate ocupó el escenario durante casi 150 años, hasta que Edmund Kean restableció el trágico final de la obra en 1823". [10]

No hay evidencia directa que indique cuándo Rey Lear fue escrito o interpretado por primera vez. Se cree que se compuso en algún momento entre 1603 y 1606. Una entrada del Stationers 'Register señala una actuación ante James I el 26 de diciembre de 1606. La fecha de 1603 se origina a partir de palabras en los discursos de Edgar que pueden derivar de Samuel Harsnett Declaración de atroces imposturas papistas (1603). [11] Un problema importante en la datación de la obra es la relación de Rey Lear a la obra titulada La verdadera historia crónica de la vida y muerte del rey Leir y sus tres hijas, que se publicó por primera vez después de su inscripción en el Stationers 'Register del 8 de mayo de 1605. Esta obra tuvo un efecto significativo en Shakespeare, y su estudio minucioso sugiere que estaba usando una copia impresa, lo que sugiere una fecha de composición. de 1605-06. [12] Por el contrario, Frank Kermode, en el Riverside Shakespeare, considera la publicación de Leir haber sido una respuesta a las interpretaciones de la obra ya escrita de Shakespeare en la que se señala un soneto de William Strachey que puede tener semejanzas verbales con Lear, Kermode concluye que "1604-05 parece el mejor compromiso". [13]

Una línea en la obra que se refiere a "Estos eclipses tardíos en el sol y la luna" [14] parece referirse a un fenómeno de dos eclipses que ocurrieron en Londres con unos días de diferencia entre sí: el eclipse lunar del 27 de septiembre de 1605 y el eclipse solar del 12 de octubre de 1605. Este notable par de eventos suscitó mucha discusión entre los astrólogos. La línea de Edmund "Una predicción que leí este otro día ..." [15] aparentemente se refiere a los pronósticos publicados de los astrólogos, que siguieron a los eclipses. Esto sugiere que esas líneas del Acto I fueron escritas en algún momento después de los eclipses y los comentarios publicados. [dieciséis]

El texto moderno de Rey Lear deriva de tres fuentes: dos cuartos, uno publicado en 1608 (Q1) y el otro en 1619 (Q2), [a] y la versión del Primer Folio de 1623 (F1). Q1 tiene "muchos errores y embrollos". [17] Q2 se basó en Q1. Introdujo correcciones y nuevos errores. [18] Q2 también informó el texto del Folio. [19] Los textos en cuarto y en folio difieren significativamente. Q1 contiene 285 líneas que no están en F1 F1 contiene alrededor de 100 líneas que no están en Q1. Además, al menos mil palabras individuales se cambian entre los dos textos, cada texto tiene diferentes estilos de puntuación y aproximadamente la mitad de las líneas del verso en F1 se imprimen en prosa o se dividen de manera diferente en el Q1. Los primeros editores, comenzando con Alexander Pope, combinaron los dos textos, creando la versión moderna que se ha utilizado comúnmente desde entonces. La versión combinada se originó con la suposición de que las diferencias en las versiones no indican ninguna reescritura por parte del autor de que Shakespeare escribió solo un manuscrito original, que ahora está perdido y que las versiones Quarto y Folio contienen varias distorsiones de ese original perdido. Otros editores, como Nuttall y Bloom, han sugerido que el propio Shakespeare quizás estuvo involucrado en la reelaboración de pasajes de la obra para acomodar las interpretaciones y otros requisitos textuales de la obra. [20]

Ya en 1931, Madeleine Doran sugirió que los dos textos tenían historias independientes y que estas diferencias entre ellos eran críticamente interesantes. Este argumento, sin embargo, no fue ampliamente discutido hasta finales de la década de 1970, cuando fue revivido, principalmente por Michael Warren y Gary Taylor, quienes discuten una variedad de teorías, incluida la idea de Doran de que el Cuarto puede haber sido impreso a partir de los sucios papeles de Shakespeare, y que Es posible que el Folio se haya impreso a partir de un libro de instrucciones preparado para una producción. [21]

The New Cambridge Shakespeare ha publicado ediciones separadas de Q y F; la edición más reciente de Pelican Shakespeare contiene tanto el texto de 1608 Quarto como el de 1623 Folio, así como una versión combinada de la edición de New Arden editada por R.A. Foakes ofrece un texto combinado que indica aquellos pasajes que se encuentran solo en Q o F. Tanto Anthony Nuttall de la Universidad de Oxford como Harold Bloom de la Universidad de Yale han respaldado la opinión de que Shakespeare revisó la tragedia al menos una vez durante su vida. [20] Como indica Bloom: "Al final de la revisión de Shakespeare Rey LearEdgar, reacio, se convierte en rey de Gran Bretaña, aceptando su destino pero con acentos de desesperación. Nuttall especula que Edgar, como el propio Shakespeare, usurpa el poder de manipular a la audiencia engañando al pobre Gloucester "[20].

Análisis y crítica de Rey Lear a lo largo de los siglos ha sido extenso.

Interpretaciones historicistas Editar

John F. Danby, en su La doctrina de la naturaleza de Shakespeare: un estudio del rey Lear (1949), sostiene que Lear dramatiza, entre otras cosas, los significados actuales de "Naturaleza". Las palabras "naturaleza", "natural" y "antinatural" aparecen más de cuarenta veces en la obra, lo que refleja un debate en la época de Shakespeare sobre cómo era realmente la naturaleza. Este debate impregna la obra y encuentra expresión simbólica en la actitud cambiante de Lear hacia el Trueno. Hay dos visiones fuertemente contrastantes de la naturaleza humana en la obra: la del partido Lear (Lear, Gloucester, Albany, Kent), que ejemplifica la filosofía de Bacon y Hooker, y la del partido Edmund (Edmund, Cornwall, Goneril, Regan ), similar a las opiniones formuladas más tarde por Hobbes, aunque este último aún no había comenzado su carrera filosófica cuando Lear se realizó por primera vez. Junto con las dos visiones de la Naturaleza, la obra contiene dos visiones de la Razón, presentadas en los discursos de Gloucester y Edmund sobre astrología (1.2). La racionalidad del partido de Edmund es una con la que el público moderno se identifica más fácilmente. Pero el partido de Edmund lleva el racionalismo audaz a tales extremos que se convierte en una locura: una locura en la razón, la contraparte irónica de la "razón en la locura" de Lear (IV.6.190) y la sabiduría del Loco en la locura. Esta traición a la razón se encuentra detrás del énfasis posterior de la obra en sentimiento.

Las dos Naturalezas y las dos Razones implican dos sociedades. Edmund es el Hombre Nuevo, un miembro de una época de competencia, sospecha, gloria, en contraste con la sociedad más antigua que ha bajado de la Edad Media, con su creencia en la cooperación, la decencia razonable y el respeto por el todo como mayor que la pieza. Rey Lear es, pues, una alegoría. La sociedad más antigua, la de la visión medieval, con su rey cariñoso, cae en el error, y es amenazada por el nuevo maquiavelismo; es regenerada y salvada por una visión de un nuevo orden, encarnado en la hija rechazada del rey. Cordelia, en el esquema alegórico, es triple: una persona, un principio ético (amor) y una comunidad. Sin embargo, la comprensión de Shakespeare del Hombre Nuevo es tan amplia que casi equivale a simpatía. Edmund es la última gran expresión en Shakespeare de ese lado del individualismo renacentista —la energía, la emancipación, el coraje— que ha hecho una contribución positiva a la herencia de Occidente. "Encarna algo vital que una síntesis final debe reafirmar. Pero hace una afirmación absoluta que Shakespeare no apoyará. Es correcto que el hombre sienta, como Edmund, que la sociedad existe para el hombre, no el hombre para la sociedad. No es derecho a afirmar la clase de hombre que Edmund erigiría en esta supremacía ". [23]

La obra ofrece una alternativa a la polaridad feudal-maquiavélica, una alternativa prefigurada en el discurso de Francia (I.1.245-256), en las oraciones de Lear y Gloucester (III.4. 28-36 IV.1.61-66), y en la figura de Cordelia. Hasta que se logre una sociedad decente, debemos tomar como modelo a seguir (aunque calificado por las ironías de Shakespeare) a Edgar, "la maquiavélica de la bondad", [24] la resistencia, el coraje y la "madurez". [23]

La obra también contiene referencias a disputas entre el rey Jaime I y el Parlamento. En las elecciones de 1604 a la Cámara de los Comunes, Sir John Fortescue, el Ministro de Hacienda, fue derrotado por un miembro de la nobleza de Buckinghamshire, Sir Francis Goodwin. [25] Disgustado con el resultado, James declaró inválido el resultado de la elección de Buckinghhamshire y juró a Fortescue como diputado de Buckinghamshire mientras la Cámara de los Comunes insistía en jurar a Goodwin, lo que provocó un enfrentamiento entre el rey y el Parlamento sobre quién tenía el derecho a decidir quién se sentaba en la Cámara de los Comunes. [25] El parlamentario Thomas Wentworth, hijo de otro parlamentario Peter Wentworth, a menudo encarcelado bajo el mando de Elizabeth por plantear la cuestión de la sucesión en los Comunes, fue más contundente al protestar contra los intentos de James de reducir los poderes de la Cámara de los Comunes, diciendo que King no podía simplemente declarar inválidos los resultados de una elección si no le gustaba quién había ganado el escaño, ya que insistía en que podía hacerlo. [26] El personaje de Kent se parece a Peter Wentworth por la falta de tacto y la franqueza al aconsejar a Lear, pero su punto es válido de que Lear debería ser más cuidadoso con sus amigos y consejeros. [26]

Así como la Cámara de los Comunes le había argumentado a James que su lealtad era hacia la constitución de Inglaterra, no al Rey personalmente, Kent insiste en que su lealtad es institucional, no personal, ya que es leal al reino del cual el rey es jefe. no al propio Lear, y le dice a Lear que se comporte mejor por el bien del reino. [26] Por el contrario, Lear hace un argumento similar a James de que, como rey, tiene el poder absoluto y podría ignorar las opiniones de sus súbditos si le desagradan cuando quiera. [26] En la obra, los personajes como el Loco, Kent y Cordelia, cuyas lealtades son institucionales, al ver su primera lealtad al reino, son retratados de manera más favorable que aquellos como Regan y Goneril, quienes insisten en que solo son leales al rey. , viendo sus lealtades como algo personal. [26] Del mismo modo, James era conocido por su estilo de vida desenfrenado y libertino y su preferencia por cortesanos aduladores que siempre cantaban sus alabanzas con la esperanza de avanzar, aspectos de su corte que se asemejan mucho a la corte del rey Lear, que comienza en la obra con una corte desenfrenada y libertina de cortesanos aduladores. [27] Kent critica a Oswald como un hombre indigno de un cargo que solo ha sido ascendido por su adulación, diciéndole a Lear que debe ser leal a aquellos que están dispuestos a decirle la verdad, una declaración que muchos en Inglaterra desearían que James hiciera atención. [27]

Además, Jacobo VI de Escocia heredó el trono de Inglaterra tras la muerte de Isabel I en 1603, uniendo así los reinos de la isla de Gran Bretaña en uno solo, y un tema importante de su reinado fue el intento de forjar una identidad británica común. [28] James había otorgado a sus hijos Enrique y Carlos los títulos de duque de Cornwell y duque de Albany, los mismos títulos que tenían los hombres casados ​​con Regan y Goneril. [29] La obra comienza con Lear gobernando toda Gran Bretaña y termina con él destruyendo su reino. El crítico Andrew Hadfield argumentó que la división de Gran Bretaña por Lear fue una inversión de la unificación de Gran Bretaña por James, quien creía que sus políticas resultarían en una bien gobernado y próspero reino unificado que se transmite a su heredero. [29] Hadfield argumentó que la obra fue pensada como una advertencia para James, ya que en la obra un monarca lo pierde todo al ceder ante sus cortesanos aduladores que solo buscan usarlo mientras descuidan a quienes realmente lo amaban. [29] Hadfield también argumentó que el mundo de la corte de Lear es "infantil" con Lear presentándose a sí mismo como el padre de la nación y requiriendo que todos sus súbditos, no solo sus hijos, se dirijan a él en términos paternos, lo que infantiliza la mayor parte de la gente a su alrededor, que hace referencia deliberadamente a la declaración de James en su libro de 1598 La ley trew de las monarquías libres que el rey es el "padre de la nación", para quien todos sus súbditos son sus hijos. [30]

Interpretaciones psicoanalíticas y psicosociales Editar

Rey Lear proporciona una base para "la promulgación primaria del colapso psíquico en la historia literaria inglesa". [31] La obra comienza con el "narcisismo casi de cuento de hadas" de Lear. [32]

Dada la ausencia de madres legítimas en Rey Lear, Coppélia Kahn [33] proporciona una interpretación psicoanalítica del "subtexto materno" que se encuentra en la obra. Según Kahn, la vejez de Lear lo obliga a regresar a una disposición infantil, y ahora busca un amor que tradicionalmente es satisfecho por una mujer maternal, pero en ausencia de una verdadera madre, sus hijas se convierten en figuras maternas. El concurso de amor de Lear entre Goneril, Regan y Cordelia sirve como el acuerdo vinculante que sus hijas obtendrán su herencia siempre que lo cuiden, especialmente Cordelia, de cuya "amable crianza" dependerá en gran medida.

La negativa de Cordelia a dedicarse a él y amarlo como más que un padre ha sido interpretada por algunos como una resistencia al incesto, pero Kahn también inserta la imagen de una madre que rechaza. La situación es ahora una inversión de los roles de padres e hijos, en los que la locura de Lear es una rabia infantil debido a su privación del cuidado filial / materno. Incluso cuando Lear y Cordelia son capturados juntos, su locura persiste mientras Lear imagina una guardería en prisión, donde la única existencia de Cordelia es para él. Es solo con la muerte de Cordelia que su fantasía de una hija-madre finalmente disminuye, como Rey Lear concluye con solo personajes masculinos vivos.

Sigmund Freud afirmó que Cordelia simboliza la muerte. Por lo tanto, cuando la obra comienza con Lear rechazando a su hija, se puede interpretar como él rechazando la muerte. Lear no está dispuesto a enfrentar la finitud de su ser. La conmovedora escena final de la obra, en la que Lear lleva el cuerpo de su amada Cordelia, fue de gran importancia para Freud. En esta escena, Cordelia fuerza la realización de su finitud, o como dice Freud, ella le hace "hacerse amigo de la necesidad de morir". [34] Shakespeare tenía intenciones particulares con la muerte de Cordelia, y fue el único escritor que mató a Cordelia (en la versión de Nahum Tate, ella continúa viviendo feliz, y en Holinshed, restaura a su padre y lo sucede).

Alternativamente, un análisis basado en la teoría adleriana sugiere que la contienda del Rey entre sus hijas en el Acto I tiene más que ver con su control sobre la soltera Cordelia. [35] Esta teoría indica que el "destronamiento" del rey [36] podría haberlo llevado a buscar el control que perdió después de dividir su tierra.

En su estudio de la representación del personaje de Edmund, Harold Bloom se refiere a él como "el personaje más original de Shakespeare". [37]

"Como señaló Hazlitt", escribe Bloom, "Edmund no comparte la hipocresía de Goneril y Regan: su maquiavelismo es absolutamente puro y carece de un motivo edípico. La visión de Freud de los romances familiares simplemente no se aplica a Edmund. Iago es libre reinventarse a sí mismo cada minuto, sin embargo, Iago tiene pasiones fuertes, por negativas que sean. Edmund no tiene pasiones en absoluto, nunca ha amado a nadie y nunca lo hará. En ese sentido, es el personaje más original de Shakespeare ". [37]

A menudo se observa que la tragedia de la falta de comprensión de Lear de las consecuencias de sus demandas y acciones es como la de un niño mimado, pero también se ha observado que es igualmente probable que su comportamiento se vea en padres que nunca se han adaptado a sus necesidades. niños habiendo crecido. [38]

Cristianismo editar

Los críticos están divididos sobre la cuestión de si Rey Lear representa una afirmación de una doctrina cristiana en particular. [39] Aquellos que piensan que sí postulan diferentes argumentos, que incluyen la importancia de la auto-desinversión de Lear. [40] Para algunos críticos, esto refleja los conceptos cristianos de la caída de los poderosos y la inevitable pérdida de las posesiones mundanas. En 1569, los sermones pronunciados en la corte como los de Windsor declararon que "los ricos son polvo rico, polvo sabio hombres sabios. Del que viste de púrpura y lleva la corona al que está vestido con las ropas más humildes, no hay nada más que ahogamiento, alboroto, alzamiento, y la ira persistente, y el temor a la muerte y la muerte misma, y ​​el hambre, y muchos látigos de Dios ". [40] Algunos ven esto en Cordelia y lo que ella simbolizó: que el cuerpo material son meras cáscaras que eventualmente serían descartadas para poder alcanzar la fruta. [39]

Entre los que sostienen que Lear se redime en el sentido cristiano a través del sufrimiento se encuentran A.C. Bradley [41] y John Reibetanz, quien ha escrito: "a través de sus sufrimientos, Lear ha ganado un alma iluminada". [42] Otros críticos que no encuentran evidencia de redención y enfatizan los horrores del acto final incluyen a John Holloway [43] [ página necesaria ] y Marvin Rosenberg. [44] [ página necesaria ] William R. Elton hace hincapié en el escenario precristiano de la obra, escribiendo que, "Lear cumple los criterios de comportamiento pagano en la vida", cayendo "en una blasfemia total en el momento de su pérdida irremediable". [45] Esto está relacionado con la forma en que algunas fuentes citan que al final de la narración, el rey Lear se enfureció contra el cielo antes de morir desesperado con la muerte de Cordelia. [46]

Rey Lear ha sido interpretada por estimados actores desde el siglo XVII, cuando los hombres desempeñaban todos los papeles. Desde el siglo XX, varias mujeres han interpretado papeles masculinos en la obra más comúnmente The Fool, que ha sido interpretada (entre otros) por Judy Davis, Emma Thompson y Robyn Nevin. El propio Lear ha sido interpretado por Marianne Hoppe en 1990, [47] por Janet Wright en 1995, [48] por Kathryn Hunter en 1996-1997, [49] y por Glenda Jackson en 2016 y 2019 [50].

Siglo XVII Editar

Shakespeare escribió el papel de Lear para el principal trágico de su compañía, Richard Burbage, para quien Shakespeare escribía personajes cada vez más viejos a medida que avanzaban sus carreras. [51] Se ha especulado que el papel del Loco fue escrito para el payaso de la compañía, Robert Armin, o que fue escrito para el desempeño de uno de los chicos de la compañía, duplicando el papel de Cordelia. [52] [53] Sólo se conoce una representación específica de la obra durante la vida de Shakespeare: ante la corte del rey Jaime I en Whitehall el 26 de diciembre de 1606. [54] [55] Sus representaciones originales habrían sido en The Globe, donde no había decorados en el sentido moderno, y los personajes habrían representado sus roles visualmente con accesorios y vestuario: el vestuario de Lear, por ejemplo, habría cambiado en el transcurso de la obra a medida que su estatus disminuyó: comenzando con la corona y el atuendo y luego como un cazador furioso con la cabeza descubierta en la escena de la tormenta y finalmente coronado de flores en parodia de su estado original. [56]

Todos los teatros fueron cerrados por el gobierno puritano el 6 de septiembre de 1642. Tras la restauración de la monarquía en 1660, se establecieron dos compañías de patentes (King's Company y Duke's Company) y el repertorio teatral existente se dividió entre ellas. [57] Y desde la restauración hasta mediados del siglo XIX, la historia de la interpretación de Rey Lear no es la historia de la versión de Shakespeare, pero en lugar de La historia del rey Lear, una adaptación popular de Nahum Tate. Sus desviaciones más significativas de Shakespeare fueron omitir al Loco por completo, introducir un final feliz en el que sobreviven Lear y Cordelia, y desarrollar una historia de amor entre Cordelia y Edgar (dos personajes que nunca interactúan en Shakespeare) que termina con su matrimonio. [58] Como la mayoría de los adaptadores de la Restauración de Shakespeare, Tate admiraba el genio natural de Shakespeare, pero consideró oportuno aumentar su trabajo con estándares contemporáneos del arte (que estaban guiados en gran medida por las unidades neoclásicas de tiempo, lugar y acción).[59] La lucha de Tate por encontrar un equilibrio entre la naturaleza cruda y el arte refinado es evidente en su descripción de la tragedia: "un montón de joyas, sin encordar y sin pulir, todavía tan deslumbrantes en su desorden, que pronto me di cuenta de que había se apoderó de un tesoro ". [60] [61] Otros cambios incluyeron darle a Cordelia un confidente llamado Arante, acercando la obra a las nociones contemporáneas de justicia poética, y agregando material excitante como encuentros amorosos entre Edmund y Regan y Goneril, una escena en la que Edgar rescata a Cordelia del intento de secuestro y violación de Edmund, [62] [63] y una escena en la que Cordelia usa pantalones de hombre que dejarían al descubierto los tobillos de la actriz. [64] La obra termina con una celebración de "la Restauración bendita del Rey", una referencia obvia a Carlos II. [B]

Siglo XVIII Editar

A principios del siglo XVIII, algunos escritores comenzaron a expresar objeciones a esta (y otras) adaptaciones de la Restauración de Shakespeare. Por ejemplo, en El espectador el 16 de abril de 1711 Joseph Addison escribió "Rey Lear es una tragedia admirable. como Shakespeare lo escribí, pero al ser reformado de acuerdo con la Noción quimérica de Justicia poética en mi humilde Opinión, ha perdido la mitad de su Belleza. "Sin embargo, en el escenario, la versión de Tate prevaleció. [c]

David Garrick fue el primer actor-gerente en comenzar a recortar elementos de la adaptación de Tate a favor del original de Shakespeare: retuvo los principales cambios de Tate, incluido el final feliz, pero eliminó muchas de las líneas de Tate, incluido el discurso de clausura de Edgar. [66] También redujo la importancia de la historia de amor de Edgar-Cordelia, para centrarse más en la relación entre Lear y sus hijas. [67] Su versión tuvo un poderoso impacto emocional: Lear conducido a la locura por sus hijas fue (en palabras de un espectador, Arthur Murphy) "la mejor angustia trágica jamás vista en cualquier escenario" y, en contraste, la devoción mostrada a Lear de Cordelia (una mezcla de las contribuciones de Shakespeare, Tate y Garrick al papel) conmovió a la audiencia hasta las lágrimas. [D]

Las primeras actuaciones profesionales de Rey Lear en Norteamérica es probable que hayan sido los de la Hallam Company (más tarde la American Company) que llegó a Virginia en 1752 y que contaba la obra entre su repertorio en el momento de su partida a Jamaica en 1774. [68]

Siglo XIX Editar

Charles Lamb estableció la actitud de los románticos hacia Rey Lear en su ensayo de 1811 "Sobre las tragedias de Shakespeare, consideradas con referencia a su idoneidad para la representación escénica" donde dice que la obra "es esencialmente imposible de ser representada en el escenario", prefiriendo vivirla en el estudio. En el teatro, argumenta, "ver actuar a Lear, ver a un anciano tambaleándose por el escenario con un bastón, expulsado por sus hijas en una noche lluviosa, no tiene nada más que lo que es doloroso y repugnante". "sin embargo," mientras lo leemos, no vemos a Lear, sino que somos Lear, estamos en su mente, estamos sostenidos por una grandeza que desconcierta la malicia de las hijas y las tormentas ". [69] [70]

Rey Lear fue políticamente controvertido durante el período de la locura de Jorge III y, como resultado, no se representó en absoluto en los dos teatros profesionales de Londres desde 1811 hasta 1820: pero luego fue objeto de grandes producciones en ambos, dentro de los tres meses posteriores a su muerte. [71] El siglo XIX vio la reintroducción gradual del texto de Shakespeare para desplazar la versión de Tate. Al igual que Garrick antes que él, John Philip Kemble había introducido más texto de Shakespeare, al tiempo que conservaba los tres elementos principales de la versión de Tate: la historia de amor, la omisión del Loco y el final feliz. Edmund Kean jugó Rey Lear con su trágico final en 1823, pero fracasó y volvió a complacer al público de Tate después de solo tres actuaciones. [72] [73] Finalmente, en 1838, William Macready en Covent Garden interpretó la versión de Shakespeare, liberada de las adaptaciones de Tate. [72] El personaje restaurado del Loco fue interpretado por una actriz, Priscilla Horton, como, en palabras de un espectador, "un chico frágil, agitado, de rostro hermoso y medio idiota". [74] Y la última aparición de Helen Faucit como Cordelia, muerta en los brazos de su padre, se convirtió en una de las imágenes victorianas más icónicas. [75] John Forster, escribiendo en el Examinador el 14 de febrero de 1838, expresó la esperanza de que "el éxito del señor Macready haya desterrado esa desgracia [la versión de Tate] del escenario para siempre". [76] Pero incluso esta versión no se acercaba a la de Shakespeare: los actores-gerentes del siglo XIX recortaron en gran medida los guiones de Shakespeare: finalizar escenas con grandes "efectos de cortina" y reducir o eliminar papeles secundarios para dar mayor protagonismo a la estrella. [77] Una de las innovaciones de Macready, el uso de estructuras similares a Stonehenge en el escenario para indicar un escenario antiguo, resultó perdurable en el escenario hasta el siglo XX, y se puede ver en la versión televisiva de 1983 protagonizada por Laurence Olivier. [78]

En 1843 entró en vigor la Ley de Regulación de Teatros, que puso fin a los monopolios de las dos empresas existentes y, con ello, aumentó el número de teatros en Londres. [74] Al mismo tiempo, la moda en el teatro era "pictórica": valorar el espectáculo visual por encima de la trama o la caracterización y, a menudo, requería largos (y prolongados) cambios de escena. [79] Por ejemplo, Henry Irving de 1892 Rey Lear ofreció espectáculos como la muerte de Lear bajo un acantilado en Dover, su rostro iluminado por el resplandor rojo de un sol poniente a expensas de cortar el 46% del texto, incluido el cegamiento de Gloucester. [80] Pero la producción de Irving claramente evocó fuertes emociones: un espectador, Gordon Crosse, escribió sobre la primera entrada de Lear, "una figura llamativa con masas de cabello blanco. Está apoyado en una enorme espada con costra que levanta con un grito salvaje en respuesta al saludo a gritos de sus guardias. Su andar, sus miradas, sus gestos, todos revelan la mente noble e imperiosa que ya degenera en una irritabilidad senil bajo los golpes venideros del dolor y la edad ". [81]

La importancia del pictorialismo para Irving, y para otros profesionales del teatro de la época victoriana, se ejemplifica por el hecho de que Irving había utilizado la pintura de Ford Madox Brown. Porción de Cordelia como inspiración para el aspecto de su producción, y que el propio artista fue contratado para proporcionar bocetos para los escenarios de otras escenas. [82] Una reacción contra el pictorialismo vino con el surgimiento del movimiento reconstructivo, creyentes en un estilo simple de puesta en escena más similar al que habría pertenecido a los teatros renacentistas, cuyo principal exponente temprano fue el actor y gerente William Poel. Poel fue influenciado por una actuación de Rey Lear dirigida por Jocza Savits en el Hoftheater de Munich en 1890, ambientada en un escenario de plataforma con un teatro de reconstrucción tipo Globe de tres niveles como telón de fondo. Poel usaría esta misma configuración para sus propias representaciones de Shakespeare en 1893. [83]

Siglo XX Editar

A mediados de siglo, la tradición de actor-gerente había decaído, para ser reemplazada por una estructura en la que las principales compañías de teatro empleaban directores profesionales como autores. El último de los grandes actores-directores, Donald Wolfit, interpretó a Lear en 1944 en un escenario parecido a Stonehenge y fue elogiado por James Agate como "la obra más grande de la actuación de Shakespeare desde que tuve el privilegio de escribir para la tiempo de domingo". [e] [85] Wolfit supuestamente bebió ocho botellas de Guinness en el transcurso de cada actuación. [f]

El personaje de Lear en el siglo XIX era a menudo el de un anciano frágil de la escena inicial, pero Lears del siglo XX a menudo comenzaba la obra como hombres fuertes que mostraban una autoridad real, incluidos John Gielgud, Donald Wolfit y Donald Sinden. [87] Cordelia, también, evolucionó en el siglo XX: los primeros Cordelias a menudo habían sido elogiados por ser dulces, inocentes y modestos, pero los Cordelia del siglo XX a menudo eran retratados como líderes de la guerra. Por ejemplo, Peggy Ashcroft, en la RST en 1950, interpretó el papel de una coraza y portaba una espada. [88] De manera similar, The Fool evolucionó a lo largo del siglo, con representaciones que a menudo se derivan de la tradición del music hall o del circo. [89]

En Stratford-upon-Avon en 1962, Peter Brook (que más tarde filmaría la obra con el mismo actor, Paul Scofield, en el papel de Lear) colocó la acción de manera simple, contra un enorme y vacío escenario blanco. El efecto de la escena cuando Lear y Gloucester se encuentran, dos diminutas figuras en harapos en medio de este vacío, fue dicho (por el erudito Roger Warren) para captar "tanto el patetismo humano como la escala universal de la escena". [90] Algunas de las líneas de la transmisión de radio fueron utilizadas por The Beatles para agregarlas a la mezcla grabada de la canción "I Am the Walrus". John Lennon se topó con la obra en el tercer programa de la BBC mientras jugaba con la radio mientras trabajaba en la canción. Las voces de los actores Mark Dignam, Philip Guard y John Bryning de la obra se escuchan en la canción. [91] [92]

Como otras tragedias de Shakespeare, Rey Lear ha demostrado ser susceptible de conversión a otras tradiciones teatrales. En 1989, David McRuvie e Iyyamkode Sreedharan adaptaron la obra y luego la tradujeron al malayalam, para su interpretación en Kerala en la tradición Kathakali, que a su vez se desarrolló alrededor de 1600, contemporánea a la escritura de Shakespeare. El espectáculo luego se fue de gira y en 2000 se presentó en el Shakespeare's Globe, completando, según Anthony Dawson, "una especie de círculo simbólico". [93] Quizás incluso más radical fue la adaptación de 1997 de Ong Keng Sen de Rey Lear, que contó con seis actores, cada uno actuando en una tradición de actuación asiática separada y en sus propios idiomas separados. Un momento crucial ocurrió cuando la intérprete de Jingju que interpretaba a Older Daughter (una combinación de Goneril y Regan) apuñaló a Lear, interpretado por Noh, cuya caída de "pino que cae", directamente hacia adelante en el escenario, asombró a la audiencia, en lo que Yong Li Lan describe. como un "triunfo a través del poder conmovedor de no h actuación en el momento mismo de la derrota de su personaje ". [94] [95]

En 1974, Buzz Goodbody dirigió Lear, un título deliberadamente abreviado para el texto de Shakespeare, como la producción inaugural del estudio de teatro de la RSC The Other Place. La actuación fue concebida como una pieza de cámara, el pequeño espacio íntimo y la proximidad al público permitieron una actuación psicológica detallada, que se realizó con decorados sencillos y con vestimenta moderna. [96] Peter Holland ha especulado que esta decisión de la empresa / dirección, a saber elegir presentar a Shakespeare en un lugar pequeño por razones artísticas cuando se disponía de un lugar más grande, puede que en ese momento no haya tenido precedentes. [96]

La visión anterior de Brook de la obra resultó influyente, y los directores han ido más allá al presentar a Lear como (en palabras de R.A. Foakes) "un patético anciano atrapado en un entorno violento y hostil". Cuando John Wood asumió el papel en 1990, interpretó las escenas posteriores con ropas que parecían desechadas, lo que invitaba a establecer paralelismos deliberados con los desamparados en las sociedades occidentales modernas. [97] De hecho, las producciones modernas de las obras de Shakespeare a menudo reflejan el mundo en el que se representan tanto como el mundo para el que fueron escritas: y la escena teatral de Moscú en 1994 proporcionó un ejemplo, cuando dos producciones muy diferentes de la obra ( los de Sergei Zhonovach y Alexei Borodin), muy diferentes entre sí en su estilo y perspectiva, fueron ambos reflejos sobre la desintegración de la Unión Soviética. [98]

Siglo XXI Editar

En 2002 y 2010, la Hudson Shakespeare Company de Nueva Jersey organizó producciones independientes como parte de sus respectivas temporadas de Shakespeare in the Parks. La versión de 2002 fue dirigida por Michael Collins y traspuso la acción a un entorno náutico de las Indias Occidentales. Los actores aparecieron con atuendos que indicaban el aspecto de varias islas del Caribe. La producción de 2010 dirigida por Jon Ciccarelli se inspiró en la atmósfera de la película. El caballero oscuro con una paleta de rojos y negros y ambienta la acción en un entorno urbano. Lear (Tom Cox) apareció como el jefe de un conglomerado multinacional que dividió su fortuna entre su hija de la alta sociedad Goneril (Brenda Scott), su hija medianamente oficiosa Regan (Noelle Fair) y su hija universitaria Cordelia (Emily Best). [99]

En 2012, el reconocido director canadiense Peter Hinton dirigió una producción de las Primeras Naciones de Rey Lear en el Centro Nacional de las Artes en Ottawa, Ontario, con el escenario cambiado a una nación algonquina en el siglo XVII. [100] El reparto incluía a August Schellenberg como Lear, Billy Merasty como Gloucester, Tantoo Cardinal como Regan, Kevin Loring como Edmund, Jani Lauzon en un papel dual como Cordelia and the Fool y Craig Lauzon como Kent. [100] Este ajuste se reproduciría más tarde como parte del Manga Shakespeare Serie de novelas gráficas publicada por Self-Made Hero, adaptada por Richard Appignanesi y con las ilustraciones de Ilya.

En 2015, el Teatro Passe Muraille de Toronto organizó una producción ambientada en el Alto Canadá con el telón de fondo de la Rebelión del Alto Canadá de 1837. Esta producción fue protagonizada por David Fox como Lear. [101]

En el verano de 2015-2016, The Sydney Theatre Company organizó Rey Lear, dirigida por Neil Armfield con Geoffrey Rush en el papel principal y Robyn Nevin como The Fool. Sobre la locura en el corazón de la obra, Rush dijo que para él "se trata de encontrar el impacto dramático en los momentos de su manía. Lo que parece funcionar mejor es encontrar una vulnerabilidad o un punto de empatía, donde la audiencia pueda mirar Aprende y piensa en lo impactante que debe ser ser tan viejo y ser expulsado de tu familia al aire libre en una tormenta. Ese es un nivel de empobrecimiento que nunca querrías ver en ningún otro ser humano, nunca ". [102]

En 2016, Talawa Theatre Company y Royal Exchange Manchester coprodujeron una producción de Rey Lear con Don Warrington en el papel principal. [103] La producción, con un elenco mayoritariamente negro, se describió en El guardián como "lo más cerca posible de lo definitivo". [104] El Telégrafo diario escribió que "King Lear de Don Warrington es un tour de force desgarrador". [105] Rey Lear fue puesta en escena por Royal Shakespeare Company, con Antony Sher en el papel principal. La actuación fue dirigida por Gregory Doran y se describió como de "fuerza y ​​profundidad". [106]

En 2017, el Teatro Guthrie produjo una producción de Rey Lear con Stephen Yoakam en el papel principal. Armin Shimerman apareció como el tonto, retratándolo con "una severidad inusual, pero funciona", [107] en una producción que fue aclamada como "una obra de teatro devastadora y una producción que le hace justicia". [107]

Lear fue interpretada en Broadway por Christopher Plummer en 2004 y Glenda Jackson en 2019, con Jackson repitiendo su interpretación de una producción de 2016 en The Old Vic en Londres.

Edición de películas y videos

La primera película de Rey Lear fue una versión alemana de cinco minutos hecha alrededor de 1905, que no ha sobrevivido. [108] La versión más antigua existente es una versión de estudio de diez minutos de 1909 de Vitagraph, que, según Luke McKernan, tomó la decisión "imprudente" de intentar meter la mayor cantidad de trama posible. [109] Dos versiones mudas, ambas tituladas Re Lear, se hicieron en Italia en 1910. De estos, la versión del director Gerolamo Lo Savio se filmó en el lugar, y eliminó la subtrama de Edgar y usó frecuentes entrelazamientos para hacer la trama más fácil de seguir que su predecesor de Vitagraph. [g] Se utilizó un escenario contemporáneo para la adaptación francesa de Louis Feuillade de 1911. Le Roi Lear Au Village, y en 1914 en Estados Unidos, Ernest Warde amplió la historia a una hora, incluyendo espectáculos como una escena de batalla final. [111]

El Joseph Mankiewicz (1949) Casa de los Extraños a menudo se considera un Lear adaptación, pero los paralelos son más sorprendentes en Lanza rota (1954) en la que un magnate del ganado interpretado por Spencer Tracy tiraniza a sus tres hijos, y solo el más joven, Joe, interpretado por Robert Wagner, permanece leal. [112]

La serie de antología de televisión General (1952-1961) organizó una versión de 73 minutos de Rey Lear el 18 de octubre de 1953. Fue adaptado por Peter Brook y protagonizado por Orson Welles en su debut televisivo estadounidense. [113]

Dos versiones de pantalla de Rey Lear fecha de principios de la década de 1970: Grigori Kozintsev Korol Lir, [h] y la película de Peter Brook sobre Rey Lear, protagonizada por Paul Scofield. [116] La película de Brook dividió drásticamente a los críticos: Pauline Kael dijo: "No solo me disgustaba esta producción, ¡la odiaba!" y sugirió el título alternativo Noche de los muertos vivientes. [i] Sin embargo, Robert Hatch en La Nación pensó que era "una excelente filmación de la obra como se puede esperar" y Vincent Canby en Los New York Times lo llamó "una exaltación Lear, lleno de un terror exquisito ". [j] La película se basó en las ideas de Jan Kott, en particular su observación de que Rey Lear fue el precursor del teatro absurdo, y que tiene paralelismos con el de Beckett Endgame. [118] Los críticos a los que no les gusta la película llaman especialmente la atención sobre su naturaleza desoladora desde su apertura: quejándose de que el mundo de la obra no se deteriora con el sufrimiento de Lear, sino que comienza oscuro, incoloro e invernal, dejando, según Douglas Brode, "Lear , la tierra y nosotros sin ningún lugar adonde ir ". [119] La crueldad impregna la película, que no distingue entre la violencia de personajes aparentemente buenos y malos, presentando ambos de manera salvaje. [120] Paul Scofield, como Lear, evita el sentimentalismo: este anciano exigente con una camarilla de caballeros rebeldes provoca simpatía del público por las hijas en las primeras escenas, y su presentación rechaza explícitamente la tradición de interpretar a Lear como "el pobre viejo de pelo blanco patriarca". [121]

Korol Lir ha sido elogiado por el crítico Alexander Anikst por el "enfoque serio, profundamente reflexivo" e incluso "filosófico" del director Grigori Kozintsev y el escritor Boris Pasternak. Haciendo una crítica apenas velada de Brook en el proceso, Anikst elogió el hecho de que "no hubo intentos de sensacionalismo, ningún esfuerzo de 'modernizar' a Shakespeare introduciendo temas freudianos, ideas existencialistas, erotismo o perversión sexual. [Kozintsev]. simplemente hizo una película de la tragedia de Shakespeare ". [k] Dmitri Shostakovich proporcionó una partitura épica, sus motivos incluían una fanfarria de trompeta (cada vez más irónica) para Lear y una "Llamada a la muerte" de cinco compases que marcaba la desaparición de cada personaje.[123] Kozintzev describió su visión de la película como una pieza de conjunto: con Lear, interpretado por un dinámico Jüri Järvet, como el primero entre iguales en un elenco de personajes completamente desarrollados. [124] La película destaca el papel de Lear como rey al incluir a su gente a lo largo de la película en una escala que ninguna producción teatral podría emular, trazando el declive del personaje central de su dios a su igual indefenso, su descenso final a la locura marcado por su comprensión de que ha descuidado a los "pobres miserables desnudos". [125] [126] A medida que avanza la película, los personajes despiadados (Goneril, Regan, Edmund) aparecen cada vez más aislados en las tomas, en contraste con el enfoque del director, a lo largo de la película, en las masas de seres humanos. [127]

Jonathan Miller dirigió dos veces a Michael Hordern en el papel principal de la televisión inglesa, el primero para la BBC. Juego del mes en 1975 y el segundo para el BBC Television Shakespeare en 1982. Hordern recibió críticas mixtas y fue considerado una elección audaz debido a su historial de tomar papeles mucho más ligeros. [128] También para la televisión inglesa, Laurence Olivier tomó el papel en una producción televisiva de 1983 para Granada Television. Fue su última aparición en la pantalla en un papel de Shakespeare. [129]

En 1985 apareció una importante adaptación cinematográfica de la obra: Corrió, dirigida por Akira Kurosawa. En ese momento, la película japonesa más cara jamás realizada, cuenta la historia de Hidetora, un señor de la guerra japonés ficticio del siglo XVI, cuyo intento de dividir su reino entre sus tres hijos conduce a un distanciamiento con el más joven, y en última instancia el más leal, de ellos, y eventualmente a la guerra civil. [130] En contraste con los grises grises fríos de Brook y Kozintsev, la película de Kurosawa está llena de colores vibrantes: escenas externas en amarillos, azules y verdes, interiores en marrones y ámbar, y los trajes codificados por colores de Emi Wada ganadores del Oscar para cada uno. soldados de miembros de la familia. [131] [130] Hidetora tiene una historia de fondo: un violento y despiadado ascenso al poder, y la película retrata a víctimas contrastantes: los personajes virtuosos Sue y Tsurumaru que son capaces de perdonar, y la vengativa Kaede (Mieko Harada), de Hidetora. nuera y villana parecida a Lady Macbeth de la película. [132] [133]

Una escena en la que un personaje es amenazado con cegar a la manera de Gloucester constituye el clímax de la parodia de terror de 1973. Teatro de sangre. [135] Se hace uso cómico de la incapacidad de Sir para llevar físicamente a cualquier actriz del reparto como Cordelia frente a su Lear en la película de 1983 de la obra de teatro. El vestidor. [136] 1990 de John Boorman. Donde esta el corazon presenta a un padre que deshereda a sus tres hijos mimados. [137] Francis Ford Coppola incorporó deliberadamente elementos de Lear en su secuela de 1990 El padrino III, incluido el intento de Michael Corleone de retirarse del crimen arrojando sus dominios a la anarquía, y lo más obvio, la muerte de su hija en sus brazos. También se han establecido paralelos entre el personaje de Andy García, Vincent y tanto Edgar como Edmund, y entre el personaje de Talia Shire, Connie y Kaede en Corrió. [138]

En 1997 Jocelyn Moorhouse dirigió Mil acres, basada en la novela ganadora del premio Pulitzer de Jane Smiley, ambientada en la década de 1990 en Iowa. [139] La película es descrita, por el académico Tony Howard, como la primera adaptación para confrontar las inquietantes dimensiones sexuales de la obra. [138] La historia se cuenta desde el punto de vista de las dos hijas mayores, Ginny interpretada por Jessica Lange y Rose interpretada por Michelle Pfeiffer, quienes fueron abusadas sexualmente por su padre cuando eran adolescentes. Su hermana menor Caroline, interpretada por Jennifer Jason Leigh, había escapado de este destino y, en última instancia, es la única que permanece leal. [140] [141]

La obra fue adaptada al mundo de los gánsteres en 2001 de Don Boyd. Mi reino, una versión que se diferencia de todas las demás en que comienza con el personaje de Lear, Sandeman, interpretado por Richard Harris, en una relación amorosa con su esposa. Pero su muerte violenta marca el comienzo de una cadena de eventos cada vez más sombría y violenta (influenciada por el libro documental del coguionista Nick Davies Corazón oscuro) que, a pesar de la negación del director de que la película tenía "paralelismos serios" con la obra de Shakespeare, en realidad refleja de cerca aspectos de su trama. [142] [143] A diferencia de Lear de Shakespeare, pero como Hidetora y Sandeman, el personaje central de la adaptación televisiva estadounidense de 2002 de Uli Edel. Rey de texas, John Lear interpretado por Patrick Stewart, tiene una historia de fondo centrada en su violento ascenso al poder como el terrateniente más rico (metafóricamente un "rey") en la Texas independiente del general Sam Houston a principios de la década de 1840. Daniel Rosenthal comenta que la película pudo, por haber sido encargada por el canal de cable TNT, incluir un final más desolador y violento de lo que hubiera sido posible en las cadenas nacionales. [144] Dos partes encargadas por Channel 4 de 2003 Segunda generación ambienta la historia en el mundo de la fabricación y la música asiáticas en Inglaterra. [145]

En 2008, una versión de Rey Lear producida por la Royal Shakespeare Company estrenada con Ian McKellen en el papel de King Lear. [146]

En la comedia romántica de 2012 Si yo fuera tú, hay una referencia a la obra cuando los personajes principales son elegidos en una versión femenina de King Lear ambientada en los tiempos modernos, con Marcia Gay Harden en el papel de Lear y Lenore Watling como "la tonta". Lear es una ejecutiva en un imperio corporativo en lugar de uno literal, siendo eliminada gradualmente de su puesto. La obra fuera de ritmo (y su elenco) es un elemento importante de la trama de la película. [ cita necesaria ] La serie de televisión de drama musical estadounidense Empire está parcialmente inspirada en King Lear. [147] [148] [149]

Carl Bessai escribió y dirigió una adaptación moderna de Rey Lear noble Los Lear. Estrenada en 2017, la película fue protagonizada por Bruce Dern, Anthony Michael Hall y Sean Astin. [150]

El 28 de mayo de 2018, BBC Two emitió Rey Lear protagonizada por Anthony Hopkins en el papel principal y Emma Thompson como Goneril. Dirigida por Richard Eyre, la obra presentaba un escenario del siglo XXI. Hopkins, a la edad de 80 años, fue considerado ideal para el papel y "en casa con la piel de Lear" por el crítico Sam Wollaston. [151]

Edición de radio y audio

La primera grabación de Argo Shakespeare para Argo Records fue Rey Lear en 1957, dirigida y producida por George Rylands con William Devlin en el papel principal, Jill Balcon como Goneril y Prunella Scales como Cordelia. [152]

La Shakespeare Recording Society grabó una producción de audio íntegra en LP en 1965 (SRS-M-232) dirigida por Howard Sackler, con Paul Scofield como Lear, Cyril Cusack como Gloucester. Robert Stephens como Edmund, Rachel Roberts, Pamela Brown y John Stride.

Rey Lear fue transmitido en vivo en el Tercer Programa de la BBC el 29 de septiembre de 1967, protagonizado por John Gielgud, Barbara Jefford, Barbara Bolton y Virginia McKenna como Lear y sus hijas. [153] En Abbey Road Studios, John Lennon usó un micrófono colocado en una radio para sobregrabar fragmentos de la obra (Acto IV, Escena 6) en la canción "I Am the Walrus", que los Beatles estaban grabando esa noche. Las voces grabadas fueron las de Mark Dignam (Gloucester), Philip Guard (Edgar) y John Bryning (Oswald). [91] [92]

El 10 de abril de 1994, la Renaissance Theatre Company de Kenneth Branagh realizó una adaptación de radio dirigida por Glyn Dearman protagonizada por Gielgud como Lear, con Keith Michell como Kent, Richard Briers como Gloucester, Dame Judi Dench como Goneril, Emma Thompson como Cordelia, Eileen Atkins como Regan, Kenneth Branagh como Edmund, John Shrapnel como Albany, Robert Stephens como Cornwall, Denis Quilley como Borgoña, Sir Derek Jacobi como Francia, Iain Glen como Edgar y Michael Williams como The Fool. [154]

Opera Editar

La ópera del compositor alemán Aribert Reimann Lear estrenada el 9 de julio de 1978. [ cita necesaria ]

La ópera del compositor japonés Toshio Hosokawa Visión de Lear estrenada el 18 de abril de 1998 en la Bienal de Munich. [ cita necesaria ]

La ópera del compositor finlandés Aulis Sallinen Kuningas Lear estrenada el 15 de septiembre de 2000. [ cita necesaria ]

Novelas Editar

La novela de Jane Smiley de 1991 Mil acres, ganador del premio Pulitzer de ficción, se basa en Rey Lear, pero ambientada en una granja en Iowa en 1979 y contada desde la perspectiva de la hija mayor. [155]

El 27 de marzo de 2018, Tessa Gratton publicó una adaptación de alta fantasía de Rey Lear noble Las reinas de Innis Lear con Tor Books. [156]

Notas Editar

  1. ^ El cuarto de 1619 es parte del llamado Folio Falso de William Jaggard.
  2. ^ Jean I. Marsden cita Tate's Lear línea 5.6.119. [63]
  3. ^ Citado por Jean I. Marsden. [sesenta y cinco]
  4. ^ Jean I. Marsden cita Diario de Gray's Inn 12 de enero de 1754. [67]
  5. ^ Citado por Stanley Wells. [84]
  6. ^ Según Ronald Harwood, citado por Stanley Wells. [86]
  7. ^ Esta versión aparece en la recopilación de videos del British Film Institute. Shakespeare silencioso (1999). [110]
  8. ^ El título original de esta película en escritura cirílica es Король Лир y las fuentes lo anglicizan con diferentes grafías. Daniel Rosenthal lo da como Korol Lir, [114] mientras que Douglas Brode lo da como Karol Lear. [115]
  9. ^Pauline Kael Neoyorquino La revisión es citada por Douglas Brode. [117]
  10. ^ Ambos citados por Douglas Brode. [116]
  11. ^ Citado por Douglas Brode. [122]

Referencias Editar

Todas las referencias a Rey Lear, a menos que se especifique lo contrario, se toman de la Biblioteca Folger Shakespeare Ediciones digitales de Folger textos editados por Barbara Mowat, Paul Werstine, Michael Poston y Rebecca Niles. Bajo su sistema de referencia, 1.1.246–248 significa acto 1, escena 1, líneas 246 a 248.


Ver el vídeo: vaison la Romaine 30 aug 2021 (Enero 2022).