Podcasts de historia

"Dances with Wolves" se estrena en cines


El 4 de noviembre de 1990, Bailando con lobos, una película sobre un soldado de la era de la Guerra Civil estadounidense y un grupo de nativos americanos sioux protagonizada por Kevin Costner y que también marca su debut como director, se estrena en Los Ángeles. La película, que se estrenó en los Estados Unidos el 21 de noviembre de 1990, fue un éxito de taquilla sorpresa y obtuvo 12 nominaciones al Premio de la Academia, incluido el de Mejor Actor por Costner. Bailando con lobos se llevó a casa siete premios Oscar, incluidos Mejor Película y Mejor Director, y solidificó el lugar de Costner en la lista A de Hollywood.

Costner nació el 18 de enero de 1955 en Lynwood, California, y a principios de la década de 1980 había acumulado una pequeña lista de créditos cinematográficos. Fue elegido para el éxito de 1983 El gran escalofrío, pero todas sus escenas fueron cortadas antes de que se estrenara la película. Costner pasó a coprotagonizar Silverado (1985), con Kevin Kline y Danny Glover; Los Intocables (1987), con Sean Connery, Andy García y Robert De Niro; y No hay salida (1987), con Gene Hackman y Sean Young. Costner luego alcanzó el oro de taquilla con las películas de béisbol Bull Durham (1988), en la que protagonizó el papel principal junto a Susan Sarandon, y Campo de sueños (1989), en el que interpretó a un granjero que construye un diamante de béisbol en su campo de maíz. Campo de sueños fue nominada a tres premios de la Academia, incluida la de Mejor Película.

En la década de 1990 Bailando con lobos, Costner interpretó al teniente del ejército de la Unión, John Dunbar, que viaja a un desolado puesto occidental, se hace amigo de sus vecinos sioux y, finalmente, se convierte en miembro honorario de su tribu. Basada en una novela de Michael Blake, la película se rodó en locaciones, principalmente en Dakota del Sur, y contenía diálogos de Lakota con subtítulos en inglés.


Príncipe Igor

Príncipe Igor (Ruso: Князь Игорь, tr. Knyáz Igor escucha (ayuda · info) ) es una ópera en cuatro actos con prólogo, escrita y compuesta por Alexander Borodin. El compositor adaptó el libreto de la epopeya rusa antigua La endecha de la hueste de Igor, que relata la campaña del príncipe ruso Igor Svyatoslavich contra las tribus invasoras de Cuman ("Polovtsian") en 1185. También incorporó material extraído de dos crónicas medievales de Kiev. La ópera quedó inconclusa tras la muerte del compositor en 1887 y fue editada y completada por Nikolai Rimsky-Korsakov y Alexander Glazunov. Se realizó por primera vez en San Petersburgo, Rusia, en 1890.


Producción

Originalmente escrito como un guión específico por Michael Blake, no se vendió a mediados de la década de 1980. Sin embargo, Kevin Costner había protagonizado la única película anterior de Blake, Caballeros de Stacy (1983), y animó a Blake a principios de 1986 a convertir el guión occidental en una novela para mejorar sus posibilidades de producción. La novela fue rechazada por numerosos editores, pero finalmente se publicó en rústica en 1988. Los derechos fueron comprados por Costner, con miras a dirigirla. & # 915 & # 93

La producción real duró cuatro meses, del 18 de julio al 23 de noviembre de 1989. La mayor parte de la película fue filmada en locaciones en Dakota del Sur, principalmente en ranchos privados cerca de Pierre y Rapid City, con algunas escenas filmadas en Wyoming. Las ubicaciones específicas incluyeron el Parque Nacional Badlands, Black Hills, el Área Silvestre de Sage Creek y el área del Río Belle Fourche. Las escenas de caza de bisontes se filmaron en el Triple U Buffalo Ranch en las afueras de Fort Pierre, Dakota del Sur, al igual que las escenas de Fort Sedgewick, y el set se construyó en la propiedad. & # 915 & # 93


Ella es la hija de Kevin y su primera esposa, Cindy.

La caza del bisonte, con 3500 bisontes, 20 wranglers, 24 acrobacias nativas americanas sin condón y 150 extras, tomó tres semanas para filmar (con siete cámaras) en el Triple U Buffalo Ranch en las afueras de Fort Pierre, Dakota del Sur. Costner, que hacía la mayor parte de sus propios paseos a caballo, estuvo a punto de romperse la espalda en una caída.

Kevin Costner en una escena de la película & aposDances With Wolves & apos, 1990

Tig Productions / Getty Images


EL TEATRO COOPER

St. Louis Park & ​​# 8217s Cooper Theatre abrió el 8 de agosto de 1962, en 5755 Wayzata Blvd. Hubert Humphrey y su esposa fueron coanfitriones de la gran inauguración solo por invitación. Los fideicomisarios de la Cooper Foundation (ver Otros teatros, más abajo) organizaron una cena en el Hotel Radisson antes de la proyección de & # 8220 El maravilloso mundo de los hermanos Grimm & # 8221. George Pal, productor de la película de MGM, estuvo en la cena y la proyección de la película, que fue la primera película de Cinerama en contar una historia.

La instalación de $ 1 millón fue construida en 32 acres por Anderson-Cherne Construction. Tenía asientos de felpa (¿mohair?) Escalonados para 808 personas (146 de las cuales estaban en el entresuelo), y el lote tenía capacidad para 400 autos. los Minneapolis Daily Herald describió el teatro:

Un vestíbulo con paneles de nogal de 3,000 pies cuadrados está decorado con ladrillo negro con tela de tapicería agridulce (naranja quemado) y un techo de yeso acústico azul cielo. Una alfombra estampada con un fondo azul profundo se encuentra debajo de los pies. El fumar en el intermedio puede ser en un patio exterior especial, separado del vestíbulo por un vidrio del techo al piso. Tiene una chimenea exterior de ladrillo negro y una fuente iluminada. La mampostería de ladrillo negro romano forma la base del exterior del edificio circular, rematado por Monopanels prefabricados de color agridulce.

El teatro se mantuvo meticulosamente y, según se informa, el vestíbulo se volvió a pintar mensualmente. La pantalla fue la más grande jamás instalada: 35 pies de alto con una curva de 105 pies de ancho. El auditorio fue descrito por el Tribuna de las estrellas como un "círculo perfecto sin una pieza temblorosa de hardware". Un bromista dijo que estaba obsesionado por un trabajador que murió construyéndolo. Había plataformas para fumar a los lados. Las acomodadoras llevaban uniformes & # 8211 vestidos negros con perlas & # 8211 y disfraces especiales para películas especiales. Una antigua acomodadora recuerda haber usado faldas de aro para & # 8220 Lo que el viento se llevó. & # 8221 El teatro evitó las palomitas de maíz y el pop por chocolate suizo (Toblerone & # 8211 the & # 8220World & # 8217s Finest Chocolate Bars & # 8221) y jugo, servido durante el intermedio .

El teatro fue uno de los tres en el país que fueron equipados especialmente para Cinerama (vea la parte inferior de esta página para obtener información sobre los otros dos).

Cinerama no era nuevo en 1962, de hecho, tenía una década. Cinerama utilizó tres proyectores de películas sincronizados para hacer una imagen panorámica. & # 8220 This is Cinerama & # 8221 se estrenó el 30 de septiembre de 1952 en el Broadway Theatre de la ciudad de Nueva York. Se inauguró en abril de 1954 en el Century Theatre en 38 So. 7th Street cerca de Nicollet en el centro de Minneapolis, y fue el único teatro que lo mostró en Minnesota, Dakota, Iowa o Wisconsin. Según los informes, The Century fue solo el undécimo teatro del país en mostrar una película de Cinerama. La nueva pantalla tenía 72 por 28 pies. Un artículo del 19 de mayo de 1954, Park High Eco presentó un artículo titulado & # 8220Nueva invención de película que ahora se muestra en la ciudad. & # 8221 El artículo describió con precisión el proceso:

La imagen en sí se reproduce en una pantalla curva gigantesca, lo que le da al espectador una impresión de participación real en la escena que lo rodea.

& # 8220 This Is Cinerama, & # 8221, la única película lanzada hasta la fecha en este medio, es un diario de viaje. Comenzando con una montaña rusa giratoria, la escena cambia a una hermosa catedral, los canales de Venecia y los Everglades de Florida y # 8217, entre otros lugares, y culmina con una gira en avión por todo Estados Unidos.

Una controversia se ha desatado en Hollywood sobre producciones adicionales de Cinerama. La última decisión es seguir publicando fotografías de viajes.

& # 8220This is Cinerama & # 8221 cerró el 26 de julio de 1955, y una nueva película, Louis de Rochemont & # 8217s & # 8220Cinerama Holiday, & # 8221 hizo su debut en el Century. En 1963, se instaló 70 mm en el Century para la exhibición de & # 8220Cleopatra, & # 8221 que se presentó allí durante más de un año. Después de otra larga serie de & # 8220The Unsinkable Molly Brown & # 8221, el teatro se cerró en el otoño de 1964 y un incendio arrasó el edificio un par de semanas después. Fue demolido en febrero de 1965.

1963

HITOS DEL COOPER THEATRE

Una lista de todas las películas que interpretaron a Cooper, Cooper Cameo y Cooper 1 y 2 fue compilada por tres proyeccionistas que trabajaron con Cooper: Francis May, Joseph T. Lewis y Michael J. Varani. Fran May y Joe Lewis trabajaron en Cooper desde el primer día como parte del equipo original de Cinerama. Mike fue contratado cuando Fran May se jubiló en 1980. Joe Lewis trabajó con Mike a tiempo parcial hasta su jubilación en 1987. Mike recopiló todas las películas y cambios breves de equipo y propiedad desde 1980 hasta el cierre de 1991. Fran y Joe son responsables del contenido desde 1962 hasta septiembre de 1980.

Los siguientes son algunos hitos en la historia del teatro, tomados con permiso de la base de datos.

La primera película que se mostró fue & # 8220Wonderful World of the Brothers Grimm, & # 8221 el 9 de agosto de 1962. El anuncio en el periódico de Minneapolis tenía una lista de lugares en las ciudades periféricas donde se podían comprar boletos y un cupón que se podía enviar. para comprar boletos con anticipación. Cuando Cooper tocó Cinerama, fue un "boleto difícil", lo que significa que un cliente compró un boleto para un asiento específico.

& # 8220Cómo se ganó el oeste & # 8221 se mostró en 1963-64.

Imagen cortesía de Mike Varani

El estreno local de & # 8220Airport & # 8221 se llevó a cabo en el Cooper, alrededor del 5 de marzo de 1970. El evento fue una recaudación de fondos para la Asociación de Minnesota para Niños Retrasados, recaudando $ 30,000. Los Humphreys estuvieron presentes, al igual que las celebridades locales Johnny Canton y Nancy Nelson, quienes estaban en la película. Jacqueline Bisset también estaba allí, y algunos clientes llegaron en avionetas que aterrizaron justo en el terreno. Un avión estuvo en el terreno durante toda la película.

Proyección en el aeropuerto, 18 de marzo de 1970. Foto de William Seaman, Tribuna estrella de Minneapolis

El 25 de diciembre de 1975 se inauguró el Teatro Cameo. Este teatro más pequeño (300 asientos) se construyó sobre la estructura existente: la pantalla grande nunca se dividió.

En diciembre de 1978 se instaló una unidad Dolby CP 100.

El 19 de noviembre de 1979, el teatro fue adquirido por Plitt North Central Theatres.

En abril de 1982, se instalaron una nueva pantalla y una unidad estéreo Dolby CP 50.

El 12 de noviembre de 1982, se eliminó el nombre de Cameo y los cines se conocieron como Cooper 1 y 2.

El 7 de noviembre de 1985, el St. Louis Park Cooper Theatre fue el escenario del estreno de “That Was Then, This is Now, & # 8221, una película basada en un libro de S.E. Hinton y coprotagonizada por Emilio Estevez. EE no asistió.

El 22 de noviembre de 1985, Cineplex Odeon adquirió Plitt North Central Theatres.

El 22 y 23 de junio de 1987, Screen 1 se cerró para instalar Xenon y Platter.

Pero el mercado de Cinerama era limitado y aparecieron nuevas y mejores tecnologías. El teatro cayó en mal estado ya que los recibos no pudieron cubrir los costos de mantenimiento. Los propietarios ya no podían permitirse el lujo de operarlo, y sonó la sentencia de muerte. La apertura del complejo Willow Creek Odeon, a solo tres millas de distancia, no ayudó a la situación. Hubo un esfuerzo concertado pero fallido de muchos, incluida la arquitecta Gail S. Anderson, para salvarlo como un hito histórico nacional o estatal, pero la estructura aún no tenía 50 años. St. Louis Park no tenía ordenanzas similares, por lo que se hizo el teatro.

Las dos últimas películas, "Dances With Wolves" en la pantalla grande y & # 8220Godfather III & # 8221 en la pequeña, se proyectaron el 31 de enero de 1991. Un corresponsal que asistió a & # 8220Godfather III, & # 8221, que salió después de & # 8220Dances With Wolves, & # 8221 se terminó, dijo que al salir, ya estaban quitando candelabros y otras decoraciones, pero eso & # 8217s ha sido disputado.

La propiedad, ahora de solo 2,2 acres, fue arrasada en septiembre de 1992, en ese momento para hacer espacio para un restaurante Olive Garden propiedad de General Mills. Sin embargo, Olive Garden se instaló en otro lugar, y el sitio ahora es Stahl Construction.

Para un sitio web que al menos solía tener imágenes, visite www.cinematreasures.org/theater/930

Lost Twin Cities III tiene un segmento en el Cooper que tiene muchas fotos geniales del edificio, así como un video de su demolición. Visite su sitio web para ver una galería de fotos, algunas de Keeper-of-the-Flame Mike Varani.

Foto de David Przetycki

1977

1977

1987 Foto cortesía de Danny Amis

The Cooper in the Fall of 1990 & # 8211 foto cortesía de Rob Butler

OTROS TEATROS COOPER CINERAMA

Hubo otros dos teatros casi idénticos construidos aproximadamente al mismo tiempo, todos por la Fundación Cooper sin fines de lucro de Lincoln, Nebraska, una organización benéfica y educativa establecida en 1934 por Joseph H. Cooper, propietario de un teatro desde hace mucho tiempo y ex socio de Paramount. Imágenes. La Fundación apoya a organizaciones sin fines de lucro en Lincoln y el condado de Lancaster, Nebraska. La fundación una vez poseyó y operó 15 teatros en Colorado, Nebraska, Oklahoma y Missouri. Vendió sus intereses teatrales en 1975.

Los teatros fueron diseñados por el arquitecto Richard L. Crowther de Denver. Los planos originales de los teatros se encuentran en el Departamento de Colecciones Especiales de la Biblioteca Pública de Denver.

El primer Cooper Theatre se ubicó en 860 S. Colorado Blvd. en Denver. Se inauguró el 9 de marzo de 1961. Presentaba una pantalla de celosía de 146 grados (que medía 105 pies por 35 pies), 814 asientos, salones de cortesía a los lados del teatro para relajarse durante el intermedio (incluidas las instalaciones para fumadores) y un techo que conducía el aire y la calefacción a través de pequeñas ranuras de ventilación para inhibir el ruido del equipo de ventilación del edificio. Fue demolido en 1994 para dar paso a una librería Barnes & amp Noble.

El tercer cine Cinerama construido por Cooper, el Indian Hills Theatre, se inauguró en diciembre de 1962 en Omaha. Wikipedia informa:

El teatro de Indian Hills cerró el 28 de septiembre de 2000, como resultado de la quiebra de Carmike Cinemas, y la última película presentada fue el drama musical de rap, & # 8220Turn It Up. & # 8221 A pesar de una intensa campaña de base por conservacionistas locales, el apoyo de los actores de cine y la industria cinematográfica, incluidos Kirk Douglas, Charlton Heston, Janet Leigh, Ray Bradbury, el National Trust for Historic Preservation y la Sociedad Estadounidense de Cinematógrafos, el propietario, Nebraska Methodist Health Systems, Inc., fue Adelante con demolición el 20 de agosto de 2001, para dejar espacio disponible para un estacionamiento para sus oficinas de administración. (Irónicamente, el 8 de agosto, la Comisión de Preservación del Patrimonio Histórico de Omaha había votado por unanimidad para recomendar al Ayuntamiento de Omaha que Indian Hills fuera designado como Monumento Histórico de la Ciudad de Omaha. El edificio fue destruido de todos modos antes de que el consejo se reuniera para tomar medidas. ) La desaparición del teatro y los esfuerzos por preservar a otros en todo el país se relatan en el documental de Jim Fields & # 8217 & # 8220Preserve Me a Seat & # 8221.


Contenido

En 1863, el primer teniente John J. Dunbar es herido en una batalla en St. David's Field en Tennessee. Eligiendo la muerte en la batalla sobre la amputación de su pie, toma un caballo y cabalga hacia y a lo largo de las líneas confederadas. Las fuerzas confederadas disparan repetidamente contra él y fallan, y el Ejército de la Unión aprovecha la distracción para montar un ataque exitoso. Dunbar recibe una mención por valentía y atención médica que le permite mantener el pie. Posteriormente se le otorga Cisco, el caballo que lo llevó durante su intento de suicidio, y su elección de destino. Dunbar solicita un traslado a la frontera occidental, para que pueda verlo antes de que desaparezca.

Dunbar es trasladado a Fort Hays, un gran fuerte comandado por el mayor Fambrough, un oficial desquiciado que desprecia el entusiasmo de Dunbar. Acepta enviar a Dunbar al puesto de avanzada más lejano bajo su jurisdicción, Fort Sedgwick, y se suicida poco después. Dunbar viaja con Timmons, un aprovisionador de carretas de mulas. Llegan para encontrar el fuerte desierto. A pesar de la amenaza de las tribus nativas cercanas, Dunbar elige quedarse y ocupar el puesto él mismo.

Comienza a reconstruir y reabastecer el fuerte, y prefiere la soledad, anotando muchas de sus observaciones en su diario. Timmons es asesinado por Pawnee en el viaje de regreso a Fort Hays. Las muertes de Timmons y Fambrough impiden que otros soldados sepan de la asignación de Dunbar, y ningún otro soldado llega para reforzar el puesto.

Dunbar se encuentra con sus vecinos sioux cuando intentan robar su caballo e intimidarlo. Decidiendo que ser un objetivo es una mala perspectiva, decide buscar el campo Sioux e intentar dialogar. En su camino, se encuentra con Stands with a Fist, la hija adoptiva blanca del curandero de la tribu Kicking Bird, que se mutila ritualmente mientras llora por su esposo. Dunbar la lleva de regreso a los Sioux para que se recupere. Aunque la tribu es inicialmente hostil, algunos de los miembros pronto comienzan a respetarlo.

Eventualmente, Dunbar establece una relación con Kicking Bird, el guerrero Wind in His Hair y el joven Smiles a Lot, inicialmente visitando los campamentos de cada uno. La barrera del idioma los frustra, y Stands with a Fist actúa como intérprete, aunque con dificultad. Solo recuerda un poco de inglés de su primera infancia antes de que el resto de su familia fuera asesinado durante una redada de Pawnee.

Dunbar descubre que las historias que había escuchado sobre la tribu no eran ciertas, y desarrolla un creciente respeto y aprecio por su estilo de vida y cultura. Al aprender su idioma, los sioux lo aceptan como invitado de honor después de que les habla de una manada de búfalos migratorios y participa en la caza. Cuando en Fort Sedgwick, Dunbar se hace amigo de un lobo al que llama "Two Socks" por sus patas delanteras blancas. Al observar a Dunbar y Two Socks persiguiéndose, los sioux le dan el nombre de "Danza con lobos". Durante este tiempo, Dunbar también forja una relación romántica con Stands with a Fist y ayuda a defender la aldea de un ataque de la tribu rival Pawnee. Dunbar finalmente gana la aprobación de Kicking Bird para casarse con Stands with a Fist y abandona Fort Sedgwick.

Debido a la creciente amenaza de Pawnee y Estados Unidos, el Jefe Ten Bears decide trasladar a la tribu a su campamento de invierno. Dunbar decide acompañarlos, pero primero debe recuperar su diario de Fort Sedgwick, ya que se da cuenta de que proporcionaría al ejército los medios para encontrar a la tribu. Cuando llega, encuentra el fuerte ocupado nuevamente por el ejército de los EE. UU. Debido a su ropa sioux, los soldados abren fuego, matan a Cisco y capturan a Dunbar, arrestando a un traidor.

Dos oficiales lo interrogan, pero Dunbar no puede probar su historia, ya que un cabo ha encontrado su diario y se lo ha guardado. Habiéndose negado a servir como intérprete de las tribus, Dunbar es acusado de deserción y transportado al este como prisionero. Los soldados de la escolta disparan a Two Socks cuando el lobo intenta seguir a Dunbar, a pesar de los intentos de Dunbar de intervenir.

Finalmente, los sioux rastrean el convoy, matan a los soldados y liberan a Dunbar. Afirman que no lo ven como un hombre blanco, sino como un guerrero sioux llamado Dances with Wolves. En el campamento de invierno, Dunbar decide irse con Stands with a Fist porque su continua presencia pondría en peligro a la tribu. Cuando se van, Smiles a Lot devuelve el diario, que recuperó durante la liberación de Dunbar, y Wind in His Hair le grita a Dunbar, recordándole que es amigo de Dunbar, en contraste con su reunión original donde le gritó a Dunbar con hostilidad.

Se ven tropas estadounidenses buscando en las montañas, pero no pueden localizar a Dunbar ni a la tribu, mientras un lobo solitario aúlla en la distancia.

Epílogo Editar

Trece años después, sus casas destruidas, sus búfalos desaparecidos, la última banda de sioux libres se sometió a la autoridad blanca en Fort Robinson, Nebraska. La gran cultura de los caballos de las llanuras había desaparecido y la frontera estadounidense pronto pasaría a la historia.

    como el teniente John J. Dunbar / Danza with Wolves (Lakota: Šuŋgmánitu Tȟáŋka Ób Wačhí) como Stands with a Fist / Christine Gunther (Napépȟeča Nážiŋ Wiŋ) como Kicking Bird (Ziŋtká Nagwáka) como Wind in His Chief (Pȟehí Otȟá Otȟá Diez osos (Matȟó Wikčémna) como Black Shawl (Šiná Sápa Wiŋ) como Stone Becerro (Íŋyaŋ Ptehíŋčala) como Smiles a Lot (Iȟá S'a) como Otter (Ptáŋ)
  • Jason R. Lone Hill como Worm (Waglúla) como el teniente Elgin como Timmons
  • Tony Pierce como Spivey
  • Larry Joshua como Bauer como Edwards como Sargento Pepper como Mayor Fambrough como Pawnee más duro
  • Wayne Grace como el Mayor como Capitán Cargill (versión extendida)
  • Doris Leader Charge como Pretty Shield, esposa del Jefe Ten Bears
  • Donald Hotton como General Tide
  • Frank P. Costanza como Tucker
  • Annie Costner como Christine Gunther cuando era niña
  • Otakuye Conroy como la hija de Kicking Bird como Doctor (sin acreditar)

Originalmente escrito como un guión de especulación por Michael Blake, no se vendió a mediados de la década de 1980. Sin embargo, Kevin Costner había protagonizado la única película anterior de Blake, Caballeros de Stacy (1983), y animó a Blake a principios de 1986 a convertir el guión occidental en una novela para mejorar sus posibilidades de producción. La novela fue rechazada por numerosas editoriales, pero finalmente se publicó en rústica en 1988. Los derechos fueron comprados por Costner, con miras a dirigirla. [7]

Costner y su socio productor, Jim Wilson, tuvieron dificultades para recaudar dinero para la película. El proyecto fue rechazado por varios estudios debido a que el género occidental ya no era popular como lo era durante la década de 1980 tras la desastrosa taquilla de Puerta del cielo (1980), así como la extensión del guión. Después de que el proyecto languideciera tanto en Nelson Entertainment como en Island Pictures debido a razones presupuestarias, Costner y Wilson contrataron al productor Jake Eberts para administrar los derechos extranjeros en varios países para que Costner conservara los derechos de corte final. [8] Los dos luego hicieron un trato con Orion Pictures, en el que el estudio distribuiría la película en América del Norte. [8]

La producción real duró del 18 de julio al 23 de noviembre de 1989. La mayor parte de la película fue filmada en locaciones en Dakota del Sur, principalmente en ranchos privados cerca de Pierre y Rapid City, con algunas escenas filmadas en Wyoming. Las ubicaciones específicas incluyeron el Parque Nacional Badlands, Black Hills, el Área Silvestre de Sage Creek y el área del Río Belle Fourche. Las escenas de caza de bisontes se filmaron en el Triple U Buffalo Ranch en las afueras de Fort Pierre, Dakota del Sur, al igual que las escenas de Fort Sedgewick, y el set se construyó en la propiedad. [7]

Desafiando expectativas Bailando con lobos demostró ser instantáneamente popular, y finalmente obtuvo una gran aclamación de la crítica, ganando $ 184 millones en la taquilla de EE. UU. y $ 424 millones en total en todo el mundo. [9] A partir del 13 de julio de 2019 [actualización], la película tiene una calificación de aprobación del 83% en Rotten Tomatoes, según 76 reseñas, con una calificación promedio de 7.58 / 10. El consenso crítico del sitio web dice: "Una gran epopeya arrolladora con intenciones indiscutiblemente nobles y una cinematografía deslumbrante, pero cuyo centro, posiblemente, no es tan importante como debería ser". [10] Metacritic le dio a la película una puntuación de 72 sobre 100 basada en 20 reseñas críticas, lo que indica "reseñas generalmente favorables". [11] CinemaScore informó que el público le dio a la película una calificación poco común de "A +". [12]

Bailando con lobos fue nombrada una de las 10 mejores películas de 1990 por más de 115 críticos, y fue nombrada la mejor película del año por 19 críticos. [13] Solo Buenos amigos fue incluido en más listas en 1990. [ cita necesaria ]

Debido a la popularidad de la película y al impacto duradero en la imagen de los nativos americanos, la nación Sioux adoptó a Costner como miembro honorario. [14] En la ceremonia número 63 de los Premios de la Academia en 1991, Bailando con lobos obtuvo 12 nominaciones al Oscar y ganó siete, incluyendo Mejor Escritura, Guión Adaptado]] (Michael Blake]), Mejor Director (Costner) y Mejor Película. En 2007, la Biblioteca del Congreso seleccionó Bailando con lobos para su conservación en el Registro Nacional de Películas de los Estados Unidos. [15]

El activista y actor nativo americano Russell Means criticó la precisión técnica de la película. En 2009, dijo: "Recuerde Lawrence de Arabia? Ese fue Lawrence de las Llanuras. Lo extraño de hacer esa película es que tenían una mujer que enseñaba a los actores el idioma Lakota, pero Lakota tiene un lenguaje de género masculino y un lenguaje de género femenino. Algunos de los nativos y Kevin Costner hablaban en forma femenina. Cuando fui a verlo con un grupo de chicos Lakota, nos reímos. "[16] Otros nativos americanos, como Michael Smith (Sioux), el director del Festival anual de cine indio americano de San Francisco, dijo:" Hay muchos buenos sentimientos sobre la película en la comunidad nativa, especialmente entre las tribus. Creo que será muy difícil superar este "[17].

Algunas de las críticas se inspiraron en el hecho de que la pronunciación no es auténtica, ya que solo uno de los actores era un hablante nativo del idioma. Los diálogos en lengua nativa han sido elogiados como un logro notable. [18] Sin embargo, otros escritores han señalado que películas anteriores en idioma inglés, como esquimal (1933), Maestro del carro (1950) y El amanecer blanco (1974) también había incorporado el diálogo nativo. [19]

Reconocimientos Editar

Además de convertirse en la primera película occidental en ganar un Oscar a la Mejor Película desde 1931 Cimarron, [20] Bailando con lobos ganó varios premios adicionales, convirtiéndola en una de las películas más premiadas de 1990. [21]

Medios domésticos Editar

La película fue lanzada en video casero en los Estados Unidos en septiembre de 1991 y batió el récord de alquiler establecido por Fantasma, rentando 649.000 unidades. [22] Bailando con lobos fue lanzado en Blu-ray y DVD el 11 de enero de 2011, y fue relanzado en Blu-ray el 13 de enero de 2015 y nuevamente el 13 de noviembre de 2018. [23]

El Camino Santo, una secuela de la novela de Michael Blake, autor tanto de la novela original como del guión de la película, se publicó en 2001. [24] Se retoma 11 años después Bailando con lobos. John Dunbar todavía está casado con Stands with a Fist y tienen tres hijos. Stands with a Fist y uno de los niños es secuestrado por un grupo de White Rangers, y Dances with Wolves debe montar una misión de rescate. En 2007, Blake estaba escribiendo una adaptación cinematográfica. [25] Costner, quien se ha negado a hacer secuelas de cualquiera de sus películas, incluyendo Los Intocables, declaró que no participaría en esta producción. [26] Un tercer libro titulado El gran misterio fue planeado, pero Blake murió en 2015.

Judith A. Boughter escribió: "El problema con el enfoque de Costner es que todos los Sioux son heroicos, mientras que los Pawnees son retratados como villanos estereotipados. La mayoría de los relatos de las relaciones Sioux-Pawnee ven a los Pawnees, que en ese momento eran sólo 4.000, como víctimas. de los sioux más poderosos ". [27]

La historia y el contexto de Fort Hays es radicalmente diferente de lo que se retrata en la película. El histórico Fort Hays se fundó en 1867 y el emblemático fortín de piedra se construyó de inmediato. [28] Su predecesor, Fort Fletcher (1865-1868), fue abandonado solo por unos pocos meses y luego se trasladó solo a una corta distancia en 1866. [29] Fort Hays se fundó en territorio cheyenne en lugar de Sioux. En lugar de ser un sitio desolado, el fuerte albergó a miles de soldados, trabajadores ferroviarios y colonos desde el principio. El Kansas Pacific Railway y los asentamientos de Rome y Hays City se construyeron junto al fuerte en 1867, cada uno fue una violación percibida del territorio Cheyenne y Arapaho, lo que resultó en una guerra inmediata con los Dog Soldiers. [30] El fuerte fue la sede de Sheridan en el centro del conflicto de 1867-68. Un histórico pueblo tipi de Pawnee estacional se había ubicado a solo 9 millas (14 km) de Fort Hays, pero otras tribus dominantes habían excluido a los pawnee durante algún tiempo en la década de 1860. [31] [32]

El verdadero John Dunbar trabajó como misionero cristiano entre los pawnee en las décadas de 1830 y 1940, y se puso del lado de los nativos americanos en una disputa con los agricultores del gobierno y un agente indígena local. [33] No está claro si el nombre "John Dunbar" fue elegido como corolario de la figura histórica. [34]

El teniente ficticio John Dunbar de 1863 se muestra correctamente en la película con una barra de oro en las correas de los hombros de oficial, lo que indica su rango como primer teniente. De 1836 a 1872, el rango de primer teniente fue indicado por una barra de oro después de 1872, el rango fue indicado por una barra de plata. Del mismo modo, el capitán Cargill se representa correctamente con un par de barras de oro, lo que indica el rango de capitán en ese momento. [35]

En una entrevista, el autor y guionista Michael Blake dijo que Stands with a Fist, la mujer cautiva blanca que se casa con Dunbar, en realidad se basó en la historia de Cynthia Ann Parker, la niña blanca capturada por Comanches y madre de Quanah Parker. [36]

Un año después del estreno en cines original de Bailando con lobos, una versión de cuatro horas de la película que se estrenó en cines selectos de Londres. Este corte más largo se tituló Danza con lobos: la edición especial, y restauró casi una hora de escenas que se habían eliminado para mantener el tiempo de ejecución de la película original por debajo de las 3 horas. [37] En una carta a los críticos de cine británicos, Kevin Costner y el productor Jim Wilson abordaron sus razones para presentar una versión más larga de la película:

¿Por qué agregar otra hora a una película que, según la mayoría de los estándares, empuja el límite de tiempo de la realización de películas convencionales? Los 52 minutos adicionales que representan esta "nueva" versión fueron difíciles de cortar en primer lugar, y. la oportunidad de presentarlos al público es convincente. Hemos recibido innumerables cartas de personas de todo el mundo preguntando cuándo o si se haría una secuela, por lo que parecía un paso lógico mejorar nuestra película con imágenes existentes. hacer una versión extendida no implica de ninguna manera que el original Bailando con lobos estaba inacabado o incompleto, crea una oportunidad para aquellos que se enamoraron de los personajes y el espectáculo de la película para experimentar más de ambos. [38]

La génesis de la versión de 4 horas de la película se explicó con más detalle en un artículo para Semanal de entretenimiento que apareció 10 meses después del estreno de la película original. "Si bien la pantalla chica ha llegado a servir como una segunda oportunidad para los cineastas que parecen no poder dejar ir a sus bebés, Kevin Costner y su socio productor, Jim Wilson, esperan que su versión recién terminada llegue primero a las pantallas de los cines".

"Pasé siete meses trabajando en ello", dice Wilson sobre la expansión Lobos. Se apresura a defender la versión ganadora del Oscar como "la mejor imagen que teníamos en ese momento", pero Wilson también dice que está "extasiado" por el recorte. "Es una imagen completamente nueva", insiste. "Ahora hay más una relación entre Kevin y Stands with a Fist, más con el lobo, más con los indios, cosas que son parte integral de la historia". Por supuesto, es posible que los expositores no quieran una versión más larga de una película que ya se ha visto ampliamente, pero Wilson sigue siendo optimista. "No creo que sea ahora", reconoce, "pero idealmente, hay un punto en el que saldría con un intermedio, reservado en los mejores lugares de Estados Unidos". [39]

Costner afirmó más tarde que no trabajó en la creación del corte de 4 horas en absoluto. [40]


Crítica de la película: & # 8216Dances With Wolves & # 8217

En su debut como director, Kevin Costner aporta un raro grado de gracia y sentimiento a esta historia elegíaca de una aventura de descubrimiento de un héroe entre los indios sioux en las prístinas llanuras de Dakota de la década de 1860. A pesar de su duración de tres horas, la foto tiene muchas posibilidades de ser un éxito de boca en boca y una de las fotos más populares de la temporada.

Costner interpreta al teniente John Dunbar, un oficial de la Unión en la Guerra Civil invitado a elegir su propio puesto después de un acto de heroísmo. Opting for the farthest reaches of the frontier because he “Wants to see it before it disappears,” he transplants himself from a weary and cynical war culture to the windswept clarity of the Dakota plains.

Arriving at the remote outpost assigned him by an insane major (Maury Chaykin), Dunbar finds it deserted and, to the disbelief of his wagon driver (Robert Pastorelli), opts to unload his provisions and stay.

His only company as he passes the days are his horse, a gangling wolf who keeps a nervous distance, and, finally, a Sioux Indian who tries to steal the horse and is frightened off by Dunbar.

Because whites and Indians automatically killed each other upon meeting, each party lived in ignorance of the other. Dunbar’s virtue is that he resists violence, putting himself at risk with the Sioux until they trust him and accept him.

Popular on Variety

Dunbar keeps a journal, hoping to create “a trail for others to follow.” He discovers a culture so deeply refreshing to his spirit, compared with the detritus he’s left behind, that, by the time the U.S. Army bothers to look for him, he has become a Sioux and his name is Dances With Wolves.

Of course, the Union soldiers completely misunderstand his purposes, giving pic the tragic cast this saga historically deserves.

Script by Michael Blake portrays the Sioux culture with appreciation, establishing within it characters of winning individuality and humor. Design team accents the diverse beauty of the actors (all Native Americans) with striking combinations of paint, feathers and deerskin in costuming.

Unfortunately, the script seems to have run out of understanding by the time the Union soldiers arrive to do a job on the “traitor” Dunbar, and portrayal of this loutish and brutal mob, who refuse so much as to hear him out, is pic’s weakest and most manipulative passage.

Still, it makes effective drama and, if interpreted metaphorically, the scene conveys the spirit of rape and plunder that had vanquished the Sioux culture within a mere 13 years of this story’s unfolding, according to the screen epilogue.

Lensed on location in South Dakota over 17 weeks, pic is infused with the natural grandeur of the plains and sky, captured in all their variance by cinematographer Dean Semler.

Score by John Barry makes a major contribution, varying from the elegiac tone of the main theme to the spirited adventure of classic Westerns, to the heart-racing primal rhythms of the buffalo and scalp dances.

Costner’s directing style is fresh and assured. A sense of surprise and humor accompany Dunbar’s adventures at every turn, twisting the narrative gently this way and that and making the journey a real pleasure.

Perhaps he is a bit precious with himself as star. One wonders how many times he’s going to tip over backward in mock defeat to show us he’s a playful guy, or how much masochism he’ll indulge in when Dunbar is imperiled.

But making up for it are scenes of mystical power and beauty, such as Dunbar’s first earth-shaking nighttime encounter with the buffalo as they hurtle past him through the fog.

Contrasting the gentle Sioux with the savage and aggressive Pawnee who made war on them, pic lends a sense of history to their ultimate vanquishment.

Project, first from Costner and co-producer Jim Wilson’s Tig Prods., reps a teaming of three longtime friends — Costner, Wilson and writer Blake, who first collaborated in 1981 on “Stacy’s Knights,” Costner’s first starring pic.

From its three-hour length, which amazingly does not become tiresome, to its bold use of subtitled Lakota language (the Sioux tongue) for at least a third of the dialogue, it’s clear the filmmakers were proceeding without regard for the rules. Their audacity in doing so, because they knew what they had, is as inspiring as the film itself.

Mary McDonnell (“Matewan”) is impressive as Stands With A Fist, an emotionally traumatized white woman adopted by the Sioux who helps Dunbar communicate with them. Her perf is particularly notable for the technical accomplishment of her tremulous, flat-sounding delivery of English, a language she hasn’t heard since early childhood.

Native American actors Graham Greene (as the holy man Kicking Bird) and Rodney Grant (as the warrior Wind In His Hair) give vivid, transfixing performances, bringing much spirit and skill to Orion’s early entry in the Christmas derby.


Bernstein recounts the segregated Atlanta premiere of 'Gone With the Wind'

On Dec. 15, 1939, "Gone With the Wind" premiered in Atlanta at Loew's Grand Theater. It was one of the most momentous occasions in Atlanta history — a star-studded gala with Vivien Leigh, Clark Cable and Olivia de Havilland. But there were some key players missing from the premiere, including Hattie McDaniel, who played Mammy (the first African-American actor to win an Oscar), and Butterfly McQueen, who played Prissy.

Matthew Bernstein, professor and chair of film and media studies at Emory, will discuss how the premiere's segregated Southern location lead to fretful, fearful and complex negotiations between Hollywood companies and city leaders in his lecture " 'Selznick's March': 'The Gone with the Wind' Premiere in Atlanta" on Dec. 1 at 7:30 p.m. in White Hall 205.

Just in time for the film's 75 th anniversary, Bernstein's lecture will provide a detailed exploration, from Hollywood's point of view, of the difficulties involved in mounting this unprecedented extravaganza in a segregated Southern city.

Emory will also host a free screening of the film on Saturday, Dec. 6, at 1 p.m. in White Hall, room 208.

Below are portions of an interview with Matthew Bernstein about the premiere written by Alicia Dietrich for the Harry Ransom Center at the University of Texas at Austin earlier this year.

December marks the 75th anniversary of the premiere of "Gone With the Wind" in Atlanta. Why, all these years later, does this film evoke such a strong response from audiences?

The hold "Gone With the Wind" has over certain audiences is extraordinary. I've known people who moved to Atlanta because of it, and I know people here in Atlanta take great offense if one mounts any criticism of it. There are many reasons for it.

Some are obvious: its landmark status as an Academy Award winner and one of the highest grossing films, adjusted for inflation, in Hollywood history. There is its technical achievement as an extremely well made and spectacular film in one of Hollywood's strongest years — it's simply a great pleasure to watch. There are the terrific casting and performances by the leads and the secondary cast.

But the film has such a hold over audiences for other reasons as well. The film's ambivalent treatment of Scarlett is one — she is a modern, brash woman in a genteel society who flouts convention to get what she wants however she can, with little introspection. The film admires her energy and drive, but simultaneously mocks her selfishness, her pettiness and her pretensions, largely through Rhett Butler's witty and clear-eyed deflation of her airs. She's a classic melodramatic heroine, one who makes so many mistakes in her life and loves and ultimately comes to realize the opportunities she has missed.

Its deepest appeal, I believe, resides in its portrayal of the tremendous loss and suffering Scarlett endures — the film was a source of inspiration to women struggling through the Great Depression and then World War II across the globe. That portrait endures, even as it is woven into the less-than-progressive racial politics typical of the plantation genre of the 1930s (an area where we should note the film is less offensive than Margaret Mitchell's novel).

You spent some time in the Ransom Center's David O. Selznick archive researching the premiere in Atlanta. What surprises did you find?

The Ransom Center has always been one of my favorite places to undertake research. The Selznick collection is exceptional, and I found many surprises. One might have predicted the amount of work and energy that went into staging the premiere, but it was still extraordinary to see the details that had to be attended to. Selznick let his staff plan away, swooping in only at the end to question and in some cases criticize their work. Another big surprise was a letter I found from one Robert Willis, a member of a theater club on one of Atlanta's black college campuses this student invited the Selznick group to visit the black side of the city. No one to my knowledge had discussed this aspect of the premiere. I had read Selznick's last-minute memos about giving Hattie McDaniel a page in the souvenir program for the premiere, but never knew what inspired that. Overall, the most delightful surprise to me was to see the extent to which Margaret Mitchell had Selznick wrapped around her finger. The dynamic there is extremely amusing.

Selznick and his staff worked for months to plan and execute the premiere in Atlanta. Can you talk about why expectations were so high for the film in Atlanta?

As I mentioned, Selznick was not really involved in the plans. He was far too busy attending to the manifold details involved in "Lo que el viento se llevó's" post-production so that the film would be finished in time for the Atlanta premiere. He delegated the overwhelming majority of the work to his story editor, Kay Brown, who worked with Atlantans as well as the MGM distribution executives in charge of the premiere. Selznick fretted on the sidelines, gave Brown some ideas, but his attention was elsewhere until late November.

As for high expectations, in the 1930s, the white citizens of Atlanta craved attention and validation, partly because of the city's destruction during the Civil War, and partly because of its boosterism. It was a growing city that loomed large regionally, but not nationally. To have one of its residents write a Pulitzer Prize-winning international bestseller stirred a wave of civic pride. Atlanta also loved the movies as much as any city in the 1930s, but not many films were set in Georgia. So Georgians were thrilled at the prospect of seeing an epic production that was sympathetic to the state's ordeal during the Civil War and afterwards. Southerners in general felt Hollywood never represented them fairly — here was a film that promised to do so. Add to that the idea that Clark Gable and Vivien Leigh would be on the streets of the city for the premiere and you can see why white Atlantans — officials, business leaders, civic leaders and ordinary citizens — went crazy over this. White Atlantans, that is. Black Atlanta likewise gloried in the presence of the stars, but some leaders questioned the hoopla and the film itself.

There were controversies over race with the premiere in Atlanta, as producers deemed it unsafe for Hattie McDaniel to attend the event and African American audiences were largely excluded from festivities taking place around the city. Can you talk about how Selznick and his staff approached these issues? 

The Loews' Grand where the premiere took place did not have segregated seating. Black Atlantans waited four months until April to see it in a "colored" theater. Selznick recognized that his film could invite strong attendance among African Americans, and even thought that if black cast members came to Atlanta, they could help promote the film in black neighborhoods.  Kay Brown, like the MGM distribution and advertising executives who planned the premiere, relied heavily on certain Atlantans for advice on many issues, including this one. The "Hollywoodians" knew they were way out of their depth on the "delicate" issue of race relations in the South. Most simply, they followed the advice the Atlantans gave them, which was not to include Hattie McDaniel in the festivities or the souvenir book. Regarding the latter, the rationale was that McDaniel's photo in the program might give some malcontent a basis for criticism of the film and the premiere, something they wanted to avoid. Besides, as guests of the city, the Hollywood folks thought they should follow their hosts' suggestions. Kay Brown put it well: "…while it was unfortunate to exclude Mammy, it was the wisest policy."  They made an unsurprising choice in 1939.


ARTÍCULOS RELACIONADOS

He soon found work in the television productions of Lakota Moon and Miracle in the Wilderness.

Credits: The Native American actor had supporting roles in the movies Dancing Fargo and Last of the Dogmen

After a few more stints on the small screen as well as some commercials, Reeves landed parts in the films Twins and The Doors.

Later he appeared in the movie Dances With Wolves and the 2005 version of The Longest Yard.

His television credits also included Walker, Texas Ranger, Jag and Bones.

Beginnings: Reevis was a member of the Blackfeet Tribe and born in Browning, Montana to Lloyd and Lila Reevis (pictured in Fargo)

First Americans in the Arts honored Reeves with an award for his supporting roles in both Fargo and the TV movie Crazy Horse in 1996.

Reevis is survived by his wife, Macile, and four children - sons Joseph, Kyiyo, Pikuni and his daughter Taywanee.

Foster says funeral arrangements are pending.

Warrior: He also appeared in the movies Dances With Wolves and the 2005 version of The Longest Yard


Studios bypass cinemas with lucrative lockdown premieres

A n animated musical extravaganza about a group of pop-loving trolls may turn out to be the most important film in recent Hollywood history. Trolls World Tour, which has become a lockdown hit, notching up digital sales of $100m (£80m) in three weeks, has become the focal point of a battle that could forever change moviegoing habits in the Netflix era.

With cinemas closed, Hollywood studios are challenging the sacrosanct tradition that multiplexes air films first for up to three months, before their release on other platforms such as pay-TV, DVD and streaming. Instead, they are pushing new films straight to fans at home.

Universal Pictures has been the most aggressive of the Hollywood studios with its strategy for Trolls World Tour. The film had been due for a global cinema release on 10 April, but instead became the most high-profile movie to be made available solely on digital services such as Amazon’s Prime Video at £15.99 ($19.99).

Universal gets a greater cut of revenue from digital services than at the box office, which means the film has made the same amount of profit in its first three weeks as the first Trolls film did during its entire five-month run in US cinemas.

Emboldened by its success, last week the company indicated that it would collapse the cinema release window by releasing films digitally at the same time. “As soon as theatres reopen, we expect to release movies on both formats,” said Jeff Shell, the chief executive of parent company NBCUniversal.

Those comments immediately prompted the world’s two biggest cinema operators – AMC, which owns the Odeon chain in the UK, and Cineworld – to issue a global ban on screenings of all films from the maker of the Fast & Furious y Jurassic World franchises when business restarts. The operators accused Universal of “breaking the business model” that has underpinned the Hollywood movie system for generations.

“Universal has cast the first stone,” said Jeff Bock, an analyst at research firm Exhibitor Relations. “This is exactly what the theatrical exhibition world had always feared – proof that bypassing theatres could be a viable model of distribution for studios. Like it or not, the floodgates have opened. This is just the beginning, and the longer it takes for theatres to open on a worldwide scale, we’re going to see the PVOD [premium video on demand] schedule become more and more populated.”

That schedule is now filling up. Universal announced last week that Judd Apatow’s new comedy The King of Staten Island would scrap its planned cinema release on 19 June and premiere on-demand instead. And Warner Bros is doing the same with Scoob!, the first full-length animated Scooby-Doo film, which was meant to hit cinemas on 15 May.

Lockdown hit Trolls World Tour has notched up sales of £80m since its direct-to-digital release for Universal. Photograph: Photo Credit: DreamWorks Animation LLC/AP

However, when it comes to true blockbusters, Hollywood studios, including Universal, are so far choosing to keep them in cinemas and reschedule their releases. The straight-to-digital strategy is only considered to be viable for mid- and lower-budget films forecast to earn at most a few hundred million at the global box office. El primero Trolls film made $346m worldwide.

Disney’s Mulan y Viuda negra, the James Bond film No Time To Die, Warner Bros’s Mujer maravilla 1984 and Universal’s Minions sequel – all potential $1bn-plus hits – are just some of the titles that have been shifted to later this year with a cinema release still firmly in mind.

Global box-office revenues hit an all-time record of $42bn last year, dominated by blockbusters including Vengadores Juego Final. Theatrical release represents a huge slice of income that is difficult for studios to ignore. When a film’s big-screen run is finished, there is a second wave of income from digital and on-demand services this double-window revenue stream would disappear if multiplexes were taken out of the equation.

“Studios are not releasing ‘tier one’ titles on PVOD,” said Richard Broughton, analyst at research firm Ampere. “It’s unlikely that PVOD will be able to replace theatrical revenues for these titles. PVOD releases would also likely cannibalise secondary windows. If you rent a film for £15.99, you’re not then going to rent it again for £5.99 a few months later. But you might do that if you had seen it at the cinema first.”

Scarlett Johansson, star of Black Widow big blockbusters are likely still to premiere in cinemas. Photograph: AP

There are also other issues making a total shift away from cinemas unlikely, for now at least. China, for example, along with many developing countries, has a tiny digital-video rental market, which would severely limit income from direct digital releases, whereas it boasts the world’s second-biggest cinema box office market, at $9bn a year.

And with PVOD releases such as Trolls priced at $19.99, it is unlikely that the strategy will work outside high-income markets such as the US and the UK.

However, coronavirus has sideswiped cinema chains, which means direct-to-digital successes such as Trolls give studios more leverage. "Trolls is operating under optimal conditions – lockdown, kids at home and limited competing media,” says Broughton. “Having said this, the success of Trolls does offer studios leverage with cinema owners for a greater share of box office income for secondary titles. The option of the PVOD window improves their positioning.”

Unless Covid-19 causes longer-term closures or serious attendance issues in cinemas, the chains remain confident they will return to the top of the pecking order for film releases.

“These circumstances will not persist and should not be taken by anyone as a sign of lasting change,” said Phil Clapp, chief executive of the UK Cinema Association, the national trade body for cinema operators.

“We are absolutely confident that when cinemas are able to reopen safely, the public will once again respond to the unsurpassable big-screen experience. After people have been required to spend weeks and sometimes months in lockdown, it seems unlikely, to say the least, that the first response of many will be ‘let’s stay in and watch a film.’”

But if audiences do decide to bypass cinemas and stay in, Hollywood studios will have to follow them.


Ver el vídeo: revenge 3 kevin costner and madelein stowe (Diciembre 2021).