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Nace la leyenda de Hollywood Charlie Chaplin

Nace la leyenda de Hollywood Charlie Chaplin

El 16 de abril de 1889, la futura leyenda de Hollywood Charlie Chaplin nace Charles Spencer Chaplin en Londres, Inglaterra.

Chaplin, una de las estrellas más exitosas económicamente de los inicios de Hollywood, fue presentado al escenario cuando tenía cinco años. Hijo de artistas del music hall de Londres, el joven Chaplin estaba viendo un programa protagonizado por su madre cuando se le quebró la voz. Rápidamente lo subieron al escenario para terminar el acto.

El padre de Chaplin murió cuando Chaplin era un niño pequeño, y cuando su madre tuvo un ataque de nervios, Chaplin y su medio hermano mayor, Sydney, deambularon por Londres, donde bailaron en las calles y recogieron monedas de un centavo con un sombrero. Finalmente fueron a un orfanato y se unieron a Eight Lancashire Lads, un grupo de baile para niños. Cuando Chaplin tenía 17 años, desarrolló sus habilidades cómicas con la ayuda de la compañía de Fred Karno, para la cual su medio hermano ya se había convertido en un comediante popular. Pronto, el bombín de Chaplin, los pies doblados, el bigote y el bastón se convirtieron en su marca registrada. Se incorporó a la empresa Keystone y filmó Hacer una vida, en el que interpretó a un villano con bigote que vestía un monóculo. No pasó mucho tiempo antes de que también trabajara al otro lado de la cámara, ayudando a dirigir su duodécima película y dirigiendo la decimotercera. Atrapado en la lluvia, por su cuenta.

Chaplin refinó lo que pronto se convertiría en su legado, el personaje Charlie the Tramp, y firmó con la compañía Essanay en 1915 por $ 1,250 a la semana, más un bono de $ 10,000, un gran salto de los $ 175 que le pagó Keystone. Al año siguiente, firmó con Mutual por $ 10,000 a la semana, más un bono de $ 150,000 en virtud de un contrato que le exigía hacer 12 películas al año, pero le otorgaba un control creativo completo sobre las imágenes. Y en 1918, firmó un contrato con First National por $ 1 millón para ocho películas. Un magistral actor de cine mudo y pantomimista que podía provocar tanto la risa como las lágrimas de su público, Chaplin se resistió a la llegada del sonido a las películas. De hecho, en su primera película que incluía sonido (Luces de la ciudad en 1931), solo usó música. Su primera película con sonido verdadero fue la década de 1940. El gran dictador, en el que se burló del fascismo.

Chaplin fundó United Artists Corporation en 1919 con Mary Pickford, Douglas Fairbanks y el director D.W. Griffith. Chaplin se casó dos veces más, ambas con chicas adolescentes. Su cuarta esposa, Oona O'Neill, que tenía 18 años cuando se casó con el actor de 54 años, era hija del dramaturgo Eugene O'Neill. Aunque había vivido en los Estados Unidos durante 42 años, Chaplin nunca se convirtió en ciudadano estadounidense. Un pacifista vocal, Chaplin fue acusado de vínculos comunistas, lo que negó. Sin embargo, en 1952, los funcionarios de inmigración impidieron que Chaplin y su esposa volvieran a ingresar a los Estados Unidos después de una gira por el extranjero. La pareja no regresó a Estados Unidos durante 20 años; en cambio, se establecieron en Suiza con sus ocho hijos. Chaplin regresó a Estados Unidos en 1972 para aceptar un Premio de la Academia especial por "el efecto incalculable que ha tenido en hacer del cine el arte de este siglo". Fue nombrado caballero Sir Charles Spencer Chaplin en 1975. Murió dos años después.


Estas son las estrellas de Hollywood más antiguas que viven hoy

Ahora que estamos en la década de 2020, es un hecho triste que muchas de las estrellas de la Edad de Oro de Hollywood ya no estén con nosotros. Cuando nos sentamos a disfrutar de una obra clásica de cine un domingo por la tarde, tendemos a asumir que la mayoría de los actores que estamos viendo ya están en la gran fiesta de despedida en el cielo, pero no siempre es así. Si bien la historia de Hollywood está plagada de historias trágicas de actores que nos dejaron demasiado pronto, hay un grupo cada vez más reducido de veteranos que vivían cuando los "talkies" todavía eran algo nuevo en los cines. Algunas de estas estrellas disfrutan tranquilamente de su jubilación después de una vida ajetreada en Tinseltown, aunque un número sorprendentemente grande de ellas sigue activo en la industria hoy en día.

Desde las antiguas sirenas de la pantalla que todavía lucen glamorosas hasta bien entrados los 90, hasta el actor con cien años de carrera, hemos reunido un resumen de las estrellas de Hollywood más antiguas.


Historia de Hollywood

Cuando se sienta en nuestras cómodas cabinas de cuero gastado, examina nuestro menú clásico de 100 años de antigüedad o se acerca al bar de caoba, no solo está disfrutando de buena comida y buena compañía. Eres parte de la historia de Hollywood.

Es una historia que parece un guión de Hollywood. Se hicieron acuerdos en el viejo teléfono público, el primer teléfono público que se instaló en Hollywood. Los guiones se discutieron con un famoso martini de Musso. Se firmaron contratos sobre exquisitas comidas de pato asado y chuletas de cordero. Nacieron las estrellas.

Desde el principio, Musso's ha sido uno de los favoritos entre la lista A de Hollywood. Charlie Chaplin fue uno de los primeros habituales. A menudo visto almorzando con Mary Pickford, Rudolph Valentino y Douglas Fairbanks, Chaplin - dice la leyenda - desafiaba a Douglas a una carrera de caballos por Hollywood Boulevard, y el ganador tenía que pagar la cuenta en Musso's. Charlie ganaba y se regodeaba con un plato de riñones de cordero asado, su comida favorita de Musso.

En los años 20 y 30, no era raro ver a Greta Garbo y Gary Cooper desayunando juntos: pasteles de franela y café recién hecho, por supuesto. O toparse con Humphrey Bogart tomando unas copas en el bar con Dashielle Hammett o Lauren Bacall.

En los años 50, se podía encontrar leyendas de Hollywood como Marilyn Monroe (flanqueada por Joe DiMaggio), Elizabeth Taylor y Steve McQueen disfrutando de bebidas y aperitivos en el famoso Back Room de Musso. Jimmy Stewart, Rita Hayworth, Groucho Marx y John Barrymore también tuvieron papeles protagónicos en Musso's.

Hoy, Musso's sigue siendo un lugar sofisticado de Hollywood. Pero no espere hacer cola para recibir autógrafos. Los propietarios y patrocinadores de Musso's todavía los tratan de la misma manera que lo hacía el primer propietario, John Mosso, con respeto y discreción.


1. Mary Pickford (1892-1979)

Aunque esta verdadera pionera de una actriz de Hollywood recibió el título honorífico de "America's Sweetheart", Mary Pickford atribuye muchos de sus valores e inspiraciones de carácter a sus raíces irlandesas. A lo largo de su carrera, recordaba historias y recuerdos de la educación en la pobreza de su madre en el condado de Kerry, Irlanda, con el fin de establecer conexiones con sus roles, que eran típicamente los de inmigrantes irlandesas o estadounidenses irlandesas jóvenes, honestas y sin un centavo (los títulos incluyen “El expósito” (1915), “La pequeña Annie Rooney” (1925) y “Amarilly de Tendedero Alley” (1918)).

Con una presencia femenina astuta y segura mezclada con una inocente calidad de "chica de al lado", Pickford se abrió camino a través de la industria de Hollywood dominada por los hombres, convirtiéndose en la mujer mejor pagada del mundo a los 27 años, antes incluso de que se permitiera a las mujeres. votar.

Se sabe que sus sutilezas en el lenguaje corporal y los gestos faciales influyeron en Charlie Chaplin, con quien tenía una relación cercana, ya que ambos fueron venerados en la era del cine mudo.

En una entrevista de 1965 para la televisión estadounidense, Pickford señaló que ella y otros actores irlandeses de principios de la era de Hollywood se mantuvieron unidos y mantuvieron una fuerte conexión. A veces llamada cariñosamente "la chica con rizos" por sus característicos rizos de cabello rojo, Pickford fue admirada por su belleza, pero más importante aún por su originalidad, pasión e inteligencia al reclamar Hollywood como algo propio.

2. Chauncey Olcott (1858-1932)

Aunque es originario de Nueva York, el canciller Olcott, más informalmente conocido como Chauncey, hizo una exitosa y celebrada carrera inspirada en su ascendencia irlandesa.

Debutando en 1880 como cantante de baladas en espectáculos de juglares, Olcott llegó a la fama en Broadway, habiendo interpretado el papel del protagonista principal de la aclamada actriz Lillian Russell en "Pepita o La chica de los ojos de cristal" (1886). Aunque a Russell se le atribuye haber comenzado la carrera de Olcott, continuó encontrando una pasión más fuerte en los musicales románticos.

En particular, protagonizó "A Romance of Athlone" (1899) y "The Isle O'Dreams" (1912), para las que escribió y compuso los temas "My Wild Irish Rose" y "When Irish Eyes are Smiling", respectivamente. .

Su desafortunada muerte en 1932 catalizó reconocimientos póstumos: Warner Bros. lanzó una película titulada "My Wild Irish Rose (1947)" sobre su vida (protagonizada por Dennis Morgan), y Olcott fue incluido más tarde en el Salón de la Fama de los Compositores en 1970.

Con una voz poderosa pero dulce y delicada, Olcott cantó y bailó su camino hacia el estrellato usando sus raíces irlandesas como combustible, y continuó manteniendo una gran reverencia después de su muerte.

3. Charlie Chaplin (1889-1997)

Para ser justos, el ícono del cine y maestro del cine mudo Charlie Chaplin no es de ascendencia irlandesa. Sin embargo, curiosamente, a partir de 1959 comenzó a llevar a su familia de vacaciones anuales al pueblo de Waterville en el condado de Kerry, Irlanda, convirtiéndose rápidamente en su visitante más querido.

El actor / figura inglés es quizás más conocido por su personaje de la pantalla "El vagabundo" en toda su gloria de payasadas.

Entre dirigir, actuar, escribir, producir, editar y componer la partitura de múltiples obras famosas no relacionadas con Irlanda, Chaplin siempre logró encontrar tiempo cada año para visitar la hermosa Waterville. Su cuarta esposa, Oona O'Neill, hija del dramaturgo irlandés estadounidense ganador del premio Pulitzer Eugene O'Neill, es de ascendencia irlandesa cercana, por lo que aunque Chaplin puede no ser irlandés, sus hijos con Oona tienen raíces en la Isla Esmeralda.

Conmovidos por su compromiso de vacacionar allí, los residentes de Waterville erigieron una estatua de bronce de Chaplin, con una placa agradeciéndole por sus visitas rituales. Dice, en irlandés y en inglés, "Para el hombre que hizo que las películas hablaran en los corazones de millones [,] Charlie pasó muchos años entre nosotros como un humilde invitado y amigo de muchos". En la estatua, viste un traje cómico mal abrochado y se para con una mano peculiar en la cadera y una típica sonrisa expresiva.

4. Helen Kane (1904-1966)

Helen Kane, nuestra querida "Boop Boop a Doop Girl" original, probablemente la inspiración para la icónica caricatura Betty Boop, también vino de un hogar irlandés. La madre de Kane, una inmigrante irlandesa, ayudó a su hija a alcanzar un estrellato menor comprando a regañadientes su primer disfraz para el papel de la reina en una producción escolar; con poco dinero, un vestido de tres dólares parecía un calvario.

Pero quizás podamos dar las gracias a este vestido y obra como la razón por la que Kane se enamoró del teatro: rápidamente se dirigió directamente al vodevil y al kickdance, abriéndose paso en el mundo de Hollywood y Broadway en películas y obras de teatro como "Stars of el futuro ”(1922-24) con su joven voz de habla infantil como su marca registrada.

Se hizo un nombre en la música: de todas sus bandas sonoras, presentaciones en solitario y canciones con su trío "The Three X Sisters", Kane es reconocida principalmente por su tema "I Wanna be Loved By You", que luego se interpretó de Marilyn Monroe en "Some Like it Hot".

Con sus característicos ojos de cierva y sus labios carnosos, Kane se convirtió en una mujer extraordinaria que cantaba, aleteaba, actuaba, bailaba y hablaba como un bebé con adorable gracia y glamour. ¿Quién hubiera adivinado que la inspiración de Betty Boop vino de una casa irlandesa?

5. Sara Allgood (1879-1950)

Nacida en el corazón de Dublín, Sara Allgood, también conocida como Sally Allgood, comenzó a actuar en el famoso Abbey Theatre de Dublín. Allgood tenía una apariencia cálida, reconfortante y quizás matrona debido a estas características, en las películas a menudo se la encasillaba como madres irlandesas, caseras, chismosas del vecindario y cosas por el estilo.

Es mejor recordada por su papel en la película "Cuán verde era mi valle" como la Sra. Morgan, la madre de una familia de mineros galeses, por la que recibió una nominación al Premio de la Academia.

Allgood mantiene una filmografía impresionante en su haber, habiendo protagonizado alrededor de cincuenta películas notables, incluyendo “Cheaper by the Dozen” (1950), “Jane Eyre” (1943), “Dr. Jekyll y Mr. Hyde ”(1941),“ My Wild Irish Rose ”(1947) sobre Chauncey Olcott.

También protagonizó bastantes películas tempranas de Hitchcock como "Sabotage" (1936), "Blackmail" (1929) y "Juno and the Paycock" (1930), que su hermana, la actriz Maire O'Neill, interpretó como bien.

Estuvo muy involucrada en la inauguración de la Irish National Theatre Society y fue una amiga cercana del aclamado poeta irlandés William Butler Yeats. La musa de Yeats, la revolucionaria y feminista irlandesa Maud Gonne, fue una maestra muy influyente para Allgood y su hermana Maire.

6. Helen Hayes (1900-1993)

Helen Hayes, una de las doce personas que ganaron un EGOT (Emmy, Grammy, Oscar y Tony), tenía abuelos maternos católicos irlandeses que emigraron de Irlanda durante la Gran Hambruna.

Después de ganar el Oscar a la mejor actriz por "El pecado de Madelon Claudet" (1931), saltó a la fama con películas como la adaptación de Hemingway "A Farewell to Arms" (1932), "What Every Woman Knows" (1934). , “The White Sister” (1933) junto a Clark Gable, y muchos, muchos más.

Sin embargo, el corazón de Hayes estaba más fuertemente en Broadway y prefería el escenario a la pantalla grande. Lucille Ball una vez le escribió una carta a sus fans, y con admiración mutua, Hayes sugirió que trabajaran juntos algún día, lo que hicieron en 1971. Hayes apareció en un episodio de "Aquí está Lucy" titulado "Lucy y la viejecita" como un mujer irlandesa indigente en busca de trabajo.

Hayes estaba orgullosa de sus raíces irlandesas, era una gran bailarina irlandesa, y en una entrevista para una revista, después de mencionar su pequeña estatura, se refirió en broma a sí misma como "una pequeña dama irlandesa".

Como actriz galardonada y admirada y filántropa de renombre, Hayes falleció el día de San Patricio de 1993.

7. Maureen O’Sullivan (1911-1988)

Puede que la reconozcas como la curiosa Jane americana de Tarzán, pero Maureen O’Sullivan es tan irlandesa como parece. Nacida en Boyle, County Roscommon, Irlanda, O'Sullivan asistió a la escuela de conventos en Dublín cuando era niña.

O'Sullivan, madre de la actriz Mia Farrow, tuvo éxito en la película de 1931 "A Connecticut Yankee", y después de actuar durante doce años, se tomó una pausa para criar a siete hijos, pero mostró su encantadora sonrisa al mundo una vez más en 1948. película "El gran reloj", que fue dirigida por su entonces esposo John Farrow.

Aunque O'Sullivan tuvo un comienzo temprano en Hollywood y siempre tendrá el título de actriz clásica y belleza, continuó fuerte en Hollywood durante los años ochenta, en películas reconocidas como "Peggy Sue Got Married" junto a Nicolas Cage y en Woody. La aclamada película de Allen "Hannah and her Sisters", ambas estrenadas en 1986.

8. Geraldine Fitzgerald (1913-2005)

Otra estrella de Hollywood irlandesa encantadora y talentosa es Geraldine Fitzgerald, nacida en Greystones, Condado de Wicklow, Irlanda. Antes de descubrir su verdadero talento para la actuación, estudió pintura en la Dublin School of Art.

Protagonizó innumerables películas, pero sus logros más notables fueron una nominación al premio de la Academia a la mejor actriz de reparto por su papel de Isabella Linton en "Cumbres borrascosas" (1939) y su papel principal en el éxito de taquilla estadounidense "Dark Victory" ( 1939).

Desde "Dark Victory", se hizo un gran nombre en el cine y la televisión estadounidenses, actuando en parte de la serie de películas de terror "Poltergeist" en 1986 y en algunas comedias como "Arthur" (1981). También hizo su debut en una de las comedias de situación favoritas de Estados Unidos, The Golden Girls.

La actriz irlandesa tuvo una carrera enérgica en Broadway, y también recibió una nominación al premio Tony por su dirección de una obra titulada "Mass Appeal" sobre un pastor católico romano y un joven diácono.

9. Rex Ingram (1892-1950)

Rex Ingram, nacido en Dublín en 1882, se convirtió en uno de los directores más talentosos y aclamados de la historia de Hollywood, ganando el título de "el maestro silencioso" por su capacidad para crear numerosos éxitos de taquilla en la era del cine mudo.

Aunque muchos directores de cine mudo como Hitchcock pasaron a dirigir películas parlantes, Ingram se mantuvo fiel a su pasión y finalmente se desvaneció en la oscuridad silenciosa; sin embargo, ni por un segundo dejó de influir en los directores de hoy.

Prácticamente todas las personas en Hollywood lo respetan. El director Erich von Stroheim una vez se refirió a él como el mejor director del mundo. Su éxito de taquilla de 1921 "Los cuatro jinetes del Apocalipsis" inspiró enormemente a Martin Scorsese, quien repetidamente reproducía la película para sí mismo mientras reimaginaba su propia película "Hugo" (2011), un tributo al cine mudo.

Ingram también fue un actor conocido en más de veinte películas como “Love in Morocco” (1933) en la que interpretó al apuesto André Duval, o en el cortometraje “Camille” (1926) en el que interpretó al líder político irlandés Charles Stewart Parnell.

10. James Cagney (1899-1986)

Otra estrella muy famosa de ascendencia irlandesa es James Cagney, actor y bailarín.

Aunque de hecho fue un bailarín muy impresionante, la mayor parte de su fama proviene de sus películas, en las que a menudo fue encasillado como el "tipo duro" agresivo o violento que siempre terminaba siendo un poco más polifacético de lo que se veía a simple vista. .

Algunos de estos papeles aparecieron en películas como "¡Taxi!" o la película de gánsteres de culto "Public Enemy" o "Ángeles con caras sucias" junto al actor irlandés-estadounidense Pat O’Brien. Cagney y O’Brien protagonizaron juntos la película de 1935 "The Irish in Us" como los hermanos O’Hara de la ciudad de Nueva York.

Una leyenda infalible de Hollywood, Cagney protagonizó una increíble cantidad de películas exitosas, muchas de las cuales pertenecieron a Warner Bros. En 1974, Cagney recibió el premio Life Achievement Award del American Film Institute, y es respetado y recordado por su elocuencia, su voz distintiva y su habilidad para lograr líneas nítidas o comedia inexpresiva en películas serias.

11. Pat O’Brien (1899-1983)

Nuestro último actor de Hollywood de ascendencia irlandesa mostró sus raíces irlandesas en voz alta y con orgullo con cada hueso de su cuerpo. La prensa solía referirse a Pat O’Brien como "el irlandés residente de Hollywood", ya que la mayoría de sus papeles eran de hombres irlandeses o irlandeses-estadounidenses.

Llevaba la insignia irlandesa con honor en Hollywood y a menudo se le asociaba con el actor James Cagney, ya que eran un dúo dinámico ("Ángeles con caras sucias" (1938), "The Irish in Us" (1935) y muchos más. ). Fue más famoso en las décadas de 1930 y 1940 por sus roles de testaferros como líderes militares, policías y sacerdotes, que exigían atención y respeto dentro y fuera del carácter. Los cuatro abuelos de O'Brien proceden del condado de Cork, Irlanda. O'Brien, Cagney y otros actores irlandeses-estadounidenses como Frank McHugh y Spencer Tracy solían reunirse y conversar juntos con regularidad, llamándose a sí mismos "el Boys Club", pero el columnista de Hollywood Sidney Skolsky se refirió a ellos, en broma, como "los irlandeses Mafia."


Recordando a Charlie Chaplin: las mejores citas de The Comic Legend

Charlie Chaplin, actor inglés, el genio del cómic es conocido por el mundo como el mejor artista de cine mudo. Nacido el 16 de abril de 1889, Chaplin dedicó toda su vida al cine y a hacer reír a la gente. Se le considera una de las figuras más importantes de la historia del cine.

Comenzó desde los 10 años, Chaplin trabajó hasta el final y nos dio algunos de los mejores trabajos que vemos hoy. 'El gran dictador' todavía se considera una de las mejores películas de todos los tiempos. Luces de la ciudad, El niño, Una mujer de París, La fiebre del oro y Tiempos modernos Son solo algunos nombres de la lista de gemas que nos ha dejado esta estrella.

Actor, director, guionista, leyenda del cómic, compositor y el mejor intérprete de todos los tiempos. Recordando al jovial Charlie Chaplin en su cumpleaños, echemos un vistazo a algunas de las mejores citas de la leyenda.

Citas de Charlie Chaplin:

"Un dia sin risa es un dia desperdiciado."

"Nada es permanente en este mundo perverso, ni siquiera nuestros problemas".

"Lo más triste que puedo imaginar es acostumbrarme al lujo".

"Pensamos demasiado y sentimos muy poco".

"Siempre me gusta caminar bajo la lluvia, para que nadie pueda verme llorar".

"La vida es una tragedia cuando se ve de cerca, pero una comedia en plano general".

"La vida puede ser maravillosa si no le tienes miedo. Todo lo que necesitas es coraje, imaginación y un poco de dinero".

"Nunca encontrarás un arcoíris si miras hacia abajo".

"El amor perfecto es la más hermosa de todas las frustraciones porque es más de lo que uno puede expresar".

"La imaginación no significa nada sin hacer".

¿Para qué quieres un significado? La vida es un deseo, no un significado ".

"La risa es el tónico, el alivio, el cese del dolor".

"Soy un ciudadano del mundo".

"Espero que podamos abolir la guerra y resolver todas las diferencias en la mesa de conferencias".


Chaplin interpretó a algunos personajes poco comprensivos en sus primeras películas. Pero en poco tiempo asumió el papel que definiría su carrera: el de los desamparados, que prevalece frente a las dificultades de la vida. En obras maestras posteriores como "Tiempos modernos" (1936), Chaplin también utilizó el cine para criticar a la sociedad. Aquí, él era literalmente el hombre atrapado en las ruedas de la industrialización.


Entonces: La casa de Janes

La Casa Janes es un remanente de 1903 de las casas victorianas construidas en Hollywood Boulevard a partir de la década de 1880. Las hermanas Jane abrieron una escuela en la casa en 1911 y enseñaron a los hijos de celebridades como Cecile B. DeMille y Charlie Chaplin. En aquel entonces, The Janes House estaba rodeada de naranjos al norte y al sur. "Cortarían las arboledas para construir", dice Wanamaker.

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Carlos Chaplin

Sir Charles Spencer & quotCharlie & quot ChaplinKBE fue un actor cómico y director de cine inglés de la era del cine mudo. Se convirtió en una de las estrellas de cine más conocidas del mundo antes del final de la Primera Guerra Mundial. Chaplin usó mimo, payasadas y otras rutinas de comedia visual, y continuó hasta bien entrada la era de las películas sonoras, aunque sus películas disminuyeron en frecuencia desde finales de la década de 1920. Su papel más famoso fue el de The Tramp, que interpretó por primera vez en la comedia de Keystone. Carreras de autos para niños en Venecia en 1914. Desde el one-carrete de abril de 1914 Veinte minutos de amor en adelante escribía y dirigía la mayoría de sus películas, hacia 1916 también producía y desde 1918 componía la música. Con Mary Pickford, Douglas Fairbanks y D. W. Griffith, cofundó United Artists en 1919.

Chaplin fue una de las personalidades más creativas e influyentes de la era del cine mudo. Fue influenciado por su antecesor, el comediante del cine mudo francés Max Linder, a quien dedicó una de sus películas. Su vida laboral en el entretenimiento abarcó más de 75 años, desde el escenario victoriano y el Music Hall en el Reino Unido como un artista infantil, hasta cerca de su muerte a la edad de 88 años. Su vida pública y privada de alto perfil abarcaba tanto la adulación como la controversia. La identificación de Chaplin con la izquierda finalmente lo obligó a reasentarse en Europa durante la era McCarthy a principios de la década de 1950.

En 1999, el American Film Institute clasificó a Chaplin como la décima leyenda masculina más grande de la pantalla de todos los tiempos. En 2008, Martin Sieff, en una reseña del libro, escribió: "Chaplin no era solo" grande ", era gigantesco. En 1915, irrumpió en un mundo devastado por la guerra dándole el regalo de la comedia, la risa y el alivio mientras se desgarraba a sí mismo durante la Primera Guerra Mundial. Durante los siguientes 25 años, a través de la Gran Depresión y el ascenso de Adolf Hitler, él permaneció en el trabajo.


Contenido

Mary Pickford nació Gladys Marie Smith en 1892 (aunque más tarde afirmó que 1893 o 1894 era su año de nacimiento) en 211 University Avenue, [a] Toronto, Ontario. [1] Su padre, John Charles Smith, era hijo de inmigrantes metodistas ingleses y tenía una variedad de trabajos ocasionales. Su madre, Charlotte Hennessey, era de ascendencia católica irlandesa y trabajó durante un tiempo como costurera. Tenía dos hermanos menores, Charlotte, llamada "Lottie" (nacido en 1893), y John Charles, llamado "Jack" (nacido en 1896), que también se convirtieron en actores. Para complacer a los parientes de su esposo, la madre de Pickford bautizó a sus hijos como metodistas, la religión de su padre. John Charles Smith era un alcohólico que abandonó a la familia y murió el 11 de febrero de 1898, de un coágulo de sangre fatal causado por un accidente laboral cuando era sobrecargo en Niagara Steamship. [1]

Cuando Gladys tenía cuatro años, su hogar estaba en cuarentena infecciosa como medida de salud pública. Su abuela materna devotamente católica (Catherine Faeley Hennessey) le pidió a un sacerdote católico romano de visita que bautizara a los niños. Pickford fue bautizada en ese momento como Gladys Marie Smith. [9] [10]

Después de enviudar en 1899, Charlotte Smith comenzó a acoger internos, uno de los cuales era el Sr. Murphy, el director de escena teatral de Cummings Stock Company, quien pronto sugirió que Gladys, entonces de siete años, y Lottie, entonces de seis, recibieran dos pequeños papeles teatrales: Gladys interpretó a una niña y un niño, mientras que Lottie fue elegida para un papel silencioso en la producción de la compañía de El rey de plata en el Princess Theatre de Toronto (destruido por un incendio en 1915, reconstruido, demolido en 1931), mientras su madre tocaba el órgano. [11] [1] Pickford actuó posteriormente en muchos melodramas con Valentine Stock Company de Toronto, finalmente desempeñando el papel principal de niño en su versión de El rey de plata. Culminó su corta carrera en Toronto con el papel protagónico de Little Eva en la producción de Valentine de La cabaña del tío Tom, adaptado de la novela de 1852. [1]

Primeros años Editar

A principios de la década de 1900, el teatro se había convertido en una empresa familiar. Gladys, su madre y dos hermanos menores recorrieron Estados Unidos en tren, actuando en compañías y obras de teatro de tercera categoría. Después de seis años de pobreza, Pickford permitió un verano más para conseguir un papel principal en Broadway, planeando dejar de actuar si fracasaba. En 1906 Gladys, Lottie y Jack Smith apoyaron a la cantante Chauncey Olcott en Broadway en Edmund Burke. [12] Gladys finalmente consiguió un papel secundario en una obra de Broadway de 1907, Las madrigueras de Virginia. La obra fue escrita por William C. deMille, cuyo hermano, Cecil, apareció en el reparto. David Belasco, el productor de la obra, insistió en que Gladys Smith asumiera el nombre artístico de Mary Pickford. [13] Sin embargo, después de completar la carrera en Broadway y recorrer la obra, Pickford estaba nuevamente sin trabajo.

El 19 de abril de 1909, el director de Biograph Company, D. W. Griffith, la hizo una prueba de pantalla en el estudio de la compañía en Nueva York para un papel en la película de Nickelodeon. Pases de Pippa. El papel fue para otra persona, pero Griffith se sintió atraído inmediatamente por Pickford. Rápidamente comprendió que la actuación cinematográfica era más sencilla que la estilizada actuación escénica de la época. La mayoría de los actores de Biograph ganaban 5 dólares al día pero, después del único día de Pickford en el estudio, Griffith acordó pagarle 10 dólares al día con una garantía de 40 dólares a la semana. [14]

Pickford, como todos los actores de Biograph, interpretó papeles pequeños y papeles principales, incluidas madres, ingenuas, asistentas, escupitas, esclavas, nativos americanos, mujeres despreciadas y prostitutas. Como dijo Pickford sobre su éxito en Biograph:

Jugué a depuradoras y secretarias y mujeres de todas las nacionalidades. Decidí que si podía hacer tantas fotos como fuera posible, me daría a conocer y habría una demanda para mi trabajo.

Apareció en 51 películas en 1909, casi una por semana, con su primer papel protagónico en El violinista de Cremona frente al futuro esposo Owen Moore. [3] Mientras estaba en Biograph, le sugirió a Florence La Badie que "probara fotografías", la invitó al estudio y luego le presentó a D. W. Griffith, quien lanzó la carrera de La Badie. [15]

En enero de 1910, Pickford viajó con un equipo de Biograph a Los Ángeles. Muchas otras compañías cinematográficas pasaron el invierno en la costa oeste, escapando de la luz débil y los días cortos que obstaculizaron los rodajes invernales en el este. Pickford agregó a sus biografías de 1909 (Dulce y veinte, Ellos se escaparían y Para salvar su alma, por nombrar algunos) con películas realizadas en California.

Los actores no figuraban en los créditos de la compañía de Griffith. El público notó e identificó a Pickford pocas semanas después de su primera aparición en una película. Los expositores, a su vez, sacaron provecho de su popularidad anunciando en paneles sándwich que en su interior había una película con "La chica de los rizos dorados", "Rizos rubios" o "La chica de las biografías". [dieciséis]

Pickford dejó Biograph en diciembre de 1910. Al año siguiente, protagonizó películas en la Independent Moving Pictures Company (IMP) de Carl Laemmle. IMP fue absorbida por Universal Pictures en 1912, junto con Majestic. Descontento con sus estándares creativos, Pickford volvió a trabajar con Griffith en 1912. Algunas de sus mejores actuaciones fueron en sus películas, como Amigos, El remendador de redes, Como una mujer, y La hembra de la especie. Ese año, Pickford también presentó a Griffith a Dorothy y Lillian Gish, con quienes se había hecho amiga como nuevas vecinas de Ohio [17], [1] y ambas se convirtieron en importantes estrellas del cine mudo, en comedia y tragedia, respectivamente. Pickford hizo su última foto biográfica, El sombrero de Nueva York, a finales de 1912.

Regresó a Broadway en la producción de David Belasco de Un buen diablillo (1912). Este fue un punto de inflexión importante en su carrera. Pickford, que siempre había esperado conquistar los escenarios de Broadway, descubrió lo mucho que extrañaba la actuación cinematográfica. En 1913 decidió dedicarse exclusivamente al cine. El año anterior, Adolph Zukor había formado jugadores famosos en obras famosas. Más tarde fue conocida como Famous Players-Lasky y luego Paramount Pictures, una de las primeras compañías cinematográficas estadounidenses.

Pickford dejó el escenario para unirse a la lista de estrellas de Zukor. Zukor creía que el potencial de la película radicaba en grabar a los actores teatrales en réplicas de sus papeles y producciones teatrales más famosos. Zukor filmó por primera vez a Pickford en una versión muda de Un buen diablillo. La película, producida en 1913, mostraba a los actores de Broadway de la obra recitando cada línea de diálogo, lo que resultó en una película rígida que Pickford llamó más tarde "una de las peores [características] que hice. Fue mortal". [1] Zukor estuvo de acuerdo en que retuvo la distribución de la película durante un año.

El trabajo de Pickford en material escrito para la cámara en ese momento había atraído a muchos seguidores. Comedia dramática, como En el carruaje del obispo (1913), Capricho (1913), y especialmente Corazones a la deriva (1914), la hizo irresistible para los cinéfilos. Corazones a la deriva fue tan popular que Pickford pidió el primero de sus muchos aumentos de sueldo publicitados en función de las ganancias y las reseñas. [18] La película marcó la primera vez que el nombre de Pickford apareció sobre el título en las carpas de las películas. [18] Tess del país de las tormentas fue puesto en libertad cinco semanas después. El biógrafo Kevin Brownlow observó que la película "puso su carrera en órbita y la convirtió en la actriz más popular de Estados Unidos, si no del mundo". [18]

Su apelación fue resumida dos años más tarde por el número de febrero de 1916 de Photoplay como "ternura luminosa en una banda de acero de ferocidad de alcantarilla". [1] Sólo Charlie Chaplin, que superó ligeramente la popularidad de Pickford en 1916, [19] tuvo una atracción igualmente fascinante entre los críticos y el público. Cada uno disfrutó de un nivel de fama muy superior al de otros actores. Throughout the 1910s and 1920s, Pickford was believed to be the most famous woman in the world, or, as a silent-film journalist described her, "the best known woman who has ever lived, the woman who was known to more people and loved by more people than any other woman that has been in all history". [1]

Stardom Edit

Pickford starred in 52 features throughout her career. On June 24, 1916, Pickford signed a new contract with Zukor that granted her full authority over production of the films in which she starred, [20] and a record-breaking salary of $10,000 a week. [21] In addition, Pickford's compensation was half of a film's profits, with a guarantee of $1,040,000 (US$18,720,000 in 2021), [22] making her the first actress to sign a million dollar contract. [3] She also became vice-president of Pickford Film Corporation. [3]

Occasionally, she played a child, in films such as The Poor Little Rich Girl (1917), Rebecca de Sunnybrook Farm (1917), Daddy-Long-Legs (1919) and Pollyanna (1920). Pickford's fans were devoted to these "little girl" roles, but they were not typical of her career. [1] Due to her lack of a normal childhood, she enjoyed making these pictures. Given how small she was at under five feet, and her naturalistic acting abilities, she was very successful in these roles. Douglas Fairbanks Jr., when he first met her in person as a boy, assumed she was a new playmate for him, and asked her to come and play trains with him, which she obligingly did. [23]

In August 1918, Pickford's contract expired and, when refusing Zukor's terms for a renewal, she was offered $250,000 to leave the motion picture business. She declined, and went to First National Pictures, which agreed to her terms. [24] In 1919, Pickford, along with D. W. Griffith, Charlie Chaplin, and Douglas Fairbanks, formed the independent film production company United Artists. Through United Artists, Pickford continued to produce and perform in her own movies she could also distribute them as she chose. In 1920, Pickford's film Pollyanna grossed around $1,100,000. [25] The following year, Pickford's film Little Lord Fauntleroy was also a success, and in 1923, Rosita grossed over $1,000,000 as well. [25] During this period, she also made Little Annie Rooney (1925), another film in which Pickford played a child, Sparrows (1926), which blended the Dickensian with newly minted German expressionist style, and My Best Girl (1927), a romantic comedy featuring her future husband Charles "Buddy" Rogers.

The arrival of sound was her undoing. Pickford underestimated the value of adding sound to movies, claiming that "adding sound to movies would be like putting lipstick on the Venus de Milo". [25]

She played a reckless socialite in Coqueta (1929), her first talkie, [26] a role for which her famous ringlets were cut into a 1920s' bob. Pickford had already cut her hair in the wake of her mother's death in 1928. Fans were shocked at the transformation. [27] Pickford's hair had become a symbol of female virtue, and when she cut it, the act made front-page news in Los New York Times and other papers. Coqueta was a success and won her an Academy Award for Best Actress, [28] although this was highly controversial. [29] The public failed to respond to her in the more sophisticated roles. Like most movie stars of the silent era, Pickford found her career fading as talkies became more popular among audiences. [28]

Her next film, The Taming of The Shrew, made with husband Douglas Fairbanks, was not well received at the box office. [30] Established Hollywood actors were panicked by the impending arrival of the talkies. On March 29, 1928, The Dodge Brothers Hour was broadcast from Pickford's bungalow, featuring Fairbanks, Chaplin, Norma Talmadge, Gloria Swanson, John Barrymore, D. W. Griffith, and Dolores del Río, among others. They spoke on the radio show to prove that they could meet the challenge of talking movies. [31]

A transition in the roles Pickford selected came when she was in her late 30s, no longer able to play the children, teenage spitfires, and feisty young women so adored by her fans, and was not suited for the glamorous and vampish heroines of early sound. In 1933, she underwent a Technicolor screen test for an animated/live action film version of Alicia en el país de las Maravillas, but Walt Disney discarded the project when Paramount released its own version of the book. Only one Technicolor still of her screen test still exists.

She retired from film acting in 1933 following three costly failures with her last film appearance being Secrets. [3] [32] She appeared on stage in Chicago in 1934 in the play The Church Mouse and went on tour in 1935, starting in Seattle with the stage version of Coqueta. [3] She also appeared in a season of radio plays for NBC in 1935 and CBS in 1936. [3] In 1936 she became vice-president of United Artists [32] and continued to produce films for others, including One Rainy Afternoon (1936), The Gay Desperado (1936), Sleep, My Love (1948 with Claudette Colbert) and Love Happy (1949), with the Marx Brothers. [1]

The film industry Edit

Pickford used her stature in the movie industry to promote a variety of causes. Although her image depicted fragility and innocence, she proved to be a strong businesswoman who took control of her career in a cutthroat industry. [33]

During World War I she promoted the sale of Liberty Bonds, making an intensive series of fund-raising speeches, beginning in Washington, D.C., where she sold bonds alongside Charlie Chaplin, Douglas Fairbanks, Theda Bara, and Marie Dressler. Five days later she spoke on Wall Street to an estimated 50,000 people. Though Canadian-born, she was a powerful symbol of Americana, kissing the American flag for cameras and auctioning one of her world-famous curls for $15,000. In a single speech in Chicago, she sold an estimated five million dollars' worth of bonds. She was christened the U.S. Navy's official "Little Sister" the Army named two cannons after her and made her an honorary colonel. [1]

In 1916, Pickford and Constance Adams DeMille, wife of director Cecil B. DeMille, helped found the Hollywood Studio Club, a dormitory for young women involved in the motion picture business. [3] At the end of World War I, Pickford conceived of the Motion Picture Relief Fund, an organization to help financially needy actors. Leftover funds from her work selling Liberty Bonds were put toward its creation, and in 1921, the Motion Picture Relief Fund (MPRF) was officially incorporated, with Joseph Schenck voted its first president and Pickford its vice president. In 1932, Pickford spearheaded the "Payroll Pledge Program", a payroll-deduction plan for studio workers who gave one half of one percent of their earnings to the MPRF. As a result, in 1940, the Fund was able to purchase land and build the Motion Picture Country House and Hospital, in Woodland Hills, California. [1]

An astute businesswoman, Pickford became her own producer within three years of her start in features. According to her Foundation, "she oversaw every aspect of the making of her films, from hiring talent and crew to overseeing the script, the shooting, the editing, to the final release and promotion of each project". She demanded (and received) these powers in 1916, when she was under contract to Zukor's Famous Players in Famous Plays (later Paramount). Zukor acquiesced to her refusal to participate in block-booking, the widespread practice of forcing an exhibitor to show a bad film of the studio's choosing to also be able to show a Pickford film. In 1916, Pickford's films were distributed, singly, through a special distribution unit called Artcraft. The Mary Pickford Corporation was briefly Pickford's motion-picture production company. [34]

In 1919, she increased her power by co-founding United Artists (UA) with Charlie Chaplin, D. W. Griffith, and her soon-to-be husband, Douglas Fairbanks. Before UA's creation, Hollywood studios were vertically integrated, not only producing films but forming chains of theaters. Distributors (also part of the studios) arranged for company productions to be shown in the company's movie venues. Filmmakers relied on the studios for bookings in return they put up with what many considered creative interference. [ cita necesaria ]

United Artists broke from this tradition. It was solely a distribution company, offering independent film producers access to its own screens as well as the rental of temporarily unbooked cinemas owned by other companies. Pickford and Fairbanks produced and shot their films after 1920 at the jointly owned Pickford-Fairbanks studio on Santa Monica Boulevard. The producers who signed with UA were true independents, producing, creating and controlling their work to an unprecedented degree. As a co-founder, as well as the producer and star of her own films, Pickford became the most powerful woman who has ever worked in Hollywood. By 1930, Pickford's acting career had largely faded. [28] After retiring three years later, however, she continued to produce films for United Artists. She and Chaplin remained partners in the company for decades. Chaplin left the company in 1955, and Pickford followed suit in 1956, selling her remaining shares for $3 million. [34]

She had bought the rights to many of her early silent films with the intention of burning them on her death, but in 1970 she agreed to donate 50 of her Biograph films to the American Film Institute. [26] In 1976, she received an Academy Honorary Award for her contribution to American film. [26]

Pickford was married three times. She married Owen Moore, an Irish-born silent film actor, on January 7, 1911. It is rumored she became pregnant by Moore in the early 1910s and had a miscarriage or an abortion. Some accounts suggest this resulted in her later inability to have children. [1] The couple's marriage was strained by Moore's alcoholism, insecurity about living in the shadow of Pickford's fame, and bouts of domestic violence. [ cita necesaria ] The couple lived together on-and-off for several years. [35]

Pickford became secretly involved in a relationship with Douglas Fairbanks. They toured the U.S. together in 1918 to promote Liberty Bond sales for the World War I effort. Around this time, Pickford also suffered from the flu during the 1918 flu pandemic. [36] Pickford divorced Moore on March 2, 1920, after she agreed to his $100,000 demand for a settlement. [37] She married Fairbanks just days later on March 28, 1920 in what was described as the "marriage of the century" and they were referred to as the King and Queen of Hollywood. [3] They went to Europe for their honeymoon fans in London and in Paris caused riots trying to get to the famous couple. The couple's triumphant return to Hollywood was witnessed by vast crowds who turned out to hail them at railway stations across the United States.

The Mark of Zorro (1920) and a series of other swashbucklers gave the popular Fairbanks a more romantic, heroic image. Pickford continued to epitomize the virtuous but fiery girl next door. Even at private parties, people instinctively stood up when Pickford entered a room she and her husband were often referred to as "Hollywood royalty". Their international reputations were broad. Foreign heads of state and dignitaries who visited the White House often asked if they could also visit Pickfair, the couple's mansion in Beverly Hills. [13]

Dinners at Pickfair became celebrity events. Charlie Chaplin, Fairbanks' best friend, was often present. Other guests included George Bernard Shaw, Albert Einstein, Elinor Glyn, Helen Keller, H. G. Wells, Lord Mountbatten, Fritz Kreisler, Amelia Earhart, F. Scott Fitzgerald, Noël Coward, Max Reinhardt, Baron Nishi, Vladimir Nemirovich-Danchenko, [38] Sir Arthur Conan Doyle, Austen Chamberlain, Sir Harry Lauder, and Meher Baba, among others. The public nature of Pickford's second marriage strained it to the breaking point. Both she and Fairbanks had little time off from producing and acting in their films. They were also constantly on display as America's unofficial ambassadors to the world, leading parades, cutting ribbons, and making speeches. When their film careers both began to flounder at the end of the silent era, Fairbanks' restless nature prompted him to overseas travel (something which Pickford did not enjoy). When Fairbanks' romance with Sylvia, Lady Ashley became public in the early 1930s, he and Pickford separated. They divorced January 10, 1936. Fairbanks' son by his first wife, Douglas Fairbanks Jr., claimed his father and Pickford long regretted their inability to reconcile. [1]

On June 24, 1937, Pickford married her third and last husband, actor and band leader Charles "Buddy" Rogers. They adopted two children: Roxanne (born 1944, adopted 1944) and Ronald Charles (born 1937, adopted 1943, a.k.a. Ronnie Pickford Rogers). A PBS Experiencia americana documentary described Pickford's relationship with her children as tense. She criticized their physical imperfections, including Ronnie's small stature and Roxanne's crooked teeth. Both children later said their mother was too self-absorbed to provide real maternal love. In 2003, Ronnie recalled that "Things didn't work out that much, you know. But I'll never forget her. I think that she was a good woman." [39]

Political views Edit

In 1926, while in Italy, she (together with Fairbanks) met fascist dictator Benito Mussolini.

Años posteriores y muerte Editar

After retiring from the screen, Pickford became an alcoholic, as her father had been. Her mother Charlotte died of breast cancer in March 1928. Her siblings, Lottie and Jack, both died of alcohol-related causes in 1936 and 1933, respectively. These deaths, her divorce from Fairbanks, and the end of silent films left Pickford deeply depressed. Her relationship with her adopted children, Roxanne and Ronald, was turbulent at best. Pickford withdrew and gradually became a recluse, remaining almost entirely at Pickfair and allowing visits only from Lillian Gish, her stepson Douglas Fairbanks Jr., and few other people.

In 1955, she published her memoirs, Sunshine and Shadows. [26] She had previously published Why Not Try God in 1934, an essay on spirituality and personal growth, My Rendevouz of Life (1935), an essay on death and her belief in an afterlife and also a novel in 1935, The Demi-Widow. [32] [3] She appeared in court in 1959, in a matter pertaining to her co-ownership of North Carolina TV station WSJS-TV. The court date coincided with the date of her 67th birthday under oath, when asked to give her age, Pickford replied: "I'm 21, going on 20." [42]

In the mid-1960s, Pickford often received visitors only by telephone, speaking to them from her bedroom. Charles "Buddy" Rogers often gave guests tours of Pickfair, including views of a genuine western bar Pickford had bought for Douglas Fairbanks, and a portrait of Pickford in the drawing room. A print of this image now hangs in the Library of Congress. [34] When Pickford received an Academy Honorary Award in 1976, the Academy sent a TV crew to her house to record her short statement of thanks – offering the public a very rare glimpse into Pickfair Manor. [43] Charitable events continued to be held at Pickfair, including an annual Christmas party for blind war veterans, mostly from World War I. [3]

Pickford believed that she had ceased to be a British subject when she married an American citizen upon her marriage to Fairbanks in 1920. [44] Thus, she never acquired Canadian citizenship when it was first created in 1947. However, Pickford held and traveled under a British/Canadian passport which she renewed regularly at the British/Canadian consulates in Los Angeles, and she did not take out papers for American citizenship. She also owned a house in Toronto, Ontario, Canada. Toward the end of her life, Pickford made arrangements with the Canadian Department of Citizenship to officially acquire Canadian citizenship because she wished to "die as a Canadian". Canadian authorities were not sure that she had ever lost her Canadian citizenship, given her passport status, but her request was approved and she officially became a Canadian citizen. [45] [46]

On May 29, 1979, Pickford died at a Santa Monica, California, hospital of complications from a cerebral hemorrhage she had suffered the week before. [47] She was interred in the Garden of Memory of the Forest Lawn Memorial Park cemetery in Glendale, California.

  • Pickford was awarded a star in the category of motion pictures on the Hollywood Walk of Fame at 6280 Hollywood Blvd. [48]
  • Her handprints and footprints are displayed at Grauman's Chinese Theatre in Hollywood, California.
  • She is represented in Hergé's Tintin in America. [49]
  • The Pickford Center for Motion Picture Study at 1313 Vine Street in Hollywood, constructed by the Academy of Motion Picture Arts and Sciences, opened in 1948 as a radio and television studio facility.
  • The Mary Pickford Theater at the James Madison Memorial Building of the Library of Congress is named in her honor. [34]
  • The Mary Pickford Auditorium at Claremont McKenna College is named in her honor.
  • In 1948, Mary Pickford built a seven-bedroom, eight-bathroom, 6,050 square foot estate on 2.12 acres at the B Bar H Ranch, California where she lived and then later sold. [50]
  • A first-run movie theatre in Cathedral City, California is called The Mary Pickford Theatre, which was established on May 25, 2001. [51] The theater is a grand one with several screens and is built in the shape of a Spanish Cathedral, complete with bell tower and three-story lobby. The lobby contains a historic display with original artifacts belonging to Pickford and Buddy Rogers, her last husband. Among them are a rare and spectacular beaded gown she wore in the film Dorothy Vernon of Haddon Hall (1924) designed by Mitchell Leisen, her special Oscar, and a jewelry box. [cita necesaria]
  • The 1980 stage musical The Biograph Girl, about the silent film era, features the character of Pickford.
  • In 2007, the Academy of Motion Picture Arts and Sciences sued the estate of the deceased Buddy Rogers' second wife, Beverly Rogers, in order to stop the public sale of one of Pickford's Oscars. [52]
  • A bust and historical plaque marks her birthplace in Toronto, now the site of the Hospital for Sick Children. [53] The plaque was unveiled by her husband Buddy Rogers in 1973. The bust by artist Eino Gira was added ten years later. [54] Her date of birth is stated on the plaque as April 8, 1893. This can only be assumed to be because her date of birth was never registered throughout her life, beginning as a child, she led many people to believe that she was a year younger than her real age, so that she appeared to be more of an acting prodigy and continued to be cast in younger roles, which were more plentiful in the theatre. [55]
  • The family home had been demolished in 1943, and many of the bricks delivered to Pickford in California. Proceeds from the sale of the property were donated by Pickford to build a bungalow in East York, Ontario, which was then a Toronto suburb. The bungalow was the first prize in a lottery in Toronto to benefit war charities, and Pickford unveiled the home on May 26, 1943. [56]
  • In 1993, a Golden Palm Star on the Palm Springs Walk of Stars was dedicated to her. [57]
  • Pickford received a posthumous star on Canada's Walk of Fame in Toronto in 1999.
  • Pickford was featured on a Canadian postage stamp in 2006. [58]
  • From January 2011 until July 2011, the Toronto International Film Festival exhibited a collection of Mary Pickford memorabilia in the Canadian Film Gallery of the TIFF Bell LightBox building. [59]
  • In February 2011, the Spadina Museum, dedicated to the 1920s and 1930s era in Toronto, staged performances of Sweetheart: The Mary Pickford Story, a one-woman musical based on the life and career of Pickford. [60]
  • In 2013, a copy of an early Pickford film that was thought to be lost (Their First Misunderstanding) was found by Peter Massie, a carpenter tearing down an abandoned barn in New Hampshire. It was donated to Keene State College and is currently undergoing restoration by the Library of Congress for exhibition. The film is notable as being the first in which Pickford was credited by name. [61][62]
  • On August 29, 2014, while presenting Behind The Scenes (1914) at Cinecon, film historian Jeffrey Vance announced he is working with the Mary Pickford Foundation on what will be her official biography.
  • The Google Doodle of April 8, 2017 commemorated Mary Pickford's 125th birthday. [63]
  • The Girls in the Picture, a 2018 novel by Melanie Benjamin, is a historical fiction about the friendship of Mary Pickford and screenwriter Frances Marion. [64]
  • On August 20, 2019, the Toronto International Film Festival announced Mati Diop as the recipient of the first Mary Pickford Award.

Pickford's handprints and footprints at Grauman's Chinese Theatre in Hollywood, California


Vida temprana y carrera

Chaplin was named after his father, a British music-hall entertainer. He spent his early childhood with his mother, the singer Hannah Hall, after she and his father separated, and he made his own stage debut at age five, filling in for his mother. The mentally unstable Hall was later confined to an asylum. Charlie and his half brother Sydney were sent to a series of bleak workhouses and residential schools.

Using his mother’s show-business contacts, Charlie became a professional entertainer in 1897 when he joined the Eight Lancashire Lads, a clog-dancing act. His subsequent stage credits include a small role in William Gillette’s Sherlock Holmes (1899) and a stint with the vaudeville act Casey’s Court Circus. In 1908 he joined the Fred Karno pantomime troupe, quickly rising to star status as The Drunk in the ensemble sketch A Night in an English Music Hall.

While touring America with the Karno company in 1913, Chaplin was signed to appear in Mack Sennett’s Keystone comedy films. Though his first Keystone one-reeler, Making a Living (1914), was not the failure that historians have claimed, Chaplin’s initial screen character, a mercenary dandy, did not show him to best advantage. Ordered by Sennett to come up with a more-workable screen image, Chaplin improvised an outfit consisting of a too-small coat, too-large pants, floppy shoes, and a battered derby. As a finishing touch, he pasted on a postage-stamp mustache and adopted a cane as an all-purpose prop. It was in his second Keystone film, Kid Auto Races at Venice (1914), that Chaplin’s immortal screen alter ego, “the Little Tramp,” was born.

In truth, Chaplin did not always portray a tramp in many of his films his character was employed as a waiter, store clerk, stagehand, fireman, and the like. His character might be better described as the quintessential misfit—shunned by polite society, unlucky in love, jack-of-all-trades but master of none. He was also a survivor, forever leaving past sorrows behind, jauntily shuffling off to new adventures. The Tramp’s appeal was universal: audiences loved his cheekiness, his deflation of pomposity, his casual savagery, his unexpected gallantry, and his resilience in the face of adversity. Some historians have traced the Tramp’s origins to Chaplin’s Dickensian childhood, while others have suggested that the character had its roots in the motto of Chaplin’s mentor, Fred Karno: “Keep it wistful, gentlemen, keep it wistful.” Whatever the case, within months after his movie debut, Chaplin was the screen’s biggest star.

His 35 Keystone comedies can be regarded as the Tramp’s gestation period, during which a caricature became a character. The films improved steadily once Chaplin became his own director. In 1915 he left Sennett to accept a $1,250-weekly contract at Essanay Studios. It was there that he began to inject elements of pathos into his comedy, notably in such shorts as The Tramp (1915) and Burlesque on Carmen (1915). He moved on to an even more lucrative job ($670,000 per year) at the Mutual Company Film Corporation. There, during an 18-month period, he made the 12 two-reelers that many regard as his finest films, among them such gems as One A.M. (1916), The Rink (1916), The Vagabond (1916), and Easy Street (1917). It was then, in 1917, that Chaplin found himself attacked for the first (though hardly the last) time by the press. He was criticized for not enlisting to fight in World War I. To aid the war effort, Chaplin raised funds for the troops via bond drives.

In 1918 Chaplin jumped studios again, accepting a $1 million offer from the First National Film Corporation for eight shorts. That same year he married 16-year-old film extra Mildred Harris—the first in a procession of child brides. For his new studio he made shorts such as Shoulder Arms (1918) and The Pilgrim (1923) and his first starring feature, The Kid (1921), which starred the irresistible Jackie Coogan as the kid befriended and aided by the Little Tramp. Some have suggested that the increased dramatic content of those films is symptomatic of Chaplin’s efforts to justify the praise lavished upon him by the critical intelligentsia. A painstaking perfectionist, he began spending more and more time on the preparation and production of each film. In his personal life too, Chaplin was particular. Having divorced Mildred in 1921, Chaplin married in 1924 16-year-old Lillita MacMurray, who shortly would become known to the world as film star Lita Grey. (They would be noisily divorced in 1927.)


Famous people in profile: Charlie Chaplin

On the 125th anniversary of Charlie Chaplin’s birth, Peter Ackroyd has written a new biography exploring the life of the cinema legend. Here, in an interview with History Extra, Ackroyd reveals the man behind the moustache, and explains why he continues to fascinate…

Q: What was Chaplin’s early life like?

A: He was born in London, and spent most of his childhood in Kennington. He was consigned to the workhouse, the poor house, and even the orphanage, because his mother – who suffered bouts of madness – could not cope with him.

As he grew older he went around the streets of England, taking up ‘odd jobs’. He had very little education, and effectively because a vagrant.

Q: How did he rise to fame?

A: He was employed by a group of clog dancers, ‘the eight Lancashire lads’. He toured with them at the age of 10, and soon became proficient. That was the beginning of his interest in theatre.

He went on to become a child actor, which proved to be a great chance for him to display his skills as a mimic and an entertainer.

He was then taken on by the Fred Karno travelling company as a juvenile act, and he became their key performer. With Karno he went to America, and while on his second tour was spotted by studio manager Mack Sennett [of the Keystone Film Company].

Chaplin was asked to join Keystone, and from there he went on to invent ‘the Tramp’. It’s not quite clear how he managed to create the costume. Some say he modeled it on the English poor, but others say he copied acts he had seen in music halls in 19th-century London.

It was a character to which he stuck, and which proved to be very popular. But he later decided to become a more ‘serious’ actor, which only made him more popular.

Q: While researching your book, have you discovered anything surprising about Chaplin?

A: He had a very bad temper, and was domineering. He was not a very nice person to be around – he was a moody individual.

Q: What inspired you to write a biography of Chaplin?

A: I was inspired because he is from London, and I have always written about London. I found his story to be in many respects inspiring – his energy, enthusiasm, indomitable will and refusal to give up on anything.


Ver el vídeo: Hollywood Legend Charlie Chaplin Tribute -its different (Enero 2022).