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Maíz y melón de Raphaelle Peale

Maíz y melón de Raphaelle Peale


Fase cinco: Bentonville, Arkansas

Museo de Arte Americano Crystal Bridges, Bentonville, Arkansas. Diseñado por Moshe Safdie.

(FIGURA 1) John Singleton Copley (Americano, 1738-1815) Sra. Theodore Atkinson Jr. (Frances Deering Wentworth, 1760, óleo sobre lienzo, 51 x 40 pulgadas, Crystal Bridges Museum of American Art.

(FIGURA 2) Asher Brown Durand (Americano, 1796-1886) Espíritus afines, 1849, óleo sobre lienzo, 44 ​​x 36 pulgadas, Crystal Bridges Museum of American Art.

(FIG. 3) James Peale (Americano, 1739-1841),La familia Ramsay-Polk en Carpenter's Point, condado de Cecil, Maryland, 1793, óleo sobre lienzo, 49 1/8 x 39 3/8 pulg., Crystal Bridges Museum of American Art.

(FIGURA 4) Raphaelle Peale (Americano, 1774-1825), Maíz y Melón, 1813, óleo sobre tabla, 35 x 48 cm, Crystal Bridges Museum of American Art.

El ex curador de Crystal Bridges, Kevin Murphy, instalado Daniel Rogers junto a pinturas de Raphaelle Peale y James Peale.

A principios de los 2000 & rsquos, justo cuando algunos de los mayores coleccionistas de America & rsquos estaban vendiendo algunas de sus obras, Alice Walton decidió que quería abrir un nuevo museo de arte americano con una colección envidiable. Los planes de Walton & rsquos eran increíblemente ambiciosos considerando múltiples ejemplos de lo mejor de lo mejor del arte estadounidense que rara vez salen todos a la venta al mismo tiempo. Para combatir esto y aún abrir su museo dentro de su ventana de oportunidad, Walton recorrió casas de subastas y galerías en busca de las mejores piezas que pudo encontrar y persuadió a instituciones como la Biblioteca Pública de Nueva York para que se separaran de algunas de sus piezas por una suma considerable.

Es por ello que Walton, y posteriormente Crystal Bridges, pudieron adquirir obras como Copley & rsquos Sra. Theodore Atkinson (FIGURA 1)y Asher B. Durand & rsquos Espíritus afines (FIGURA 2)además de Daniel Rogers y todas las demás obras de la Colección Manoogian.

Como se analiza en detalle aquí, los museos de arte no tienen el compromiso de llevar crónicas históricas. Más bien, el objetivo de un museo de arte y rsquos es mostrar al público los mejores ejemplos de un determinado tipo de arte. Sería ridículo que Walton intentara crear una colección reconocida de arte estadounidense y no incluir al menos una pintura de John Singleton Copley. Ambos Daniel Rogers y Sra. Theodore Atkinson estuvieron en el museo para su exposición inaugural y son activos importantes para la colección Crystal Bridge & rsquos. Daniel Rogers se mostró originalmente junto a La familia Ramsay-Polk en Carpenter's Point, Cecil County, Maryland (FIG. 3), por James Peale, y Maíz y Melón (FIGURA 4), de Raphaelle Peale.

Al acumular su colección, Walton no pensó en los vínculos entre las obras. Quería encontrar múltiples buenos ejemplos de diferentes tipos de arte estadounidense y crear una colección extensa. Por esta razón es tan interesante que tanto Daniel Rogers y Señora. Theodore Atkinson están en la Colección Permanente Crystal Bridges. Es posible que las dos pinturas no parezcan conectadas al principio, sin embargo, un poco de conocimiento de Copley arroja mucha luz sobre este par. Copley solo pintó dos ardillas en toda su carrera: una con su hermano en Niño con una ardilla voladora y el otro con la Sra. Atkinson. La conexión de viaje entre Niño con una ardilla voladora y Daniel Rogers conecta así a esta última con la hermosa Sra. Atkinson y forma un pequeño triángulo de Copley entre Boston y Bentonville.


Cultivo

Propagación

Semilla:
Profundidad de la semilla: 1/2 y Prime
Espacio entre plantas: 12 y ndash24 y Prime
Espacio entre filas: 3 & ndash5 & prime
Temperatura del suelo de germinación: 65 y ndash90 y degF
Días de germinación: 5 y ndash10
Sembrar en interior: No recomendado ya que no se trasplantan bien. Si tiene una temporada de crecimiento corta, comience 4 & ndash6 semanas antes de la fecha promedio de la última helada, utilizando papel biodegradable o macetas compostables que se pueden plantar directamente después de quitar los fondos.
Sembrar al aire libre: 1 y 2 semanas después de la fecha promedio de la última helada.

Clima

Crece mejor en climas cálidos y ama los climas con veranos largos. Las temperaturas de 90 ° F y más darán como resultado la fruta más dulce. No tolera las heladas.

Luz

Artificial: Crece bien bajo lámparas HID. Necesita al menos 6 y 8 horas de luz al día; sin embargo, cuanto más, mejor.

Media creciente

Suelo: Prefiere suelos bien drenados, arenosos a arcillosos. Un pH entre 6.0 y 7.0 mantendrá los planes saludables y nutridos.

Sin suelo: comience las semillas en una mezcla sin suelo o lana mineral para permitir un fácil trasplante.

Hidroponía: prospera en una variedad de sistemas hidropónicos, incluidos NFT y sistemas basados ​​en medios. Utilice la perlita como medio de cultivo.

Aeroponía: prospera en sistemas aeropónicos.

Agua: Requiere niveles moderados a altos de agua al comienzo de su ciclo de vida y cantidades bajas durante la maduración. Apunta a 1 & ndash2 & Prime de agua por semana durante los períodos de crecimiento. Reduzca la cantidad drásticamente una vez que la fruta tenga un diámetro de 2 & ndash3 & Prime para evitar que las frutas se partan o tengan un sabor suave. Si las hojas parecen marchitas temprano en la mañana, riegue las plantas profundamente, pero no se preocupe por el marchitamiento del mediodía: esto es natural y no significa que sus vides tengan problemas. Utilice un sistema de goteo o agua con las manos con cuidado para evitar que las hojas se mojen.

Nutrientes: Requiere altos niveles de nutrientes. El melón necesita más fósforo y potasio que nitrógeno, lo que promovería el crecimiento de las hojas a expensas de la fructificación. Enmiende el suelo con estiércol o abono añejo antes de plantar.

Foliar: se beneficiará de una alimentación con té de compost o algas marinas líquidas cuando la fruta comience a formarse. El potasio foliar también ayudará a que las frutas sean más firmes y dulces. Un aerosol de bicarbonato de potasio y aceite de tomillo ayudará a reducir la enfermedad foliar.

Poda: Una vez que la fruta comience a formarse, pellizque los cogollos finales de la vid. Esto enviará la energía de la planta y rsquos directamente a la fruta en lugar de a un nuevo crecimiento vegetativo.

Mulching: Use un mantillo de heno o pasto para calentar el suelo, lo que le permitirá comenzar antes y extender su temporada de crecimiento. El mantillo también conservará la humedad del suelo y eliminará las malezas. Mantenga la fruta madura que crece en el suelo fuera del suelo usando un ladrillo o mantillo.

Soporte: Para espacios pequeños, las plantas se pueden cultivar verticalmente usando un enrejado. Sostenga la fruta con hondas si crece de esta manera. ¡Este método de cultivo es un éxito definitivo cuando se invitan amigos a visitarnos!

Solución de problemas

  • Pulgones
  • Loopers de repollo
  • Orugas
  • Escarabajos del pepino
  • Gusanos cortadores
  • Escarabajos pulgas
  • Nematodos
  • Barrenadores de calabaza
  • Chinches
  • Trips
  • Antracnosis
  • Marchitez bacteriana
  • Pudrición del carbón
  • Mildiú velloso
  • Marchitez por Fusarium
  • Tizón del tallo gomoso
  • Mancha foliar
  • Virus del mosaico
  • Mildiú polvoroso
  • Tizón del sur

Deficiencia (es): una deficiencia de potasio o fósforo provocará un crecimiento lento y rendimientos reducidos.

Plantas de rotación y compañeras

Rotación: Se recomienda una rotación de 3 o 4 años lejos de todas las plantas de la familia del pepino.

Compañeros: Crece bien con maíz y sandía. Puede dejar una tira de cultivo de cobertura de centeno entre las hileras para que sirva como bloqueador de viento. Evite las papas.

Cosecha y almacenamiento

Cosecha: Los melones madurados en la vid tendrán el mejor y más dulce sabor y, por lo general, estarán listos a mediados o finales del verano. Busque melones con piel amarilla, un aroma afrutado y una pequeña grieta en el tallo cerca de donde se adhiere a la fruta. Los zarcillos de vid comenzarán a morir y se secarán cuando la fruta esté lista. Corta la fruta de la vid con un cuchillo afilado. No espere hasta que los frutos se desprendan: en ese punto, probablemente estén demasiado maduros.

Almacenamiento: Almacene melones enteros a temperatura ambiente durante 5 y 7 días. Una vez cortado, guárdelo en el frigorífico cubierto de plástico durante 3 y 4 días. C

Otra información

Historia: Este melón fue cultivado en el condado de Anne Arundel, Maryland en la década de 1730, así como por Thomas Jefferson en sus jardines en Monticello. Fue un tema popular para las pinturas de la familia Peale, particularmente Raphaelle Peale, quien lo vio como un símbolo de la herencia de Maryland.

Otros usos: Los melones verdes del tamaño de un huevo se usaban a veces en el encurtido.


Resultados del precio de la subasta de Raphael Peale

Descripción: Raphaelle Peale (1774-1825), medio ambiente, escuela americana alrededor de 1800, retrato de un caballero de perfil, grafito, tiza coloreada, lavado con gouache, alrededor de 1800, sobre papel vergé más resistente, hoja con los bordes montados sobre bastidor de decoración, inscrito en el reverso con dedicación esto data de 1852: & # x27 & # x27 Graham. durante muchos años. El eminente rector de la escuela Waddington (?) Y anciano. al tío de la Asamblea General. del Reverendo Sr. Graham Newhaven 1852. & # x27 & # x27 La mencionada escuela Waddington se encuentra en Newhaven, Connecticut, 13,5 x 15 cm, 22,8 x 21,3 cm.

Casa de Subastas: Historia Auktionshaus

Lote 7183: Raphaelle Peale (1774-182

Fecha de subasta: Abril 04, 2020

Descripción: Raphaelle Peale (1774-1825), medio ambiente, escuela americana alrededor de 1800, retrato de un caballero de perfil, grafito, tiza coloreada, lavado con gouache, alrededor de 1800, sobre papel más resistente vergé, hoja con los bordes montados sobre bastidor de decoración, inscripciones en el reverso con dedicación esto data de 1852: & # x27 & # x27 Graham. durante muchos años. El eminente rector de la escuela Waddington (?) Y anciano. al tío de la Asamblea General. del Reverendo Sr. Graham Newhaven 1852. & # x27 & # x27 La mencionada escuela Waddington se encuentra en Newhaven, Connecticut, 13,5 x 15 cm, 22,8 x 21,3 cm.

Casa de Subastas: Historia Auktionshaus

Lote 7228: Raphaelle Peale (1774-182

Fecha de subasta: 09 de noviembre de 2019

Descripción: Raphaelle Peale (1774-1825), medio ambiente, escuela americana alrededor de 1800, retrato de un caballero de perfil, grafito, tiza coloreada, lavado con gouache, alrededor de 1800, sobre papel vergé más resistente, hoja con los bordes montados sobre bastidor de decoración, inscrito en el reverso con dedicación esto data de 1852: & # x27 & # x27 Graham. durante muchos años. El eminente rector de la escuela Waddington (?) Y anciano. al tío de la Asamblea General. del Reverendo Sr. Graham Newhaven 1852. & # x27 & # x27 La mencionada escuela Waddington se encuentra en Newhaven, Connecticut, 13,5 x 15 cm, 22,8 x 21,3 cm.

Casa de Subastas: Historia Auktionshaus

Lote 2: Raphaelle Peale Atribuido (1774 - 1825) Título: naranja y libro Medio: óleo sobre lienzo sobre panel / firmado Tamaño: 9 ″ x 12 3/8 ”22,9 cm x 31 cm (Venta de Ford Art Auctions DE 26 de mayo de 2019

Fecha de subasta: 26 de mayo de 2019

Descripción: Raphaelle Peale Atribuido (1774 - 1825) Título: naranja y libro Medio: óleo sobre lienzo colocado sobre panel / firmado Tamaño: 9? x 12 3/8 ”22,9 cm x 31 cm (Venta de Ford Art Auctions DE 26 de mayo de 2019.

Localización: Wilmington, DE, EE. UU.

Casa de Subastas: Subastas de arte Ford

Lote 441: ATRIBUIDO A RAPHAELLE PEALE (AMERICAN, 1774-1825) GEORGE SUMMERS (1768-1823) y LYDIA WRIGHT SUMMERS (1777-1852), CIRCA 1820 Óleo.

Fecha de subasta: 13 de abril de 2019

Estimar: $50,000 - $80,000

Descripción: ATRIBUIDO A RAPHAELLE PEALE (AMERICANA, 1774-1825)
GEORGE SUMMERS (1768-1823) y LYDIA WRIGHT SUMMERS (1777-1852), CIRCA 1820
Óleo sobre lienzo: el primero, 28 3/4 x 24 in. Y el segundo, 29 x 24 in.
Enmarcado (2)


Procedencia: George W. Summers y Mary A. Creswell, Richmond, Georgia Andrew Wright Summers y Cleo E. Dearing, Richmond, Georgia George Washington Summers y Bennie Johnson, Augusta, Georgia Arthur A. Colgan y Mary Creswell Summers George Robert Summers y Janet J. Jennings, Greenville, SC Richard A. Krueger y Mary C. Farley (quinta bisnieta de los asistentes), Fort Washington, MD Propietario actual, Colección privada Alexandria, VA, 1997
.

Localización: Alexandria, VA, Estados Unidos

Casa de Subastas: Compañía Potomack

Lote 94: Raphaelle Peale (1774-1825), retrato en miniatura de Clement Waltham (nacido en 1779) Condado de Harford, marzo

Fecha de subasta: 14 de nov. De 2018

Descripción: Raphaelle Peale (1774-1825)

Retrato en miniatura de Clement Waltham (nacido en 1779) en el condado de Harford, Mar

Yland
Firmado y fechado, & quotRP 1800, & quot, acuarela sobre marfil, marco de relicario dorado con pelo tejido y las iniciales doradas & quotCW & quot en la abertura trasera esmaltada.

Localización: Filadelfia, Pensilvania, EE. UU.

Casa de Subastas: Freeman & # x27s

Lote 101: Escuela americana del siglo XIX Posiblemente Raphaelle Peale (1774-1825), Retrato en miniatura de George Washington (1735-1799) en militar u.

Fecha de subasta: 26 de abril de 2017

Descripción: Escuela americana del siglo XIX.
Posiblemente Raphaelle Peale (1774-1825)

Miniatura retrato de George Washington (1735-1799) en uniforme militar

Acuarela sobre papel, lote de marco de plata esterlina acompañado de un marco tallado en dorado anterior con placa, & quotFrom Life por James Peale 1795. & quot.

Colección privada, Filadelfia.
Sotheby & # x27 & # x27s, Nueva York, Venta 6269: Fine Americana, 23-25 ​​de enero de 1992, Lote 211.
Sra. Samuel F. Houston, Filadelfia.
Sr. H.H. Houston, Filadelfia. .

Localización: Filadelfia, Pensilvania, EE. UU.

Casa de Subastas: Freeman & # x27s

Lote 1072: RETRATO DE GEORGE WASHINGTON DESPUÉS DE RAPHAELLE PEALE (AMERICAN, 1774-1825).

Fecha de subasta: 01 de abril de 2016

Descripción: RETRATO DE GEORGE WASHINGTON DESPUÉS DE RAPHAELLE PEALE (AMERICAN, 1774-1825).
Óleo a bordo, sin firmar. Réplica del siglo XX del retrato de Washington & # x27 en uniforme militar. En un marco ornamentado, 19.25 & quoth. 17.25 "w. en general. .

Localización: Columbus, OH, EE. UU.

Casa de Subastas: Garth & # x27s subastadores y tasadores de amplificadores

Lote 339: RETRATO DE GEORGE WASHINGTON DESPUÉS DE RAPHAELLE PEALE (AMERICAN, 1774-1825).

Fecha de subasta: 16 de enero de 2016

Descripción: RETRATO DE GEORGE WASHINGTON DESPUÉS DE RAPHAELLE PEALE (AMERICAN, 1774-1825).
Óleo a bordo, sin firmar. Réplica del siglo XX del retrato de Washington & # x27 en uniforme militar. En un marco ornamentado, 19.25 & quoth. 17.25 "w. en general. .

Localización: Columbus, OH, EE. UU.

Casa de Subastas: Garth & # x27s subastadores y tasadores de amplificadores

Lote 123: Atribuido a Raphaelle Peale (1774-1825), retrato en miniatura de george reinicker, junr (1785-1805)

Fecha de subasta: 12 de noviembre de 2014

Descripción: Atribuido a Raphaelle Peale (1774-1825)

retrato en miniatura de george reinicker, junr (1785-1805)

Inscrito en el reverso, & quot; George Reinicker Junr, que nació el 21 de abril de 1785 y murió el 10 de septiembre de 1805; tenía veinte años, cuatro meses y diecinueve días, John Reinicker & quot; una inscripción manuscrita adicional en la parte posterior del marco, & quot; Este Likenefs tomado el 27 de marzo , 1805 en Filadelfia, & quot acuarela y tinta sobre papel, marco original.

Christie & # x27s Nueva York, 28 de septiembre de 1999, lote 1.
Lleva etiquetas adicionales: Colección Ron Hoffman y Tony Gampetro y
Chieffo 2005296..

Localización: Filadelfia, Pensilvania, EE. UU.

Casa de Subastas: Freeman & # x27s

Lote 815: RAPHAELLE PEALE (MARYLAND, 1774-1825) RETRATO EN MINIATURA

Fecha de subasta: 22 de junio de 2013

Descripción: RAPHAELLE PEALE (MARYLAND, 1774-1825) RETRATO EN MINIATURA, acuarela sobre marfil, que representa a un caballero no identificado con una chaqueta de color marrón oscuro, firmado & quotRP / 1801 & quot a la izquierda de su hombro, encerrado en un marco de medallón de oro con un monograma inicial visible sobre el cabello tejido en el reverso, estuche de cuero rojo ajustado. .

Localización: Mt. Crawford, VA, EE. UU.

Casa de Subastas: Jeffrey S. Evans y amp Associates

Lote 52: Raphaelle Peale (1774-1825)

Fecha de subasta: 23 de mayo de 2013

Descripción: Raphaelle Peale (1774-1825) Naranja y libro firmado e inscrito & # x27Pintado para el reverendo Dr. Abercrombie, por Raphaelle Peale & # x27 (a lo largo del borde inferior) óleo sobre panel de 9 x 13 pulgadas (22,9 x 33 cm.) Pintado alrededor de 1817..

Localización: Nueva York, NY, EE. UU.

Casa de Subastas: Christie & # x27s

Lote 101: RAPHAELLE PEALE 1774-1825

Fecha de subasta: 19 de mayo de 2011

Estimar: $250,000 - $350,000

Descripción: RAPHAELLE PEALE 1774-1825 FRUTAS, NUECES Y UVAS Óleo sobre panel 17,8 por 22,9 cm (7 por 9 pulgadas) Pintado alrededor de 1818..

Localización: Nueva York, NY, EE. UU.

Casa de Subastas: Sotheby & # x27s

Lote 66: Raphaelle Peale (1774-1825)

Fecha de subasta: 02 de diciembre de 2009

Estimar: $300,000 - $500,000

Descripción: Raphaelle Peale (1774-1825)
Naturaleza muerta
firmado y fechado & # x27Raphaelle Peale Feby 22.1815 / Philadelphia & # x27 (abajo a la derecha)
óleo sobre tabla
25,4 x 38,1 cm (10 x 15 pulg.)
.

Localización: Nueva York, NY, EE. UU.

Casa de Subastas: Christie & # x27s

Lote 774: Raphaelle Peale (1774-1825), retrato en miniatura de alexander tod (1738-1811), firmado & quotRaphaelle Peale 1809 & quot, acuarela sobre marfil, oro

Fecha de subasta: 15 de noviembre de 2009

Descripción: Raphaelle Peale (1774-1825)

retrato en miniatura de alexander tod (1738-1811)

Firmado & quotRaphaelle Peale 1809 & quot, acuarela sobre marfil, marco de medallón de oro grabado en el reverso, & quot Alexander Tod 1738-1811, Mercader, Juez, Concejal de Filadelfia & quot.

Alexander Tod era el suegro del Dr. John Conrad Otto (ver lote 774). Descendió en la familia hasta el propietario actual. .

Localización: Filadelfia, Pensilvania, EE. UU.

Casa de Subastas: Freeman & # x27s

Lote 57: RAPHAELLE PEALE (atribuido) Estadounidense (1774-1825) Bodegón con óleo de limones y uvas sobre tabla, sin firmar.

Fecha de subasta: 30 de abril de 2009

Estimar: $8,000 - $12,000

Descripción: RAPHAELLE PEALE (atribuido)
Estadounidense (1774-1825)
Bodegón con limones y uvas
óleo sobre tabla, sin firmar.
6 x 10 3/4.

Localización: Milford, CT, Estados Unidos

Casa de Subastas: Shannon & # x27s

Lote 512: Atribuido a Raphaelle Peale (Americano, 1774-1825) Bodegón con duraznos, vino y tarro de galletas R.

Fecha de subasta: 07 de marzo de 2008

Descripción: Atribuido a Raphaelle Peale (Americano, 1774-1825)

Bodegón con duraznos, vino y tarro de galletas
No firmado.
Óleo sobre lienzo, 9 1/8 x 13 pulg. (23,2 x 33,0 cm), enmarcado.
Estado: Varios pequeños pinchazos reparados, retoque disperso, craquelado. .

Localización: Boston, MA, EE. UU.

Casa de Subastas: Desollador

Lote 91: Maíz y Melón

Fecha de subasta: 29 de noviembre de 2007

Estimar: $700,000 - $1,000,000

Descripción: Raphaelle Peale (1774-1825)
Maíz y Melón
óleo sobre tabla
14½ x 19½ pulg. (36,8 x 49,6 cm.)
.

Localización: Nueva York, NY, EE. UU.

Casa de Subastas: Christie & # x27s

Lote 186: Raphaelle Peale 1774-1825, aceite de grosellas y galletas a bordo

Fecha de subasta: 28 de noviembre de 2007

Estimar: $300,000 - $500,000

Descripción: inscrito Peale y fechado indistintamente en 1813, l.r. aceite a bordo .

Localización: Nueva York, NY, EE. UU.

Casa de Subastas: Sotheby & # x27s

Lote 310: Raphaelle Peale (Estadounidense, 1774-1825) Un joven caballero, vestido con abrigo negro, chaleco a rayas azul y blanco, camisola con volantes y culata atada

Fecha de subasta: 21 de noviembre de 2007

Localización: Londres, LDN, Reino Unido

Casa de Subastas: Bonhams

Lote 188: RAPHAELLE PEALE 1774-1825

Fecha de subasta: 07 de octubre de 2006

Descripción: PAREJA DE RETRATOS EN MINIATURA SOBRE MARFIL: LYMAN SPALDING, MD Y SRA. ELIZABETH SPALDING

PAREJA DE RETRATOS EN MINIATURA SOBRE MARFIL: LYMAN SPALDING, MD Y SRA. ELIZABETH SPALDING

Cada uno montado en marcos de oro laminado (oro sobre cobre) con marcos de medallón de bisel liso. El retrato del Dr. Spalding que encierra una trenza de cabello castaño claro grabada, Lyman Spalding M.D. de Portsmouth, N.H. y la ciudad de Nueva York. Nacido el 5 de junio de 1775 / Fallecido el 30 de octubre de 1821. Pintado por Rembrandt Peale.
El retrato de la Sra. Spalding grabado, Sra. Elizabeth Spalding, hija de Peter Coues de Portsmouth, N.H. y esposa de Lyman Spalding, M.D. Nacida el 16 de diciembre de 1779. Murió el 2 de junio de 1838. Pintado por Rembrandt Peale Filadelfia febrero de 1810.

Raphaelle Peale era el hijo mayor de Charles Willson Peale. Raphaelle fue aprendiz en el estudio de su padre y aprendió a pintar en miniatura bajo la instrucción de James Peale, su tío. Después de hacerse cargo del estudio de retratos de su padre con su hermano Rembrandt, Raphaelle pintó miniaturas y Rembrandt las obras a tamaño completo. No hay miniaturas registradas de Rembrandt, lo que sugiere que el grabado en las carcasas que identifica a Rembrandt como el pintor de estas dos miniaturas de Lyman Spalding, realizado después de la creación real de las pinturas, es erróneo.

Lyman Spalding nació en Cornish, New Hampshire, el 5 de junio de 1775 murió en Portsmouth, New Hampshire, el 30 de octubre de 1821. Se graduó en la Facultad de Medicina de Harvard, con el título de MD, en 1797. En 1798, cuando todavía era estudiante, ayudó al profesor Nathan Smith a establecer la escuela de medicina en Dartmouth. Recibió el grado de M.D. por Dartmouth en 1804 y Harvard en 1811. El 9 de octubre de 1802, el Dr. Spalding se casó con Elizabeth Coues (1779-1838), hija de Peter y Elizabeth (Jackson) Coues de Portsmouth. En 1813, se mudó a la ciudad de Nueva York. El Dr. Spalding participó activamente en la introducción en los Estados Unidos de la práctica de la vacunación como preventivo de la viruela. Fue administrador de las únicas escuelas gratuitas que poseía Nueva York y ayudó en el establecimiento de las primeras escuelas dominicales en Nueva York. (Extraído de Appletons Encyclopedia, 2001).

Localización: Nueva York, NY, EE. UU.

Casa de Subastas: Sotheby & # x27s

Lote 187: Raphaelle Peale (1774-1825)

Fecha de subasta: 23 de mayo de 2006

Estimar: $15,000 - $25,000

Descripción: Retrato de Henry Lunt, Jr., circa 1805
Junto con el marco con bisagras de cuero negro marroquí original y dos mechones de cabello
acuarela, tinta y grafito sobre papel
5 1/2 x 4 1/2 pulg.
El marco forrado con un documento que dice Mem & # x27 6 de octubre de 1852. Esto fue tomado en Filadelfia 1805 por un Peale más joven cuando yo tenía 29 años. El padre de Peales, un célebre pintor de miniaturas en el año 1781 en Filadelfia. dejando el servicio continental bajo el mando del Chevalier Paul Jones y luego del barco Ariel - Peale pintó también una miniatura de Jones aproximadamente en la misma época de la que se han tomado varias copias de otros artistas - En el momento en que se tomó la miniatura de mi padre, estaba solo 26 años de edad - Hay documentos satisfactorios que demuestran que mi padre, como oficial, era un gran favorito de Jones & # x27s. - H. Lunt. .

Localización: Nueva York, NY, EE. UU.

Casa de Subastas: Christie & # x27s

Lote 110: Raphael Peale (1774-1825)

Fecha de subasta: 19 de noviembre de 2005

Descripción: Raphael Peale (1774-1825) retrato en miniatura de un caballero pelirrojo Unsigned, acuarela sobre marfil, estuche dorado con cabello, perlas y las iniciales & quotM D & quot en la parte posterior. 2 3/4 pulg. X 2 pulg.

Localización: Filadelfia, Pensilvania, EE. UU.

Casa de Subastas: Freeman & # x27s

Lote 20: Raphaelle Peale (1774-1825)

Fecha de subasta: 05 de diciembre de 2002

Estimar: $800,000 - $1,200,000

Descripción: Bodegón con licor y fruta firmado y fechado & # x27Raphaelle Peale agosto de 1814 & # x27 (abajo a la derecha) óleo sobre tabla 131/4 x 191/4 pulg. (33,7 x 48,9 cm) PROCEDENCIA Juliana Force, Nueva York, circa 1920 . Whitney Museum of American Art, Nueva York, septiembre de 1932. Sr. Cornelius Vanderbilt Whitney, alrededor de los años 40, Nueva York. Por descendencia en la familia hasta el actual propietario. EXPOSICIÓN San Francisco, California, M.H. Museo de Young, Pintura Americana, 1935, no. 184 Pittsburgh, Pennsylvania, The Carnegie Institute, Survey of American Painting, 24 de octubre al 15 de diciembre de 1940, no. 122 Washington, D.C., Galería Nacional de Arte, Raphaelle Peale Still Lifes, 16 de octubre de 1988-29 de enero de 1989, no. 53, pág. 66, ilustrado (Esta exposición también viajó a Filadelfia, Pensilvania, Academia de Bellas Artes de Pensilvania) NOTAS Como uno de los primeros artistas en Estados Unidos en centrarse exclusivamente en naturalezas muertas, Raphaelle Peale es posiblemente el pintor más fino e importante de este género en la historia de la nación. En un período en el que los retratos por encargo eran la base para los artistas que trabajaban en Estados Unidos, solo dos miembros de la estimada familia Peale se dedicaron a la pintura de bodegones en serio: Raphaelle y su tío, James Peale. Fue bajo sus auspicios que Filadelfia se convirtió en el centro de la pintura de naturaleza muerta a principios del siglo XIX. Peale comenzó a exhibir sus pinturas en la exposición Columbianum de 1795, intentando ganarse la vida en el respetado área del retrato. Finalmente, cambió su interés por la pintura de naturalezas muertas y los registros muestran que en 1813, Peale exhibió una gran cantidad de naturalezas muertas por primera vez en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, donde sus pinturas ganaron elogios de la crítica. Con la excepción de 1820 y 1821, las pinturas de Peale & # x27 se exhibieron en la Academia todos los años siguientes hasta su muerte. Naturaleza muerta con licor y fruta demuestra la forma resuelta en que Peale realizó su arte, con gran atención al detalle y la sensibilidad de la composición. En el presente trabajo, Peale coloca los objetos directamente sobre una mesa desnuda, un dispositivo compositivo tomado de James. El tablero de la mesa es paralelo al plano de la imagen donde el espectador puede contemplar el orden formal de la composición y la perfecta meticulosidad de la forma. Como en la mayoría de las pinturas del artista, los elementos de la naturaleza muerta se iluminan desde la izquierda. La luz se captura sin problemas aquí en el decantador y el vidrio estriado. Peale capturó los reflejos con precisión que rara vez se encuentra en la pintura de naturaleza muerta estadounidense según William H. Gerdts, esta luminiscencia le da a la cristalería una transparencia que recuerda a Caravaggio. Afirma: “Al pintar vidrio, el artista se deleita con la oportunidad de demostrar un virtuosismo que no ofrecen los objetos más opacos. la iluminación suele ser lo que se ha denominado del tipo & # x27Peale & # x27, es decir, en el fondo la luz fluye de derecha a izquierda, mientras que una luz rasante incide en los objetos del primer plano de izquierda a derecha. Aunque esta disposición de iluminación rara vez se encuentra en la naturaleza, permite al artista mostrar tanta textura y línea como sea posible. Hay poco & # x27descuido estudiado & # x27 en el trabajo de cualquiera de los Peales, pero específicamente en el trabajo de James y Raphaelle hay una quietud casi surrealista. & quot (American Still Life Painting, Nueva York, 1971, p. 31) Raphaelle Peale tuvo una vida relativamente corta, pero se las arregló para producir un cuerpo de bodegones que rara vez ha sido igualado en sensibilidad de composición. Nicolai Cikovsky, Jr. escribe: & quot. de todos los Peales, era el artista más verdadero y más grande. Tenía la mejor sensibilidad e inteligencia artísticas y, a pesar de su falta de confianza en sí mismo y ambición, era artísticamente el más atrevido. Al final, su arte también tuvo la influencia más duradera. & Quot (Raphaelle Peale Still Lifes, Washington, D.C., 1988, p. 33) Cikovsky comenta sobre las obras existentes del artista: & quot. Por difícil que sea creerlo de cuadros de tal delicadeza y reticencia o de un artista de ambición aparentemente tan modesta, parecen haber abordado las cuestiones artísticas de su época de manera más inteligente, sutil y, ciertamente, en términos de su calidad, con más éxito que el trabajo de cualquiera de sus contemporáneos. '' (Raphaelle Peale Still Lifes, p.54) Se ha estimado que Raphaelle Peale pudo haber pintado hasta ciento cincuenta naturalezas muertas, de las cuales aproximadamente cincuenta ha sobrevivido. Es esta rareza combinada con el detalle exquisito y la sensibilidad de la composición lo que hace de Naturaleza muerta con licor y frutas un verdadero tour de force de la pintura de bodegones estadounidense del siglo XIX. .

Localización: Nueva York, NY, EE. UU.

Casa de Subastas: Christie & # x27s

Lote 135: * RAPHAELLE PEALE (1774-1825)

Fecha de subasta: 22 de mayo de 2002

Estimar: $700,000 - $1,000,000

Descripción: firmado Raphaelle Peale y fechado el 24 de diciembre de 1821, l.r. óleo sobre tabla Nacido en Filadelfia en 1774, Raphaelle Peale fue el hijo mayor sobreviviente de Charles Willson Peale, el patriarca de la gran familia de Pensilvania que incluía a algunos de los artistas estadounidenses más célebres de finales del siglo XVIII y principios del XIX. Con su interés en el arte, la ciencia y la filosofía, Charles Willson Peale encarnó los ideales de la Ilustración y crió a sus hijos en una casa rebosante de su colección de `` curiosidades naturales ''. En 1786, abrió parte de la casa al público y se hizo conocido como & quotPeale & # x27s Museum & quot (más tarde & quot; El Museo de Filadelfia & quot). Según Linda Bantel, & quot; una predilección por el arte y la naturaleza estaba imbuida en toda la progenie de Charles Willson Peale & # x27s. A los niños se les enseñó los rudimentos de la pintura y también se les inculcó el entusiasmo científico y filosófico de su padre. & quot. . . La influencia del museo y de Charles Willson Peale en Raphaelle fue considerable. En su juventud, Raphaelle viajó con su padre en viajes de pintura y lo ayudó en el museo recolectando y preservando especímenes y arreglando hábitats. Pintó escenas de fondo para los hábitats con hojas, follaje o insectos, reproduciendo el ambiente típico en el que habitaban los animales '' (Nicolai Cikovsky, Jr.et al., Raphaelle Peale Still Lifes, Washington, DC, National Gallery of Art, 1988, pág.16). Cuando llegó a los veinte años, el interés inicial de Raphaelle por retratar los detalles minuciosos de la flora y fauna del museo se había convertido en una fascinación por la pintura de bodegones. Su predilección por la naturaleza muerta era notable en ese momento, dado que la jerarquía tradicional europea de temas, que el nuevo mundo había heredado del antiguo, colocaba a la naturaleza muerta en el último lugar en importancia artística detrás de la mitología, la religión, la historia, el retrato y la pintura de paisajes. . Desafiando los deseos de su padre y a pesar de la opinión pública generalmente aceptada, Raphaelle Peale se convirtió en el primer pintor de bodegones profesional de Estados Unidos, y la pintura actual es un ejemplo exquisito y recién descubierto de su trabajo. Si hubiera nacido en Europa, los bodegones de Raphaelle Peale & # x27 probablemente se hubieran exhibido raramente y pronto se hubieran olvidado. En Estados Unidos, sin embargo, ya en 1795 Raphaelle Peale exhibió cinco retratos y siete naturalezas muertas en la exposición Columbianum en Filadelfia, y continuó exhibiendo naturalezas muertas con regularidad en las exposiciones anuales de la Academia de Bellas Artes de Pensilvania a partir de 1811. Estos Las exposiciones anuales proporcionaban un lugar para que los artistas exhibieran su trabajo y un escenario desde el cual podía surgir una nueva jerarquía artística, que reflejaba los gustos, intereses y valores de la nueva nación estadounidense. Un crítico contemporáneo de la exposición de la Academia de Pensilvania de 1813 comentó sobre las presentaciones de Raphaelle Peale & # x27s: "Antes de nuestra exposición anual, este artista era poco conocido. El año pasado expuso dos cuadros de naturaleza muerta, que merecidamente llamaron la atención del público y fueron muy apreciados por los mejores jueces. Estamos muy agradecidos de descubrir que ha dirigido su talento a una rama de las artes en la que parece estar tan bien preparado para sobresalir. . . . Raphael [sic] Peale ha demostrado talentos tan trascendentes en temas de naturaleza muerta, que con la debida atención y aliento, en nuestra opinión, rivalizará con los primeros artistas, antiguos o modernos, en ese departamento de pintura. . . & quot (George Murray, & quot; Revisión de la tercera exposición anual de la Sociedad Colombina de Artistas y la Academia de Bellas Artes de Pensilvania & quot; The Port Folio, 2, agosto de 1813). La devoción de Raphaelle Peale por la naturaleza muerta causó mucha consternación a su padre, y Charles Willson Peale exhortó a su hijo a dedicarse a la categoría de retratos más respetada con la misma dedicación. Al escribirle a Raphaelle desde su casa de campo en las afueras de Filadelfia el 15 de noviembre de 1817, Charles Willson Peale le instó: "Conozco bien tus talentos y estoy completamente seguro de que si te aplicas [tu] como deberías, serías el primer pintor En América. . . Sus cuadros de naturaleza muerta son reconocidos, incluso por los Pintores de aquí, por mucho más que todas las demás obras de ese tipo, y a menudo me han escuchado decir que pensé que con tal talento de imitación exacta sus retratos deberían ser más excelentes. - Mi querido Raph. entonces, ¿por qué se descuidará usted mismo? ”(Biblioteca de la Sociedad Filosófica Estadounidense, Filadelfia, Pensilvania). Esta ruptura entre el artista y su padre se vio agravada por el infeliz matrimonio de Raphaelle con Patty McGlatherly, que se había llevado a cabo a pesar de la desaprobación de la familia Peale y por su alcoholismo debilitante. También padecía gota que le impedía emprender los viajes necesarios para cumplir con los encargos de retratos. Charles Willson Peale no abandonó a su hijo, sin embargo, y cuando Raphaelle se vio incapaz de mantener a su esposa y sus seis hijos, su padre trató de ayudarlo comprando sus pinturas y enviándole dinero directamente. A pesar de su frustración con Raphaelle, Charles Willson Peale reconoció tácitamente la preferencia de su hijo en su Retrato de Raphaelle Peale de 1817 (Colección privada), que muestra a su hijo mayor sentado en su caballete con una paleta y pinceles en la mano y un bodegón colgando. en el fondo. Nicolai Cikovsky Jr.escribe: "Raphaelle fue profesional y personalmente una decepción para su padre. Sin embargo, de todos los Peales, fue el artista más verdadero y más grande. Tenía la mejor sensibilidad e inteligencia artísticas y, a pesar de su falta de confianza en sí mismo y ambición, era artísticamente el más atrevido. Al final, su arte también tuvo la influencia más duradera '' (p. 33). De hecho, la adhesión voluntaria de Raphaelle Peale a la pintura de bodegones ayudó a allanar el camino para una tradición de bodegones estadounidense. Sus impresionantes poderes de representación ilusionista y la aclamación de la crítica que recibieron sus obras animaron a una nueva generación de artistas estadounidenses a dedicarse a temas de naturaleza muerta y efectos de trampantojo. Se ha estimado que Raphaelle Peale completó aproximadamente 150 naturalezas muertas, de las cuales unas 50 han sobrevivido. Entre los pocos ejemplos preciosos que quedan se encuentran obras maestras de la pintura de naturaleza muerta estadounidense y documentos históricos que registran explícitamente los logros culinarios y hortícolas de Filadelfia de principios del siglo XIX, al tiempo que implican, a través de su representación de delicias costosas, porcelana fina, cristalería y otros lujos refinados. , los logros económicos y culturales de esa ciudad y de la nación estadounidense en general. Los elementos de la pintura actual, identificados por la Dra. Phoebe Lloyd como la manzana, las avellanas, las grosellas, los pasteles de la duodécima noche y las hojas de laurel de canela favoritos de Washington & # x27, se representan con la precisión de un científico, lo que da fe del extraordinario de Raphaelle & # x27s. talento para & quot; imitación exacta & quot ;, que incluso Charles Willson Peale reconoció en su hijo. .

Localización: Nueva York, NY, EE. UU.

Casa de Subastas: Sotheby & # x27s

Lote 156: RAPHAELLE PEALE (1774-1825) *

Fecha de subasta: 15 de enero de 1999

Descripción: Peale, Raphaelle Un militar mirando a la derecha con chaqueta azul celeste con botones color crema, chaleco a juego, corbata blanca con volantes anudada y cabello empolvado con acuarela sobre marfil 1.7 / 8 x 1.3 / 8in. NOTAS Raphaelle Peale, el mayor de los prolíficos niños, trabajó como artista de retratos y miniaturista. Además de esto, ayudó a su padre en la gestión del Museo Peale en Filadelfia, y entre 1797 y 1800 dirigió, con su hermano Rembrandt, el Museo Peale en Baltimore. .

Localización: Nueva York, NY, EE. UU.

Casa de Subastas: Christie & # x27s

Lote 124: * Raphaelle Peale (1774-1825)

Fecha de subasta: 03 de diciembre de 1998

Estimar: $300,000 - $500,000

Descripción: naturaleza muerta con sandía firmado Raphaelle Peale y fechado Septr. 25 de 1821, l.r. también inscribió al Sr. Bringhurst en el reverso al óleo del panel 13 por 19 1/2 pulgadas (33 por 49,5 cm.) Como se ha señalado a menudo, la familia Peale compartía una predilección especial por el engaño ilusionista y el artificio en su pintura. Solo dos miembros de la familia tomaron en serio la pintura de naturalezas muertas, Raphaelle y su tío James, y bajo sus auspicios Filadelfia se convirtió en el centro de la pintura de naturaleza muerta a principios del siglo XIX. Aunque es más joven que su tío, Raphelle es considerado el primer pintor de bodegones estadounidense profesional. Nicolai Cikovsky, Jr.escribe: `` La elección de pintar naturaleza muerta alrededor de 1800 con la seriedad y el sentido de la vocación (el grado de conciencia profesional y el nivel de aptitud pictórica) que Raphaelle Peale evidentemente aportó al tema tuvo la calidad y el efecto de un revolucionario. actuar. Fue una inversión radical deliberada, relativamente repentina, del orden artístico en la que un tema relegado durante mucho tiempo al final de la escala artística fue elevado a lo más alto '' (Raphaelle Peale Still Lifes, Washington, D.C., 1988, p. 56). Naturaleza muerta con sandía es un ejemplo característico de las naturalezas muertas que Peale pintó a lo largo de su carrera. Las composiciones del artista incluyen frutas y otros objetos comestibles, a menudo dispuestos en un plato o en un recipiente poco profundo, que a su vez se coloca en una repisa. De vez en cuando, Peale usaba un cuchillo o una cuchara que descansaba en ángulo con el plano de la imagen como un dispositivo para atraer al espectador hacia la imagen.El cuchillo con mango de marfil que se muestra en el presente trabajo se encontró en muchos bodegones de frutas de la familia Peale. Procedencia: Alexander Gallery, Nueva York. Adquirida de lo anterior, 1980..

Localización: Nueva York, NY, EE. UU.

Casa de Subastas: Sotheby & # x27s

Lote 211: Raphaelle Peale

Fecha de subasta: 22 de abril de 1998

Localización: Nueva York, NY, EE. UU.

Casa de Subastas: Doyle Nueva York

Lote 113: PEALE, Raphaelle (attrib) (1774-1825, estadounidense)

Fecha de subasta: 01 de noviembre de 1997

Descripción: Retrato de caballero, miniatura de marfil (? X3in). .

Localización: Portsmouth, Nueva Hampshire, Estados Unidos

Casa de Subastas: Anticuarios de Bourgeault-Horan

Lote 937: PEALE, Raphaelle (attrib) (1774-1825, estadounidense)

Fecha de subasta: 01 de agosto de 1996

Descripción: Retrato del Sr. y la Sra. Gillespie de Filadelfia Pintura al óleo (24x29 pulgadas). .

Localización: East Dennis, MA, Estados Unidos

Casa de Subastas: Eldred & # x27s

Lote 82: PEALE, Raphaelle (1774-1825, estadounidense)

Fecha de subasta: 22 de mayo de 1996

Descripción: Limón y uvas, s.d. de octubre de 1818 panel Pintura al óleo (17x13in). .

Localización: Nueva York, NY, EE. UU.

Casa de Subastas: Sotheby & # x27s

Lote 162: PEALE, Raphaelle (1774-1825, estadounidense)

Fecha de subasta: 08 de diciembre de 1995

Descripción: Caballero con patillas, min. s. Marco de oro marfil, vidrio de cobalto y perlas de semillas con cabello en versión ovalada en miniatura (2x3in). .

Localización: Nueva Orleans, LA, EE. UU.

Casa de Subastas: Compañía de subastas Neal

Lote 69: RAPHAELLE PEALE (AMERICAN, 1774-1825) & quot A TODAVÍA VIDA-CARNE Y COL & quot

Fecha de subasta: 11 de noviembre de 1994

Descripción: Firmado y fechado & quotRaphaelle Peale Phila - Mayo de 1816 & quot l.r. Óleo sobre tabla, 45,7 x 62,2 cm. (18 x 24 1/2 pulg.), Enmarcado. ESTADO Bueno, pérdida menor. NB: El trabajo que se presenta aquí es probablemente & quot; Still Life - Beef and Cabbage & quot; que se exhibió en la Sexta Exposición Anual de la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, 1817, número de catálogo 85. Agradecemos a Lillian B. Miller, Historiadora de la Cultura Estadounidense y editora, The Peale Family Papers, por su ayuda en la catalogación de esta pieza. .

Localización: Bolton, MA, EE. UU.

Casa de Subastas: Desollador

Lote 4: ATRIBUIDO A JAMES PEALE (1749-1831) O RAPHAELLE PEALE (1774-1825)

Fecha de subasta: 23 de septiembre de 1992

Estimar: $10,000 - $15,000

Descripción: Naturaleza muerta con melocotones y uvas firmado indistintamente *** Peale e inscrito indistintamente en el reverso - - óleo sobre lienzo - - sin marco ERRATA de 13 1/2 x 19 3/4 in (34,4 x 50,4 cm.) Lote 4: Firmado Indistintamente *** Peale, abajo a la izquierda, no abajo a la derecha. .

Localización: Nueva York, NY, EE. UU.

Casa de Subastas: Christie & # x27s

Lote 5: RAPHAELLE PEALE (1774-1825)

Fecha de subasta: 23 de septiembre de 1992

Estimar: $10,000 - $15,000

Descripción: Retrato de Artemas Ward firmado Raphaelle Peale, fechado en 1795 e inscrito pinxt, c.l. - - óleo sobre lienzo 65,5 x 56 cm. (25 3/4 x 22 pulgadas) A finales de 1794 o principios de 1795, Charles Willson Peale recibió el encargo de pintar un retrato del héroe de guerra revolucionario General Artemas Ward. Este retrato destacó la notable participación de Ward en la milicia y el gobierno durante la formación de los Estados. Aunque sus logros fueron muchos y variados, Ward es particularmente bien recordado por su participación en las batallas de Fort Ticonderoga y Bunker Hill, así como por su elección para los dos primeros mandatos del Congreso en Filadelfia. Charles Willson Peale & # x27s retrato de Ward ahora cuelga en el Parque Histórico Nacional Independence en Filadelfia, Pensilvania. El ejemplo actual, pintado por Raphaelle Peale en 1795, se terminó en un momento en que tanto él como su hermano Rembrandt estaban realizando retratos de la vida al lado de su padre. Sin embargo, parece probable que este trabajo fuera una réplica del conocido retrato de su padre hecho por Raphaelle para regalar a la familia del general Ward. De hecho, Raphaelle ejecutó otra versión de este retrato para llevarlo consigo para exhibirlo en Charleston, Savannah, Baltimore y Nueva York más tarde ese año. La versión de exhibición se encuentra ahora en la colección de Artemas Ward House en Shrewsbury, Massachusetts, que es mantenida por la Universidad de Harvard. El lote va acompañado de una carta fechada el 11 de febrero de 1992 de Lillian Miller de los papeles de la familia Peale en la Galería Nacional de Retratos del Smithsonian en Washington. .

Localización: Nueva York, NY, EE. UU.

Casa de Subastas: Christie & # x27s

Lote 211: PEALE, RAPHAELLE (ATRIB.) (1774-1825)

Fecha de subasta: 23 de enero de 1992

Descripción: Retrato de George Washington en miniatura de 4 pulgadas (10,6 cm). .


El museo Meet and Greet

SIETE AÑOS ES mucho tiempo para enfurecerse por el poder cultural de las nuevas riquezas. Pero esa ha sido la reacción de muchos en el mundo del arte desde que Alice Walton, la principal heredera de la fortuna de Walmart y, por lo tanto, una de las personas más ricas del planeta, gastó la asombrosa cantidad de 35 millones de dólares para la pintura de Asher B. Durand de 1849. Espíritus afines (una vista distante del artista Thomas Cole y el poeta William Cullen Bryant en una cornisa alta en las montañas Catskill) y luego la llevó desde las paredes de la Biblioteca Pública de Nueva York hasta las estribaciones de Ozark. Fue la volea inicial en su campaña del siglo XXI enfrentando al Sur contra el Norte, popular contra los valores de élite.

Walton (n. 1949), hija del fundador de Walmart, es una anomalía: una jinete consumada, que generalmente no se codea con expertos artísticos en ninguna de las costas, y sus bolsillos permanecen profundos mientras la economía global se encuentra en una situación volátil, incluso hemorrágica. condición. (En 2011, Forbes la incluyó como número 21 en una lista de las personas más ricas del mundo, con un patrimonio neto estimado de $ 20,9 mil millones.1) Además, hasta que su Museo de Arte Estadounidense Crystal Bridges debutó con gran fanfarria en Bentonville, Ark., el 1 de noviembre. El 11 de noviembre de 2011, pocas personas conocían el alcance o el tamaño del tesoro que había estado recolectando. El secreto y el estatus de intruso de Walton irritaban a los conocedores del mundo del arte, y los críticos recurrieron a la especulación, las insinuaciones y la 'narcosidad', según David Houston, director curatorial del museo.2 Sin embargo, Walton no es completamente desconocido en los círculos artísticos. : ha sido miembro de las juntas directivas del Museo Amon Carter en Fort Worth y de la Galería Nacional de Arte en Washington, DC

En retrospectiva, Sandy Edwards, subdirectora de relaciones con los museos en Crystal Bridges, reconoce que la negativa del museo a revelar sus posesiones por adelantado expuso la empresa a un ataque. Pero los administradores decidieron no divulgar la información en forma irregular porque, argumenta, & # 8220 & # 8217 es difícil hablar sobre una colección que & # 8217s & lsquobecoming. & # 82213 el paño para la revelación & mdashvoil & agrave! & # 8221 dice Houston. Ahora que la instalación de 217,000 pies cuadrados está abierta, con una exhibición inaugural de unas 400 de sus más de 1,400 obras, 4 Crystal Bridges está disponible para un escrutinio crítico.

El proyecto es de alcance y ambición faraónicos, y tiene como objetivo no solo establecer un museo de clase mundial durante una recesión fiscal precipitada, sino también transformar un hueco de Arkansas en un destino cultural. Esforzándose por hacer realidad estos deseos en un sitio boscoso de 120 acres por el que Walton deambulaba en su juventud, los trabajadores han remodelado la tierra, han desviado un arroyo y han plantado miles de plántulas. Mientras tanto, un personal directivo recién reunido ha creado equipos operativos y curatoriales para facilitar la exhibición pública de una colección de arte acumulada en gran medida individualmente.

Bentonville (35.000 habitantes) es Walmart, punto. Sam Walton & # 8217s original de cinco y diez centavos todavía ancla la plaza compacta de la ciudad # 8217. Establecida en 1950, la tienda es ahora el Centro de Visitantes de Walmart y un monumento a la perspicacia comercial de & # 8220Mr. Sam. & # 8221 Walton (1918 & ndash1992) se crió durante la Depresión, se convirtió en el Eagle Scout más joven de Missouri, se graduó de la Universidad de Missouri en 1940 y sirvió en Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial en el Cuerpo de Inteligencia del Ejército de EE. UU. Después de la guerra, se estableció como un astuto empresario, expandiendo constantemente su emporio de descuentos en el minorista más grande del mundo.

Según los materiales educativos del centro, Walton, un devoto hombre de familia, personificó los valores eternos de las pequeñas ciudades. Sam recibió la Medalla Presidencial de la Libertad en 1992 y declara, & # 8220 Su éxito es nuestro éxito, el éxito de América & # 8221. empresa para dominar el mercado dondequiera que vaya, forzando a muchas empresas locales a la quiebra y drenando la vida de innumerables calles principales y plazas cuyos valores supuestamente encarna. Mientras tanto, su dependencia de la fabricación barata en China le ha robado al corazón de Estados Unidos innumerables puestos de trabajo.

Pero basta del mundo real. Así como People Greeters dan la bienvenida a los compradores a todas las tiendas de Walmart, las Guías de Galería en Crystal Bridges tienen botones grandes & # 8220Pregúnteme & # 8221 y preguntan repetidamente, & # 8220¿Te estás divirtiendo? & # 8221 Presentando obras seleccionadas, proclaman en voz alta, & # 8220Esto es un tesoro nacional! & # 8221 Las guías también ofrecen interpretaciones y proporcionan información de fondo sobre el artículo.5 Además, desde los asistentes del estacionamiento hasta los camareros de los restaurantes, todo el personal de Crystal Bridges parece haber absorbido diligentemente a Sam Walton & # 8217s & # 822010-foot rule & # 8221: & # 8220 Prometo y declaro que siempre que me acerque a 10 pies de un cliente, lo miraré a los ojos, lo saludaré y le preguntaré si puedo ayudarlo. & # 8221 Bajo el escrutinio de dos Guías por galería en Además de una falange de guardias itinerantes, los visitantes del museo pueden tener dificultades para contemplar tranquilamente el arte o formarse sus propias opiniones sobre la experiencia del museo.

En un lugar donde las entradas para iglesias y organizaciones religiosas ocupan ocho páginas en las páginas amarillas regionales (solo médicos, dentistas, restaurantes y fontaneros, muchos de ellos con anuncios con imágenes grandes y mdash ocupan un espacio comparable), la fe y el trabajo están estrechamente entrelazados. Durante mi visita, un letrero de la iglesia al aire libre aconsejaba: & # 8220Si no tienes éxito / no lees las instrucciones / la Biblia, & # 8221, y otro aconsejó, & # 8220 Hojas de otoño / Jesús no & # 8217t. & # 8221 Además de Crystal Bridges, Los lugares de interés cultural en el área incluyen el Daisy Airgun Museum, el Promised Land Zoo Terra Studios, la fuente de los coleccionables de vidrio Bluebird of Happiness y la Precious Moments Chapel, cuyos murales & # 8220ministerio de arte & # 8221, pintados por el ilustrador Samuel J. Butcher , presenta 84 escenas bíblicas. Las gasolineras Kum & amp Go son las favoritas de los locales y Caza de cerdos & # 8217 La revista aparece en el aeropuerto.

En el camino hacia la ciudad, verá que el entorno construido recapitula la evolución económica de la zona: un grupo de antiguas chozas, con sus frágiles lamas de madera desgastadas a gris, da paso a un remolque de doble ancho, seguido de una nueva comunidad cerrada, su estilo medieval. torre de vigilancia de estilo que se alza sobre una casa solitaria. Proliferan las barbacoas de Roadhouse, mientras que las subdivisiones llevan nombres poco probables como El Contento. En el museo, el atuendo de los visitantes incluye camisas de rodeo elaboradamente bordadas, botas y sombreros de vaquero, hebillas de cinturón de gran tamaño y camisetas que conmemoran los viajes al Grand Ole Opry o al Rock and Worship Roadshow. Es fácil desdeñar tales particularidades sociales, pero los sofisticados del mundo del arte y los defensores de la diversidad étnica y el multiculturalismo deben considerar hasta qué punto estas costumbres representan un estilo regional auténtico y una historia venerable.

EN 1880, JOSEPH C. Choate, fideicomisario fundador del Museo Metropolitano de Arte, exhortó a los reunidos por la dedicación del museo a intensificar e invertir en la cultura para el bien público:

Piénsenlo, millonarios de muchos mercados; qué gloria puede ser la suya, si solo escuchan nuestros consejos, de convertir el cerdo en porcelana, el grano y los productos agrícolas en alfarería de valor incalculable. . . y acciones de ferrocarriles y acciones mineras. . . en el lienzo glorificado de los maestros del mundo, que adornarán estos muros durante siglos.6

Si bien las fortunas corporativas de hoy en día pueden surgir de diferentes productos y servicios, el impulso sigue siendo fuerte, desde los Carnegies, Whitney, Morgan, Fricks y Gardner pasando por los Rockefeller (tanto Abby como John D.) hasta los Lauders y Broads en adelante: los ricos establecen instituciones culturales para educar y elevar a las masas, mientras también celebran sus logros personales y generosidad.

De manera significativa, Alice Walton se resistió a la práctica consagrada de erigir un edificio del mismo nombre que domina su entorno. Sin considerar a ningún otro arquitecto, recurrió a Moshe Safdie para diseñar un complejo de más de $ 100 millones en armonía con su entorno, una institución que lleva el nombre de Crystal Stream local y & # 8220 aterrizada en su lugar & # 8221 según Houston. Edwards lo describe como una & # 8220 fusión de arte, naturaleza y arquitectura. & # 8221

El esquema genera analogías orgánicas: tres pabellones abovedados en forma de rombo cuentan con techos acanalados de cobre y vidrio que evocan las secciones unidas de un armadillo y el caparazón # 8217. Uno contiene galerías, otro, un restaurante el tercero, un Gran Salón para conferencias y otros eventos especiales. Dentro de estos espacios, es como si hubiera entrado en la cavidad corporal de una ballena o un dinosaurio. Los pabellones están acompañados de otras seis estructuras que albergan oficinas administrativas, una biblioteca, la mayoría de las áreas expositivas e instalaciones de servicios. Las ventanas se elevan hacia afuera, abundan las superficies elegantes y el campus en expansión rodea un estanque artificial. Por la noche, las vigas arqueadas del techo de cedro rojo del edificio están impregnadas de un brillo cálido que, a su vez, crean patrones en forma de abanico en el vidrio. En general, Crystal Bridges se asemeja a una ciudad pequeña, reluciente y bulliciosa.

De acuerdo con el plan amigable para las personas, seis senderos naturales serpentean por más de tres millas, conectando casualmente el centro de Bentonville con el museo. James Turrell y # 8217s El camino del color (2009), alojado en una estructura circular junto a uno de los caminos, ejemplifica la deseada convergencia de arte y medio ambiente. A partes iguales de un antiguo observatorio celestial y un espectáculo visual de alta tecnología, invita a los visitantes a mirar a través de la gran abertura en el techo mientras cientos de luces LED avanzan a través del espectro de colores e interactúan con el cielo y las condiciones atmosféricas para crear un panorama de matices que cambia lentamente. .

La ingeniería y los materiales del museo son impresionantes, el lugar está claramente calculado para deslumbrar. Pero el diseño de Safdie & # 8217 plantea la pregunta que todos los proyectos de starchitect hacen: ¿qué tan propicio es para presentar obras de arte? Kevin Murphy, curador de arte estadounidense, admite que el personal tardó un tiempo en & # 8220 entender el código & # 8221 del edificio. El diseño, bromea, simula un lavado de autos: una vez que ingresas a las galerías, tienes que continuar hasta el final.

En consecuencia, los pasillos entre varias galerías, llenos de cómodos asientos y montones de libros de arte, ofrecen vistas al aire libre cuidadosamente organizadas, por ejemplo, una cascada dramáticamente rocosa hecha por el hombre, para permitir que la gente se quede y se relaje. En palabras de Houston, Crystal Bridges incorpora & # 8220el contenedor, lo contenido y lo que los rodea. & # 8221

Después de la construcción, uno de los pabellones con paredes de vidrio requirió la adición de dos estructuras independientes en forma de caja en el interior para albergar exposiciones, de lo contrario, la obra de arte se habría inundado de luz. Y aunque Murphy siente que hay & # 8220momentos cinematográficos & # 8221 en la arquitectura, el diseño favorece espacios altísimos que desafortunadamente eclipsan incluso algunas de las piezas más grandes de la colección. Alexander Calder & # 8217s móvil independiente de casi 11 pies de altura Trois noirs sur un rouge (1968) se encoge en la inmensidad, perdiendo gran parte de su efecto. Y acordonado por candeleros, la obra impide el fácil movimiento a través de la galería. El impacto de Wayne Thiebaud & # 8217 es asombroso, vibrante y meticulosamente pintado Mujer supina (1963) es algo silenciado por la galería & # 8217s fuerte luz eléctrica y por ser emparejado con Andy Warhol & # 8217s fríamente descolorido Dolly Parton (1985).

& # 8220CELEBRATING THE AMERICAN SPIRIT, & # 8221, la selección inicial de la colección, presenta el trabajo cronológicamente, no temáticamente, un enfoque que Houston afirma que habría creado & # 8220 demasiados huérfanos & # 8221 Sin embargo, se pueden discernir temas importantes, incluida la naturaleza , especialmente como se muestra en los paisajes de finales del siglo XIX, los artistas estadounidenses, su identidad cambiante examinada a través de autorretratos, vistas de estudio y retratos de otras mujeres, a través de imágenes de ellas y de los nativos americanos o sobre ellas. Crystal Bridges presenta arte desde la era colonial hasta el presente, pero el período de 1860 a 1920 proporciona & # 8220 el lastre & # 8221 de la colección, según Houston. Artistas como Winslow Homer, Marsden Hartley, Arthur Dove y Stuart Davis están bien representados, al igual que Hudson River School, Ash Can School y Regionalism. Los curadores son conscientes de que el museo y las existencias posteriores a la Segunda Guerra Mundial son actualmente mucho más escasas.

Las multitudes tienden a atascarse en obras particulares: Durand & # 8217s Espíritus afines, por supuesto (los visitantes son muy conscientes de su elevado precio) Norman Rockwell & # 8217s icónico lienzo de la Segunda Guerra Mundial Rosie la remachadora (1943) y Dennis Miller Bunker & # 8217s Retrato de Anne Page (1887), cuya modelo de la era victoriana, con su frágil belleza, se dice que recuerda a los espectadores más jóvenes a Bella en la saga cinematográfica & # 8220Twilight & # 8221. Instalación de Devorah Sperber & # 8217s Después de la última cena (2005), llamado & # 8220Lord & # 8217s Supper & # 8221 por algunos visitantes, resulta atractivo porque utiliza materiales poco comunes para el arte (más de 20,000 carretes de hilo) y presenta una imagen familiar invertida que uno obtiene la vista corregida al mirar la pieza a través de una esfera acrílica transparente.

Pero muchos de los momentos más satisfactorios en Crystal Bridges se generan en pequeñas formas, a menudo por pinturas: los colibríes representados de manera vibrante en Martin Johnson Heade & # 8217s series & # 8220 The Gems of Brazil & # 8221 (1863-64) son coquetos y balleticos. -acabado vidriado de la vasija de barro en Raphaelle Peale & # 8217s Maíz y Melón (ca. 1813) brilla como si fuera nuevo, acompañado por la interpretación fresca de la tierra y # 8217s ofrece la tranquila ternura de George de Forest Brush & # 8217s El indio y el lirio (1887) sugiere tanto un idilio del bosque (las alas de un cadáver de espátula llevada en la espalda del cazador lo beatifican, repicando visualmente con la flor blanca que alcanza para arrancar) y una amenaza inminente (el indio, como el pájaro, está implícitamente en peligro de extinción). por la era & # 8217s incursiones de raza blanca) y Yasuo Kuniyoshi & # 8217s Pequeño Joe con Vaca (1923) es un revoltijo fantasioso, ligeramente vertiginoso, de formas estilizadas (niño, vaca, casa, vegetación).

Murphy afirma, & # 8220La idea era contar la historia más simple en la instalación inicial y una & lsquomessier & # 8217 quizás más tarde, & # 8221, mientras que Houston argumenta que el mandato curatorial era & # 8220 no venir con un revisionista o un punto alternativo Desde mi punto de vista, esto está destinado a ser una institución cultural convencional. & # 8221 Pero las consecuencias de esta táctica pueden ser la timidez o la evasión. Por ejemplo, el texto de la pared que describe Marsden Hartley & # 8217s Madawaska y mdash Acadian Light-Heavy (1940) dice lo siguiente:

Esta pintura representa a un joven boxeador no identificado de la ciudad de Madawaska, Maine. El cuello del boxeador es una losa parecida a un muñón que surge de los deltoides triangulares montañosos. Es un cuerpo moldeado y representativo de un duro entorno del norte, donde cortar madera sigue siendo una habilidad de supervivencia y una necesidad diaria. Se encuentra en un espacio indeterminado y poco profundo, su rostro y cuerpo parcialmente ocultos en las sombras contra un suelo rojo sangre. El retrato transmite una sensación de pasión que es inmediata y directa, fiel a la gracia contundente del tema, la composición y la técnica del artista.

Por lo tanto, prevalece un análisis composicional confuso, mientras que el deseo del mismo sexo que impregna la obra permanece sin declarar.8 De manera similar, Robert Rauschenberg y Jasper Johns están emparejados, y los hombres se caracterizan como & # 8220 amigos cercanos & # 8221. Y se ofrece poco sobre múltiples obras de George Tooker y Paul Cadmus & mdashtwo de este último destacando explícitamente la figura masculina desnuda & mdash más allá de la observación deliberadamente vaga de que & # 8220 la seducción y el misterio abundan & # 8221 Houston describe las etiquetas del museo & # 8217 como que no contienen & # 8220 términos polisilábicos o técnicos, pero tampoco [refleja] la lengua vernácula populista. & # 8221 Pero esos parámetros pasan por alto información vital, una estrategia que embrutece la interpretación y, en última instancia, defrauda a la audiencia.

Además, algunas opciones educativas y curatoriales de Crystal Bridges son idiosincrásicas. Jack Levine y # 8217s Los corredores de armas (1982-83) se ha colgado junto al texto de la pared que explica el posmodernismo. La fecha de esta pintura cae dentro del marco de tiempo relevante, sin duda, pero la obra, un retrato grupal difamatorio de los comerciantes de la muerte internacionales, presenta el mismo estilo satírico, cuasi naturalista que Levine había estado practicando durante décadas y mdash con poco o ningún po- mo autorreflexión. Uno de los guías itinerantes de la galería, explicando la escultura del piso de aluminio fundido. Comer carne (1969/75), calificó a Lynda Benglis de expresionista abstracta, una designación que oscurece tanto como ilumina. Benglis ciertamente manifiesta una continuidad formal y un compromiso crítico con Ab-Ex, pero la caracterización demasiado simple de la Guía elude las influencias clave del arte pop y el feminismo en su trabajo.

El potencial de Crystal Bridges se vislumbra mejor en la exposición temporal & # 8220Wonder World: Nature and Perception in Contemporary American Art & # 8221 (hasta el 5 de mayo). Las 33 obras, elegidas con imaginación de la colección y exhibidas inteligentemente, atraen a los dos grupos que, según Houston, componen la audiencia del museo: la & # 8220 multitud cultural & # 8221 y la & # 8220 multitud común & # 8221. como Walton Ford y la espeluznante pintura monumental n. ° 8217 La isla (2009), que muestra una pila retorcida de lobos de Tasmania ahora extintos Vik Muniz & # 8217s C-print digital de pájaros y flores Orquídea brasileña blanca según Martin Johnson Heade (2010) Roxy Paine & # 8217s escultura de mesa de hierba falsa Mal césped (1998) Al Souza & # 8217s imagen abstracta en forma de cola compuesta de piezas de un rompecabezas, Campo y corriente (2001) y Alison Elizabeth Taylor & # 8217s instalación sin cita previa llena de marquetería de tour-de- force Habitación (2007-08), todos mostrados en una galería, abordan el tema de la exposición y el tema # 8217 de una manera muy original y desafiante. En una habitación adyacente, John Baldessari & # 8217s broma visual de gran tamaño Trompeta Beethoven & # 8217s (con oído), Opus # 132 Reverse (2007), una escultura que presenta una oreja de yeso montada en la pared con una trompeta anticuada que sobresale de ella, tiene un componente auditivo interactivo, lo que la convierte en una contraparte brillante de dos disfraces caprichosos de Nick Cave & # 8220Soundsuit & # 8221.

EXACTAMENTE QUÉ PAPEL juega Alice Walton en Crystal Bridges? Su fundación familiar le ha proporcionado a la institución una donación de $ 800 millones, y su ojo ha dado forma a la colección principal.9 Además de ser la fundadora del museo, preside su junta directiva y es miembro del comité de arte.10 Ella También buscó el consejo del miembro de la junta John Wilmerding, ex subdirector de la National Gallery y profesor emérito de historia del arte en Princeton. Sin embargo, según el personal curatorial, Walton no participa activamente en las operaciones diarias. Edwards sostiene, & # 8220Alice es una parte visible del proceso, pero ella & # 8217 no los proceso. & # 8221

Todos los comisarios han elaborado libros blancos que vislumbran el futuro de sus respectivas áreas. Sus condiciones de trabajo actuales son envidiables: tienen los recursos para construir desde cero en un momento en el que muchos esfuerzos culturales están luchando. De hecho, todo el personal parece compartir una perspectiva optimista y un agudo sentido de la aventura que anhelan generar un ambiente acogedor para todos, donde & # 8220fun & # 8221 & # 8220dream & # 8221 y & # 8220wow & # 8221 son términos operativos. Edwards aconseja, & # 8220 & # 8217 somos un poco como una caja de arena que & # 8217 vamos a probar cosas & # 8221.

Sin embargo, en el mundo del arte establecido, avanzar la reacción crítica a la misma idea of Crystal Bridges ha sido casi uniformemente despectivo. Esta respuesta tiene dos vertientes. Primero, el patrocinador indirecto, Walmart, es percibido como un matón del mercado cuyo nombre es sinónimo de gran volumen, baja calidad y una aburrida uniformidad. En segundo lugar, el museo se ha colocado en lo que muchos estadounidenses consideran los límites. Crystal Bridges corre el riesgo de convertirse en el Bentonville Hillbilly de las instituciones de arte, a menos que pueda desarrollar credibilidad tanto dentro como fuera de su localidad.

Por lo tanto, no es suficiente simplemente gloriarse en el brillo de este alijo de tesoros artísticos recientemente adquirido, o dejar que la institución subsista como un proyecto de vanidad. El personal del museo debe demostrar que comprende profundamente el linaje histórico del arte de sus fondos, que confía en sus visitantes lo suficiente como para ofrecerles información potencialmente controvertida y permitirles tomar sus propias decisiones al respecto, y que se dan cuenta de que una visita al museo no tiene por qué estar empaquetada y empaquetada. experiencia altamente administrada, con una narrativa para sentirse bien diseñada para dejar a uno simplemente asombrado y feliz. Debido a que los administradores y curadores de Crystal Bridges no tienen que vigilar constantemente el resultado final, o preocuparse por enojar a los clientes potenciales que pagan (las tarifas de admisión se han suscrito durante los próximos años), deben sentirse más libres para desarrollar una voz interpretativa fuerte y generar nuevos conocimientos sobre su colección. Deben lograr un equilibrio entre simplemente mostrar imágenes bonitas y cambiar de opinión sobre lo que significan esas obras.

Al mismo tiempo, este museo también plantea distintos desafíos a los habituales del mundo del arte. Sería ingenuo pensar que el dinero detrás de muchas instituciones exaltadas actualmente es & # 8220más limpio & # 8221 que Walton & # 8217s, o viene con menos condiciones. La compra de arte es un juego de alto riesgo al que solo un número limitado de personas puede jugar, por lo que si se quiere adoptar un tono moralista y moralista con Walton, entonces los guantes deben desprenderse con respecto a otros grandes apostadores en el arte. mercado también. (Felicitaciones a la New York Times para sus exposiciones del 26 de noviembre de 2011 sobre las prácticas de protección fiscal de Ronald Lauder).

Además, los críticos han mostrado una reacción de NIMBY de estilo inverso: ¡En ninguna parte EXCEPTO en My Backyard! Crystal Bridges representa una forma de populismo geográfico que no sienta bien a los elitistas del mundo del arte que creen que la cultura existe, y debe cultivarse, en unos pocos lugares preciados, preferiblemente de su propia elección. Pero, ¿por qué, especialmente en una era de comunicaciones electrónicas y viajes masivos, el arte debe limitarse a un puñado de metrópolis? Y si el mundo del arte se ha abierto camino hasta Bilbao o la pequeña y remota Marfa, Texas, ¿por qué no a Bentonville?


& laquo New Frontier IV: fastes et fragments & raquo au musée du Louvre

Abraham Mignon, Fleurs dans une jarra de cristal placée sur un piédestal en pierre, avec une libellule, huile sur toile, París, museo del Louvre. © RMN-Grand Palais (Musée du Louvre) / Franck Raux

PARÍS & # 8211 Dernier épisode du partenariat New Frontier qui lie le musée du Louvre, le High Museum of Art, le Crystal Bridges Museum of American Art y la Terra Foundation for American Art, la exposición «Fastes et fragments. Aux origines de la nature morte américaine »se penche sur l'essor de la nature morte aux Etats-Unis au XIXe siècle. À la suite des expositions consacrées au paysage, à la peinture de genre et au portrait, Nueva frontera IV permet à nouveau d’enrichir le dialogue autour de la peinture américaine. Rassemblant dix œuvres issues des collections des quatre Institutos partenaires, cette dernière édition illustre, comme les précédentes, la façon dont les peintres américains, tels Raphaelle Peale, Martin Johnson Heade ou William Michael Harnett, ont adapté les modèles européens à leur époque et à leur paga, participante ainsi à l'émergence d'une voix nationale.

John Haberle, Cambio pequeño [Petite monnaie], 1887, huile sur toile, Bentonville, Crystal Bridges Museum of American Art. © Crystal Bridges Museum of American Art Fotografía por Amon Carter Museum of American Art

En dépit d’une tradicion vieille de plusieurs siècles en Europe, la nature morte émerge tardivement aux États-Unis. C’est au cours du XIXe siècle, grâce à de profondes mutations politiques, économiques et sociales, que le genre gagne en popularité. Un nouveau type de commanditaires apparaît, désireux de représenter leur fortune à travers ciertos objets symboliques. Raphaelle Peale, le premier, s’illustre par une production austère et eficace où les produits cultivés en terre d’Amérique se trouvent mis en valeur.

Raphaelle Peale, Maíz y Melón [Maïs et cantaloup], vers. 1813, Bentonville, Crystal Bridges Museum of American Art. © Museo de Arte Americano Crystal Bridges. Fotografía de Dwight Primiano

La nature morte américaine s'inspire longtemps des codes stylistiques européens. Avec l'évolution du rapport au luxe, les composiciones s’enrichissent et les sujets se diversifient. Après la guerre de Sécession cependant, la nature morte américaine revient à des sujets plus nationaux et le symbolisme intervient pour afirmer certaines valeurs morales spécifiques ou critiquer le matérialisme prégnant dans la société américaine à l'époque, comme dans Small Change de John Haberle.

Joseph Biays Ord, Naturaleza muerta con conchas [Nature morte aux coquillages], vers 1840, huile sur toile, High Museum of Art. © Alto Museo de Arte

Présentée au Louvre à partir del 5 de febrero de 2015, l’exposition-dossier « Nueva frontera IV. Fastes et fragments. Aux origines de la nature morte américaine »Rejoindra ensuite le Crystal Bridges Museum of American Art en Bentonville, Arkansas (16 de mayo y # 8211 14 de septiembre de 2015) puis le High Museum of Art en Atlanta, Géorgie (26 de septiembre de 2015 y # 8211 31 de enero de 2016).

Jean-Siméon Chardin, Pipes et vase à boire, dit aussi La Tabagie, vers 1737, huile sur toile, París, museo del Louvre. © Musée du Louvre, dist. RMN / Angèle Dequier

PARÍS.- La última entrega de la serie de exposiciones "American Encounters" coorganizada por el museo del Louvre, el High Museum of Art, el Crystal Bridges Museum of American Art y la Terra Foundation for American Art, la exposición "The Simple Pleasures of Still Life ”Explora el surgimiento de la pintura de naturaleza muerta en los Estados Unidos del siglo XIX. A raíz de las exposiciones sobre paisaje, pintura de género y retrato, esta exposición ofrece una nueva oportunidad para fomentar el diálogo sobre la pintura estadounidense.

Con 10 obras de arte de las colecciones de las cuatro instituciones asociadas, esta exposición final es continuación de las anteriores para ilustrar cómo pintores estadounidenses como Raphaelle Peale, Martin Johnson Heade y William Michael Harnett adaptaron modelos europeos a su época y país, y así contribuyeron a la creación de una voz nacional.

A pesar de una tradición centenaria en Europa, la naturaleza muerta tardó en ganarse el favor de los Estados Unidos. El género se hizo popular con los principales cambios políticos, económicos y sociales que tuvieron lugar a lo largo del siglo XIX. Comenzó a surgir un nuevo tipo de mecenas, deseosos de representar su riqueza a través de ciertos objetos simbólicos. Raphaelle Peale, considerado el primer pintor estadounidense de naturaleza muerta, ganó renombre por su estilo austero y eficiente con un enfoque en productos cultivados en suelo estadounidense.

Durante mucho tiempo, la naturaleza muerta estadounidense se inspiró en los códigos de estilo europeos. A medida que evolucionó la relación de las personas con el lujo, las composiciones se enriquecieron y los temas se diversificaron. Después de la Guerra Civil, la pintura estadounidense de naturaleza muerta renovada con temas más nacionales y el simbolismo se utilizó para afirmar ciertos valores morales específicos o para criticar el materialismo prevaleciente en la sociedad estadounidense en ese momento, como en Small Change de John Haberle.

Durante mucho tiempo, la naturaleza muerta estadounidense se inspiró en los códigos de estilo europeos. A medida que evolucionó la relación de las personas con el lujo, las composiciones se enriquecieron y los temas se diversificaron. Después de la Guerra Civil, la pintura estadounidense de naturaleza muerta renovada con temas más nacionales y el simbolismo se utilizó para afirmar ciertos valores morales específicos o para criticar el materialismo prevaleciente en la sociedad estadounidense en ese momento, como en Small Change de John Haberle.

En el Louvre del 5 de febrero de 2015, la exposición destacada "Encuentros estadounidenses: los placeres simples de la naturaleza muerta" viajará luego al Museo de Arte Estadounidense Crystal Bridges en Bentonville, Arkansas (del 16 de mayo al 14 de septiembre de 2015), seguida del High Museum of Art en Atlanta, Georgia (26 de septiembre de 2015– 31 de enero de 2016).

El auge de la naturaleza muerta estadounidense
Las jerarquías académicas europeas daban poco valor a la naturaleza muerta, un género que comenzó como una práctica bastante confidencial en los Estados Unidos. Los pintores del Nuevo Mundo tenían preferencia por las pinturas de retratos o paisajes, que despertaron un mayor interés por parte de los mecenas, como se muestra en las exposiciones anteriores.

A principios del siglo XIX, el desarrollo económico estadounidense dio lugar a una nueva categoría de compradores que eran partidarios de las representaciones de objetos que reflejaban su vida diaria y su éxito. Alrededor de 1813, Raphaelle Peale pintó Maíz y melón, apropiándose del formato europeo tradicional de la naturaleza muerta y adaptándolo a su audiencia para compartir su visión de la generosidad estadounidense. El melón, la batata y el maíz se utilizan para evocar las grandes plantaciones, en particular la del primer propietario de la pintura y rsquos, el Dr. Benjamin Lee, en Maryland.

Naturalismo de mediados de siglo
Desde sus comienzos tentativos, la naturaleza muerta prosperará hacia mediados de siglo. La temática fue más lujosa: frutas y verduras se unieron a flores y carnes de caza, reflejando los cambios en los gustos derivados de una mayor riqueza y producción industrial.

Con el surgimiento de coleccionistas adinerados interesados ​​en las naturalezas muertas del Siglo de Oro holandés, artistas como Martin Johnson Heade (1819-1904) se especializaron en pinturas particularmente elaboradas con un simbolismo sutil. Naturaleza muerta con flores de manzano en una concha de nautilo, pintado en 1870, es un ingenioso pastiche de pintura nórdica o jarrones de flores de Abraham Mignon & rsquos, uno de los cuales se presenta en la exposición. La ejecución virtuosa de las cortinas y la delicada interpretación de las flores retratan un contexto de seducción que sin duda marcó el comienzo de una nueva relación con el lujo y la sociabilidad en la sociedad estadounidense.

Trampantojo y símbolo
La Guerra Civil provocó un cambio brusco. Los pintores de bodegones como William Harnett (1848-1892) renovaron su enfoque en los objetos característicamente estadounidenses, especializándose en trampantojos con una resonancia voluntariamente simbólica y, a veces, subversiva. Un rasgo distintivo de la naturaleza muerta estadounidense en la segunda mitad del siglo XIX, el uso de trompe-l & rsquoœil se hizo eco del surgimiento del gusto popular por lo que se denominó pinturas “baratijas”, colecciones eclécticas y objetos exóticos. Como parte de la larga tradición del ilusionismo visual, el trampantojo también se utilizó para desafiar los valores materialistas de la sociedad y la corrupción política. De tal forma, Small Change de John Haberle destaca la relación con el dinero en Estados Unidos en pleno desarrollo económico: desmitificada, se utiliza una moneda para sostener un pequeño autorretrato que parece colocado allí como un desafío a las autoridades. El espectador se convierte así en parte de la ilusión, pero también es guiado por el artista para descifrar el código.

William Sidney Mount, Manzanas de trozos de fruta en tazas de hojalata, 1864.


RESEÑA DE ARTE Un historiador que manejó tanto un pincel como un bolígrafo

Érase una vez en este país, en realidad, había más artistas que historiadores del arte. De hecho, solo había un espécimen real de la raza ahora omnipresente, William Dunlap (1766-1839), un hombre de cultura que también era pintor. Su historia de dos volúmenes & # x27 & # x27History of the Rise and Progress of the Arts of Design in the United States, & # x27 & # x27, publicado en 1834, es un resumen hablador pero lejos de ser ingenuo del arte estadounidense desde sus inicios hasta Dunlap & # x27, y estableció su reputación como el padre de la historia del arte estadounidense. El libro sigue siendo útil como una veta de información sobre su período.

Al igual que Giorgio Vasari en la Italia del siglo XVI, Dunlap participó en gran medida en su escena, narrando las vidas de artistas, arquitectos, escultores, grabadores contemporáneos y anteriores, y demás, con opiniones ponderadas y, a veces, mordaces.No excesivamente modesto, se dedicó nada menos que tres capítulos a sí mismo, y estaba entusiasmado con Benjamin West (con quien había estudiado en Gran Bretaña), Washington Allston, Thomas Cole y Gilbert Stuart. También incluyó a artistas cuyos nombres hoy evocan una mirada en blanco, y aquellos que no le gustaban, entre ellos su contemporáneo Charles Willson Peale (1741-1827), cuyo trabajo rechazó con & # x27 & # x27 pronto será olvidado & #. x27 y # x27

El último espectáculo de principios de Estados Unidos en las galerías Hirschl & amp Adler, especialistas desde hace mucho tiempo en el arte yanqui, es un saludo a Dunlap y su libro. & # x27 & # x27The American Vasari: William Dunlap and His World & # x27 & # x27 incluye más de 60 pinturas, grabados, dibujos, esculturas y grabados de artistas que llegaron al tomo de Dunlap & # x27. Los nombres van desde el ornitólogo John James Audubon (& # x27 & # x27; cuánto gana la ciencia al aumentar la imagen de un pájaro más allá del tamaño necesario para mostrar todas las partes de forma distinta, es para mí cuestionable & # x27 & # x27 Dunlap escribió) hasta Robert Walter Weir (1803-1899), un instructor de dibujo en West Point alabado por Dunlap, pero cuya pintura & # x27 & # x27Niagara Falls & # x27 & # x27 (1856) no agrega nada a la naturaleza & # x27s arte. Aún así, & # x27 & # x27The American Vasari & # x27 & # x27 es una idea brillante para una exposición, y ofrece una selección sólida de la galería & # x27s notable inventario de tesoros estadounidenses tempranos (con algunos préstamos).

Los retratos son el énfasis, como lo eran en la época de Dunlap. Entre los más interesantes se encuentra uno de Edward Savage (1761-1817) de Jedidiah Morse y su hijo, Samuel FB Morse, de alrededor de 1794. Muestra al futuro científico y pintor, con quien Dunlap ayudó a fundar la insurgente Academia Nacional de Diseño en 1826. , como un niño pequeño de rostro gordo al lado de su padre, un geógrafo educado en Yale y ministro congregacional que vestía un atuendo clerical negro y una expresión de alto propósito moral.

En agudo contraste con esta interpretación austera está la imagen lah-di-dah de Elizabeth Eliot Burr (1798) de Ralph Earl (1751-1801): una gran dama de Connecticut sentada en un entorno suntuoso, vestida con un vestido de satén blanco reluciente y sosteniendo una cadena unida a una ardilla mascota.

Otro retrato destacado es el de Rajah Rommahon Roy (1833), de Rembrandt Peale (1778-1860), hijo de Charles Willson Peale. Roy fue un reformista y lingüista hindú que fundó la Iglesia Teísta en la India, y en sus últimos años fue un enviado a Gran Bretaña. El retrato magistral de Peale & # x27, en exóticos colores altos, muestra a Roy con un turbante y una camisa de color salmón, su rostro carnoso pero atractivo en un suave reposo.

Un pequeño pero alegre autorretrato de cabeza y hombros de Dunlap lo muestra con una elegante corbata blanca y un abrigo oscuro. Mira directamente al espectador y no oculta su ojo derecho fuera de servicio, cegado en un accidente infantil. Aun así, luce cada centímetro del viejo cosmopolita Knick que era, amigo de James Fenimore Cooper, Washington Irving y William Cullen Bryant y un erudito que, además de artista e historiador del arte, también escribió obras de teatro, diarios, una historia de el teatro y otro del estado de Nueva York.

Pero el espectáculo no es de ninguna manera todos los retratos, hay paisajes, naturalezas muertas, escenas de género, miniaturas, pinturas históricas, vistas arquitectónicas e incluso un par de planos precisos de acuarela (1806) para un cañón submarino del pionero del barco de vapor Robert Fulton (1765- 1815). & # x27 & # x27 Como pintor, el Sr. Fulton no ocupa un lugar destacado, & # x27 & # x27 Dunlap escribió, pero lo elogió como & # x27 & # x27 un padre amable, un amigo rápido, un filósofo ilustrado y un buen republicano. . & # x27 & # x27

Entre los paisajistas, Dunlap favoreció particularmente a Cole (1801-1848), un fundador de la Escuela del Río Hudson, quien está representado aquí por un idilio dorado resplandeciente, & # x27 & # x27The Old Mill at Sunset & # x27 & # x27 (1844). Cole, de hecho, fue & # x27 & # x27 descubierto & # x27 & # x27 en 1825 por Dunlap y dos amigos, los pintores John Trumbull y Asher B. Durand (en ese momento más conocido como grabador que como pintor). Trumbull vio las pinturas de Cole & # x27 en el escaparate de una librería de Manhattan, compró una y luego llevó a Dunlap y Durand a verlas.

& # x27 & # x27Recuerdo al pintor sensible y amable, entonces visto por mí por primera vez, & # x27 & # x27 Dunlap recordó, & # x27 & # x27 parado en presencia de los tres antes mencionados, como un colegial en presencia de los fideicomisarios, y mirando una imagen de timidez ante los hombres, ninguno de los cuales podía producir un rival para las obras que ofrecía por el miserable precio de $ 25 cada una. & # x27 & # x27 Obras de Durand y Trumbull también aparecen en la muestra. La obra de Durand & # x27s es un cliché pacífico de un paisaje, que data de 1860 a 1870, y Trumbull & # x27s es un dibujo de grisalla con influencia de Rubens de un desnudo femenino, realizado alrededor de 1795.

En las ofrendas de naturalezas muertas, nada se acerca al estudio de Raphaelle Peale & # x27 sobre una mazorca de maíz y una mitad de melón (1813), una observación austera pero brillantemente interpretada de estos comestibles que tiene el carácter de un bello retrato. En cuanto al departamento de género, está la seductora & # x27 & # x27 ¿Qué he olvidado? & # X27 & # x27 (1862) de William Sidney Mount (1807-1869), que representa a un niño en un jardín rústico con una cesta llena. (Dunlap predijo que Mount llegaría lejos.) Y en algún lugar entre el género y el paisaje está la alegre escena invernal & # x27 & # x27Sleigh Ride & # x27 & # x27 (1838), del Filadelfia Thomas Birch (1779-1851), sorprendente en ese Birch & # La especialidad de x27 era la pintura marina.

Muchos de los artistas de esta muestra eran mucho más importantes, como artistas, que Dunlap. Pero como guardián de la llama, sabía que la posteridad lo necesitaba. Su objetivo, escribió con bastante humildad, era proporcionar & # x27 & # x27 muchos datos valiosos, que de otro modo se habrían perdido, y dejar información sobre los profesores de artes que han fracasado, así como los que han alcanzado una honorable distinción. & # x27 & # x27 Y, esté de acuerdo con sus juicios o no, eso & # x27 es exactamente lo que hizo.

& # x27 & # x27The American Vasari: William Dunlap and His World & # x27 & # x27 está en Hirschl & amp Adler Galleries, 21 East 70th Street, Manhattan, hasta el 30 de enero.


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21 de septiembre de 2015

& # 8220American Encounters: The Simple Pleasures of Still Life & # 8221 reúne pinturas de cuatro instituciones para iluminar a los artistas estadounidenses & # 8217enfoques únicos de la tradición europea de la naturaleza muerta

ATLANTA, 21 de septiembre de 2015 El High Museum of Art presenta la instalación final en su colaboración de cuatro años con el Musée du Louvre, el Crystal Bridges Museum of American Art y la Terra Foundation for American Art centrándose en la historia del arte estadounidense.

Encuentros estadounidenses: los placeres simples de la naturaleza muerta explora cómo los artistas estadounidenses de finales del siglo XVIII y principios del XIX adaptaron la tradición de la naturaleza muerta europea al gusto, el carácter y la experiencia estadounidenses. La presentación culminante del Encuentros Americanos serie, que ha tenido como objetivo ampliar la apreciación y el diálogo sobre el arte estadounidense tanto dentro de los EE. UU. como en el extranjero,Los placeres simples de la naturaleza muerta sigue instalaciones anteriores que examinan géneros importantes en el arte estadounidense, incluidos retratos, paisajes y pinturas de género.

La exposición estará a la vista en el High desde el 26 de septiembre de 2015 hasta el 31 de enero de 2016, luego de sus presentaciones anteriores en el Louvre (del 5 de febrero al 27 de abril de 2015) y el Museo de Arte Americano Crystal Bridges en Bentonville, Ark. . (16 de mayo al 14 de septiembre de 2015).

Aunque es una tradición centenaria en Europa, la pintura de bodegones tardó en afianzarse en los EE. UU., Y su popularidad aumentó a lo largo del siglo XIX, una era de notable transformación política, económica y social. Los sujetos representados en las naturalezas muertas estadounidenses evolucionaron a lo largo de estas décadas, aprovechando y ampliando las tradiciones de los tableros de mesa de estilo holandés cargados de frutas y verduras y arreglos ornamentales de ramo francés en la selección, disposición y representación de objetos imbuidos del simbolismo del Nuevo Mundo. A medida que el país se volvió más cosmopolita, como resultado de su creciente poder industrial y económico, el mecenazgo del arte en la Edad Dorada se centró cada vez más en la representación de la riqueza en imágenes de objetos exóticos populares entre las clases altas. Los sujetos de la pintura de naturaleza muerta durante este período sirvieron como emblemas evocadores, ya sea de identidad regional, valores morales o coleccionismo ecléctico, y reflejan la historia de una nación en evolución.

“Esta presentación enfocada no podría ser una conclusión más apropiada para el Encuentros Americanos serie ”, dijo Stephanie Mayer Heydt, curadora de Margaret y Terry Stent de arte estadounidense en la Escuela Superior. “Cada pintura individual, íntimamente escalada y repleta de imágenes exuberantes llenas de significado simbólico e histórico, invita a la observación de cerca y cuenta la historia de una nación joven que encuentra su voz. Estamos encantados de compartir esta experiencia distintivamente estadounidense y educar al público sobre la historia del arte estadounidense tanto en el país como en el extranjero ".

Guillaume Faroult, curador, departamento de pintura, Musée du Louvre agregó: “Nuestra asociación durante los últimos cuatro años ha permitido oportunidades sin precedentes para la erudición, el compromiso y el intercambio creativo. Colectivamente, hemos podido proporcionar una narrativa holística mucho más rica del desarrollo del arte estadounidense de lo que cualquiera de las instituciones podría haber presentado por sí sola. Esta colaboración ha tenido un impacto significativo en la comprensión y el aprecio por el arte estadounidense en París y más allá, y esperamos continuar el diálogo fomentado por esta serie de instalaciones ".

Las obras maestras del Los placeres simples de la naturaleza muerta hablar sobre la diversidad del género de la naturaleza muerta en los EE. UU. y abarcar desde obras de los artistas De Scott Evans, Martin Johnson Heade, Joseph Biays Ord, William Sidney Mount y Raphaelle Peale hasta trampantojo obras maestras de John Haberle, William Michael Harnett y George Cope. Dos pinturas de John-Baptiste-Siméon Chardin y Abraham Mignon demuestran los ejemplos europeos frecuentemente emulados por artistas estadounidenses que experimentaron por primera vez con la naturaleza muerta a principios del siglo XIX. La presentación en el High se complementa con cuatro pinturas adicionales extraídas de la extensa colección de arte estadounidense del museo, incluidas las obras de William Mason Brown, Joseph Decker y John Frederick Peto.

Pipas y jarra para beber (1737) de Chardin, el pintor de bodegones francés más popular del siglo XVIII, representa un tema inusual para el artista que evoca sutilmente los placeres sensoriales. (Museo de Louvre)

Maíz y Melón (c. 1813) de Peale demuestra cómo los artistas estadounidenses adoptaron la "composición de mesa" europea para presentar una horticultura claramente estadounidense: la mazorca de maíz y una variedad de melón de Maryland específica cultivada en la plantación del propietario original de la pintura. (Museo de Arte Americano Crystal Bridges)

● Era de la Guerra Civil Manzanas en una taza de hojalata (1864) de Mount yuxtapone los símbolos opuestos de la manzana, la icónica fruta estadounidense y un regalo común de los niños a los soldados de la Unión durante la Guerra Civil, encima de una taza vacía y desgastada por el ejército para crear un conmovedor contraste entre el sustento y la ausencia. en una nación cansada de la guerra. (Fundación Terra para el Arte Americano)

Bodegón con busto de Dante (1883) de Harnett es un trampantojo pintura que ilustra la tendencia de finales del siglo XIX hacia la colección de objetos eclécticos y exóticos disponibles a través del comercio internacional en rápida expansión. (Alto Museo de Arte)

Catálogo y programas
Los socios han colaborado para producir un pequeño catálogo para cada instalación de la serie. El libro ilustrado para Encuentros estadounidenses: los simples placeres de la naturaleza muertapresenta un ensayo de Heydt que traza el surgimiento de la tradición de la naturaleza muerta en el siglo XIX y la infusión del simbolismo estadounidense en un género tradicionalmente europeo. El libro es publicado por High, producido por Marquand Books y distribuido por University of Washington Press.

Organización y soporte de exposiciones
Encuentros estadounidenses: los placeres simples de la naturaleza muerta es parte de una colaboración de varios años con Crystal Bridges Museum of American Art, Bentonville, High Museum of Art, Atlanta, Musée du Louvre y Terra Foundation for American Art. El apoyo para esta exposición es proporcionado por American Friends of the Louvre.

Instalaciones anteriores de American Encounters
El lanzamiento de la colaboración entre el Musée du Louvre, el High Museum of Art, el Crystal Bridges Museum of American Art y la Terra Foundation for American Art fue la instalación. Encuentros estadounidenses: Thomas Cole y el paisaje narrativo, que exploró el surgimiento de la pintura de paisajes estadounidense a través de las obras de Thomas Cole y Asher B. Durand. Encuentros estadounidenses: pintura de género y vida cotidiana seguido de un examen en profundidad de cinco pinturas de género principales, cada una de las cuales ofrecía una perspectiva única de la América del siglo XIX y ejemplificaba la influencia europea en la pintura de género estadounidense. La tercera instalación, titulada Encuentros estadounidenses: retratos angloamericanos en una era de revolución, reunió pinturas de las cuatro instituciones, así como de Versalles, para examinar la evolución del retrato de finales del siglo XVIII y principios del XIX en una época de relaciones políticas tensas, pero de fuerte influencia artística, entre Gran Bretaña y Estados Unidos.

Historia de colaboraciones entre los socios
En 2003, la Fundación Terra apoyó una importante conferencia sobre arte estadounidense en el Louvre, titulada "La independencia del arte estadounidense". El Louvre y la Fundación Terra volvieron a colaborar en 2006 en dos importantes proyectos: la primera exposición de arte estadounidense en el Louvre, en la que la monumental obra de Samuel F. B. Morse Galería del Louvre (1831-1833), de la colección de la fundación, colgada en el Salón Carré del Louvre, la misma sala que aparece en la pintura y la base de datos de Lafayette, creada con la Fundación Henry Luce, que es un inventario completo de obras de arte estadounidense en colecciones francesas (https://musee.louvre.fr/bases/lafayette/?lng=1).

De 2006 a 2009, el Louvre y la Escuela Superior participaron en una iniciativa de intercambio de colecciones llamada "Louvre Atlanta" que incluyó una serie de exposiciones temáticas y el desarrollo de publicaciones conjuntas y otras becas colaborativas. La Fundación Terra también prestó su Galería del Louvre Como parte de la colaboración Louvre-High, la pintura se exhibió en el High como parte de la Reyes como coleccionistas exposición en 2006.


El museo Meet and Greet

SIETE AÑOS ES mucho tiempo para enfurecerse por el poder cultural de las nuevas riquezas. Pero esa ha sido la reacción de muchos en el mundo del arte desde que Alice Walton, la principal heredera de la fortuna de Walmart y, por lo tanto, una de las personas más ricas del planeta, gastó la asombrosa cantidad de 35 millones de dólares para la pintura de Asher B. Durand de 1849. Espíritus afines (una vista distante del artista Thomas Cole y el poeta William Cullen Bryant en una cornisa alta en las montañas Catskill) y luego la llevó desde las paredes de la Biblioteca Pública de Nueva York hasta las estribaciones de Ozark. Fue la volea inicial en su campaña del siglo XXI enfrentando al Sur contra el Norte, popular contra los valores de élite.

Walton (n. 1949), hija del fundador de Walmart, es una anomalía: una jinete consumada, que generalmente no se codea con expertos artísticos en ninguna de las costas, y sus bolsillos permanecen profundos mientras la economía global se encuentra en una situación volátil, incluso hemorrágica. condición. (En 2011, Forbes la incluyó como número 21 en una lista de las personas más ricas del mundo, con un patrimonio neto estimado de $ 20,9 mil millones.1) Además, hasta que su Museo de Arte Estadounidense Crystal Bridges debutó con gran fanfarria en Bentonville, Ark., el 1 de noviembre. El 11 de noviembre de 2011, pocas personas conocían el alcance o el tamaño del tesoro que había estado recolectando. El secreto y el estatus de intruso de Walton irritaban a los conocedores del mundo del arte, y los críticos recurrieron a la especulación, las insinuaciones y la 'narcosidad', según David Houston, director curatorial del museo.2 Sin embargo, Walton no es completamente desconocido en los círculos artísticos. : ha sido miembro de las juntas directivas del Museo Amon Carter en Fort Worth y de la Galería Nacional de Arte en Washington, DC

En retrospectiva, Sandy Edwards, subdirectora de relaciones con los museos en Crystal Bridges, reconoce que la negativa del museo a revelar sus posesiones por adelantado expuso la empresa a un ataque. Pero los administradores decidieron no divulgar la información en forma irregular porque, argumenta, & # 8220 & # 8217 es difícil hablar sobre una colección que & # 8217s & lsquobecoming. & # 82213 el paño para la revelación & mdashvoil & agrave! & # 8221 dice Houston. Ahora que la instalación de 217,000 pies cuadrados está abierta, con una exhibición inaugural de unas 400 de sus más de 1,400 obras, 4 Crystal Bridges está disponible para un escrutinio crítico.

El proyecto es de alcance y ambición faraónicos, y tiene como objetivo no solo establecer un museo de clase mundial durante una recesión fiscal precipitada, sino también transformar un hueco de Arkansas en un destino cultural. Esforzándose por hacer realidad estos deseos en un sitio boscoso de 120 acres por el que Walton deambulaba en su juventud, los trabajadores han remodelado la tierra, han desviado un arroyo y han plantado miles de plántulas. Mientras tanto, un personal directivo recién reunido ha creado equipos operativos y curatoriales para facilitar la exhibición pública de una colección de arte acumulada en gran medida individualmente.

Bentonville (35.000 habitantes) es Walmart, punto. Sam Walton & # 8217s original de cinco y diez centavos todavía ancla la plaza compacta de la ciudad # 8217. Establecida en 1950, la tienda es ahora el Centro de Visitantes de Walmart y un monumento a la perspicacia comercial de & # 8220Mr. Sam. & # 8221 Walton (1918 & ndash1992) se crió durante la Depresión, se convirtió en el Eagle Scout más joven de Missouri, se graduó de la Universidad de Missouri en 1940 y sirvió en Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial en el Cuerpo de Inteligencia del Ejército de EE. UU. Después de la guerra, se estableció como un astuto empresario, expandiendo constantemente su emporio de descuentos en el minorista más grande del mundo.

Según los materiales educativos del centro, Walton, un devoto hombre de familia, personificó los valores eternos de las pequeñas ciudades.Sam recibió la Medalla Presidencial de la Libertad en 1992 y declara: & # 8220Su éxito es nuestro éxito, el éxito de América & # 8221. empresa para dominar el mercado dondequiera que vaya, forzando a muchas empresas locales a la quiebra y drenando la vida de innumerables calles principales y plazas cuyos valores supuestamente encarna. Mientras tanto, su dependencia de la fabricación barata en China le ha robado al corazón de Estados Unidos innumerables puestos de trabajo.

Pero basta del mundo real. Así como People Greeters dan la bienvenida a los compradores a todas las tiendas de Walmart, las Guías de Galería en Crystal Bridges tienen botones grandes & # 8220Pregúnteme & # 8221 y preguntan repetidamente, & # 8220¿Te estás divirtiendo? & # 8221 Presentando obras seleccionadas, proclaman en voz alta, & # 8220Esto es un tesoro nacional! & # 8221 Las guías también ofrecen interpretaciones y proporcionan información de fondo sobre el artículo.5 Además, desde los asistentes del estacionamiento hasta los camareros de los restaurantes, todo el personal de Crystal Bridges parece haber absorbido diligentemente a Sam Walton & # 8217s & # 822010-foot rule & # 8221: & # 8220 Prometo y declaro que siempre que me acerque a 10 pies de un cliente, lo miraré a los ojos, lo saludaré y le preguntaré si puedo ayudarlo. & # 8221 Bajo el escrutinio de dos Guías por galería en Además de una falange de guardias itinerantes, los visitantes del museo pueden tener dificultades para contemplar tranquilamente el arte o formarse sus propias opiniones sobre la experiencia del museo.

En un lugar donde las entradas para iglesias y organizaciones religiosas ocupan ocho páginas en las páginas amarillas regionales (solo médicos, dentistas, restaurantes y fontaneros, muchos de ellos con anuncios con imágenes grandes y mdash ocupan un espacio comparable), la fe y el trabajo están estrechamente entrelazados. Durante mi visita, un letrero de la iglesia al aire libre aconsejaba: & # 8220Si no tienes éxito / no lees las instrucciones / la Biblia, & # 8221, y otro aconsejó, & # 8220 Hojas de otoño / Jesús no & # 8217t. & # 8221 Además de Crystal Bridges, Los lugares de interés cultural en el área incluyen el Daisy Airgun Museum, el Promised Land Zoo Terra Studios, la fuente de los coleccionables de vidrio Bluebird of Happiness y la Precious Moments Chapel, cuyos murales & # 8220ministerio de arte & # 8221, pintados por el ilustrador Samuel J. Butcher , presenta 84 escenas bíblicas. Las gasolineras Kum & amp Go son las favoritas de los locales y Caza de cerdos & # 8217 La revista aparece en el aeropuerto.

En el camino hacia la ciudad, verá que el entorno construido recapitula la evolución económica de la zona: un grupo de antiguas chozas, con sus frágiles lamas de madera desgastadas a gris, da paso a un remolque de doble ancho, seguido de una nueva comunidad cerrada, su estilo medieval. torre de vigilancia de estilo que se alza sobre una casa solitaria. Proliferan las barbacoas de Roadhouse, mientras que las subdivisiones llevan nombres poco probables como El Contento. En el museo, el atuendo de los visitantes incluye camisas de rodeo elaboradamente bordadas, botas y sombreros de vaquero, hebillas de cinturón de gran tamaño y camisetas que conmemoran los viajes al Grand Ole Opry o al Rock and Worship Roadshow. Es fácil desdeñar tales particularidades sociales, pero los sofisticados del mundo del arte y los defensores de la diversidad étnica y el multiculturalismo deben considerar hasta qué punto estas costumbres representan un estilo regional auténtico y una historia venerable.

EN 1880, JOSEPH C. Choate, fideicomisario fundador del Museo Metropolitano de Arte, exhortó a los reunidos por la dedicación del museo a intensificar e invertir en la cultura para el bien público:

Piénsenlo, millonarios de muchos mercados; qué gloria puede ser la suya, si solo escuchan nuestros consejos, de convertir el cerdo en porcelana, el grano y los productos agrícolas en alfarería de valor incalculable. . . y acciones de ferrocarriles y acciones mineras. . . en el lienzo glorificado de los maestros del mundo, que adornarán estos muros durante siglos.6

Si bien las fortunas corporativas de hoy en día pueden surgir de diferentes productos y servicios, el impulso sigue siendo fuerte, desde los Carnegies, Whitney, Morgan, Fricks y Gardner pasando por los Rockefeller (tanto Abby como John D.) hasta los Lauders y Broads en adelante: los ricos establecen instituciones culturales para educar y elevar a las masas, mientras también celebran sus logros personales y generosidad.

De manera significativa, Alice Walton se resistió a la práctica consagrada de erigir un edificio del mismo nombre que domina su entorno. Sin considerar a ningún otro arquitecto, recurrió a Moshe Safdie para diseñar un complejo de más de $ 100 millones en armonía con su entorno, una institución que lleva el nombre de Crystal Stream local y & # 8220 aterrizada en su lugar & # 8221 según Houston. Edwards lo describe como una & # 8220 fusión de arte, naturaleza y arquitectura. & # 8221

El esquema genera analogías orgánicas: tres pabellones abovedados en forma de rombo cuentan con techos acanalados de cobre y vidrio que evocan las secciones unidas de un armadillo y el caparazón # 8217. Uno contiene galerías, otro, un restaurante el tercero, un Gran Salón para conferencias y otros eventos especiales. Dentro de estos espacios, es como si hubiera entrado en la cavidad corporal de una ballena o un dinosaurio. Los pabellones están acompañados de otras seis estructuras que albergan oficinas administrativas, una biblioteca, la mayoría de las áreas expositivas e instalaciones de servicios. Las ventanas se elevan hacia afuera, abundan las superficies elegantes y el campus en expansión rodea un estanque artificial. Por la noche, las vigas arqueadas del techo de cedro rojo del edificio están impregnadas de un brillo cálido que, a su vez, crean patrones en forma de abanico en el vidrio. En general, Crystal Bridges se asemeja a una ciudad pequeña, reluciente y bulliciosa.

De acuerdo con el plan amigable para las personas, seis senderos naturales serpentean por más de tres millas, conectando casualmente el centro de Bentonville con el museo. James Turrell y # 8217s El camino del color (2009), alojado en una estructura circular junto a uno de los caminos, ejemplifica la deseada convergencia de arte y medio ambiente. A partes iguales de un antiguo observatorio celestial y un espectáculo visual de alta tecnología, invita a los visitantes a mirar a través de la gran abertura en el techo mientras cientos de luces LED avanzan a través del espectro de colores e interactúan con el cielo y las condiciones atmosféricas para crear un panorama de matices que cambia lentamente. .

La ingeniería y los materiales del museo son impresionantes, el lugar está claramente calculado para deslumbrar. Pero el diseño de Safdie & # 8217 plantea la pregunta que todos los proyectos de starchitect hacen: ¿qué tan propicio es para presentar obras de arte? Kevin Murphy, curador de arte estadounidense, admite que el personal tardó un tiempo en & # 8220 entender el código & # 8221 del edificio. El diseño, bromea, simula un lavado de autos: una vez que ingresas a las galerías, tienes que continuar hasta el final.

En consecuencia, los pasillos entre varias galerías, llenos de cómodos asientos y montones de libros de arte, ofrecen vistas al aire libre cuidadosamente organizadas, por ejemplo, una cascada dramáticamente rocosa hecha por el hombre, para permitir que la gente se quede y se relaje. En palabras de Houston, Crystal Bridges incorpora & # 8220el contenedor, lo contenido y lo que los rodea. & # 8221

Después de la construcción, uno de los pabellones con paredes de vidrio requirió la adición de dos estructuras independientes en forma de caja en el interior para albergar exposiciones, de lo contrario, la obra de arte se habría inundado de luz. Y aunque Murphy siente que hay & # 8220momentos cinematográficos & # 8221 en la arquitectura, el diseño favorece espacios altísimos que desafortunadamente eclipsan incluso algunas de las piezas más grandes de la colección. Alexander Calder & # 8217s móvil independiente de casi 11 pies de altura Trois noirs sur un rouge (1968) se encoge en la inmensidad, perdiendo gran parte de su efecto. Y acordonado por candeleros, la obra impide el fácil movimiento a través de la galería. El impacto de Wayne Thiebaud & # 8217 es asombroso, vibrante y meticulosamente pintado Mujer supina (1963) es algo silenciado por la galería & # 8217s fuerte luz eléctrica y por ser emparejado con Andy Warhol & # 8217s fríamente descolorido Dolly Parton (1985).

& # 8220CELEBRATING THE AMERICAN SPIRIT, & # 8221, la selección inicial de la colección, presenta el trabajo cronológicamente, no temáticamente, un enfoque que Houston afirma que habría creado & # 8220 demasiados huérfanos & # 8221 Sin embargo, se pueden discernir temas importantes, incluida la naturaleza , especialmente como se muestra en los paisajes de finales del siglo XIX, los artistas estadounidenses, su identidad cambiante examinada a través de autorretratos, vistas de estudio y retratos de otras mujeres, a través de imágenes de ellas y de los nativos americanos o sobre ellas. Crystal Bridges presenta arte desde la era colonial hasta el presente, pero el período de 1860 a 1920 proporciona & # 8220 el lastre & # 8221 de la colección, según Houston. Artistas como Winslow Homer, Marsden Hartley, Arthur Dove y Stuart Davis están bien representados, al igual que Hudson River School, Ash Can School y Regionalism. Los curadores son conscientes de que el museo y las existencias posteriores a la Segunda Guerra Mundial son actualmente mucho más escasas.

Las multitudes tienden a atascarse en obras particulares: Durand & # 8217s Espíritus afines, por supuesto (los visitantes son muy conscientes de su elevado precio) Norman Rockwell & # 8217s icónico lienzo de la Segunda Guerra Mundial Rosie la remachadora (1943) y Dennis Miller Bunker & # 8217s Retrato de Anne Page (1887), cuya modelo de la era victoriana, con su frágil belleza, se dice que recuerda a los espectadores más jóvenes a Bella en la saga cinematográfica & # 8220Twilight & # 8221. Instalación de Devorah Sperber & # 8217s Después de la última cena (2005), llamado & # 8220Lord & # 8217s Supper & # 8221 por algunos visitantes, resulta atractivo porque utiliza materiales poco comunes para el arte (más de 20,000 carretes de hilo) y presenta una imagen familiar invertida que uno obtiene la vista corregida al mirar la pieza a través de una esfera acrílica transparente.

Pero muchos de los momentos más satisfactorios en Crystal Bridges se generan en pequeñas formas, a menudo por pinturas: los colibríes representados de manera vibrante en Martin Johnson Heade & # 8217s series & # 8220 The Gems of Brazil & # 8221 (1863-64) son coquetos y balleticos. -acabado vidriado de la vasija de barro en Raphaelle Peale & # 8217s Maíz y Melón (ca. 1813) brilla como si fuera nuevo, acompañado por la interpretación fresca de la tierra y # 8217s ofrece la tranquila ternura de George de Forest Brush & # 8217s El indio y el lirio (1887) sugiere tanto un idilio del bosque (las alas de un cadáver de espátula llevada en la espalda del cazador lo beatifican, repicando visualmente con la flor blanca que alcanza para arrancar) y una amenaza inminente (el indio, como el pájaro, está implícitamente en peligro de extinción). por la era & # 8217s incursiones de raza blanca) y Yasuo Kuniyoshi & # 8217s Pequeño Joe con Vaca (1923) es un revoltijo fantasioso, ligeramente vertiginoso, de formas estilizadas (niño, vaca, casa, vegetación).

Murphy afirma, & # 8220La idea era contar la historia más simple en la instalación inicial y una & lsquomessier & # 8217 quizás más tarde, & # 8221, mientras que Houston argumenta que el mandato curatorial era & # 8220 no venir con un revisionista o un punto alternativo Desde mi punto de vista, esto está destinado a ser una institución cultural convencional. & # 8221 Pero las consecuencias de esta táctica pueden ser la timidez o la evasión. Por ejemplo, el texto de la pared que describe Marsden Hartley & # 8217s Madawaska y mdash Acadian Light-Heavy (1940) dice lo siguiente:

Esta pintura representa a un joven boxeador no identificado de la ciudad de Madawaska, Maine. El cuello del boxeador es una losa parecida a un muñón que surge de los deltoides triangulares montañosos. Es un cuerpo moldeado y representativo de un duro entorno del norte, donde cortar madera sigue siendo una habilidad de supervivencia y una necesidad diaria. Se encuentra en un espacio indeterminado y poco profundo, su rostro y cuerpo parcialmente ocultos en las sombras contra un suelo rojo sangre. El retrato transmite una sensación de pasión que es inmediata y directa, fiel a la gracia contundente del tema, la composición y la técnica del artista.

Por lo tanto, prevalece un análisis composicional confuso, mientras que el deseo del mismo sexo que impregna la obra permanece sin declarar.8 De manera similar, Robert Rauschenberg y Jasper Johns están emparejados, y los hombres se caracterizan como & # 8220 amigos cercanos & # 8221. Y se ofrece poco sobre múltiples obras de George Tooker y Paul Cadmus & mdashtwo de este último destacando explícitamente la figura masculina desnuda & mdash más allá de la observación deliberadamente vaga de que & # 8220 la seducción y el misterio abundan & # 8221 Houston describe las etiquetas del museo & # 8217 como que no contienen & # 8220 términos polisilábicos o técnicos, pero tampoco [refleja] la lengua vernácula populista. & # 8221 Pero esos parámetros pasan por alto información vital, una estrategia que embrutece la interpretación y, en última instancia, defrauda a la audiencia.

Además, algunas opciones educativas y curatoriales de Crystal Bridges son idiosincrásicas. Jack Levine y # 8217s Los corredores de armas (1982-83) se ha colgado junto al texto de la pared que explica el posmodernismo. La fecha de esta pintura cae dentro del marco de tiempo relevante, sin duda, pero la obra, un retrato grupal difamatorio de los comerciantes de la muerte internacionales, presenta el mismo estilo satírico, cuasi naturalista que Levine había estado practicando durante décadas y mdash con poco o ningún po- mo autorreflexión. Uno de los guías itinerantes de la galería, explicando la escultura del piso de aluminio fundido. Comer carne (1969/75), calificó a Lynda Benglis de expresionista abstracta, una designación que oscurece tanto como ilumina. Benglis ciertamente manifiesta una continuidad formal y un compromiso crítico con Ab-Ex, pero la caracterización demasiado simple de la Guía elude las influencias clave del arte pop y el feminismo en su trabajo.

El potencial de Crystal Bridges se vislumbra mejor en la exposición temporal & # 8220Wonder World: Nature and Perception in Contemporary American Art & # 8221 (hasta el 5 de mayo). Las 33 obras, elegidas con imaginación de la colección y exhibidas inteligentemente, atraen a los dos grupos que, según Houston, componen la audiencia del museo: la & # 8220 multitud cultural & # 8221 y la & # 8220 multitud común & # 8221. como Walton Ford y la espeluznante pintura monumental n. ° 8217 La isla (2009), que muestra una pila retorcida de lobos de Tasmania ahora extintos Vik Muniz & # 8217s C-print digital de pájaros y flores Orquídea brasileña blanca según Martin Johnson Heade (2010) Roxy Paine & # 8217s escultura de mesa de hierba falsa Mal césped (1998) Al Souza & # 8217s imagen abstracta en forma de cola compuesta de piezas de un rompecabezas, Campo y corriente (2001) y Alison Elizabeth Taylor & # 8217s instalación sin cita previa llena de marquetería de tour-de- force Habitación (2007-08), todos mostrados en una galería, abordan el tema de la exposición y el tema # 8217 de una manera muy original y desafiante. En una habitación adyacente, John Baldessari & # 8217s broma visual de gran tamaño Trompeta Beethoven & # 8217s (con oído), Opus # 132 Reverse (2007), una escultura que presenta una oreja de yeso montada en la pared con una trompeta anticuada que sobresale de ella, tiene un componente auditivo interactivo, lo que la convierte en una contraparte brillante de dos disfraces caprichosos de Nick Cave & # 8220Soundsuit & # 8221.

EXACTAMENTE QUÉ PAPEL juega Alice Walton en Crystal Bridges? Su fundación familiar le ha proporcionado a la institución una donación de $ 800 millones, y su ojo ha dado forma a la colección principal.9 Además de ser la fundadora del museo, preside su junta directiva y es miembro del comité de arte.10 Ella También buscó el consejo del miembro de la junta John Wilmerding, ex subdirector de la National Gallery y profesor emérito de historia del arte en Princeton. Sin embargo, según el personal curatorial, Walton no participa activamente en las operaciones diarias. Edwards sostiene, & # 8220Alice es una parte visible del proceso, pero ella & # 8217 no los proceso. & # 8221

Todos los comisarios han elaborado libros blancos que vislumbran el futuro de sus respectivas áreas. Sus condiciones de trabajo actuales son envidiables: tienen los recursos para construir desde cero en un momento en el que muchos esfuerzos culturales están luchando. De hecho, todo el personal parece compartir una perspectiva optimista y un agudo sentido de la aventura que anhelan generar un ambiente acogedor para todos, donde & # 8220fun & # 8221 & # 8220dream & # 8221 y & # 8220wow & # 8221 son términos operativos. Edwards aconseja, & # 8220 & # 8217 somos un poco como una caja de arena que & # 8217 vamos a probar cosas & # 8221.

Sin embargo, en el mundo del arte establecido, avanzar la reacción crítica a la misma idea of Crystal Bridges ha sido casi uniformemente despectivo. Esta respuesta tiene dos vertientes. Primero, el patrocinador indirecto, Walmart, es percibido como un matón del mercado cuyo nombre es sinónimo de gran volumen, baja calidad y una aburrida uniformidad. En segundo lugar, el museo se ha colocado en lo que muchos estadounidenses consideran los límites. Crystal Bridges corre el riesgo de convertirse en el Bentonville Hillbilly de las instituciones de arte, a menos que pueda desarrollar credibilidad tanto dentro como fuera de su localidad.

Por lo tanto, no es suficiente simplemente gloriarse en el brillo de este alijo de tesoros artísticos recientemente adquirido, o dejar que la institución subsista como un proyecto de vanidad. El personal del museo debe demostrar que comprende profundamente el linaje histórico del arte de sus fondos, que confía en sus visitantes lo suficiente como para ofrecerles información potencialmente controvertida y permitirles tomar sus propias decisiones al respecto, y que se dan cuenta de que una visita al museo no tiene por qué estar empaquetada y empaquetada. experiencia altamente administrada, con una narrativa para sentirse bien diseñada para dejar a uno simplemente asombrado y feliz. Debido a que los administradores y curadores de Crystal Bridges no tienen que vigilar constantemente el resultado final, o preocuparse por enojar a los clientes potenciales que pagan (las tarifas de admisión se han suscrito durante los próximos años), deben sentirse más libres para desarrollar una voz interpretativa fuerte y generar nuevos conocimientos sobre su colección. Deben lograr un equilibrio entre simplemente mostrar imágenes bonitas y cambiar de opinión sobre lo que significan esas obras.

Al mismo tiempo, este museo también plantea distintos desafíos a los habituales del mundo del arte. Sería ingenuo pensar que el dinero detrás de muchas instituciones exaltadas actualmente es & # 8220más limpio & # 8221 que Walton & # 8217s, o viene con menos condiciones. La compra de arte es un juego de alto riesgo al que solo un número limitado de personas puede jugar, por lo que si se quiere adoptar un tono moralista y moralista con Walton, entonces los guantes deben desprenderse con respecto a otros grandes apostadores en el arte. mercado también. (Felicitaciones a la New York Times para sus exposiciones del 26 de noviembre de 2011 sobre las prácticas de protección fiscal de Ronald Lauder).

Además, los críticos han mostrado una reacción de NIMBY de estilo inverso: ¡En ninguna parte EXCEPTO en My Backyard! Crystal Bridges representa una forma de populismo geográfico que no sienta bien a los elitistas del mundo del arte que creen que la cultura existe, y debe cultivarse, en unos pocos lugares preciados, preferiblemente de su propia elección. Pero, ¿por qué, especialmente en una era de comunicaciones electrónicas y viajes masivos, el arte debe limitarse a un puñado de metrópolis? Y si el mundo del arte se ha abierto camino hasta Bilbao o la pequeña y remota Marfa, Texas, ¿por qué no a Bentonville?


Mecenas dona un destacado cuadro de Ribera a Städel con motivo de su centésimo cumpleaños

09 mardi Déc 2014

Jusepe de Ribera (1591-1652), Santiago el Mayor, ca. 1615/16. Óleo sobre lienzo, 133,1 x 99,1 cm. Frankfurt am Main, Städel Museum Donación de Dagmar Westberg, Frankfurt am Main, en 2014 Foto: Museo Städel.

FRANKFURT.- Hoy Dagmar Westberg celebra su centésimo cumpleaños en el Städel Museum. En esta ocasión, el fundador de la Dagmar-Westberg-Stiftung y antiguo mecenas de Städel está donando una obra extremadamente preciosa e históricamente importante al museo de Frankfurt para su colección de Antiguos Maestros: el cuadro de Santiago el Mayor de ca. 1615/16 de Jusepe de Ribera (1591-1652). Ribera se encuentra entre los pintores más importantes del siglo XVII, y uno de los que une los logros artísticos de dos escuelas europeas en una sola persona. Nacido en la provincia de Valencia, puede ser considerado el pintor español más destacado después de Diego Velázquez (1599-1660). Sin embargo, pasó toda su vida en Italia, primero en Roma, luego en el virreinato español de Nápoles, y en consecuencia también fue uno de los pintores más influyentes del barroco italiano. En el Museo Städel, esta obra maestra se presentará en la gran galería italiana con efecto inmediato y, por lo tanto, después de cuatro siglos en propiedad privada, se exhibirá en una colección pública por primera vez y de forma permanente.

Desde hace casi doscientos años, la dedicación de los ciudadanos individuales ha sido la piedra angular de la existencia continua del Museo Städel. Dentro de esta tradición, Dagmar Westberg es un ejemplo brillante y, en todos los aspectos, una figura destacada con la que estamos profundamente en deuda. Su donación del Santiago el Mayor de Ribera sin duda puede considerarse un hito en la larga historia de colecciones de nuestro museo. No podríamos haber soñado con un regalo más maravilloso, y en la ocasión especial de su centésimo cumpleaños, nada menos. Estamos encantados y orgullosos de que la Sra. Westberg esté celebrando su día de honor en y con el Städel”, Comentó el director del museo, Max Hollein.

Nacido en Hamburgo en 1914 y residente en Frankfurt, Dagmar Westberg es uno de los mecenas más destacados del Museo Städel de la ciudad. En los últimos años, ya ha tomado sus cumpleaños como ocasiones para apoyar a Städel con importantes donaciones de obras de arte y fondos. En 2008, por ejemplo, Westberg entregó al museo, entre otras obras, el retablo del “Maestro de la adoración von Groote”, un tríptico del primer tercio del siglo XVI y una de las obras holandesas más destacadas de su país. tiempo. En 2013, Dagmar Westberg permitió al museo comprar una litografía rara de Francisco Goya y una impresión de Edvard Munch. Además, con fondos de la fundación Dagmar Westberg, apoya periódicamente importantes compras para el Departamento de Grabados y Dibujos de Städel. En los últimos años, se han adquirido con su ayuda dibujos de Carl Spitzweg, Max Klinger, Henri Michaux y Almut Heise y obras de grabado de Max Beckmann, Candida Höfer, Tacita Dean y Paul Morrison, por nombrar solo algunos ejemplos importantes. La Sra. Westberg también defiende los intereses generales y la preocupación del Städel y ha asumido el patrocinio permanente de una galería en el departamento de Antiguos Maestros del museo.

Nacida en una familia de empresarios del Báltico-Hamburgo, Dagmar Westberg trabajó durante muchos años para los consulados generales estadounidenses en Hamburgo, Berlín y, desde el final de la Segunda Guerra Mundial en adelante, Fráncfort del Meno. Ya su tío abuelo Oskar Troplowitz, inventor de productos como Leukoplast, Hansaplast, Tesa tape y Nivea y responsable del éxito de la empresa Beiersdorf, era un gran mecenas del arte. Legó veintiséis cuadros a la Kunsthalle de Hamburgo, entre ellos obras maestras de artistas franceses y alemanes de los siglos XIX y XX como Auguste Renoir, Alfred Sisley, Pablo Picasso o Max Liebermann. Su sobrina nieta Dagmar Westberg ha continuado la tradición. Apoya no solo al Städel Museum, sino también, con gran compromiso personal, a otras numerosas iniciativas sociales, culturales y educativas. Entre las instituciones y fundaciones a las que ha ayudado se encuentran el refugio de niñas de Frankfurt FeM, el Cronstetten-Stiftung, el Programa de Trabajo de Verano Alemán en la Universidad de Princeton y la Goethe-Universität Frankfurt am Main. En 2008 recibió la medalla Georg August Zinn del estado de Hesse por su dedicación.

JUSEPE DE RIBERA (JÁTIVA 1591-1652 NÁPOLES), SANTIAGO EL MAYOR, CA. 1615/16

Fechas y hechos
El cuadro adquirido por el Städel Museum muestra al apóstol Santiago el Mayor en el impresionante formato de 133,1 por 99,1 centímetros, correspondiente a las dimensiones que, en la pintura romana, eran características de la llamada tela d'imperatore (“lienzo imperial”) . En la obra, el espectador se encuentra con una figura monumental de medio cuerpo de pura presencia escultórica. El apóstol está de pie ante una pared oscura y es iluminado por un rayo de luz que destaca de manera sorprendente contra esa superficie oscura, una situación de iluminación del tipo típico de Caravaggio y sus sucesores. En su mano derecha agarra firmemente su atributo, el largo bastón de peregrino en su mano izquierda, que sostiene frente a su cuerpo, agarra un libro. Otro indicio de su identidad como peregrino es la insignia de los dos pequeños bastones de peregrino cruzados prendidos en el pecho de su túnica y relucientes a la luz. Las manos de James, endurecidas por el clima y el trabajo y demostrando literalmente su carácter "práctico", se han interpretado con el naturalismo casi provocador que Caravaggio había introducido en el arte no mucho antes. Su ropa, una túnica gris claro con un manto rojo vivo encima, es rica, no en decoración sino en volumen. El santo tiene la capa envuelta sobre su hombro izquierdo y recogida en su brazo izquierdo de tal manera que la tela gruesa crea una topografía de pliegues elaboradamente formada. La luz y la sombra confieren una plasticidad contundente al patrón prácticamente abstracto así formado. El cuerpo realiza un giro leve pero perceptible, el hombro izquierdo se vuelve hacia el espectador. Las direcciones contrarias de los brazos y las manos dan a la figura una cierta dinámica. La monumentalidad de la pose, el brazo sostenido ante el cuerpo en un gesto protector y el patrón tridimensional de los pliegues que se presentan de manera tan prominente al espectador sirven para intensificar la presencia del apóstol en su apariencia virtualmente escénica en esta pintura.

La forma en que esta fuerza inherente es atemperada por la propia figura es típica del estilo de Ribera. Es su cabeza, inclinada suavemente hacia un lado, lo que pone en juego una faceta completamente diferente del santo. Ribera llama la atención sobre la cabeza convirtiéndola en la única parte de la figura colocada directamente en el haz de luz, al mismo tiempo que la respalda con una aureola de luz. El apóstol mira al espectador de frente con ojos profundamente oscuros y brillantes, con los labios ligeramente separados. Todo en su rostro es fino, noble y elegante: la curva de los labios, el contorno de las orejas, los dinámicos mechones de cabello castaño ondulado. La dulzura del rostro contrasta sutilmente con la expresión contundente del cuerpo. La ambigüedad entre apariencia y aparición, presencia y éxtasis distingue a la pintura como obra maestra sensiblemente concebida por los primeros riberales. Lo ejecutó en los años alrededor de 1615/16, hacia el final de su estancia en Roma y poco antes de partir hacia Nápoles, donde residiría el resto de su vida.

Clasificación histórico-artística
Los estudiosos del arte atribuyeron inicialmente la pintura al llamado "Maestro del juicio de Salomón", quien mientras tanto se ha revelado como una ficción de investigación. Desde 1978, la obra ha sido citada en la literatura histórico-artística de manera convincente y unánime como una obra temprana de Ribera, e incluida en todos los catálogos de obras relevantes. No solo es excelente la calidad de la concepción y la ejecución pictórica de este cuadro, sino también el estado en el que ha llegado hasta nosotros. Es sobre todo la comparación estilística con obras que se sabe con certeza son de la mano de Ribera que dan testimonio de su autoría, por ejemplo, los Santos Pedro y Pablo en Estrasburgo, San Sebastián en Osuna y San Pedro Penitente en Nueva York, todos ellos Se parecen mucho al apóstol Santiago en la formación del rostro y el modelado de los pliegues, hasta en el más mínimo detalle. Una representación del mismo santo en el Prado, realizada hacia 1630, muestra de manera llamativa cómo, quince años más tarde, en una fase estilística diferente, Ribera se basó en sus primeras obras. Sin embargo, la pintura es muy importante no solo dentro de la obra del maestro español, sino también en lo que respecta a su recepción por parte de sus contemporáneos. Incluso Diego Velázquez, artista ocho años menor que Ribera, probablemente recibió impulsos fundamentales de la obra del maestro mayor por su Santo Tomás ejecutado pocos años después y ahora en el Musée des Beaux-Arts de Orleans.

Procedencia
En Roma, nos dicen las fuentes, el joven pintor llevó la vida de un bohemio y rápidamente se hizo un nombre con su arte. Como resultado, sus pinturas fueron comprobables en los inventarios de algunos de los coleccionistas más ricos de la ciudad. Vincenzo Giustiniani, por ejemplo, conocido como mecenas de Caravaggio, debió cultivar un estrecho contacto con Ribera y admirarlo tanto como a Caravaggio, cuyas obras son las más representadas en su inventario. Ese listado también menciona un Santiago el Grande de la mano de Ribera en el formato de tela d’imperatore, posiblemente el mismo trabajo que ahora está en la colección de Frankfurt. La historia de la colección del siglo XX del Städel Saint James se registró gracias a una serie de cambios de propiedad. Apareció por primera vez en un catálogo cuando Leo Schidlof lo ofreció en una subasta en Viena en 1924. En 1927 se mostró en Berlín en el marco de una exposición de la Antiquitätenhaus Wertheim. El catálogo adjunto nombra a un tal Ernst Lang como su propietario. Dos años después, el coleccionista privado Ernst Seifert compró el cuadro a Ernst Adler, con domicilio en Asch, en una subasta en el establecimiento berlinés de Rudolph Lepke. Seifert lo conservó durante los años de la guerra, durante casi tres décadas en total, y en 1958 se lo vendió al marchante de arte de Munich Julius Harry Böhler. Este último lo vendió en 1964 a una familia de cuya colección el concesionario de arte Bernheimer-Colnaghi obtuvo recientemente su posesión. Fue allí donde la mecenas de Fráncfort, Dagmar Westberg, la compró en 2014 para obsequiarla en el Museo Städel el 8 de diciembre con motivo de su centésimo cumpleaños.

La importancia de la adquisición para la colección Städel
En Städel, la donación llena un vacío en las tenencias de Old Masters. Precisamente los inicios de la pintura barroca europea, que se remontan a las décadas alrededor de 1600 en Italia, fueron representados inadecuadamente en esta colección pública. La donación de una Virgen por Guercino (ca. 1621/22) de la colección Beaucamp en 2010 fue un primer paso importante para remediar esta situación. También se pueden establecer una amplia gama de vínculos con el Cristo caravaggesco de la columna de Guido Reni (1604), El joven cantando de Dirck van Baburen (1622) y Susana y los ancianos de Massimo Stanzione (ca 1630/35).

“En el Saint James de Ribera, un ejemplo sobresaliente de la recepción temprana de Caravaggio se ha abierto camino en la colección, donde introducirá un acento llamativo en nuestro gran salón italiano. Una pintura que te detiene en seco ”, comenta Bastian Eclercy, director de la colección de pintura italiana, francesa y española anterior a 1800 en el Städel Museum.

Los principales museos del mundo, en primer lugar el Prado de Madrid y el Museo di Capodimonte de Nápoles, tienen obras de Ribera en sus colecciones. En el Frankfurt Städel, la ausencia de un cuadro de este maestro ha representado hasta ahora una brecha dolorosa. Un desideratum particular fue una obra de la fase en la que el joven artista se vio fuertemente afectado por su encuentro con el arte de Caravaggio. Aún con poco más de veinte años, Ribera vivió en Roma durante al menos cuatro años, desde aproximadamente 1612 hasta 1616, y allí cayó bajo el hechizo de ese maestro de la pintura de claroscuro y el estudio de la naturaleza. Pocas fuentes arrojan luz sobre esta etapa de la carrera de Ribera, que solo recientemente ha obtenido el reconocimiento que merece por parte de los estudiosos y del público gracias, sobre todo, a la gran exposición de Madrid y Nápoles en 2011/12. Esta muestra dio un impulso regular a la investigación sobre el tema, por lo que la obra temprana de Ribera es actualmente uno de los temas más discutidos en la literatura sobre el barroco italiano. En este contexto, la adquisición de un lienzo de Ribera de gran formato del San Pedro penitente (ca. 1612/13) por el Museo Metropolitano de Nueva York en 2012 atrajo mucha atención, al igual que la compra del Louvre de París del Santo del artista. Juan el Bautista el mismo año. Con la nueva adquisición que se produjo a través del regalo de Dagmar Westberg, Städel se encuentra ahora en la afortunada posición de poder hacer una contribución significativa a esta discusión de gran actualidad.


Sharon Core

1661, de la serie 1606-1907, 2017. Impresión de pigmento de archivo, 24 1/2 x 20 pulgadas.

1640 de la serie 1606-1907, 2016. Impresión pigmentada de archivo, 48 x 38 cm.

1841, de la serie 1606-1907, 2016. Impresión de pigmento de archivo, 21 1/2 x 18 pulgadas.

1606, de la serie 1606-1907, 2011. Impresión de pigmento de archivo, 26 x 19 3/4 pulgadas.

1665, de la serie 1606-1907 2011, impresión de pigmento de archivo de 22,25 x 18,25 pulgadas

1616, de la serie 1606-1907, 2017. Impresión de pigmento de archivo, 12 1/2 x 10 1/2 pulgadas.

1726, de la serie 1606-1907, 2011. Impresión de pigmento de archivo, 22 x 17 3/4 pulgadas.

1720, de la serie 1606-1907, 2012. Impresión de pigmento de archivo, 29 1/4 x 23 pulgadas.

1879, de la serie 1606-1907, 2011. Impresión de pigmento de archivo, 26 x 20 3/4 pulgadas.

1905, de la serie 1606-1907, 2011. Impresión de pigmento de archivo, 30 x 23 pulgadas.

1890, de la serie 1606-1907, 2011. Impresión de pigmento de archivo, 19 x 14 3/4 pulgadas.

1865, de la serie 1606-1907, 2011. Impresión pigmentada de archivo, 18 x 15 pulgadas.

Fila de lápiz labial, 2019. Impresión de pigmento de archivo. Imagen: 12 7/8 x 18 pulgadas, papel: 15 1/4 x 21 pulgadas.

Cono de helado gigante, Acostado, 2019. Impresión de pigmento de archivo, 40 x 50 3/4.

Dos hamburguesas con queso con todo, 2006/2018. Impresión de pigmento de archivo, 32 x 40 pulgadas.

Pastel amarillo 2019. Impresión de pigmento de archivo, 37 3/4 x 48 pulgadas.

Sándwich de helado, 2018. Impresión pigmet de archivo, 74 x 60 pulgadas.

Varias papas, 2019. Impresión de pigmento de archivo, 38 x 28 3/4 pulgadas.

Banana split, 2019. Impresión de pigmento de archivo, 31 1/4 x 40 pulgadas.

Hamburguesa con Pepinillo y Tomate Adjunto, 2006/2018. Impresión de pigmento de archivo, 35 2/4 x 45 pulgadas.

Papa horneada, 2019. Impresión de pigmento de archivo, 33 x 40 pulgadas.

Pie a la Mode, 2006/2018. Impresión de pigmento de archivo, 33 x 40 pulgadas.

Bandera de Estados Unidos, 2019. Impresión de pigmento de archivo, 36 5/8 x 47 1/2 pulgadas.

pastel de fresas, 2018. Impresión de pigmento de archivo, 32 x 25 1/2 pulgadas.

Sin título # 17 de la serie Sotobosque, 2017. Impresión de pigmento de archivo, 30 x 19 pulgadas.

Sin título # 1 de la serie Sotobosque, 2014. Impresión de pigmento de archivo, 34 x 30 pulgadas.

Sin título # 16 de la serie Sotobosque, 2016. Impresión de pigmento de archivo, 20 x 30 pulgadas.

Sin título # 2 de la serie Sotobosque, 2015. Impresión de pigmento de archivo, 22 x 14 pulgadas.

Sin título # 3 de la serie Sotobosque, 2015. Impresión de pigmento de archivo, 31 x 25 pulgadas.

Sin título (Drama Queen), 2014. Impresión de pigmento de archivo, 36 3/4 x 29 pulgadas.

Sin título # 6 de la serie Sotobosque, 2015. Impresión pigmentada de archivo, 20 x 30 pulgadas.

Sin título # 11 de la serie Sotobosque, 2015. Impresión de pigmento de archivo, 31 x 25 pulgadas.

Americano temprano, hierba de Jimson, 2007. Impresión cromogénica, 14 1/4 x 18 5/8 pulgadas.

Primer americano, melón y jarra, 2009. Impresión cromogénica, 18 x 23 1/2 pulgadas.

Americano temprano, naturaleza muerta con pipa, 2009. Impresión cromogénica, 13 x 18 3/4 pulgadas.

Americano temprano, Manzanas, 2009. Impresión cromogénica, 10 3/4 x 13 1/2 pulgadas.

Americano temprano, Naturaleza muerta con tabaco en flor, 2009. Impresión cromogénica, 14 x 18 3/4 pulgadas.

American Early, sandía y moras, 2009. Impresión cromogénica, 14 x 18 1/2 pulgadas.

Puerros americanos, magnolios y silvestres tempranos, 2008. Impresión cromogénica, 14 x 17 pulgadas.

American Early, manzanas en canasta de porcelana, 2007. Impresión cromogénica, 15 x 18 1/4 pulgadas.

Calabaza americana temprana, sandía y manzana, 2007. Impresión cromogénica, 23 1/4 x 17 pulgadas.

Americano temprano, moras, 2008. Impresión cromogénica, 12 x 17 3/4 pulgadas.

Early American, Melon y Morning Glories, 2008. Impresión cromogénica, 20 1/2 x 27 pulgadas.

Americano temprano, naturaleza muerta con naranjas, 2008. Impresión cromogénica, 13 3/4 x 20 1/4 pulgadas.

American Early, Tea Cakes y Jerez, 2007. Impresión cromogénica, 11 1/2 x 15 1/2 pulgadas.

American Early, melocotones y moras, 2008. Impresión cromogénica, 12 1/2 x 16 1/2 pulgadas.

Americano temprano, Naturaleza muerta con bajo rayado, 2008. Impresión cromogénica, 28 x 39 pulgadas.

American Early, fresas y huevo de avestruz, 2007. Impresión cromogénica, 23 x 17 pulgadas.

Americano temprano, limones, 2007. Impresión cromogénica, 14 3/4 x 18 1/4 pulgadas.

Biografía

Las imágenes cuidadosamente construidas de Sharon Core & rsquos examinan la relación entre la ilusión y la realidad dentro de la fotografía. De Americano temprano (2007-2010), minuciosas recreaciones fotográficas de las naturalezas muertas de la pintora estadounidense del siglo XIX Raphaelle Peale, hasta su serie más reciente, Sotobosque (2014-2016), inspirada en la obra del pintor holandés del siglo XVII Otto Marseus van Schriek, para quien cultivó y fotografió una rica variedad de plantas, Core problematiza nuestra comprensión de la fotografía como un simple medio de decir la verdad.

En Americano temprano al espectador se le presentan bodegones de una variedad de objetos, que incluyen flores, peces, frutas y vajillas antiguas. El uso básico replicado por Peale & rsquos de la iluminación, el tema y la composición, incluso creciendo a partir de semillas de la herencia, variedades de frutas y verduras que existían a principios del siglo XIX. A través de estos esfuerzos, Core intenta reflejar el meticuloso proceso de pintura de Peal & rsquos, al tiempo que reconoce las brechas temporales, contextuales y tecnológicas entre las fotografías y sus materiales de referencia. Del mismo modo, para Sotobosque, Core mantiene su compromiso con la autenticidad de los materiales que fotografía, creando un estudio vivo a partir de una gran cúpula geodésica en la que cultivó la vida vegetal que se muestra en las fotografías. Así, su obra no es del todo ficcional, sino que puede verse como una extensión de la realidad, en la que las líneas entre lo natural y lo artificial se difuminan.

Nacida en Nueva Orleans en 1965, Sharon Core vive y trabaja en Esopus, Nueva York. Recibió su BFA en pintura de la Universidad de Georgia en 1987, y su MFA en fotografía de la Escuela de Arte de la Universidad de Yale en 1998. Core recibió el Premio Conmemorativo George Sakier a la Excelencia en Fotografía en la Escuela de Arte de Yale en 1998. y ganó la Beca de Arte de la Fundación Rema Hort Mann en 2000.

Desde 1998, su trabajo se ha exhibido en los Estados Unidos y en el extranjero, incluyendo George Eastman House, Rochester Grand Palais, Paris Norton Simon Museum, Pasadena Gallery Hyundai, Seoul White Columns, New York James Kelly Contemporary, Santa Fe y Hermes Foundation Gallery. , Nueva York. Su trabajo está incluido en importantes colecciones públicas como The J. Paul Getty Museum, Los Angeles Guggenheim, New York The Zabludowicz Collection, London Yale University Art Gallery Princeton University of Art the Lannan Foundation, Santa Fe Amon Carter Museum, Fort Worth y The West Collection, Filadelfia.


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